inspirado en un texto de NATZA FARRÉ
dirección VERO CENDOYA
creación e interpretación ALBA FLOREJACHS, GLÒRIA SIRVENT y VERO CENDOYA
ajudant de direcció MERCÈ VILA GODOY
duración 75min
fotografias JORDI LARREA
producción CIA VERO CENDOYA, TEATRE DE PONENT y ICEC
SALA ATRIUM

La unión hace la fuerza y la comedia nos hace más fuertes para superar las adversidades con las que la vida nos sorprende día tras día. Vero Cendoya quería pasar página de su exitoso montaje La Partida y crear una cosa donde los espectadores no pudiéramos buscar similitudes. Dicho y hecho. If (l'últim desig) es un espectáculo de danza-teatro pero donde el texto tiene una gran importancia.

Nada más entrar en sala nos encontramos en una parcela de camping. Auténtica con manguera y todo. Detallista la escenografía de Sebastià Brosa y Sergi Corbera. Tres hermanas y un funeral. La presencia de la madre muerta planeará durante toda la obra. No hay nada que una más que la muerte.



Unidas en la tristeza pero llenas de vida. Insatisfacción a raudales, pero todavía con un hueco para seguir teniendo deseos y aspiraciones. La bofetada en la cara todavía no ha sido lo suficientemente fuerte para aterrizar en un conformismo miserable.

Aunque es un espectáculo de creación, basado en improvisaciones de las propias intérpretes, de fondo todavía se puede apreciar la acidez con la que Natza Farré acostumbra a impregnar sus escritos, además de una fuerte carga feminista y reivindicativa, tan necesaria en estos tiempos que corren. Nada de ser complacientes. If (l'últim desig) es una comedia negra, muy negra, pero tan real como la vida misma.



En este caso la danza es un vehículo más para expresar las frustraciones vitales de las protagonistas. Pero además de la danza hay una fuerte carga de teatro gestual. Una de las escenas más impactantes la protagoniza este tipo de teatro. Sólo puedo decir que impresiona lo que pueden llegar a trasmitir un "par" de brazos.

Vero Cendoya ha sabido elegir el mejor casting. Glòria Sirvent y Alba Florejachs no es la primera vez que demuestran su excelencia como actrices cómicas y es todo un placer para el espectador disfrutar de sus interpretaciones a escasos metros, sin trampa ni cartón.



If (l'últim desig) es un espejo para toda una generación a la que se le prometió el oro y el moro, y después la realidad les regaló otra cosa bien diferente. Esa generación a la que pertenecemos muchos y por la que seguimos luchando. También es un reflejo de aquellas personas que nunca han superado la infancia y todavía viven en ella. 

Ya dicen que la infelicidad está repartida por barrios y a estas tres hermanas han sido demasiado agraciadas con ella. Eso sí el montaje deja un regusto de esperanza final, porque la vida es mejor tomársela con humor aunque sea... negro.

IF (L'ÚLTIM DESIG)

by on 17:59
inspirado en un texto de NATZA FARRÉ dirección VERO CENDOYA creación e interpretación ALBA FLOREJACHS, GLÒRIA SIRVENT y VERO CENDOYA...

de SARAH KANE
traducción ALBERT ARRIBAS
dirección ALICÍA GORINA
intérpretes PERE ARQUILLUÉ, MARTA OSSÓ y BLAI JUANET
duración 1h 45min
fotografías FELIPE MENA
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA, TEMPORADA ALTA 2017
SALA PETITA (TNC)

Recuerdo como si fuera ayer, la montaña rusa emocional que me produjo la primera lectura de Blasted. Tal impacto que tuve que leérmelo dos veces (tenía en mis manos la versión original en inglés) porque pensaba que no era posible que estuviera leyendo lo que había leído y que lo había entendido mal. La segunda lectura me confirmó que no, que había entendido lo que leía.

Desde entonces se convirtió en una obra que deseaba que alguien tuviera el coraje suficiente para representarla, en catalán, castellano, inglés, me daba igual el idioma. Y todavía recuerdo el bote y el grito que di cuando me enteré que iba a ser representada al TNC y dirigida por una mujer, hecho importante y, en las épocas que corren, hasta trascendente. 



Ya puedo decir que la he visto montada, que he visto una de sus representaciones, aunque el resultado real con el que me había conformado en mi cabeza difieren y las expectativas, quizás excesivas, no se han cumplido.

Blasted es una obra muy complicada, no sólo de digerir que aquí ya cada cuál verá que le pasa por dentro, es una obra muy complicada de montar, de dirigir, de interpretar... 

Unos días después de ver el montaje sigo pensando que peca de conservador. Desde la puesta en escena que protege al espectador de una manera un tanto inexplicable a la dirección de actores demasiado contenida.



El texto sigue siendo maravilloso pero eso ya nos venía de fábrica. No logro entender el porqué de las cortinas, que dependiendo de donde te encuentres sentado dificulta la visibilidad de los personajes entre los pliegues. He llegado a pensar que actúan como pantalla, una especie de filtro que haga que el espectador no se crea todo aquello que ve sino que parezca como una caso más de los que salen en las noticias.

Inseparablemente unidas a las cortinas está la elección del diseño de luces de Raimon Rius, excesivamente naturalista, blanco, sin cambios, una búsqueda demasiado remarcada por hacer bonito algo que no lo es. Falta ese ambiente hipnótico y catastrófico que te deja el texto cuando lo lees.



A la puesta en escena se une un comprensible y a la vez discutible casting de actores. Pere Arquillué es un peso pesado de la interpretación catalana, un nombre que hace cartel y que vende entradas, pero que lo único que consigue transmitir su encarnación de Ian es asco, de todo lo que el texto marca que suelte por la boca. Me falta la angustia existencial que dibuja Kane. Tampoco queda bien definida la turbulencia con la que está descrito el personaje, ese mundo interior con un punto psicótico que en manos de Arquillué se ha visto totalmente desdibujado.



Más compensada está Marta Ossó como Cate pero a la que la batuta de dirección tampoco ha sabido encontrar el punto. No se ha querido hacer sangre de un tema tan delicado como los abusos sexuales y se ha dejado que sean las palabras más que las acciones las que den a entender el que está o va a pasar. Ossó tiene la escena más simbólica hacia el final de la obra, donde sin mediar palabra es una bofetada directamente al estómago y sin duda lo mejor del montaje.

La obra de Sarah Kane es más necesaria que nunca. Veinte años después nos sigue dejando mudos su discurso lleno de machismo, xenofobia, misoginia, egocentrismo y una violencia, que aunque nos asalte todos los días a través del mundo de pantallas en el que vivimos, no deja de removernos bien por dentro.



A pesar de que no haya salido convencida de Blasted era tan necesario montarla como el sold out que se ha ganado. Al menos que sea una primera piedra, después de Psicosi de les 4.48, para seguir montando las obras de Kane y para que se hable en femenino desde la silla de dirección en los teatros públicos, ¡que ya va siendo hora!

BLASTED

by on 18:36
de SARAH KANE traducción ALBERT ARRIBAS dirección ALICÍA GORINA intérpretes PERE ARQUILLUÉ, MARTA OSSÓ y BLAI JUANET duración 1h...


texto y dirección DOBRIN PLAMENOV
intérprete CARLES ROIG
duración 75min
producción CIA LA BONDAGE
LLUÏSOS DE GRÀCIA

Reconozco que su título me despertó la curiosidad suficiente para abrir el email de presentación entre la pila que se amontona en mi bandeja de entrada. Una vez superada la primera referencia errónea al conocido actor, ponemos el foco en la ciudad de Orlando y en la tragedia que sufrió la comunidad LGTBQI en el escenario del Pulse. De ahí parte el monólogo, pero ese punto de partida se olvidará en segundos, los que tardamos en dar forma a una historia mucho más compleja.

La muerte como tema principal, pero no en el término general sino en de la propia muerte, eso que para muchos es tabú y otros preferimos ni pensar. El protagonista del montaje ya ha muerto, asesinado por esos que no aceptan la diferencia, y es entonces cuando el mundo de la fantasía entra en escena. Una irrealidad que le hace imaginarse todo lo que le hubiera gustado conseguir si estuviera vivo.



Su limbo particular será un escenario teatral, donde nos recibe mientras preparada un espectáculo que honrará la belleza mientras espera que el amor de su vida aparezca, hoy es el día, hoy llega ese amor tan esperado. Xevi Oró ha diseñado una escenografía de ensueño, práctica y que constantemente da juego a las acciones del personaje. 

El diseño de luces es una de las piezas más importantes del espectáculo. Irene Ferrer nos hace entrar en el mundo de ensoñación desde el primer minuto, aunque es discutible su acción de más sombras que luces en los minutos finales que dificultan la visión en determinados lugares de la sala.



Pero pese a que el montaje requiere de una fuerza especial en lo que se refiere a la técnica, la voz cantante la lleva el intérprete, Carles Roig por el transcurren las diferentes etapas de percepción de una toma progresiva de contacto con la situación. Roig despliega un sorprendente abanico de versatilidad y de golpes de efecto que ayudan a entender el mundo y los conflictos internos por los que transita el personaje. 

El espacio escénico no ayuda al montaje. Los Lluïsos de Gràcia con platea a la italiana y con escenario alzado no sería la mejor disposición para un montaje como el de la Compañía Bondage, que se ha especializado en un teatro intimista y de una poética que indaga el dolor humano

Durante buena parte del ensayo general, que es en lo que se basa esta crónica/crítica me imaginaba el mismo montaje en platea a cuatro bandas con escenario en el centro y a pie de público. La cercanía entre el actor y el público propiciaría una sensación de comunión de la angustia existencial del personaje, que ahora sólo nos llega a retazos.



Orlando Boom es una residencia artística de los Lluïsos Teatre al que le falta un necesario rodaje (normal en estos casos) que pula algunas aristas y que me encantaría volver a ver después de un tiempo, en un escenario que le haga más justicia. Y por supuesto, la hasta ahora desconocida Compañía Bondage, se ha ganado mis ganas de seguir descubriendo sus poéticas futuras.

ORLANDO BOOM

by on 17:22
texto y dirección DOBRIN PLAMENOV intérprete CARLES ROIG duración 75min producción CIA LA BONDAGE LLUÏSOS DE GRÀCIA Recono...


de ROC ESQUIUS
dirección SERGI BELBEL
intérpretes ENRIC CAMBRAY y MIREIA PORTAS
duración 80min
fotografías ROSER BLANCH
producción FLYHARD PRODUCCIONS
SALA FLYHARD

Sergi Belbel y Roc Esquius nos invitan a jugar, una especie de juego de rol de poderes sobre la futurible amenaza de que un día el Homo Sapiens no sea quien controle el mundo. Al principio del juego, el mundo que dibuja la serie Supergirl está muy presente, aunque en Sàpiens las cosas no son tan sencillas.

El despacho del nuevo consejero de salud es la pieza clave de todo el entramado. Presentación de una trama (que no desvelaré porque es mejor ir con los ojos cerrados), que al principio podemos pensar que se aguanta con pinzas, pero que con los elementos precisos se acabará convirtiendo en una espiral de sucesos que dejaran al público completamente hipnotizado.



La dramaturgia de Roc Esquius ha dado un salto de gigante. Sólo hace unos meses de aquel Claqué o no, cuyo ritmo afortunadamente nada tiene que ver con el de ahora. Se nota la mano de Belbel, que sabe perfectamente dirigir al público hacía la comedia para girarlo a la perfección posteriormente en los momentos de mayor intriga.

Además del ritmo, otro de los aciertos del montaje es el reparto. Si hace unos días, Enric Cambray ya asombraba con un papel cómico en Alpenstock, aquí podíamos decir que se consagra en el género (con permiso de Les dones sàvies). Sin duda, y más después de ver los cambios de registros cómicos de la última parte de la pieza, Cambray es uno de los intérpretes jóvenes a quien mejor le sienta el traje de las producciones cómicas.



Acostumbrada como estoy a verla en la pequeña pantalla, disfrutar de la interpretación de Mireia Portas a metro y medio es un lujo. Su personaje es la clave del montaje y su interpretación, en medio del juego de las manipulaciones, es hipnótica. Junto con Cambray hace que Sàpiens sea una clase magistral de cómicos.

Sàpiens exige un espectador capaz de entrar en su juego, al que no le importe ser manipulado, porque está dentro del viaje, al que le encante el surrealismo y la sci-fi, porque de esto último hay por un tubo. A cambio recibirás una dosis extra de carcajadas y saldrás de la sala cuestionándote y sin saber a quién te puedes encontrar al doblar la esquina.

SÀPIENS

by on 15:00
de ROC ESQUIUS dirección SERGI BELBEL intérpretes ENRIC CAMBRAY y MIREIA PORTAS duración 80min fotografías ROSER BLANCH prod...


con LAIA ALSINA RIERA, MARIA CIRICI, LAURA PAU, GERARD SESÉ / FERRAN VILAJOSANA
con la colaboración de CAMILO GARCÍA y MAIFE GIL
dirección MARTÍ TORRAS MAYNERIS
dramaturgia MARTÍ TORRAS MAYNERIS y THE FELIUETTES a partir de textos de MARTI TORRAS MAYNERIS, MIREIA GIRÓ y GERARD SESÉ
duración 90min
fotografías TONI MÁRQUEZ
producción VÀNIA, WKND-Teatre y THE FELIUETTES
SALA MUNTANER

Soy carne de los 80 y mente de los noventa. Curro Cobi Naranjito no sólo forman parte de mi universo sino que suponen un viaje directo a mi infancia. Eso sí, The Feliuettes siguen siendo fieles a su esencia y vuelven a crear un espectáculo gamberro donde hacen disfrutar mucho y más a la generación que ya ha cumplido los treinta.

La dramaturgia es un compendio imposible de aquellos años, en lo que no éramos conscientes de lo que vivíamos ni de cómo aquello te marca para siempre. Ahora desde nuestros yo del futuro ver un montaje de estas características es como que te disparen con una metralleta. ¡Qué descarga de energía!



Si bien es cierto que tal cúmulo de marcas, series y objetos es excesivo lo tomes por donde lo tomes y la dramaturgia cae una y otra vez en ese exceso. Entre canción y canción  de este cabaret/musical hay una historia que contar, la búsqueda de un padre que se fue a por tabaco y nunca volvió.

Desde el primer segundo, con esa entrada magnífica que hace sentir a los espectadores como en casa, los intérpretes te hacen vivir su propia historia, es un viaje compartido. Es la mejor parte del montaje, sentir que tu eres parte de ese todo, que a pesar de tener padre, siempre buscas esa figura de ser superior y mágico que pierdes cuando te haces mayor y dejas de creer en cuentos mágicos.



Pero no nos dejemos llevar por la nostalgia, el exceso de elementos le juega una mala pasada al montaje. Se ha forzado al límite la máquina y el resultado es desigual. Una entrega fantástica de las intérpretes que se queda diluida entre un mar que quiere abarcar todo y que abusa de la carcajada fácil.

Pese a todo siempre nos gusta recordar de donde venimos y que como espectadores jugar a buscar referentes. Vocalmente funciona muy bien y sales cantando de la sala, lo que ya es un must para cualquier espectáculo musical. Siempre nos quedarán los 80/90, ¡qué felices que éramos!

COBI CURRO NARANJITO

by on 19:40
con LAIA ALSINA RIERA, MARIA CIRICI, LAURA PAU, GERARD SESÉ / FERRAN VILAJOSANA con la colaboración de CAMILO GARCÍA y MAIFE GIL di...


dramaturgia MARIA PORRAS
adaptación COMPANYIA ÉSGRATA
dirección EDUARD TUDELA
intérpretes LAIA ALBERCH, GEORGINA LATRE y JAVIER LÓPEZ
duración 60min
fotografías INGRID RIBAS
producción TEATRE TANTARANTANA
ÀTIC22 (TEATRE TANTARANTANA)

Comienzo el 2018 subiendo al Àtic22, un espacio que hacía tiempo que no pisaba. Sobre el papel este Punt de Fuga o la moral de l'herbicida parecía otra vuelta de tuerca más al concepto de aniquilar la humanidad. Y, en realidad, lo es, ¿pero a qué precio?

Por meternos en situación, venimos de un 2017 marcado por series como The Handsmaid's Tale (El cuento de la criada) o Westworld. Ya tenemos bien aprendido que algunos sueñan o imaginan que un mundo sin seres inútiles es posible. Por eso cuando lees en el programa de mano, las palabras: fin de la civilización, errores, o libertad de acto; piensas a ver qué hay de nuevo.



Y efectivamente todo esta inventado, contado o casi, porque a pesar de todo los ojos del público joven ya han visto más ficción de lo que algunos dramaturgos creen. El inicio del montaje es estimulante, la mezcla de las proyecciones de video con una escena inmóvil crea el deseo en el espectador de querer saber más. 

El problema llega después de la parte proyectada. Es entonces cuando después de un inicio que quiere huir del teatro convencional, se cae en un forzado teatro de texto. Un texto, que entra con calzador en la mayoría de situaciones, y que sobra más que aportar alguna cosa.

El montaje pretende encajar un surrealismo o ficción pasada de vueltas con una realidad cercana gracias al texto. Las transiciones pretende romper, desencajar al espectador, sacarle de su sueño, pero realmente añaden leña a un fuego extinto.



Delante del desconcierto del montaje, las interpretaciones sufren y la dirección de Eduard Tudela no las ayuda a encaminarse. Dentro del histerismo indescriptible del personaje de Georgina Latre y de la falta de convicción de Javier López, encontramos una Laia Alberch que retrata con algo más de precisión y serenidad el alucine de obra que tenemos delante.

Mentiría si afirmara que me he creído algo de lo que he visto. Ante una dramaturgia dispersa, que busca encerrar demasiados conceptos pero no desarrolla ninguno de ellos, el espectador sólo ve fotogramas indistintos delante de sus ojos sin orden ni concierto. Primer des-propósito del año: siempre nos quedarán las series.