a partir de FAUST de J.W. GOETHE
adaptación y dramaturgia ANNA MARIA RICART
dirección MARC CHORNET ARTELLS
intérpretes TONI GUILLEMAT, NEUS PÀMIES, MARTÍ SALVAT, ROSER TAPIAS y CRISTINA ARENAS
duración 75min
fotografías DAVID RUANO
producción TEATRE AKADÈMIA y PROJECTE INGENU
TEATRE AKADÈMIA

Projecte Ingenu vuelve a actualizar un clásico dándole lo que ya podemos decir con la boca bien abierta, el toque Ingenu. Un texto, que aunque no ha perdido actualidad, necesita un buen acompañamiento en forma de puesta en escena para que nuestros ojos sean capaz de vislumbrar la magnitud de la tragedia. 

Projecte Ingenu sigue la estela marcada en Vaig ser pròsper que vimos en primavera, la apuesta escénica de Laura Clos "Closca"(escenografía) y David Bofarull (iluminación) es de aquellas que nos deja boquiabiertos, un formato visual a la altura de los grandes "genios europeos", un concepto de dejar que el espectador se recree y que deja al texto en un segundo plano.



Partiendo de la premisa principal de Fausto, ¿cuántas veces has vendido tu alma al diablo? Projecte Ingenu construyen un relato ya no tan futurista sobre cómo el ser humano actual vendería la suya por construirse una vida virtual a su medida.  La tecnología es el diablo de esta era, la que nos promete una vida de ensueño y grandes lujos muy alejadas de la que nuestros ojos ven todos los días.

Como no podía ser de otra manera, Fausto acepta la propuesta del diablo y, junto con Mefistòfil, se sumerge en un mundo que aunque atractivo de primeras, quizás no sea todo lo apetecible que parecía a simple vista. Projecte Ingenu nos invita a reflexionar sobre quién no es un Fausto en un momento u otro de nuestras vidas. ¿Quién tiene la respuesta correcta?



Coordinación perfecta a nivel interpretativo, inFAUST es una obra muy coral. El espacio sonoro de Pol Queralt queda perfectamente mezclado con la música original de Neus Pàmies, que imprime ese toque clásico de la compañía, de canciones a capella, en solitario o en compañía.

Projecte Ingenu es una compañía que trabaja sus montajes como si fueran artesanía y eso se nota en cada uno de ellos. A pesar de que se escapan cada vez de los límites y dan un paso más allá, los Ingenu siguen apostando por cuidar hasta el mínimo detalle. inFAUST es su montaje donde la espectacularidad adquiere un nuevo significado y en el que su estética abandona el naturalismo y se sumerge en la vanguardia más europea



No hay límites, nos ha quedado claro. La apuesta de Projecte Ingenu siempre ha sido caminar sobre seguro, con los pies en el suelo, pero sin saber qué significa la palabra conformarse con seguir haciendo lo que saben hacer. Marc Chornet dirige a la que, sin temor a equivocarme, es la compañía de teatro más innovadora de Catalunya. En febrero nos espera Jan/a sobre "El Teatre de Don Joan" de Josep Maria Palau i Fabre en el Escenari Brossa. Ya tengo el paladar a punto. De momento, te recomiendo que vendas tu alma al diablo más Ingenu

inFAUST

by on 15:20
a partir de FAUST de J.W. GOETHE adaptación y dramaturgia ANNA MARIA RICART dirección MARC CHORNET ARTELLS intérpretes TONI GUILLE...

dramaturgia JASMINE WOODCOOCK-STEWART y RINA VERGANO (Eurohouse) y LOUISE STEPHENS (Palmyra)
intérpretes BERTRAND LESCA y NASI VOUTSAS
duración 60min cada una
fotografías ALEX BRENNER
producción BERTRAND LESCA y NASI VOUTSAS 
LLIURE DE GRÀCIA

Atreverse a ver diferentes tipos de montajes, de dramaturgias, entender a dejarse de mirar el ombligo y abrir los ojos a diferentes miradas. Sin saber qué ni a quién iba a ver y con una sala totalmente desnuda, empieza uno de los espectáculos más eclécticos que se ha podido ver recientemente en el Lliure.

Base de performática, estas dos piezas giran entorno al concepto de poder. En Eurohouse nos sumergimos en las telarañas y en las cloacas de la tan odiada Unión Europea, y más desde la crisis. Esa en la que Grecia perdió algo más que un puñado de miles de millones de euros. Desde un punto de vista de juego de niños, nos sumergen en una metáfora detrás de otra, haciendo uso de la palabra, la música (odiarás la versión francesa de My way después de ver esta pieza), el movimiento e incluso algunos fragmentos "circenses". El espectador necesita saber leer entrelíneas y entrar en el juego que se les proponen. Tarea no excesivamente fácil al principio, hasta que entiendes el código del espectáculo.



Por el contrario, Palmyra es mucho más fácil de entender, no necesita una profunda lectura entrelíneas, es mucho más visual que conceptual. La dramaturgia está mucho más conectada con las acciones que se representan en escena y el texto, una vez entiendes el código de la primera, fluye sin menor problema. Quizás sea más completa la primera, pero las imágenes y la temática de la segunda está más conectada con nuestras vidas actuales.

Con el escenario lleno de platos rotos, despedimos la sesión preguntándonos quién recogerá ahora toda la destrucción que ha quedado reflejado en el suelo del escenario del Lliure pero que es mucho mayor la que ha asolado nuestras cabezas. Pero, era eso a lo que habíamos venido, ¿no? 

EUROHOUSE / PALMYRA

by on 14:14
dramaturgia JASMINE WOODCOOCK-STEWART y RINA VERGANO (Eurohouse) y LOUISE STEPHENS (Palmyra) intérpretes BERTRAND LESCA y NASI VOUTSAS...

dramaturgia PAU MATAS NOGUÉ y ORIOL PLA SOLINA
dirección ORIOL PLA SOLINA
intérpretes DIANA PLA, ORIOL PLA, QUIMET PLA y NÚRIA SOLINA
duración 1h 15min
fotografías ROS RIBAS
producción TEATRE LLIURE
ESPAI LLIURE 

Decía la semana pasada alguien en Twitter que no se deberían escribir críticas sobre este espectáculo porque no hay palabras que describan toda la belleza que contiene. Se queda corto el diccionario de sinónimos para ensalzar una vez más la figura de Oriol Pla, uno de los artistas actuales más completos que encontramos encima de un escenario. 

De casta le viene al galgo. Después de ver este montaje comprendes todo el significado que esconden frases hechas como ésta. No sólo es la figura de Oriol Pla la que toma un significado de qué hará la próxima vez para sorprendernos sino que el concepto de familia de artistas queda definido a la perfección.



Cómo hacer creernos que el espectáculo no tiene dramaturgia, que no tiene esencia, que todo ha sido un juego de niños, que tengamos la edad que tengamos nos vamos a ilusionar de la misma manera... Travy es todo aquello que deseamos encontrar encima del escenario condensado en poco más de una hora. Aquellas veladas que desearías que no se acabaran nunca y que viven más allá de la larga tongada de aplausos.

Entradas agotadas desde el principio en el Lliure, incluso la prórroga. Les espera una larga gira, porque Travy es de esas obras que deberían estar un largo y seguido número de temporadas sin abandonar la cartelera, para que la viera todo el mundo, para que la disfrutarán todos aquellos que nos maravillamos nada más cruzar la puerta.

No me atrevido ni a abrir el diccionario de sinónimos para poner uno detrás de otro. Mejor te aconsejo que les persigas, que te dejes atrapar por el mundo de Travy y después me cuentas si hay algún sinónimo al que le haga justicia tanta maravilla.

TRAVY

by on 13:12
dramaturgia PAU MATAS NOGUÉ y ORIOL PLA SOLINA dirección ORIOL PLA SOLINA intérpretes DIANA PLA, ORIOL PLA, QUIMET PLA y NÚRIA SOLIN...

texto de JOAN RUSIÑOL
dirección JOAN ANGUERA
intérpretes PAULA BLANCO, PEP FERRER, ALBERT PRAT y FINA RIUS
duración 1h 25min
producción SALA BECKETT
SALA BECKETT

Un terrorista sale de la prisión después de cumplir su condena y quiere recuperar el tiempo perdido y "recuperar" la relación rota con su familia. Pero las cosas no son como se las contaron, la realidad siempre es bien diferente.

Joan Rusiñol pone sobre la mesa una tragicomedia de secretos familiares que "por el bien de unos y otros" se han encerrado en el desván y que la puesta en libertad de su principal implicado hará que se destapen. Entre medio de tanto secretismo, nos encontramos con otros temas secundarios como encontrar los límites entre la vida profesional y la personal, los valores morales de alguien que se ha dedicado a la lucha política armada o la dedicación familiar.



Con una dramaturgia perfecta, que sigue fil per randa la estructura de cualquier manual de dramaturgia, Joan Rusiñol teje las diferentes telarañas de relaciones personales del montaje. Una madre, Fina Rius, extremadamente protectora con su hijo, Albert Prat, mientras que éste busca venganza. La pareja del hijo, Paula Blanco, busca un titular que salve su trabajo en el reciente terrorista liberado, Pep Ferrer. Todos conjugan a la perfección con lo que sus personajes piden.



La pulcritud dramatúrgica conjuga perfectamente con la cuidada y milimétrica dirección de Joan Anguera. Ofici de Tenebres es un montaje de corte clásico donde todos los elementos ocupan su lugar preciso. Pese a ello se echa de menos un toque rompedor en el espacio sonoro. Barbara Granados ha decidido dejar todo el protagonismo a la palabra y al silencio y hubiera encajado más un sonido más cinematográfico, aquel que deja el corazón en un puño tras la sentencia de algunas réplicas. 

Sin duda, la mejor manera de sumergirse en esta maraña de tinieblas es acudir a ver la obra sin saber nada más que aquello que se especifica en el programa de mano y dejar que en el transcurso del mismo la dramaturgia sea quien te abra los ojos. ¡Feliz despertar!

OFICI DE TENEBRES

by on 15:08
texto de JOAN RUSIÑOL dirección JOAN ANGUERA intérpretes PAULA BLANCO, PEP FERRER, ALBERT PRAT y FINA RIUS duración 1h 25min pro...

dramaturgia e interpretación JUDITH CORONA, MÒNICA MOLINS, LAIA PUJOL y MARIA TEN
dirección MARIA TEN
duración 60min
fotografías ARIADNA PUJOL y LIBORIO SÁNCHEZ
producción LES FUGITIVES
SALA ATRIUM

Este pequeño montaje es toda una caja de sorpresas. La primera nos la encontramos nada más entrar en la sala, escenario desnudo, pero con una imponente bañera blanca con los bajos pintados de negro. Contraste total con las fotos promocionales como la que encabeza el post. Un guitarra eléctrica espera en un rincón a medio iluminar.

Las cuatro protagonistas aparecen vestidas únicamente con un body color carne y unas zapatillas de plástico, se presentan en medio de un discurso entrecortado que ya desvela una pequeña parte de la munición que sus monólogos contienen.



Pese a su juventud, ninguna de ellas llega a los treinta, el mensaje es contundente. En cada monólogo se aprecia las dificultades, abusos, condicionantes que tenemos que pasar/sufrir las mujeres sólo por el hecho de serlo desde la cuna. Un relato descriptivo de diferentes situaciones, conocidas y vividas, que ponen los pelos de punta y que provocan un silencio absoluto en la sala que corta la respiración.

No hay salida, no hay opción, los espectadores quedamos sumergidos en su bañera, atrapados en una maraña de sentimientos difíciles de expresar con palabras. Veu de Dona es uno de esos montajes que en que los aplausos te "despiertan" del letargo donde tus sentidos se han adentrado sin saber a ciencia cierta que les esperaba en el camino.



La puesta en escena se sumerge en nuestros "pequeños" horrores cotidianos, dándoles una pátina de esperanza y poesía. Cada monólogo tiene una clara diferencia estética y aunque todos tienen a la bañera como punto clave escénico, ésta adquiere diferentes significados y protagonismo. La caracterización de Laia Pujol se encarga de poner elementos imprescindibles para llenar por completo de significado el discurso.



No hace falta enmarcarse detrás de un personaje para sentirse identificada en cada una de las palabras del texto. Los sentimientos y humanidad es lo único que necesita el espectador que elija sentarse en la sala y darse de bruces con la realidad que cada vez llega antes, pero que afortunadamente cada vez es más visible y denunciable en voz alta y las nuevas generaciones lo vuelven a dejar claro.

VEU DE DONA

by on 13:52
dramaturgia e interpretación JUDITH CORONA, MÒNICA MOLINS, LAIA PUJOL y MARIA TEN dirección MARIA TEN duración 60min fotografías A...

Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Protagonismo de las mujeres es el lema de la temporada de festivales que hemos comenzado. Parece un virus, todos y cada uno de ellos tienen, haciendo el símil de la música, como cabeza de cartel nombres femeninos. Vale muy bien, ¿pero qué más? Porque para ver mujeres sólo hace falta salir a la calle.

El Festival Escena Poblenou apuesta en edición de 2018 (del 17 al 21 de octubre) por mujeres con espíritu crítico. Sigo pensando que de eso en los tiempos que corren, en mayor o menor medida lo tenemos tod@s. Se remarca mucho la consideración que no sólo son mujeres creadoras, sino que todo el espectáculo tenga una presencia mayoritaria femenina, eso ya me gusta más.

El Festival empezará cañero, con la primera jornada dedicada exclusivamente a la visibilidad femenina con un Diálogo sobre la Visibilidad y la presencia de las mujeres y creadoras en la escena: Somos Aquí, voces, miradas y presencia en el que participarán entre otras, la comunicadora y activista Bel Olid y la periodista Júlia Beltran.



De entre las propuestas creadas, pensadas, interpretadas y dirigidas por mujeres destacan títulos como Màtria de Carla RoviraLas Muchas de Mariantònia Oliver, Zen x Zen de Joana Brabo, De non un instant tan breu dirigida por Claire Heggen (de La Mecánica & Théâtre de Mouvement) o Realitats Avançades, de la activista y agitadora cultural Simona Levi.

También hay propuestas de autoría compartida como We Fear de Dimitri Ialta & Virginia Fochs (Jordi Duran y Eva Freixa), Showdow#1 de la Compagnie d'Elles (Yaëlle Antonine, Didier Rembrant), Lady, Frank & Stein de la Cia. Movimients (Rosa Forteza, Alejandro Navarro y Núria Valerio) y el espectáculo infantil Alles dirigido por Angela Peres y Koldo Arostegui.



En otro orden de cosas hay piezas que giran alrededor de la figura de la mujer como La Bugada, un proyecto de teatro social interpretado por mujeres del barrio de Poblenou, dirigido por el colectivo Labuena Compañía o el anteriormente citado Las Muchas, un espectáculo que cuenta con la participación de mujeres de más de 70 años del mismo barrio y que habla de la fragilidad de los cuerpos que ya no pertenecen al "corpus"social pero que están más vivos en que nunca, y sobre todo más libres.




Para terminar con la temática feminista no tenemos que olvidarnos, de lo que podrían ser las propuestas más rupturistas del festival como Ser Britney Spears y Videoplaylist del colectivo Leer es Sexy (Cris Celada y Tomás Castro) o Unheimlich de la Cia Pelipolaca y Les Desvestides, que pretende ser una revisión de nuestro comportamiento como espectadores delante de cuerpos exhibidos en lo que entenderíamos como ″arte″.



Después de tal enumeración de tipos de mujeres, de tipos de feminidad, la pregunta está clara ¿y tu con qué tipo te identificas más? Sea cual sea la respuesta, seguro que encontrarás un espectáculo acorde en el Festival de Poblenou. 
¡Entra en su web y decide con cual te quedas!


texto y dirección CARLA TORRES
intérpretes PEPO BLASCO, XAVI GARDÉS, CLARA MANYÓS, EU MANZANARES y RUTH TALAVERA
duración 1h 30min
fotografías ROSER BLANCH
producción FLYHARD PRODUCCIONS
SALA FLYHARD

Una historia de lucha. Una historia de ideales. Una historia de amor. La inocencia. Un juego de niños. Los límites de la incorruptibilidad de la justicia. ¿Dónde se acaban la ficción y dónde empieza la realidad? Carla Torres intenta descifrar el enigma de la sociedad actual de los últimos con la historia de estas dos jóvenes "heroínas"que se creyeron imbatibles pero que pierden la partida en el primer tiro de dados.

Una niña pija que quiere probar a ser progre y en vez de seguir el camino establecido por su madre, se matricula en la universidad pública y descubre su "verdadero yo" en los movimientos de protesta estudiantiles. Después de una noche de protestas, es detenida, junto con su novia, con distinto status social que ella y el sueño de guerreras se va diluyendo mientras esperan a que su madre, jueza, venga al rescate.



A partir de este momento tanto espectadores como protagonistas establecen un duelo moral sobre qué es más importante si los ideales/el amor o las obligaciones de haber nacido en una familia concreta. La dramaturgia opta por darnos sus razones en una interminable enumeración de pros y contras entre lo que dicta el corazón y lo que dicta la cabeza. 

El mini escenario de la Sala Flyhard se hace grande para hacer caber un andamio y vestir a todos sus protagonistas de obreros que  lo habitan, trepan por él y sirve para representar desde el refugio o una celda hasta la sala de un juzgado o un coche. De hecho, la puesta de escena diseñada por Anna Tantull (escenografía), Xavi Garcés y Fernando Portillo (iluminación) y Xavi Garcés y Carla Torres (espacio sonoro) es uno de los puntales del montaje.



Aunque la pieza está creada para una interpretación muy coral, el peso de la historia recae en los personajes femeninos de las heroínas de la decepción interpretadas por Clara Manyós, que contagia su inocencia y alegría con una simple mirada, y Eu Manzanares, que hace lo propio con un discurso de lucha que aunque ficticio supera con creces las expectativas e invita a sumarse a la causa.

¿Claudicar y morir o seguir en una lucha permanente que no sabemos que nos reportará? La respuesta quizás no exista, llevamos toda la humanidad con los mismos interrogantes, pero al menos Estat de decepció, en la Sala Flyhard durante todo el mes de octubre, te dará argumentos para seguir cuestionándolo todo para al menos cambiar, por un rato, el mood

ESTAT DECEPCIÓ

by on 19:50
texto y dirección CARLA TORRES intérpretes PEPO BLASCO, XAVI GARDÉS, CLARA MANYÓS, EU MANZANARES y RUTH TALAVERA duración 1h 30min ...

texto de SERGIO BLANCO
dirección NATALIA MENÉNDEZ
intérpretes PABLO ESPINOSA y PABLO GÓMEZ-PANDO
duración 1h 45min
fotografías VANESSA RÁBADE
producción SALVADOR COLLADO y EL PAVÓN TEATRO KAMIKAZE
SALA PETITA (TNC)

Dice Natalia Menéndez su directora en el programa de mano que estamos ante la tragedia más inquietante de este inicio del siglo XXI. No tengo tanta capacidad para saber si es cierto o no, no creo haber visto/ leído un número suficiente para corroborar tal afirmación. Pero sí que estoy convencida que es una de las obras que me han hecho cuestionarme, durante toda su duración sentada en la platea de la Sala Petita del TNC, cuál era mi posición ante los hechos planteados y qué significa estar en uno u otro bando.

Si hace unos días el mismo autor nos tomaba el mito de Narciso para jugar con el espectador en La ira de Narciso, aquí seguimos con los mitos y en este caso es Edipo quien salta a la palestra y nos somete a otro tipo de juego el de adivinar cuáles son los impulsos que llevan a cometer un asesinato, en este caso un parricidio. Volvemos al esquema de un dramaturgo que busca escribir la historia del parricida, una obra que hable de aquello que ni el sumario ni los medios de comunicación hablan. Aquello que sólo puede contar en primera persona el que cometió el crimen.


Una cancha de baloncesto, cuatro cuartos y una prórroga, una jaula física y mental, una continua entrada y salida entre la ficción y la metaficción, teatro dentro de teatro como si fuera una interminable matrioshka. Un puzzle con piezas que no encajan y con tantas aristas que cortarían las sensibilidades más ásperas. El telón invisible vuelve a la infancia, a la homosexualidad, a la vida que decidimos vivir, a la que nos imponen, a la que somos sometidos y de la que decidimos escapar, no siempre de la mejor manera posible.

Con una cambio de reparto con respecto al elenco que se pudo ver en el Pavón Kamikaze, Pablo Gómez-Pando imprime una tranquilidad física que contrasta con el ritmo acelerado de la obra, de las palabras, de las voces y de los actos de su compañero en escena, Pablo Espinosa. Pese a que el tempo, a veces, parezca que se nos escape de las manos y sea el espectador quién tenga que estar a la altura para captar todos los detalles que marcan la obra, el montaje deja un sinfín de metralla que va explotando poco a poco en nuestras cabezas.



Salvando las distancias, la dramaturgia de Tebas Land me acabó  llevando a un terreno similar al que me trasladó Port Arthur de Jordi Casanovas, aquel donde dejas de ver el crimen y te centras en la persona que se esconde detrás de él, haciendo reales los motivos y olvidando que el arma va más allá que un simple trozo de metal. Empatizar con el horror, aquel que en diferente grado nos hace seres humanos y no piedras. Aquel para el que ya no sirve ni la violencia. 

TEBAS LAND

by on 13:57
texto de SERGIO BLANCO dirección NATALIA MENÉNDEZ intérpretes PABLO ESPINOSA y PABLO GÓMEZ-PANDO duración 1h 45min fotografías V...

texto PAUL BERRONDO y LES COT
dramaturgia y dirección PAUL BERRONDO
música, dirección musical y piano ÓSCAR PEÑARROYA
letras CÈSAR APARÍCIO y MARIA VIÑAS
intérpretes MAR MAESTU, MARIA VIÑAS y ELIA CORRAL
duración 1h 30min
fotografías JOSE NOVOA y SENÉN ESCODA
producción LES COT
ALMERIA TEATRE

Tres amigas se van a París a hacer realidad el sueño de una de ellas, ser madre. Pero entre Barcelona y París hay un montón de kilómetros en coche, tiempo que se puede aprovechar para muchas cosas y que ellas repasan sus vidas presentes, pasadas y futuras. 

Los niños vienen de París, y a la capital francesa la gente también busca el amor. Dos puntos de partida que son dos de los tópicos más conocidos de la historia universal. Pero que el montaje explota, por si no estuvieran poco manidos ya de entrada. Es verdad que no todo es color de rosa en la obra, ya que el happy flower es muy aburrido, y después de una somera presentación de caracteres, el montaje se vuelve negro, muy negro.



Pero pese a la oscuridad, se observan la repetición de algunos parámetros ya utilizados en otras obras protagonizadas por mujeres con los que no me puedo sentir representada y que además me ponen de mal humor. No consigo entender porqué siguen intentando que nos tenga que hacer gracia que cuando se juntas tres mujeres todas quieran/pretendan hablar al mismo tiempo o que nos pasamos la vida discutiendo. Y por supuesto me cansa de sobremanera que todas en algún punto de nuestra vida acabemos locas perdidas buscando el "hombre perfecto" o la media naranja. Me he debido de perder algún capítulo de la última década larga.





Quizás tanto tópico venga porque los personajes también son estereotipos. Carme, Maria Viñas, es una peluquera que aspiraba a todo en la vida y se tuvo que conformar con aparejarse con el primero que le tiró una flor y ahora vienen los arrepentimientos. Olga, Mar Maestu representa la pija que estudió una carrera y que tiene una vida que al menos de puertas para afuera parece idílica. Y Tere, Elia Corral, es maestra pero quiere ser madre cueste lo que cueste.

La puesta en escena de Jose Novoa funciona, simplicidad absoluta con tres paneles de madera y cuatro cajas pero deja fluir el espectáculo para que el público se concentre en la interpretación textual y vocal. Más cuestionable sería el diseño de iluminación de Roc Lain que se ha quedado excesivamente centrado en los años 80 y aporta poca naturalidad al montaje. Choca ver tanto colorín decorando las escenas.



París le falta un punto gamberro como comedia musical negra. Y un aire más feminista que no se quede en los tópicos tan conocidos que ya cansan. La ciudad de París es más que una postal que colgar en Instagram, siempre ha sido un cóctel bastante más revolucionario que un simple chiste cargado de buenas intenciones. Esta vez presiento que debo acabar diciendo "ya no nos queda ni París".

PARÍS

by on 20:05
texto PAUL BERRONDO y LES COT dramaturgia y dirección PAUL BERRONDO música, dirección musical y piano ÓSCAR PEÑARROYA letras CÈSAR...

dramaturgia SERGIO BLANCO
dirección CORINA FIORILLO
intérprete GERARDO OTERO
duración 60min
producción TIMBRE 4
LA BADABADOC

Vuelvo a La Badabadoc, el lugar donde abrí el cuaderno de mi temporada teatral soñando con caballos buscando repetir el éxito, de nuevo con otra pieza de teatro porteño, del que ya es el dramaturgo de moda en Barcelona/Catalunya, Sergio Blanco

En esta ocasión nos trasladamos a la 228 habitación de un hotel de Liubliana donde nuestro dramaturgo asiste durante una semana a un ciclo de conferencias, pero entre charla y charla busca compañía en Gindr. Este es el planteamiento de partida de este monólogo lleno de flashbacks y flashfowards que conducen al espectador por la delgada línea divisoria entre la ficción y la realidad. Un thriller que nos guía a través de un laberinto de soledad, sexualidad, muerte y belleza.



Si bien es cierto que la historia, que no desvelaré, te atrapa desde el comienzo, despierta en ti una necesidad de realmente saber si tus pensamientos y conjeturas serán las mismas que las de la dramaturgia, en algunos momentos falla el ritmo. Es un montaje donde el actor (al menos en la versión que hemos podido ver en Barcelona) hace de intérprete y de técnico a la vez y con un alto componente tecnológico, cosa que hace que el espectador rompa en segundos su estado de sumersión en la obra.

Pese a ello, el juego que autor y actor han conseguido establecer con el público es suficientemente atractivo que la atención no decaiga y se mantenga durante la hora de duración. La parte audiovisual, aunque tenga un perfil de teatro alternativo, de una sala tan diminuta como La Badabadoc, está bien cuidada y ayuda al desarrollo del montaje.

El teatro argentino ha encontrado su lugar predilecto en la pequeña sala de Gràcia, que se llena de magia en cada chance que tienen de hacer que las compañías crucen el charco. Es increíble como en sus escasos metros cuadrados se puede concentrar tanta verdad. Vete a descubrir la vida, aunque en este caso sea autoficcionada. 

LA IRA DE NARCISO

by on 20:30
dramaturgia SERGIO BLANCO dirección CORINA FIORILLO intérprete GERARDO OTERO duración 60min producción TIMBRE 4 LA BADABADOC ...

creación JOSÉ Y SUS HERMANAS
dirección SÍLVIA FERRANDO
intérpretes FRANCESC CUÉLLAR, ALEJANDRO CURIEL, MARTA DÍEZ, CAROLINA MANERO, GEMMA POLO y GLÒRIA RIBERA
duración 1h 20min
producción FESTIVAL TNT-TERRASSA NOVES TENDÈNCIES y JOSÉ Y SUS HERMANAS
FESTIVAL TNT

Expectación máxima por uno de los estrenos más esperados del festival. Si el franquismo quedó bien retratado en su primera obra Los bancos regalan sandwicheras y chorizos, ahora le toca el turno al sistema educativo.

En esta ocasión han decidido que prime el texto por encima de la parte más visual como pasaba en su primer montaje, y es esta decisión la más cuestionada de todas. Si algo me va atrapar de su espectáculo anterior era la multidisciplinariedad de lenguajes utilizados. Aquí sin dejar la evolución a parte la suma excesiva de la parte textual le resta agilidad al ritmo de escena.

Si hay algo que saben conseguir José y sus hermanas es el primer impacto, y aunque ciertamente alargada, la primera escena es lo suficientemente provocativa para que te convezca de no despegar la mirada de escena. Una escena prácticamente desnuda de muebles recibe a un espectador, que ya se encontró con una caja negra en su montaje anterior, pero que sabe que la magia escénica está a punto de llenar la sala.

Al igual que pasaba con los bancos y las sandwiches el lenguaje del texto adquiere un registro coloquial, de calle, tal y como hablan los jóvenes de hoy en día. Eso no quita que el montaje tire otra vez de enciclopedia para girar la vista atrás y recordar de dónde venimos, como los guiños a la Institución de Libre Enseñanza o Ferrer i Guàrdia.

Tomar como tema el sistema educativo es echarse a la espalda uno y mil subtemas, y quizás ese esa la pata que más cojea del pupitre, que hay pinzeladas de todos, pero no se acaba de poder concretar, entrar hasta el moll de l'ós de ninguno. Quizás necesitemos una tetralogía sobre el tema. Ahí lo dejo. 

Pese a todo, este montaje es un arma, de aquellas que si se sabe utilizar puede destruir muchas consciencias y ayudar a otras a despertar de un largo sueño. Un constante disparo de preguntas que cuestionan hasta el espectador más aletargado. 


dirección y creación EL POLLO CAMPERO, COMIDAS PARA LLEVAR
intérpretes GLORIA MARCH CHULVI y CRISTINA CELADA
mirada externa ALBERT PÉREZ HIDALGO
duración 1h 15min
fotografia ANABELEN JARRIN
producción FESTIVAL TNT, ANTIC TEATRE y LA PODEROSA
FESTIVAL TNT

Vivimos en una sociedad que aísla la infelicidad, donde la redes sociales provocan un continua felicidad impuesta a cualquier hora del día y realizando las tareas más comunes. El Pollo Campero, Comidas para llevar tira de su ironía habitual para demostrarnos que uno de puede reír de todo y forzar esa sonrisa para que quede bien en la foto, aunque por dentro te estés muriendo por estallar en lágrimas.

Del mundo de los selfies, pasando por una conversa sobre las cosas más felices y tristes que te puedas imaginar, tirar de enciclopedia vital ayuda hasta que llega el momento culmen del espectáculo, un curioso juego de películas que hace desternillarse al público. Nunca los chistes más malos de la historia provocaron tantos aplausos

Me hubiera quedado todo el montaje escuchando explicar historias alrededor de un simple chiste, nunca la expresión "montarse toda una película" tuvo tanto sentido. Pero las películas dan paso al karaoke y es ahí, cuando el espectáculo se resiente. Una pretendida pausa entre tanta algarabía que cambia el ritmo por completo y el público lo nota, quizás en exceso.

La aparición de Natalia busca retomar el jolgorio de fiesta anterior a la pausa, pero parece que el espectador ya ha entrado en modo pause definitivo y es casi imposible de levantar el ánimo. Pero ya lo tiene intrínseco eso la pieza, no siempre puedes estar en modo "happy flower" porque incluso las cosas que aparentemente nos hacen felices, esconden una parte de tristeza.

PARECER FELICES

by on 20:14
dirección y creación EL POLLO CAMPERO, COMIDAS PARA LLEVAR intérpretes GLORIA MARCH CHULVI y CRISTINA CELADA mirada externa ALBERT P...