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Dramaturgia y dirección MARC ROSICH
Intérpretes ORIOL GUINART y JORDI LLORDELLA
duración 75min
producción ATRIUM PRODUCCIONS
TEATRE AKADÈMIA (GREC 2022)


A veces el único reducto de libertad es hacer aquello que nos place cuando nadie nos ve. En soledad, encerrado en su armario, Sebastian puede desarrollar aquello que le ha sido negado y silenciado toda su vida. Su verdadero yo emerge nada más tocar las telas sedosas de los vestidos de mujer que cuidadosamente guarda bajo llave.


Marc Rosich ha vuelto a entretejer palabras de amargura con una cierta pátina cómica como ya hiciera años atrás con A mí no me escribió Tennessee Williams. Sebastian sueña con un mundo de libertad, un sueño que la pandemia consigue hacer realidad, aunque a veces jugar con los sueños pueda no tener el resultado esperado.


Con una dramaturgia delicada en ritmo pero con una lingüística desgarradora que se te clava como un puñal recién afilado, Isadora a l'armari te atrapa y te hace añicos en un mismo plano. Magnífica la puesta en escena, la escenografía de Joana Martí, la hipnótica iluminación de Mattia Russo y un buen gusto de espacio sonoro de Ramon Creus Guiu (Milu) convierten el pequeño escenario del Teatre Akadèmia en un mundo lleno de posibilidades.


Sobresaliente, tierno y cautivador Oriol Guinart, en el que seguramente, sea ya uno de los mejores papeles que ha interpretado. Imposible despegar los ojos del escenario en cualquiera de sus dualidades. Jordi Llordella también engatusa al público, sobre todo en su vena más cómica.


Más allá del Grec 2022 y de estas cinco funciones en plena semana del Orgullo, esperemos que las puertas del armario de Isadora se sigan abriendo durante muchas noches para satisfacer el placer de muchos más espectadores.


ISADORA A L'ARMARI

by on 19:53
  Dramaturgia y dirección MARC ROSICH Intérpretes ORIOL GUINART y JORDI LLORDELLA duración 75min producción ATRIUM PRODUCCIONS TEATRE AKADÈM...


Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Fotos: Perejaume | Diari de Vilanova | Xavi Buxeda | Cristina Sánchez | Ros Ribas | Beigott |

Parece que fue ayer cuando estaba escribiendo el balance 15-16 y se ve que ya ha pasado un año y tenemos otra temporada en nuestras espaldas. Personalmente la temporada 16-17 se ha caracterizado por un drástico recorte en mi asistencia a las salas, debido a que me he centrado en otros intereses que requerían toda la atención posible. Cansada estaba de contar obras, como si ir al teatro fuera hacer maratones, esta temporada que dejamos atrás me he centrado en lo que realmente quería ver, el tiempo apremiaba y de agendas mensuales de hasta veinte obras, he pasado a cuatro o cinco. Pero, a pesar del cambio considero que no me he perdido ninguna de las maravillas que se han visto en la cartelera barcelonesa. Ahora lo descubriremos…

Todas las temporadas empiezan igual con un nombre propio Fira Tàrrega, en esta ocasión volvimos a disfrutar de teatro de aquí y allá, pero uno de los nombres propios fue el tándem Roberto G. Alonso / Marc Rosich y que después de pasar por algunos espacios convencionales parece ser que la temporada que viene recalarán a la renovada La Seca Espai Brossa. Expectante por ver el recibimiento que otorgará el público barcelonés a A mi no me escribió Tennesse Williams.

A la vuelta de Tàrrega esperaba con ánsias a la Agrupación Señor Serrano, que por fin conseguían entrar en el teatro público, Teatre Lliure, donde presentaron en formato trilogía Katastrophe, A house in Asia y Brickman Brando Bubble Boom, una de las tardes-noches más interesantes que recuerdo esta temporada. Aún me queda por atrapar Birdie, se me escapó en el Festival Grec de 2016 y parece ser que en Barcelona fuera de festival les cuesta entrar. Wait and see.

Con la llegada del otoño llegó la revolución que aún sigue y que este otoño dará mucho que hablar. Enric Cambray y Ricard Farré nos regalaban una versión libre de Les Dones Sàvies que provocó más colas y listas de espera que un concierto de la última diva del pop/rock. Y la verdad, por una vez la moda estaba más que merecida. Una servidora está deseando que llegue el otoño, no sólo para que se acabe el bochorno veraniego, sino para volver a desternillarme en el Maldà.

Antes del invierno todavía nos deparaba una sorpresa en pequeño formato. Abandonamos la cartelera barcelonesa, a la que parece que el espectáculo se resiste, para irnos de gira al Atrium de Viladecans donde descubrimos una pequeña joya llena de magia,  Pluja. El espectáculo que une en el escenario los títeres de Guillem Albà y la música de Clara Peya. Espero que no sólo haya bolos sino que pronto se puedan dar las condiciones para que el público de Barcelona disfrute de este momento mágico.

Antes de las Navidades una servidora se marcó un viaje a Nueva York y pude disfrutar de una pequeñísima parte de la vida teatral de Nueva York. En primera parte, las experiencias tradicionales, y en la segunda entrega la mayor experiencia de lo que llevo de vida teatral, Sleep no more.

Con la llegada del nuevo año, empezó la gran trilogía del año, la Sala Atrium nos regaló tres de los personajes femeninos más importantes de la historia teatral contemporánea: Nora de Ibsen, Júlia de Strindberg y Nina de Chéjov. Todas ellas adaptadas a la realidad actual por Raimon Molins. Algunas más acertadas que otras, yo la última me la ahorré, después de escuchar comentarios de todo tipo. Júlia, interpretada por Patricia Mendoza, me dejó tan impresionada, después de llevar años sin mostrar un gusto excesivo por este personaje en versión original, tanto la interpretación de Mendoza como la versión de Molins es sobresaliente.

En esta temporada también ha habido momento para recuperar algunos de aquellos montajes que parece que vas persiguiendo pero nunca atrapas. Es el caso de Iaia, memòria històrica que pude recuperar en la Sala Fènix. Un montaje que me dejó sin palabras, de una belleza impresionante y con una protagonista, Alba Valldaura, magistral. De esos que si vuelve a la cartelera, es imprescindible.

Durante una semana en el mes de febrero sólo se escuchaba hablar de La Sala Roja, un montaje de pequeño formato de teatro argentino que se representaba en, una desconocida hasta el momento, La Badabadoc. El montaje nos descubrió un espacio pequeño pero exquisito y donde el trato con el espectador es de aquellos que apenas se recuerdan, una pequeña familia. La pequeña de sala ya se ha convertido, para una servidora, en un espacio muy a tener en cuenta en la agenda mensual. Y la próxima temporada ya apunta maneras.

Sin abandonar febrero, el Teatre Auditori de Sant Cugat nos regaló un The Winter Tale dirigida por Declan Donellan, teniendo en cuenta que una servidora se había saltado el Temporada Alta, supuso poder ver teatro internacional en temporada, una ocasión entre pocas. Esperemos que no sea la última y los viajes a Sant Cugat sean más regulares. 

A principios de marzo la cartelera explotó literalmente, en menos de diez días nos maravillamos con L’ànec salvatge (Teatre Lliure), Firefly (Tantarantana), Yerma (Teatre Akadèmia) y La filla del seu pare (Espai Lliure). Cuatro de los mejores montajes de la temporada. En abril, y tras algunos fracasos sonados que mejor ni mencionar, el Lliure de Gràcia nos sorprendió con un combo de obras de Shakespeare, Complete Works: Table Top Shakespeare, interpretados por unos ‘actores’ poco convencionales. He de decir que sólo escogí 4 piezas, pero una vez superado el miedo inicial, me hubiera quedado a vivir en el Lliure.

El mes de mayo tuvo tres nombres propios en formato tàndem: Rigola/Chéjov y su maravillosa adaptación de Ivànov, Prat i Coll / Rebekka Kricheldorf y su hilarante versión de Las tres hermanas de Chéjov en Els Tres Aniversaris y Els Pirates Teatre / Shakespeare, que firman la mejor versión en mucho tiempo de Somni d’una nit d’estiu.

Antes de entrar en modo Grec, la Sala FlyHard, en la que hacía tiempo que no ponía los pies, nos devolvió su esencia con #LifeSpoiler, un thriller futurístico con unas brillantes Vicky Luengo (que ya nos maravilló en Ivànov de Rigola) y para la que ha sido una gran temporada y Bruna Cusí. En septiembre vuelve a la FlyHard.

Primer Grec de Cesc Casadesús pero todavía con una clara injerencia de Ramon Simó, su antecesor que le traspasó el testigo a finales de noviembre. Poco tiempo para hacer una programación completa. Menos espectáculos y una sensación más de calma entre los que, como una servidora, se dedican a hacer maratones en julio, la que no hice durante la temporada, a recuperar el tiempo perdido. 

El 75% de ocupación, el primer Grec de Casadesús ha sido todo un éxito (teniendo en cuenta de dónde veníamos). Personalmente, tengo claro mi top five (entre las 22 propuestas que he disfrutado): 1- La Grenouille aviat raison (James Thierrée); 2- Utopia (Cia Ignífuga); 3- Perra de Nadie (Marta Carrasco); 4- Aüc. El so de les esquerdes (Les Impuxibles+Carla Rovira); 5- We love Arabs (Hillel Kogan). 
Todas las críticas de la edición 2017 del Grec las puedes recuperar AQUÍ.


Con la agenda de Fira Tàrrega 2017 preparada, el Festival TNT en el horizonte, las programaciones de Maldà, Lliure y TNC presentadas, con otras por presentar como Temporada Alta, cierro la maleta teatral de la temporada 16-17. Como siempre a finales de agosto, con las programaciones adelantadas de algunas salas abriré la temporada 17-18, un aperitivo al primer maratón de la temporada, el soñado oasis de Tàrrega.


PS: Y aunque la maleta teatral esté cerrada, la actividad del blog seguirá, será un agosto de anuncios y de novedades teatrales de cara al otoño, el telón nunca acaba de caer del todo. Y por supuesto te animo a seguir nuestro Instagram, Twitter y Facebook. ¡Qué el ritmo no pare!


Texto: Elisa Díez (Butaques i Somnis)/ Fotos: El Maldà

El Maldà es una de las salas alternativas más consolidadas dentro del panorama off de Barcelona. En sólo cinco temporadas se ha erigido como un lugar imprescindible para los amantes del teatro, aquellos que disfrutan con tener al actor a un palmo.

Este año presentan la temporada en pleno mes de junio porque serán de las pocas salas que cuelguen el cartel de “abierto en agosto”, su temporada empieza el 7 de ese mes. Para una sala tan pequeña presentar una programación como la que han presentado es todo un lujo, y es que cuando las cosas se hacen bien se nota.

El buen rollismo presidió toda la presentación y hasta medio en broma medio en serio, Laura Aubert, uno de los miembros de la compañía Pirates Teatre, que es quien gestiona el espacio, exclama: “No sé si se han hecho porras de paridad, pero el Maldà como ya bien siendo habitual, es paritario, al menos el 50% de los montajes cuenta con una mujer en dramaturgia o dirección". Una buena noticia!

La apuesta por la creación y por la creación de equipos artísticos estables seguirá siendo una de las señas de identidad de El Maldà. La temporada costa de 6 estrenos, 3 ciclos y 7 reposiciones. En el apartado de TEATRO encontraremos:

PER SI NO ENS TORNEM A VEURE. Reposición que inaugura la temporada. Un espectáculo musical de Alícia Serrat i Marc Sambola “para los que creen en el amor y los que no creen”, según palabras de Marc Sambola.

ESTIU. A partir del 6 de septiembre la Compañía La Fil·loxera estrena esta obra con dramaturgia y dirección de Helena Tornero. Una obra sobre la memoria histórica y las relaciones familiares de tres hermanas que vuelven a encontrarse.

BARBES DE BALENA. Reposición. A mediados de septiembre volverá uno de los éxitos de la temporada pasada con dramaturgia de Anna Maria Ricart i dirección de Mònica Bofill. La vida de la doctora Dolors Aleu i Riera, la primera mujer licenciada en medicina en Catalunya volverá al Maldà, después de la gran respuesta de crítica y público de la temporada pasada.

LES DONES SÀVIES. Quizás la reposición más esperada. Esta vez estarán dos meses, octubre y noviembre para que nadie se quede fuera. La revolución sabia volverá a entrar de lleno en nuestras vidas para intentar enseñarnos de qué va la vida, o al menos para que nuestras carcajadas se disparen a niveles insospechados. (No te pierdas el vídeo de presentación en nuestro Instagram, empieza la fiesta!)

LES MAMIES (pronunciado en francès). Estreno de la compañía Les Mamies (si no me equivoco pronunciado en catalán). Un espectáculo de danza-teatro que recalará los fines de semana de octubre y que tratará sobre la relación de dos abuelas que hace mucho tiempo que viven juntas.

LA MÀQUINA DE PARLAR. Estreno. Diez años después de la mítica representación a la Sala Beckett, los protagonistas se volvieron a juntar la temporada pasada para la lectura de cierre y despido de la antigua Beckett y pensaron en volverla a montar. Una comedia agria sobre una mujer que es una máquina (de hablar). El resultado se podrá ver a partir del 28 de octubre con la autoria y la dirección de Victoria Szpunberg y la interpretación de Sandra Monclús, Marc Rosich y Jordi Andújar.

EL LLARG DINAR DE NADAL. Reposición. Dice Pirates Teatre que “El llarg dinar de Nadal son sus pastorets”, y no me extraña, de las cinco temporadas que lleva la sala abierta, está será la cuarta reposición de la compañía. Más de 4.000 espectadores ya han disfrutado de esta obra  de la compañía La Ruta 40 donde “no pasa nada, sólo el tiempo”, según su director Alberto Díaz. Y la lista de espera sigue acompañándoles cada Navidad, a lo que ya es un clásico navideño.

LLIBRES PER CREMAR. Estreno. La compañía Pyros estrenará la única obra teatral de Amélie Nothomb en febrero bajo una insólita pregunta inicial, “¿Cuál es el único libro del mundo que salvarías de las llamas para no morir de frío?”. Dirigida por Blanca Bardagil y protagonizada por Ramon Vila, Carol Rovira y Roger Batalla.

EL GRAN FRACAROLI. Estreno. En abril Els Pirates Teatre volverán a sus orígenes con este espectáculo de creación basado en la obra de Joan Brossa.

AQUEST ÚLTIMS CINC ANYS. Estreno. En mayo volverá el teatro musical a la sala con esta obra musical ganadora de un Tony donde una pareja a punto de romper se explican los hechos de su relación a través de canciones solistas y monólogos.

Cerrará la temporada en junio un espectáculo musical, que todavía no tiene nombre, de Alícia Serrat y Daniel Anglès.

Pero El Maldà también es conocido por su programación de CABARET:

NINE. Reposición. Inaugura la temporada a partir del 11 de diciembre este viaje musical por las vida de nueve mujeres en la voz de un único cuerpo. Adaptado y dirigido por David Pintó y con la interpretación de Mariona Castillo.

QUIN DESENCÍS M’HA FET TANT NEGRE I TRIST. Estreno. Título provisional del nuevo espectáculo musical de Dani Campos, Xavi Casán y Virginia Martínez, un homenaje a la cultura y la música blues a partir del 28 de febrero.

El resto de la programación del apartado de Cabaret queda por concretar y se anunciará más adelante.

Por último, el Maldà presenta sus tres ciclos que ya se han hecho un hueco en su programación:

MALDÀ 1700: La quinta edición del ciclo de música antigua y chocolate que está muy relacionado con el edificio y con el conocido Baró de Maldà. Pequeños conciertos de cámara de música antigua acompañados de chocolate. Del 29 de octubre al 26 de noviembre, los domingos a las 12.30h.

AL CEL MOS VEGEM TOTS PLEGATS o lo que viene siendo el ciclo de Rondalles mallorquinas. Los domingos a las 12.30h del 14 de enero al 4 de febrero.

MALDÀ enDANSA: La quinta convocatoria de este ciclo cada vez más consolidada y que en su última edición se presentaron más de 120 propuestas de las que se acabaron eligiendo 6 para su exhibición en dos fines de semana consecutivos. En esta ocasión Maldà enDansa se celebrará en enero del 19 al 28.

Toda la programación y venta de entradas en la WEB.


TEXTO y DIRECCIÓN: MARC ROSICH
INTÉRPRETES: MERCÈ ARÀNEGA, LURDES BARBA, MONTSE ESTEVE, ÀUREA MÀRQUEZ, MIREIA PÀMIES y CARLES GILABERT
DURACIÓN: 2h 30min (entreacto incluido)
FOTO: DAVID RUANO
PRODUCCIÓN: TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA
SALA PETITA (TNC)

Se'n fa una mica estrany escribir esta crítica en castellano. Creo que hoy le daré más patadas al diccionario de las habituales. Viví la época dorada del Pujolisme fuera de Catalunya, y aunque reconozco todos los sentimientos que ella despertó en la inmensa mayoría de los catalanes, he visto la obra desde dos lugares diferentes: una cercanía massa present y desde fuera, como si por un momento no me tocara. 

Reconozco en esta Magda Casals, una mezcla estraña entre Núria Feliu y Teresa Gimpera, a muchas tietes y abuelas que aún hoy desde sus pisos de Eixample pontifican que lo de Pujol i Convergència no es más que una trama urdida por Madrid para desastibilizar el procés. Ojos cerrados y el corazón que no sienta.

A tots els que heu vingut pone el dedo en la llaga, que todavía para algunos sangra, de lo que supuso la caída del Padre de todos, lo hace mediante una comedia surrealista y por momentos pasada de vueltas, que despega en el segundo acto, porque el primero es tedioso hasta la saciedad. No sé si sólo soy yo la que tiene tendencia a pensar que para hacer una gran obra no hace falta que llegue y supere las dos horas, que hay obras descomunales que en una hora nos lo han explicado todo y no le falta ninguna coma. 

Marc Rosich peca de esa tendencia, la primera parte le hace falta una retallada de esas que se les daba (sic) tan bien a Convergència. En diez minutos tienes un resumen perfecto, de la presentación de Magda Casals y el hombre de la barba sucia, que enlazaría a la perfección con la segunda parte donde el sufflé alcanza su máximo esplendor. Mercè Arànega brilla haga el papel que haga, estamos presenciando uno de los mejores papeles de su trayectoria, que queda a ratos un tanto ensombrecido por una dirección a la que le haría falta llevar el sarcasmo hasta el límite y hacer que se vea la broma, destapando el truco.

Fuera de la "diva", cabe destacar un soberbia, quizás la mejor del reparto, Àurea Màrquez a quien los papeles pasados de vueltas le van como anillo al dedo. Y aunque a ratos rallaría la hiperactuación, Lurdes Barba nos regala como Àgata Casals, la hermanísima, las mejores rialles de la noche. 

No se puede hablar de oportunidad perdida porque al texto le falte afinar bien sus teclas para que el resultado hubiera sido una clatejada de esas que dejan marca. Se tiene que aplaudir la valentía, de que ya nos podamos reír de uno de los episodios recientes que más daño han hceho al sentimiento catalán. Pero si una flor no fa estiu, no será Pujol quien nos amarge la primavera. 

Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)



SILENCIS. Dansa- Teatre. Creació: Claire Ducreux. Catalunya. 30min

Después de enamorarme de La Refugiada poética que la temporada pasada se pudo ver en La Seca Espai Brossa, la apuesta de Claire Ducreux era jugar sobre seguro. Asumiendo que con un simple gesto Claire Ducreux te puede robar el corazón, Silencis vuelve a estar impregnado de esa ternura, fragilidad e inocencia tan propio de sus espectáculos. 

La integración con el público dentro del espectáculo es maravillosa. Nadie se siente ofendido o cohibido porque la atmósfera que se crea es mágica. Una increíble y preciosa comunión con el espectador que desde el primer minuto provoca que no quieras salir de ella nunca.

Danza y mimo conviven a la perfección en esta pieza corta. Un arbol en invierno, al que ya no le quedan hojas es el punto de partido para danzar por sus ramas, de que la vida resurja en medio de un paisaje muerto.

Ya dicen que si Chaplin viviera trabajaría con ella. Sólo de pensarlo se me ponen los pelos de punta. He empezado mi segundo día en Tàrrega entre los algodones delicados y puros de un alma singular que grandes y pequeños deberían conocer y disfrutar. Bravo, Claire!



A MI NO ME ESCRIBIÓ TENNESSEE WILLIAMS. Danza-Teatro. Director: Marc Rosich. Cia. Roberto Alonso. Catalunya. 60min.

Cuando haces dos montajes que se estrenan en menos de dos meses, puede pasar que uno sea más o menos óptimo y el otro una maravilla. Este es el caso de Roberto G. Alonso. Su montaje del Grec 2016 no había por donde cogerlo, pero el de la Fira Tàrrega es lo mejor de lo que llevo de fira. Para empezar aunque estemos citados en el Polideportivo, acabamos de excursión debajo de un puente, donde el alter ego de Blanche Dubois nos recibe. Nos separa de ella un riachuelo, pero la visión de la vida que estamos a punto de contemplar es tan triste que sólo nos hubiera faltado un salto para correr a abrazarla.

Con el humor y la ironía por bandera, nos relata cómo ha acabado debajo un puente. Ella y sus vestidos que nos va mostrando sin descanso. Su objetos más valiosos que han conseguido sobrevivir a los libros porque el invierno ha sido muy duro y la tinta calienta mucho. De hecho en el texto se explica con una frase brillante: "Nada arde mejor que la ficción y la fantasía." 
A medio camino entre el monólogo y la performance, observamos atónitos como hay algo más que capas de ropa. No es lástima lo que sentimos, sino una mezcla de ternura y comprensión.

Se nota, y mucho, el toque Marc Rosich en la dirección y en la dramaturgia. Todo un acierto que aporta una comicidad y frescura al montaje indiscutibles. La selección musical que abarca desde Mari Trini (Yo no soy esa), pasando por Burning (Que hace una chica como tu en un sitio como este) a piezas de música clásica es brillante y más cuando es la misma protagonista quien las interpreta.

"¿Quién dice que lo mío no es teatro político? No nos atreveremos a decirle que si la política fuera humanidad, ella tendría toda la "polis". Pero yo me quedo con su mirada triste, de muñeca rota, a la que la vida no se la han escrito como ella desearía. 


EL FILL QUE VULL TINDRE. Teatro. Director: Àlex Cantó, Joan Collado, Jesús Muñoz i Pau Pons. País Valencià. 70min.

Admitámoslo el teatro comunitario está de moda. Debe hacer sentirse muy bien compartir tu arte con gente de la calle, incorporarlos a tu proyecto para hacer que crezca, pero el problema surge cuando están de más y no ayudan al desarrollo del proyecto como es el caso. 

El Pont Flotant era uno de los pesos pesados de la cartellera de Fira Tàrrega que se desinfló en menos de medida hora. Cuando coordinas un proyecto como El Fill que vull tindre hay muchas teclas que apretar y medir con cuidado los tempos es una de ellas. En este caso se les ha ido de las manos, incluso la escena de la plastilina, donde el peso de la acción está manos de actores se alarga sin sentido y pierde toda la esencia que podía haber tenido en su justa medida.

Independientemente de si el tema te interesa o no, el espectáculo parece estar a medio producir. Cierto es que un montaje así no se puede desarrollar sólo en tres días, como ha sido el caso. Pero para presentarlo a medias, mejor quedarse en casa.



CONCEPCIÓN y COREOGRAFIA: ROBERTO G. ALONSO
DIRECCIÓN ESCÉNICA: JOSÉ MARTRET
DRAMATURGIA: CARLOS BE, MARC ROSICH y HELENA TORNERO
CREACIÓN y INTERPRETACIÓN: ANITA ASTRID, ROBERT G. ALONSO, ORIOL GENÍS, CÉSAR LÓPEZ, HUGO REAL y JUNYI SUN
INTERPRETACIÓN y CREACIÓN MUSICAL: ÀLEX RODRÍGUEZ FLAQUÉ
DURACIÓN: 60min
PRODUCCIÓN: GREC 2016 FESTIVAL DE BARCELONA y COMPANYIA ROBERTO G. ALONSO
MERCAT DE LES FLORS (GREC 2016)

En los tres últimos años el transgénero ha salido a la luz, por hablar en términos del colectivo "ha salido del armario", por eso sorprende que un espectáculo que pretende "impactar o remover de alguna manera las conciencias" se quede en una concepción tan básica y superficial de la transexualidad en sentido clásico.

Me explico. Partiendo del tópico hecho de que un niño encuentra una caja de zapatos de tacón en el armario de su madre y siente que él quiere ser una niña; pasando por la concepción de la feminidad, parece ser que las mujeres sólo somos la suma de zapatos de tacón, pechos, curvas y por supuesto todas nos pintamos los labios de rojo carmín, porque todo eso nos hace sentirnos mujer. ¡Demencial! Y para acabarlo de adobar con 6 intérpretes en el escenario, nadie, ninguno de ellos podía ser una mujer de nacimiento que deseara ser hombre, debía ser que no conjuntaba con los zapatos de tacón. Tanto aplauso a la diversidad, para quedar reducida a lo que cabe en una triste caja de cartón. Simple, muy simple, y más de lo mismo.

Al menos no han decidido incluir a un dragqueen, eso que nos hemos ahorrado, pero los temas narrados sí que han vuelto a caer en el tópico: problemas con la comunicación con los padres, ser uno mismo delante de amigos/compañeros de trabajo, la exclusión social (que no niego que exista), la vergüenza... Eso sí, tal y como dice en uno de sus monólogos el personaje de Oriol Genís, se acepta antes a un niño transgénero que a un hombre transgénero porque las cosas están cambiando.

Pero bueno, fuera de la decepción de la parte de contenido, la puesta en escena es el punto fuerte del montaje. Las cortinas como metáfora de "salida a la luz" de las voces que han estado dormidas y que a través de la palabra, la música o la danza nos explican qué sienten, qué piensan... su historia particular, la de los personajes que van pasando delante de nuestros ojos a veces como si estuviera expuestos en un escaparate o si fueran fotogramas a la espera que alguien les dé al botón de avance rápido.

La dramaturgia es irregular, hay momentos más lúcidos que otros. Algunos monólogos que destacan, en su mayoría protagonizados por Oriol Genís, pero en su conjunto no logran superar la superficialidad y conseguir que el contenido levante el vuelo. La parte de danza viene a reforzar la irregularidad total de la pieza. Un conjunto de movimientos inconexos que no acaban de enganchar con la parte dramática y que, en su mayoría, se quedan como un pegote, un añadido que no consigue aportar una coherencia clara al montaje.

Y, aunque reconozco que no soy una espectadora que partía de 0 en el tema del transgénero tampoco soy experta en el tema, pero e una obviedad que la transexualidad ha dejado la oscuridad en la que vivía en los 80 y los 90 y existen unos cuantos ejemplos audiovisuales a nuestro alcance para que sigamos en el modo iniciación. Ya es hora que pasemos al avanzado, que nos quitemos la careta y rasquemos un poco la superficie de tópicos para encontrar humanos diversos, que no sólo piensan, sienten y padecen en masculino ni conjugan los verbos con los ideales de sexualidad impuestos por el mundo audiovisual. Transitemos y conjugemos con coherencia, si us plau!


CONCEPTO y DIRECCIÓN: MATHIAS REBSTOCK
TEXTOS: TILMAN RAMMSTEDT y MARC ROSICH
MÚSICA y VÍDEO: RAQUEL GARCIA-TOMÀS
INTÉRPRETES: FLORIAN BERGMANN, PANAGIOTIS ILIOPOULOS, DAVID LUQUE, LUCÍA MARTÍNEZ, BÄRBEL SCHWARZ, MARIEL SUPKA y MARTA VALERO
DURACIÓN: 90min
PRODUCCIÓN: GREC 2016 FESTIVAL DE BARCELON, NEUKÖLLNER OPER BERLIN y OPERA DE BUTXACA i NOVA CREACIÓ
MERCAT DE LES FLORS (GREC 2016)

No estoy muy segura de si se puede afirmar que en el 2016 tragedia esta pasado de moda. ¿Qué nos falta por ver cuando estamos saturados de mil y una imágenes? Por eso quizás hablar de la identidad, cuando las fronteras están tan poco delimitadas sea cuanto menos toda una proeza. Y si además lo hacen en un género poco desarrollado pues la aventura se acrecienta. El tema me interesaba, el teatro musical experimental no tanto.

Identidad individual, colectiva, la excesiva exposición en los mundos virtuales, ¿somos libres o tenemos una libertad fingida que asumimos sin rechistar porque ya nos está bien? Una coproducción Alemania - Catalunya que mediante texto, música, interpretación y vídeo intenta adentrarse en nuestras mentes y exponernos el ya típico tópico de ¿qué somos?

Oficina per a una vida postidèntica está a medio camino entre la ópera pop, la performance y la locura creativa, y aunque la mezcla podía ser explosiva se queda corta. Los primeros treinta minutos se aguantan, el vídeo, las interpretaciones y los textos entran e incluso llevan a la reflexión. Toques de Warhol, de pop-ara, el descaro de las películas ochentenas de Almodovar, pero después la cosa se va diluyendo, los textos en cuanto avanza el espectáculo comienzan a ser densos y a girar en torno a sí mismos una y otra vez, y sólo una adaptación del himno punk hace que salgamos del ensimismamiento.

Quizás la obra sea demasiado "berlinesa" que es donde hará parada y fonda un mes en septiembre, quizás no estemos preparados para disfrutar del teatro musical experimental, pero Oficina per a una vida postidèntica se me hizo larga y tediosa. A veces el tema no lo es todo si no tiene los aderezos adecuados. Y mejor no hablar de la deconstrución de la novena sinfonía de Beethoven, poco quedó de ella tras pasar por las manos de Raquel García-Tomàs.
Font: Belén Ginart (ara.cat)
De què va Copi i Ocaña, al Purgatori?
És un combat entre dues reines de la màscara, el fregolisme i l’excés. Copi [dibuixant, dramaturg i actor francoargentí] i Ocaña [artista contracultural andalús arrelat a Barcelona] van morir als anys 80, amb quatre anys de diferència. Copi va morir de sida i Ocaña per un accident provocat per ell mateix quan una bengala va incendiar la disfressa de rei sol que portava.
I es troben després de la seva mort.
Sí, fem veure que acaben de morir i coincideixen en un espai tancat on s’expliquen la vida l’un a l’altre. Es vanten del que han fet, s’ensenyen les plomes i ens donen una lliçó de vida des de la mort.
Quina és l’estructura de l’espectacle?
L’obra està construïda principalment a base de monòlegs, es fan de mirall, es reconeixen, perquè van haver de superar murs similars. Cadascun dels personatges té els seus moments de vedet.
L’obra es va estrenar fa 10 anys; per què la repreneu ara?
És una de les obres que més m’estimo, entre altres coses perquè és un dels primers textos que vaig escriure. Va funcionar molt bé i al cap i a la fi el teatre està fet per poder-lo reviure tantes vegades com sigui possible.
L’obra va néixer d’una proposta del director artístic del Tantarantana, Julio Álvarez, que la va dirigir. ¿Ara que la dirigeixes tu serà molt diferent?
Hem tocat molt poques coses del text, però hem fet una nova proposta de joc. He plantejat un muntatge a quatre bandes, un ring sense portes amb els personatges tancats a dins. La intenció és que tingui un punt més lúdic. Li estem donant una nova vida.
En quin sentit?
Mentre l’hem anat treballant, han sortit nous colors. I el concepte de vestuari també és completament diferent, amb més plomes i tonalitats més vives, propi de l’època dels 80.
Els dos actors centrals repeteixen.
Sí, el Víctor Álvaro i l’Oriol Guinart, que en el seu moment van viure una mena de possessió infernal, es van imbuir totalment dels personatges. Però ells no són els mateixos que eren aleshores, i això fa que l’obra també canviï. A més hem incorporat el Jaume Madaula en el personatge de Pier Paolo Pasolini, una mena de mestre de cerimònies.
Com és la mirada als personatges?
Malgrat l’element canallesc, és molt tendra.
I quina relació s’estableix entre ells?
Té molt de National Geographic. Primer estan recelosos l’un de l’altre i després comença l’efecte mirall. No hi ha un final romàntic, però entre ells brota la guspira de la complicitat.
Quin tipus de director ets?
He treballat molt al costat de Calixto Bieito, i ell pren decisions molt ràpides i completa els muntatges en quatre setmanes. No m’agrada fer ballar el cap.
Dónes molta llibertat als actors?
Només obro la boca quan no compro les seves propostes. Al costat de Bieito he vist que dirigeix els seus espectacles sense gaires paraules, la seva presència provoca coses màgicament. Jo també sóc de deixar fer i anar tallant focs.
Com vius la dualitat autor-director?
Quan això passa saps perfectament d’on ha sortit cada frase, el perquè de cada escena i cada personatge. En alguns casos, el fet de conèixer íntimament un text ajuda molt a l’hora de muntar-lo. Però també m’agrada que els meus textos els muntin altres directors, perquè així em donen punts de vista diferents.
Com han canviat els temps per als autors catalans des de fa 10 anys?
Sóc d’una generació de dramaturgs que llavors començava a treure el cap, i des d’aleshores hi ha hagut un creixement exponencial d’autors. Després de la meva han vingut dues generacions més amb molt talent, i s’escriu molt bé. Però tot aquest talent corre el risc de quedar-se orfe perquè es troba amb un desert.
Ho vius amb molt pessimisme?
Bé, queda clar que no ens aturaran, però la situació actual no està a l’altura del talent dels joves dramaturgs. És una llàstima que el món no estigui a l’altura del talent i la creativitat que hi ha avui.
Com veus el futur?
No deixarem de fer teatre perquè portem el verí a dins, s’ha produït un creixement exponencial de companyies, però la situació és insultant i es treballa en condicions suïcides. Qui hauria d’estar responent no ho fa. 
‘Copi i Ocaña, al Purgatori’, de Marc Rosich Director: Marc Rosich. Amb Oriol Guinart, Víctor Álvaro i Jaume Madaula. Almeria Teatre (Sant Lluís 64, Barcelona). A partir del 20 de febrer



IDEA ORIGINAL: CLARA PEYA, ARIADNA PEYA y MÍRIAM ESCURRIOLA (L'ERA DE LES IMPUXIBLES)
TEXTO y CANCIONES: MARC ROSICH
A partir de escritos de MIGUEL MISSÉ y POL GALOFRÉ
DIRECCIÓN ESCÉNICA: MÍRIAM ESCURRIOLA
DIRECCIÓN MUSICAL: CLARA PEYA
INTÉRPRETES: MARIONA CASTILLO, TATIANA MONELLS, ARIADNA PEYA, CLARA PEYA
DURACIÓN: 1h 05min
PRODUCCIÓN: TEATRE GAUDI
TEATRE GAUDI

Me da igual que Berta se haya convertido en Albert, me importa la persona. Este es un discurso tan manido como cualquier otro, porque en el fondo siempre vemos antes que nada la forma. Y quizás, quien vea Limbo se dé cuenta lo poco que cuenta la nada para el todo.

Un aeropuerto, un pasaporte equivocado, un ser en tránsito. Inicio de porqués sin responder, inicio y final de no hace falta ser respondidos. Y quiero ser, y soy y cómo me ven los que me rodean, como soy o como quiero ser, y cómo quieren ellos que sea, y yo quiero ser como quiero o me dejaré influir por lo que ellos quieran. Soy más importante por lo que soy o por lo que otros quieran que sea. Porque ya se quien soy, ¿no?

Limbo es el tránsito hacia ese YO, una amalgama de pensamientos, de voces, en medio de un espectáculo multidisciplinar: dramaturgia, canciones, música de piano, audiovisual, danza. Y si esto fuera un crítica al uso diría que todo fluye, que todo tiene un porqué, que me he dejado llevar por un torrente emocional de canciones, que se me ha puesto la piel de gallina al escuchar el piano en directo tocado por Clara Peya, que los momentos de danza ayudan a potenciar lo que no se dice. Pero lejos de esto o aquello no ves partes, ahora toca cantar ahora toca bailar, ves un sólo grito de un ser que busca desligar cadenas y SER.

Un espectáculo íntimo a tres bandas, donde el público es un elemento importante. Un público diverso que no es activo ya que directamente no se le pide nada, pero tiene que respirar el espectáculo en directo y en mi sesión se consiguió, esa comunión bestial en la que por un momento todos somos Albert.

A veces nos perdemos para encontrarnos y Albert se encuentra pero se vuelve a perder y entra en una espiral de esas en las que uno tiene que salir solo. Pero no es solo Albert el que se pierde, si al salir de la sala no te has perdido un poquito, quizás debas volver a entrar para aprender a perderte. Encontrémonos, pues en el Teatre Gaudí antes del 1 de marzo, tengo ganas de volver a transitar mi reencuentro.

LIMBO

by on 16:49
IDEA ORIGINAL: CLARA PEYA, ARIADNA PEYA y MÍRIAM ESCURRIOLA (L'ERA DE LES IMPUXIBLES) TEXTO y CANCIONES: MARC ROSICH A partir ...

Font: Ana Maestre (ara.cat)
Limbo és la història de l’Albert, que abans era la Berta. Les vicissituds d’un trànsit que comença amb la prohibició de pujar a l’avió que l’ha de dur a operar-se perquè al seu carnet d’identitat hi apareixen el rostre i el nom d’una noia. Aquesta terra de ningú és el punt de partida des d’on la companyia L’Era de les Impuxibles, que aterra al Teatre Gaudí del 5 de febrer al 3 de març, planteja els reptes, personals i socials, que suposa enfrontar-se a un canvi de sexe.
L’espectacle, dirigit per Míriam Escurriola, s’endinsa en el territori de la dansa-teatre a través de la música en directe de la pianista Clara Peya que pretén que el públic entri en els mateixos llimbs en què es troba el protagonista. “Volíem remoure el cor de tothom. Però no des d’un vessant discursiu ni adoctrinant, sinó suggeridor”, explica la pianista. A més, el muntatge s’ha nodrit dels textos de Miguel Missé i Pol Galofré, dos nois que han viscut en primera persona la realitat de la transsexualitat, reelaborats pel dramaturg Marc Rosich. “La transsexualitat és un tema desconegut i fa plantejar molts dubtes. A més, el Miguel i el Pol tenen una visió molt particular dins la particularitat”, diu Rosich sobre la decisió dels dos de no sotmetre’s a cap operació.
Però l’espectacle no només parla de la transsexualitat, sinó que també planteja com la societat topa amb els seus propis prejudicis. “Ho portem a un lloc que aborda la insatisfacció que tots podem tenir en algun moment. Què passa si estic en un lloc que no es pot etiquetar i què passa si tu no ho entens?”, planteja Mariona Castillo, que dóna vida a l’Albert. També hi actuen Tatiana Monells i la coreògrafa Ariadna Peya. Tot i que hi predomina la crítica i la reflexió, Limbo també està esquitxat d’humor i ironia. La companyia vol que aquesta petita història sigui universal. Un relat que podria començar amb la pregunta: ¿si tu estàs convençut, a qui has de convèncer?