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versión y dirección XAVIER ALBERTÍ
dramaturgia ALBERT ARRIBAS
interpretación JONÁS ALONSO, MIQUEL ÁNGEL AMOR, CRISTINA ARIAS, MIKEL AROSTEGUI, RAFA CASTEJÓN, ALBA ENRÍQUEZ, LARA GRUBE, ÁLVARO DE JUAN, ARTURO QUEREJETA, ISABEL RODÉS, DAVID SOTO GIGANTO y JORGE VARANDELA.
duración 120 aprox.
producción COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO y GREC FESTIVAL DE BARCELONA 2022
TEATRE GREC


El verso es un arma de múltiples filos, y aunque quien dirige la batuta lo domina muy bien, en este caso no ha sonado tan bien como debería. Y aunque, como podría suponerse habitual, no es un problema de pronunciación, porque la Compañía Nacional de Teatro Clásico es una experta en estas lindes. Sino creo que el ritmo le juega a la contra. Le falta rueda, eso de venir a estrenar a Barcelona directamente de la sala de ensayo a un montaje de estas características es cuanto menos peligroso.

Por otra parte, la adaptación del clásico de Xavier Albertí se queda a medio camino. No ya sólo por el verso, que quizás sea labor imposible reducirlo. También algún que otro toque machista que hoy resuena demasiado antiguo, y que si se quería acercar el clásico Don Juan a los tiempos actuales, que el honor siga residiendo en el sexo o que desposarse o no dependa de una figura masculina es sin duda más que chocante.

A nivel de interpretación ganan los personajes secundarios que han sabido hacerse con el verso y jugar con él. Mikel Arostegui ha dibujado un Don Juan al que le falta sangre, fuerza, garra, como si fuera suficiente pasearse por el escenario solamente para exhibirse. Para fuerza la que desprende el monólogo de Isabel Rodés, seguramente la mejor de un reparto desafortunadamente bastante irregular.

La puesta en escena es marca de la casa Max Graenzel, con una estructura giratoria que sirve como centro de toda la acción. La falta de definición también se nota en la iluminación de Juan Gómez-Cornejo, que desaprovecha el espacio y la montaña se queda a oscuras con demasiada facilidad.

Una inesperada lluvia nos sacó por un momento del ensimismamiento en el que nos había sumido el calor de la excesivamente larga noche. Para clásico, la vuelta a casa, aunque ese argumento mejor lo dejamos para otro día.

EL BURLADOR DE SEVILLA

by on 13:11
  versión y dirección XAVIER ALBERTÍ dramaturgia ALBERT ARRIBAS interpretación JONÁS ALONSO, MIQUEL ÁNGEL AMOR, CRISTINA ARIAS, MIKEL AROSTE...

dirección DARCY GRANT
equipo creativo JACOB RANDELL, JASCHA BOYCE, LACHLAN BINNS, MIEKE LIZOTTE, LEWIE WEST, MARTIN SCHREIBER, JOANNE CURRY, LACHLAN HARPER, LEWIS RANKIN, JACKSON MANSON
interpretación JACOB RANDELL, JASCHA BOYCE, LACHLAN BINNS, ALYSSA MOORE, JORDAN HART, RACHAEL BOYD, JOREN DAWSON, LACHLAN HARPER, LEWIS RANKIN, JACKSON MANSON
composición e interpretación musical SHENTON GREGORY y ELLIOT ZOERNER
duración 80min
fotografias CARNIVAL CINEMA
producción GRAVITY & ORTHER MYTHS
AMFITEATRE GREC (GREC 2019)

No hay un espacio mejor para ver espectáculos de circo de gran formato que el anfiteatro del Grec, la inmensidad de la montaña otorga a esta disciplina un resultado de pura magia.  A la compañía australiana Gravity & Other Miths le sienta como un guante. Todas las ediciones del Grec hemos tenido la oportunidad de ver compañías de circo extranjeras, pero nadie, hasta el momneto, había conseguido iluminar el escenario del Grec con la misma fuerza.

Backbone (columna vertebral) tiene como tema central la fuerza y en ella basan todos sus números. Un virtuosismo que no estamos acostumbrados a ver con un ritmo vertiginoso que pone los pelos de punta en cada nueva y espectacular exhibición. Sus componentes, tanto masculinos como femeninos, deben estar fabricados de otra pasta, a tenor de su demostración en el escenario.



Pero Backbone no se queda solamente en un seguido de piruetas encadenadas sino que además dejar boquiabierto al público, le saca una sonrisa. Momentos como el de la armadura de caballero les hacen meterse al público en el bolsillo, aunque algunos ya nos hubieran ganado desde el principio. Bajo una música con tintes del desierto e interpretada en directo superan los límites del espacio, aquella que distancia que para un simple mortal sería imposible de superar y que para ellos sólo supone un simple paso más.

Uno de los elementos más característicos del espectáculo, y que no estamos tan acostumbrados a ver de manera tan cuidada en un montaje de circo, es la iluminación, que juntamente con la escenografía (toda la artillería de artilugios que nunca diríamos que servirían para hacer circo) viene de la mano de Geoff Cobham. Una espectacularidad lumínica que deslumbra tanto o más que las mil y una piruetas y que no sólo las acompaña, sino que en algunos casos ejerce un papel muy destacado en las piezas.



La noche (de momento esperemos que pronto podamos conjugar en plural) de circo en el anfiteatro del Grec es una cita imprescindible dentro del festival y esperemos que Australia este a un paso, para que Gravity & Other Miths vuelva a cruzar pronto el globo con destino Montjuïc. ¡Nos lo hemos pasado pipa!

BACKBONE

by on 19:18
dirección DARCY GRANT equipo creativo JACOB RANDELL, JASCHA BOYCE, LACHLAN BINNS, MIEKE LIZOTTE, LEWIE WEST, MARTIN SCHREIBER, JOANNE ...

versión JERONI RUBIÓ RODON
dirección y espacio ORIOL BROGGI
intérpretes MARCIA CISTERÓ, TONI GOMILA, SERGI TORRECILLA, DAVID VERT, ERNEST VILLEGAS, MARTA MARCO, CLARA SEGURA, LLUÍS SOLER y RAMON VILA.
y con la participación de CARLES ALGUÉ, MARC ARTIGAU, GINA BARBETA, ANNA CASTELLS, BABOU CHAM, CLARA DE RAMON, JORDI FIGUERAS, LÍDIA FIGUERAS, JOAN GARRIGA, MARISSA JOSA, ANNA JUNCADELLA, DANI KLAMBURG, ÒSCAR MUÑOZ, MARC RIUS, PAU ROCA, MARIÀ ROCH, XAVI RUANO, ENRIC SERRA, MARC SERRA, MONTSE VELLVEHÍ y UN CAVALL
interpretacóin musical YANNIS PAPAIOANNOU
duración 1h 55min
fotografías BITO CELLS
producción GREC 2018 FESTIVAL GREC DE BARCELONA y LA PERLA 29
AMFITEATRE GREC (GREC 2018)

De todos es sabido que el espectáculo inaugural o si lo prefieres la noche de la inauguración lo de menos es lo que se puede ve encima del escenario y lo que importa es quién pisa los jardines del Grec pre y post función. Es triste pero vivimos en la era del postureo y no puede ser que desaprovechemos la mínima ocasión para demostrar las habilidades.

Y la profecía se cumplió al milímetro, de teatro poco, de sopor todo. El encargado de "amenizar" la velada es Oriol Broggi que volvió a demostrar que lo que funciona en la Biblioteca tiene que funcionar en todas partes, pero no. Puso toda la arena en el asador y le quedó un espectáculo medley de canciones veraniegas sin sustancia



Si bien es cierto que el teatro de Broggi siempre es el mismo, arena mediante, pocas veces le hemos visto salirse del guión. Le funciona y eso debe bastar para evitarse riesgos (innecesarios), pero los espectadores que nos gusta que nos sorprendan, ayer ni las estrellas fueron suficientes para evitar el aburrimiento.

Media hora más de lo que esperábamos de espectáculo más el esperado retraso de cualquier noche de estreno no nos hacia aumentar las expectativas sino todo lo contrario. Antes de que llegara el ecuador del montaje sabíamos perfectamente a qué se había debido este alargamiento, la pulsión del mismo en cuanto a palabras y a movimiento se había realentizado tanto que parecía que alguien hubiera pulsado el botón de cámara lenta. Inexplicable.



Realmente el texto encaja perfectamente en la atmósfera del anfiteatro griego. El poema de Guilgamesh está considerado como una de las ficciones más antiguas y uno de los primeros textos escritos que se conservan. El tema principal sigue siendo totalmente actual: la muerte y cómo el ser humano se enfrenta a ella. Más allá de la construcción de los dioses, de las leyendas, la dramaturgia nos sumerge totalmente en cómo asumir la pérdida de un ser estimado.



La arena vuelve a ser protagonista, y no sólo por ocupar el escenario sino porque en medio del tedio en el que el montaje había sumido a buena parte de la platea, vuelve a resurgir tomando protagonismo y cubriendo de polvo a las primeras filas, espectadores incluidos. No creo que haya sido un cambio en el viento, sino más bien un error de cálculo, para una escena bonita pero sin más.



Una de las características más significativas de los montajes de La Perla 29 son sus intérpretes estrella o fetiche. Y aunque esta vez el reparto no lo encabezaba Clara Segura sí que aparecía entre sus intérpretes, pero tanto ella como buena parte del elenco está más bien desaprovechado

Si bien es cierto que las líneas de Clara Segura y Marta Marco le dan otro aire al montaje e incluso la aparición de Lluís Soler en la recta final podría augurar una redirección, pero se queda más en posible que en factible. Pero antes del acabo final, la aparición del caballo, tres vueltas al escenario y si te he visto no me acuerdo. Pues eso.

Font: Jordi Bordes (elpuntavui.com)

Per la incertesa hi deu navegar la veritat. El segle XXI ha rebutjat les raons absolutes i, bona mostra d'això, són dos títols que coincideixen aquest vespre al Festival Grec. Per una banda, el coreògraf israelià, resident al Regne Unit, relativitza l'escalf del sol a Sun (9 i 10 de juliol al Teatre Grec). També Pau Carrió presenta una dramatúrgia titulada Victòria d'Enric V, en la qual també integra la mirada que Shakespeare va projectar sobre el personatge a Enric IV. L'obra es podrà veure només del 9 a l'11 de juliol al Lliure de Gràcia i obrirà la temporada amb una explotació de l'1 al 26 d'octubre.
Carrió compta amb els actors de la Kompanyia Lliure (Laura Aubert, Javier Beltrán, Paula Blanco, Pol López, Mima Riera i David Verdaguer) completat amb Pep Ambrós, Albert Prat, Maria Rodríguez, el propi director que fa de narrador i el bateria dels Manel, Arnau Vallvé. El director pretén qüestionar el pes de la victòria: la necessitat de ser competitius implica un guanyador i molts perdedors. Fins i tot la mateixa victòria no és tan satisfactòria com sembla. I ho exemplifica amb el to pensatiu d'un personatge que canta “Mai hem tornat més feliços a Anglaterra”.
Efectivament, el triomf d'Enric V era impensable. Perquè, fins que el van coronar no es va interessar gens pels afers d'estat. I perquè heretava un país ben pobre i que va abocar a un litigi amb França. Pol López és aquest rei que, per una banda pot imprimir l'ambient distès de festa (durant el regnat d'Enric IV) i “que pot fer por” quan agafa el poder. Carrió i López ja van protagonitzar un monòleg preciós, Ivan i els gossos (Lliure, 2011). La posada en escena se centra en la paraula, la música i moviment (puntual). Situar l'acció al Lliure de Gràcia remet als condicionants de The globe en què tot l'escenari s'havia d'imaginar i que la proximitat dels actors és a tocar. Per Carrió, en Shakespeare “trobo les preguntes que busco, a diferència de la Bíblia”.
Hofesh Shechter presenta Sun, una peça estrenada fa sis mesos. S'ha estalviat el fons d'escenari perquè ja troba la bellesa en la pedrera que tanca l'amfiteatre. A Sun evoca una visió molt bonica però que l'espectador trobarà la cara incòmoda, que anirà sortint a la superfície. El propi Schechter pronuncia les veus en off en català. De fet, Sun evoca un colonialisme (històric o actual) triomfant, amb una música “celebratòria” i escrita pel mateix coreògraf i músic, i també amb una invitació a Wagner.
També crític amb el poder és l'incorruptible Iago Pericot. Ell ha ideat una guillotina, que es troba al vestíbul del Mercat de les Flors fins al 12 de juliol. En aquest aparell es podrà tallar el cap de tot allò que es voldria eliminar. Siguin personals o impersonals. En realitat, no hi ha cap mena de violència i sí, en canvi, un notable valor catàrtic. L'experiència també permet descarregar-se l'aplicació de l'espectacle, pels propietaris d'un Smartphone. L'aforament és limitat i lexperiència dura només 15 minuts.Ja Xicu Masó i Carles Martínezx van fer servir un joc similar a Els folls de Shakespeare (Temporada Alta, 2013) incitant el públic a què digués espontàniament tot allò qiue caldria extirpar.
Olivan i Maqoma
Per últim, cal sumar a les estrenes d'avui la coreografia de retrobament de Roberto Olivan (Premi Nacional de Cultura 2014) i Gregory Maqoma: Lonely together. tots dos es van conèixer a Brussel·les estudiant amb Anna Teresa de Keersmaeker. Quinze anys després es retroben i, sense les respectives companyies, decideixen investigar els punts en comú d'uns ballarins del sud que han sabut implicar-se amb les seves comunitats (Olivan signant el Deltebre dansa) i Maqoma implicant-se en la comunitat de dansa de Johannesburg. A la coreografia se subratllen també les diferències amb un llenguatge molt físic i música en directe.

TEXTO: MARGUERITE YOURCENAR
DRAMATURGIA: MARC ROSICH
DIRECCIÓN: JOSEP MARIA POU
INTÉRPRETES: CARMEN MACHI, CAYETANA GUILLÉN CUERVO, NATHALIE POZA y ANA TORRENT
DURACIÓN: 90min
PRODUCCIÓN: TEATRE ROMEA i FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CLÁSICO DE MÉRIDA
TEATRE GREC (GREC 2013)

Era el estreno en Barcelona, una plaza difícil y a pesar de las buenas críticas recibidas en el Festival de Mérida el público barcelonés es más complicado de convencer que otros. Aunque en el Anfiteatro estuviera bastante lleno de amigos, familiares y seguidores. En medio de la naturaleza, se apagan las luces, fundimos a negro y comienza el espectáculo que este año cierra el Grec y las agendas teatrales de muchos.

Carmen Machi es Marguerite Yourcenar, la narradora que da paso a los monólogos de las otras tres actrices. No es su mejor papel. Esta temporada hemos tenido saturación de ella (Juicio a una zorra, Dispara/Agafa el tresor/Repeteix y Fuegos), y quizás esta última sea la vez en que nos la hemos creído menos, pese que a ella no sea la protagonista, simplemente reparta juego y ponga un poco de tranquilidad entre tanta voz trágica.

El primer monólogo lo protagoniza María Magdalena (Cayetana Guillén Cuervo) con demasiada pose sobre el escenario. Nada natural ni en presencia, ni en cuerpo ni en voz. Como algunos apuntaban una Maria Magdalena rubia, demasiado terrenal y que se olvida del plano espiritual para sacar todas sus vísceras en escena. No hay credibilidad, Cayetana pasa por el personaje sin creérselo, es María Magdalena como puede ser otra mujer. Faltan rasgos, matices tanto en presencia como vocales. No convence y sólo deseas que pase rápido.

Le toca el turno a Clitemnestra (Nathalie Poza), el gran monòlogo de la noche. Sorpresa para algunos, esperada interpretación para otros. Es sin duda la mejor que pisa el escenario del Grec sin miedos. Natural, impetuosa, intimista, llena de matices en gestos, voz y movimientos. Su monólogo es igual de desgarrador que los otros tres, pero sus ojos están llenos de paz, de una tranquilidad que inunda toda su interpretación. Brillante, incisiva, en definitiva enamora.

Y finaliza una peculiar Safo (Ana Torrent) equilibrista, pero que en la puesta en escena le sobra movimientos y le falta alma. Si el monólogo de María Magdalena es demasiado visceral, este es demasiado introspectivo, des de la fila 4 ya se hace lejano, no me puedo imaginar cómo lo sienten los espectadores que moran más arriba. Safo se hace pequeña en un teatro demasiado grande para un interpretación excesivamente intimista. 

El espectáculo sólo tiene un par de fallos: la interpretación de dos de sus actrices (Cayetana Guillén Cuervo y Ana Torrent) y la iluminación de la primera hora. Obviamente dependerá desde donde veas el montaje, pero como siempre se tiene que pensar en todas las opciones. Miguel Ángel Camacho juega demasiado con las sombras (desde la fila 4 centrada) en un espectáculo donde ver la expresividad de las actrices es una pieza fundamental. Por contra el monólogo de Safo está perfectamente iluminado. A pesar de ello, la puesta en escena conservando el espíritu del Teatro Grec es acertadísima, estilo japonés, responde al juego que establecen las actrices.

Sin duda lo mejor de la obra es el texto. Algunos echen de menos algunos de los monólogos y personajes que completan el libro original de Marguerite Yourcenar, pero los elegidos están sabiamente bien tramados en un dramatúrgia perfecta y precisa (nada fácil) de Marc Rosich. A pesar de la verborrea de alguno de ellos, el espectáculo tiene un ritmo que funciona. Sólo voces y algún momento musical concreto (Ne me quitte pas de Jacques Brel) completan un espectáculo que cierra un Grec 2013 que mejora notablemente el del año pasado y que deja buen sabor de boca en general y ganas de saber qué nos espera en el 2014.

FUEGOS

by on 19:54
TEXTO: MARGUERITE YOURCENAR DRAMATURGIA: MARC ROSICH DIRECCIÓN: JOSEP MARIA POU INTÉRPRETES: CARMEN MACHI, CAYETANA GUILLÉN CUERVO...

CREACIÓ, DRAMATÚRGIA i DIRECCIÓ: ÀLEX RIGOLA
COREOGRAFIA: ÀLEX RIGOLA i FERRAN CARVAJAL
INTÈRPRETS: INMA ASENSIO, MIQUEL BARCELONA, PATRÍCIA BARGALLÓ, FÀTIMA CAMPOS, JOAN CARRERAS, FERRAN CARVAJAL, XEVI DORCA, ÈLIA LÓPEZ, DAVID ESPINOSA, SERGI FAÜSTINO, RAQUEL GUALTERO, ANNA HIERRO, CRISTINA MIRALLES, ALICÍA PÉREZ, ALBA PUJOL, CLAUDIO ROJAS, JUANJO RUANO, ANNA RUBIROLA i GUILDO SARLI
PRODUCCIÓ: GREC 2011 FESTIVAL DE BARCELONA, BITÒ PRODUCCIONS i ÀLEX RIGOLA
TEATRE GREC

Un camp de blat. Una olivera. Una vintena d'intèrprets. Nietzsche. I una tempesta que gairebé ens arruïna l'estrena. Però no, el Grec 2011 es va tancar amb aquest poema visual d'Àlex Rigola ple d'erotisme i amb una mancança de tragèdia. Amb uns primers vint minuts de calma, amb quatre dels actors tirats per terra, vestits amb les seves millors gales, prenent una copa de cava i conversant sobre la vida i de sobte Nietzsche. Una conversa llarga i que es troba fora de connexió amb la resta de l'espectacle.

A partir d'aquí l'espectacle creix, la paraula deixa pas al moviment i els jocs sonors i de llums i el recinte del Grec es l'atmosfera propicia per a què ens envolti la màgia. Entrem en una espècie de viatge oníric i mitològic. Per als que no coneixen amb força precisió la història de la Grècia clàssica es poden sentir defraudats. Només una petita pantalla els anuncia quina és la història que estan representant els ballarins.

Un altre tall, innecessari que torna a recordar-nos la figura de Nietzsche, l'espectacle torna a perdre per uns instants ritme. Però la tornada a la dansa ho arregla. Tragèdia arriba al seu punt culminant quan sona Starman de David Bowie a la festa dionisíaca.

Tragèdia no serà recordat com un experiment fallit, però la seva plasticitat imperfecta apunta maneres per futurs muntatges de combinació de teatre i dansa amb els que vulgui experimentar l'Àlex Rigola. Els experiments tenen això que els resultats mai agraden a tothom.

TRAGÈDIA

by on 21:09
CREACIÓ, DRAMATÚRGIA i DIRECCIÓ: ÀLEX RIGOLA COREOGRAFIA: ÀLEX RIGOLA i FERRAN CARVAJAL INTÈRPRETS: INMA ASENSIO, MIQUEL BARCELONA, PA...


VERSIÓN y DIRECCIÓN: TOMAZ PANDUR
TRADUCCIÓN: PABLO VIAR
DRAMATURGIA: LIVIJA PANDUR
INTÉRPRETES: BELÉN RUEDA, PABLO RIVERO, ALBERTO JIMÉNEZ, MANUEL DE BLAS, SANTI MARÍN, FRANCISCO BOIRA, NUR LEVI, FERNANDO CAYO, EMILIO GAVIRA i RAMON GRAU
PRODUCCIÓN: TEATRO ESPAÑOL
TEATRE GREC


Tomaz Pandur pretendía hacer un homenaje a Luchino Visconti y lo ha conseguido en la parte visual, musical y estética, pero se ha olvidado de que en una obra teatral hay otros elementos, como dramaturgia, actores, movimiento e interpretaciones. Y aquí es cuando todo el montaje empieza a hacer aguas desde los primeros minutos.

La dramaturgia de Livija Pandur es un desconcierto de voces, movimientos con una buena falta de lógica. Para los que la película nos quedaba lejana, hemos pasado noches mejores. Pero el contexto de una Alemania en plenos años treinta, con las ascensión al poder de los nazis, la instauración del Tercer Reich y donde la familia aristócrata Von Essenbeck, propietaria de una empresa siderúrgica que se plantea si dar o no apoyo al nuevo régimen. Y en esa diatriba comienzan las peleas internas por asumir el poder de la empresa.

Fuera de contextos, La caída de los dioses está dramáticamente desperdiciada. Los intérpretes han sido dejados a su suerte encima del escenario. Ninguno de ellos parece tener claro qué está interpretando o qué necesitaría para hacerlo. Son personajes estereotipados en actores donde la sobreactuación es la norma común en todos ellos. Además de la exageración de sus personajes, la falta en el cuidado de detalles de la producción tampoco ha reparado en la necesidad de una correcta dicción castellana. La forma ampulosa de hablar es signo de no saber entender cómo se debe hablar y pronunciar para el teatro y denota una falta visible de calidad interpretativa.

Pero no sólo se queda en eso, la parte interpretativa también peca de falta de actuación, de personajes increíbles, de expresión de las emociones, en definitiva, una falta de una dirección clara de actores. Además la disposición del Grec y la necesidad de que el escenario esté demasiado alejado de la platea, no permite visualizar con exactitud las caras de los actores. Pese a todo, la dramaturgia se ha entestado en convertir a los personajes en seres fríos, sin emociones aparentes, donde los gestos escasean y las palabras que debían ser dardos, se quedan en simples gemidos. Toda la comparsa escénica se acompaña por la música inquietante o de suspense que "toca" en directo un pianista, que subraya ciertas acciones de los protagonistas y que taladra la cabeza al público.

Los dioses de Pandur no se han caído, se han suicidado después de ver con horror la masacre en que han convertido la película de Visconti. Una función donde no se salvaría ni el apuntador y donde el trabajo más celebrado está entre bambalinas. Por suerte, siempre nos quedará el genio y poder tirar de hemeroteca en futuras ocasiones.

LA CAÍDA DE LOS DIOSES

by on 20:48
VERSIÓN y DIRECCIÓN: TOMAZ PANDUR TRADUCCIÓN: PABLO VIAR DRAMATURGIA: LIVIJA PANDUR INTÉRPRETES: BELÉN RUEDA, PABLO RIVERO, ALBERT...


TEXT: ÈSQUIL /HEINER MÜLLER
TRADUCCIÓ: FELIU FORMOSA
DRAMATÚRGIA: PABLO LEY i CARME PORTACELI
INTÈRPRETS: DAVID BAGES, LLUÏSA CASTELL, CARME ELIAS, GABRIELA FLORES, LLORENÇ GONZÁLEZ, PEPA LÓPEZ i ALBERT PÉREZ
MÚSICS: DANI NEL·LO, JORDI PRATS, ANTON JARL, MIQUEL ÀNGEL CORDERO
PRODUCCIÓ: GREC 2010 FESTIVAL DE BARCELONA, CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL i FACTORIA ESCÈNICA, INTERNACIONAL
TEATRE GREC


El Festival Grec d'enguany va obrir per primer cop les portes a una dona. Després de gairebé trenta cinc edicions això es considera una fet extraordinari. No obstant això, el Festival continua amb la seva maledicció de l'espectacle d'obertura any rere any. Aquest Prometeu prometia trencar-la, però no ha estat possible. Les crítiques "oficials" han acabat amb l'esperança que els seus creadors havien dipositat en ell.

El problema de Prometeu no s'ha de buscar fora del muntatge, és intrínsec a ell mateix. Una primera part on transcorre el que seria la acció dramàtica narrada a l'obra d'Èsquil, els personatges es mostren dèbils davant dels deus que els atemoreixen constantment durant cadascuna de les seves accions. El repartiment, encapçalat per una Carme Elias menys brillant del que ens té acostumats, nerviós i fred no convenç en cap moment i deixa que el text es quedi nu davant d'unes interpretacions plenes d'inseguretat dels que no saben com sortir-se d'embolic on s'han ficat.

La segona part de l'obra, un afegit signat per Pablo Ley i Carme Portaceli ens presenta als protagonistes d'una comèdia musical, tan popular a les nostres petites pantalles, cantant Over the rainbow i fent-nos creure, sense aconseguir-lo, que malgrat que els deus dominen les nostres accions, som tan fantàsticament capaços de per una estona oblidar totes les nostres preocupacions i cantar que tot és meravellós. El cant general era més si calia modernitzar un text amb la suficient força perquè no facin falta afegits sense sentit d'última hora per arribar al timing adequat.

Després de La Nora... i L'Auca del senyor Esteve, dos dels darrers muntatges de Carme Portaceli tothom s'esperava més d'aquest Prometeu, en una nit de diumenge de mitjans juny on no només ens va deixar freds l'aire de muntanya que bufava. Esperem que no es compleixi allò de "Qui mal comença, mal acaba" i després d'una ensopegada inicial, el Festival es vagi reconduint per camins més reeixits.

PROMETEU

by on 17:58
TEXT: ÈSQUIL /HEINER MÜLLER TRADUCCIÓ: FELIU FORMOSA DRAMATÚRGIA: PABLO LEY i CARME PORTACELI INTÈRPRETS: DAVID BAGES, LLUÏSA CAST...


FICHA ARTÍSTICA
TEXTO: FRIEDRICH von SCHILLER
TRADUCCIÓN: ADAN KOVACSICS
DRAMATURGIA: MARC ROSICH y CALIXTO BIEITO
DIRECCIÓN: CALIXTO BIEITO
INTÉRPRETES: BEGOÑA ALBERDI, JORDI ANDUJAR, ÀNGELS BASSAS, RAFA CASTEJÓN, JOSEP FERRER, CARLOS HIPÓLITO, VIOLETA PÉREZ y MINGO RÀFOLS
PRODUCCIÓN: TEATRE ROMEA, XV INTERNATIONALEN SCHILLERTAGE, CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL i GREC'09 FESTIVAL DE BARCELONA
TEATRE GREC


Después de dejarnos helados con una adaptación del clásico Tirant lo Blanc, la temporada pasada, Calixto Bieito ha llevado su último espectáculo al Teatro Grec de Barcelona con gran éxito. Don Carlos une una impresionante e impotente puesta escena, casi operística, a las que normalmente nos tiene acostumbrados Bieito con unas excelentes interpretaciones y una cuidada dirección.

La historia de una España podrida, donde el circo, la Iglesia y las tradiciones lo envuelve todo y a todo aquel que se salga de su papel establecido desde la cuna verá como su placentera vida se convertirá en la más horrible de sus pesadillas.

El fanatismo religioso, la sangre derramada de los muertos en un imperio donde no se pone el sol se une a la sangre de la fiesta nacional, el poder de un Rey que domina sobre su pueblo pero no sobre su corte, los cimientos de una sociedad a punto de derruirse por sí misma es el retrato de la leyenda negra de una España vista por los ojos de un alemán.

Felipe II, un intermitente Carlos Hipólito, nos recibe en su invernadero, donde cuida sus plantas y donde la vegetación crece gracias a los nutrientes de los cadáveres que se esconden enterrados. Pobre Don Carlos, un brillante Jordi Andújar, que enamorado de su madre, Isabel de Valois, Violeta Pérez, a la que le falta voz y fuerza en la mayoría de las escenas, acaba en un deliro absurdo por unas normas y leyes que coartan su libertad y la del resto de personajes. Don Carlos se tiene que enfrentar a las fuerzas humanas y espirituales y vivir en la jaula de su vida. Un gran princesa de Éboli, Àngels Bassas, que supera en fuerza y presencia escénica a casi todos sus compañeros y Mingo Ràfols como Gran Inquisidor, que vuelve a contar con la extraña magia que desprenden sus ojos para que la palabra de Dios se imponga en un mundo sin perdón.

Como viene siendo habitual en los montajes de Calixto Bieto, la música vuelve a ser imprescindible. En este caso Begoña Alberdi, la Duquesa de Alba, y Josep Ferrer, el Duque de Alba nos interpretan un réquiem por la muerte de una sociedad, de un tipo de pensamiento humanista que se enfrenta a un incierto claroscuro al constatar que se hallan en un mundo sin un futuro visible. Pasodobles y demás canciones y actos circenses nos mostraran a una España no tan lejana como debería que mezcla la fiesta y el sacrificio de la sangre en la plaza de toros.

El virtuosismo y la cuidada representación de Don Carlos ha sido el colofón final a un agridulce Grec'09, que prometía más de lo que ha acabado ofreciendo y que a pesar de las cifras, esperemos que el año que viene cumpla con las expectativas.

DON CARLOS

by on 20:12
FICHA ARTÍSTICA TEXTO: FRIEDRICH von SCHILLER TRADUCCIÓN: ADAN KOVACSICS DRAMATURGIA: MARC ROSICH y CALIXTO BIEITO DIRECCIÓN: C...


TEXTO: SÓFOCLES
TRADUCCIÓN: EDUARDO MENDOZA (del francés) y DANIEL LOAYZA (del griego)
DIRECCIÓN: GEORGES LAVAUDANT
INTÉRPRETES: EUSEBIO PONCELA, PEDRO CASABLANC, MIGUEL PALENZUELA, ROSA NOVELL, LUIS HOSTALOT, LAIA MARULL, NOELIA BENÍTEZ, FERNANDO SANSEGUNDO, CRÍSPULO CABEZAS
PRODUCCIÓN: TEATRO ESPAÑOL DE MADRID y GREC'09 FESTIVAL DE BARCELONA
TEATRE GREC


Edipo, una trilogía se nos ha anunciado como uno de los platos fuertes este año en Festival Grec. A partir de Edipo, Rey; Edipo a Colonos i Antígona de Sófocles, Georges Lavaudant construye su particular versión de Edipo. Con una atmósfera, demasiado contemporánea se nos presenta uno de los mayores dramas del teatro clásico.

Con un primera parte lograda y ágil, ayudada por pantallas que suben y bajan, con un Eusebio Poncela que atrae todas las miradas de los presentes, que conduce al espectador por todos los vericuetos que le ocurre a Edipo, sus gestos y su dicción, acompañan a un gran Edipo Poncela, mientras Yocasta, interpretada por una indiferente Rosa Novell, intenta sin mucho éxito, tranquilizar a un Edipo preocupado por las revelaciones de los oráculos. El resto del reparto queda eclipsado por el savoir faire de Poncela.

Tras el descanso nos espera un Edipo ya ciego y su hija Antígona que lucha contra las fuerzas por dar entierro a su hermano Polinices, al que su tirano tío Creonte se niega a dar sepultura. El texto se desacelera, los personajes se vuelven excesivamente parados y a pesar de la fuerza escénica de Pedro Casablanc como Creonte, éste no llega a hacernos olvidar el gran Edipo de Eusebio Poncela de la primera parte.

Esta segunda parte resulta excesivamente parada, quieta, sin sorpresas. Georges Lavaudant ha desprovisto su versión de lirismo y heroicidad, pero al mismo tiempo la ha dejado sin un ápice de emoción. Sus personajes no sienten ni padecen, da igual que les dejen ciegos, que les maten un hijo o un hermano. Y el público ante la no emoción se muestra indiferente.

Es surrealista pensar que en la época griega existiera el teléfono, o la televisión, elementos que sirven para complementar este último acto. Todavía existen los que creen que para acompañar una buena historia, de sobras conocida, no sólo por los seguidores de las artes escénicas, sino por el universo entero, en intentar poner palos a unas ruedas que no lo necesitaban.

EDIPO, UNA TRILOGÍA

by on 17:02
TEXTO: SÓFOCLES TRADUCCIÓN: EDUARDO MENDOZA (del francés) y DANIEL LOAYZA (del griego) DIRECCIÓN: GEORGES LAVAUDANT INTÉRPRETES: E...