Butaques i somnis: Lliure

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autoría, dirección y dramaturgia ORIOL MORALES i PUJOLAR

interpretación REBECCA ALABERT, IONA BALCELLS, JOAN MARMANEU y JUAN PABLO MAZORRA

duración 90min

producción GREC 2019 FESTIVAL DE BARCELONA y LA LLARGA

ESPAI LLIURE (GREC 2019)

Nos dejaron con la miel en los labios en el ensayo abierto que presenciamos gracias a Factoria Grec (del Festival Grec y Recomana.cat) y hemos tenido que esperar casi hasta el final del festival para averiguar de dónde salían los bramidos. El Premio Adrià Gual de 2018 es un conjunto de historias del Empordà, pero hasta los empordanesos son humanos y principalmente es una historia de humanos buscando su camino, aquello de dónde venimos y a dónde vamos.

Una escenografía vestida de blanco impoluto que no presagia lo que está a punto de suceder. El Empordà y todos sus pueblos no se escapan de las historias escabrosas y más si tiramos la mirada atrás y nos trasladamos a la época de la Guerra Civil y postguerra. Expropiaciones de casas, inmigración y un buen número de secretos que se irán desgranando poco a poco a lo largo de la trama.

Rebecca, Iona, Joan y Juan Pablo rescatan sus memorias infantiles (relación con sus progenitores y afán por descubrir), se hacen preguntas (muchas se quedarán sin respuesta) y hacen un ejercicio que no todos hemos sido capaces de hacer, querer entender el ahora preguntándose por el ayer. Aquellas historias que no nos explicaron, que muchas abuel@s se llevaron a la tumba, aquello que no se podía contar y que aún hoy sigue en silencio.

Es sorprendente ver cómo generación tras generación no sólo no se olvida lo que pasó hace ya 80 años, sino que su recuerdo brota con más fuerza en las nuevas generaciones. El texto de Oriol Morales vuelve a llevarnos a los años de la postguerra, a desvelar secretos, a hacernos preguntas. Y si bien es cierto que está plagado de anécdotas, cada una de ellas nos lleva a un rincón propio de un pasado común.

La escenografía de Ona Grau se complementa a la perfección con las proyecciones de vídeo de una especie de Stop Motion singular en directo que hace que las palabras y los hechos de antaño cobren inesperadamente vida. Los espectadores somos una especie de voyagers de estas historias que han pasado tanto tiempo ocultas.

Con un lenguaje de hoy, las historias del pasado sigue resonando igual de cruentas en nuestras cabezas, por mucho que los que las vivieron hayan callado para siempre. Bruels es un montaje sincero, valiente, una muy buena carta de presentación en un circuito más abierto (fuera de las pequeñas salas alternativas por las que circuita la compañía) que demuestra que La Llarga es una compañía muy a tener en cuenta en las próximas temporadas.

BRUELS

by Elisa Díez on 20:03

autoría, dirección y dramaturgia ORIOL MORALES i PUJOLAR interpretación REBECCA ALABERT, IONA BALCELLS, JOAN MARMANEU y JUAN PABLO MAZO...

texto HATTIE NAYLOR

dirección PEP PLA

traducción NEUS BONILLA y CARME CAMACHO

interpretación MÍRIAM ISCLA

voces en off DANIELA LUCAS (Maria), LLUÍS SOLER (voz en off del planetario), ROSA CADAFALCH (oculista), TONI UBACH (técnico del planetario)

duración 75min

fotografías DAVID RUANO

producción GREC 2019 FESTIVAL DE BARCELONA, VELVET EVENTS y CAET- CENTRE D'ARTS ESCÈNIQUES DE TERRASSA

ESPAI LLIURE (GREC 2019)

Siempre he pensado que el universo es demasiado grande para abarcarlo. Nunca le he prestado más atención que cuando se acerca un meteorito que puede o no chocar con algún punto de la tierra o cuando hay algo digno de ver, sea un eclipse, las Perseidas... No soy muy fan de galaxias, ni estrellas, ni tan sólo planetas. No me interesa viajar a la Luna, ni a Marte, ni ver la Tierra desde el espacio. Por eso quizás Abans que es faci fosc me costó, porque aunque el viaje de la protagonista fuera interesante, la capa de universo me hizo perderme.

Concebido como un monólogo con voces en off, donde la protagonista, Anna, se convierte en centro del universo y su historia hacia un cambio forzado de vida es la luz que poco a poco se va apagando, la puesta en escena es la parte más simbólico de la obra. Lo que en un primer momento es minimalismo escénico elevado a la máxima potencia, se convierte en un juego lumínico, de proyecciones, vídeo y de objetos que hacen que el espectador sueñe con los ojos abiertos.

Pese a una más que notable puesta en escena, al texto de Hattie Naylor le cuesta despegar. Tiene momentos tiernos, pero poco a poco se embarca en un ritmo que no le favorece. Las idas y venidas de la historia principal a otras más secundarias provocan una innecesaria desconexión. El texto también provoca una cierta frialdad interpretativa de Míriam Iscla. Aunque, a priori, la historia de su personaje sea un viaje interesante, cuesta empatizar con un sufrimiento que se dice pero que no se muestra.

A pesar de todo sigue apareciendo esa mujer valiente, que pese a todo, tiene que luchar por reconstruir su relación con su hija. Los mejores momentos de la obra, no hay vídeo, no hay proyecciones, sólo hay un cohete y una voz en off. Son aquellos que quisieras que duraran eternamente, aunque el universo no estuviera de acuerdo.

ABANS QUE ES FACI FOSC

by Elisa Díez on 18:17

texto HATTIE NAYLOR dirección PEP PLA traducción NEUS BONILLA y CARME CAMACHO interpretación MÍRIAM ISCLA voces en off DANIELA L...

idea y dirección JUAN CARLOS MARTEL BAYOD

dramatúrgia MARC ARTIGAU

dramaturgia GEORGINA OLIVA

un proceso creativo con ROSÓ AMADES, GENOVEVA GARRIGA, ISABEL LINARES, MARIA DOLORES LÓPEZ, CLARA MANYÓS, ÀUREA MÁRQUEZ, MARIONA MAYOLAS, ALÍCIA PUEYO, MARIA SALVADOR y PAQUITA SOLER

duración 80min

fotografías JUAN LEMUS

producción GREC 2019 FESTIVAL DE BARCELONA y TEATRE LLIURE

TEATRE LLIURE (GRÀCIA, GREC 2019)

La vida está llena de Giuliettas a las que no les marca la edad, sino las ganas de vivir. Se puede ser a los 80 tan joven como a los 15 por mucho lápiz que hayas gastado por el camino. En una sociedad donde sólo se admira la belleza y la juventud, el montaje de Martel cae como un rayo. Pero si escucháramos más a nuestros mayores, saldríamos ganando.

Àurea Márquez toma la batuta de este singular casting donde primero se habla del amor, el real no el que nos vende Disney ni todas las películas pastelosas que llevamos a nuestras espaldas. El amor de juventud y aquel que con el paso de los años se agota y se convierte en un reloj sin pilas. "Lo mejor que me pasó en mi matrimonio es que me quedé viuda". Risas cómplices, llenas de verdad.

Entre amor, poemas, miradas a cámara que con diligencia maneja una peculiar ayudante de dirección y asistente que cuida de estas voces, Clara Manyós. Su cámara nos devuelve a la realidad, nos saca de una semificción y nuestros ojos, por unos instantes, vuelven a percibir las paredes del Lliure de Gràcia.

Y aunque el fin último de la vida sea alcanzar el amor, estas Giuliettas de entre 80 y 90 años llevan una maleta llena de vivencias, que por exigencias del guión se han quedado en una mera anécdota. Casting Giulietta es de aquellas obras que tendrían que durar horas, todo un ejemplo de teatro documental que algunos todavía disfrutan en su casa, y sin pagar entrada, y que muy pocos saben aprovechar.

La Giulietta con más experiencia tiene 90 años, Paquita Soler y quizás sea la más lúcida. Nos confiesa que lleva toda su vida escrita en diarios. Todo un tesoro que no se debería perder y es que para encontrar grandes historias no hay que irse muy lejos. Piel de gallina tras ver este impresionante ejercicio de fortaleza y sabiduría encima del escenario. En octubre volveremos a seguir contando Giuliettas.

CASTING GIULIETTA

by Elisa Díez on 18:13

idea y dirección JUAN CARLOS MARTEL BAYOD dramatúrgia MARC ARTIGAU dramaturgia GEORGINA OLIVA un proceso creativo con ROSÓ AMADES,...

autoria y dirección LOLA ARIAS

interpretación LOU AMOUR, DAVID JACKSON, GABRIEL SAGASTUME, RUBÉN OTERO, SUKRIM RAI, MARCELO VALLEJO

composición musical ULISES CONTI

duración 100min

fotografías TRISTAN KENTON

producción BRIGHTON FESTIVAL, ROYAL COURT THEATRE, UNIVERSIDAD NACIONAL DE San Martín, THEATERFORMEN, LE QUAI ANGERS, KÜNSTLERHAUS MOUSONTURM, MAISON DES ARTS DE CRÉTEIL, HUMAIN TROP HUMAIN/CDN de MONTPELLIER

TEATRE LLIURE (MONTJUÏC, GREC 2019)

No recuerdo que nadie me haya explicado nunca la Guerra de las Malvinas, justo un año antes de que yo naciera. Y aunque todas las guerras tengan sus vicisitudes, en todas hay dos bandos, los vencedores y los vencidos. Siempre tenemos una visión de un bando, en Campo Minado se nos exponen las dos, los propios protagonistas hablan, aquellos que empuñaron las armas y que fueron a "salvar" una tierra que no es libre.

Por momentos, la narrativa me recordó la trifulca, todavía existente entre España y Inglaterra por el Peñón de Gibraltar. Las Maldivas vendría ser algo así pero entre Argentina y los ingleses. La obra, pero, no está contemplada como una guerra de bandos, a pesar de que sus protagonistas admiten en varias ocasiones que les costó mirar a los ojos del "enemigo" y hablar de sus vivencias.

En un set de rodaje, con una enorme pantalla de fondo y como si de un documental se tratará van pasando los testimonios. Cada uno cuenta sus recuerdos, que quién sabe si con el paso de los años se han dulcificado o quizás la pluma de la autora no haya querido explicar aquellos más sangrantes, de uno y otro bando. Endulzada o no la crudeza de lo que un espectador medio se puede llegar a imaginar persiste y aunque no hay escenas desagradables a la vista, el oído hace que la imaginación se dispare.

Por eso quizás la puesta en escena tire mucho de música, la de los Beatles, ya que uno de sus protagonistas, Ruben Otero tenga un grupo homenaje al cuarteto de Liverpool. La música siempre será un lenguaje que una, y aunque la obra sea un precioso abrazo al bilingüismo español- inglés, la música en el fondo no tiene idioma.

Campo Minado es teatro documental, donde el mayor documento son las víctimas de carne y hueso que hoy todavía pueden dar su versión de los que vivieron en la guerra. Esos veteranos de guerra, que hoy sólo luchan porque los recuerdos sólo sean una mancha borrosa en su trayectoria vital.

CAMPO MINADO

by Elisa Díez on 20:36

autoria y dirección LOLA ARIAS interpretación LOU AMOUR, DAVID JACKSON, GABRIEL SAGASTUME, RUBÉN OTERO, SUKRIM RAI, MARCELO VALLEJO ...

concepción y voz TAYLOR MAC

piano, dirección musical y arreglos MATT RAY

interpretación y diseño de vestuario MACHINE DAZZLE

interpretación musical BERNICE "BOOM BOOM" BROOKS (batería), VIVA DECONCINI (guitarra), GREG GLASSMAN (trompeta), GARY WANG (bajo).

invitada especial MARIOLA MEMBRIVES (cante flamenco)

interpretación simultanea QUIM PUJOL

duración 120min

fotografías NEIL GRABOWSKY y SARAH WALKER

producción POMEGRANATE ARTS y NATURE'S DARLINGS

TEATRE LLIURE (SALA PUIGSERVER, GREC 2019)

Era, quizás el más esperado. El plato fuerte de esta edición del Grec y no defraudó. Un espectáculo musical, cabaret queer, improvisación donde el público empieza sentado en su butaca pero no sabe dónde va a acabar. Ese público que quiere permanecer en el anonimato de la sala, mejor que se quede fuera.

Desde el inicio estamos avisados que la meta es que nos sintamos incómodos. Y dicho y hecho nada más que pone un pie en la platea, ésta siente un temblor, y no, no es causado por las interminables botas de plataforma. Taylor Mac abre la boca para disparar, todas sus frases son como una daga a nuestras consciencias. Nadie está a salvo. Se atreve con todo: Trump, Vox, el heteropatriarcado, el dia del Orgullo Heterosexual, Stonewall...

Con una puesta en escena a modo de concierto, donde la estrella es él, y su vestimenta, accesorios que le hacen destacar en una cámara con tendencia al negro, pero realmente es el discurso el que nos hace erizarnos. El famoso speak up, no callarse, no tener miedo al qué dirán, a lo que despertaran tus palabras en las conciencias de los otros, el llamar las cosas por su nombre. En 120 minutos he salido más empoderada del teatro que nunca.

El público catalán es bastante calmado, por no decir tímido de entrada, poco dado a levantarse del asiento para seguir los dictámenes de un "líder"y aunque al principio le costó conectar, al final ver a toda la platea de la Sala Puigserver moviendo compulsivamente los brazos da qué pensar. Cada uno habrá vivido, como siempre, la experiencia a su manera, yo tuve la "mala" suerte de caer entre dos parejas heteros, una treinteañera y la otra septuagenaria y en el momento de hermanamiento fue imposible participar con los más jóvenes, porque el chico se negó a que su novia se abrazara conmigo. Lo que me lleva a pensar que, vivimos en una burbuja, y que hay más "verdes" de los que pensamos. Significativo.

Taylor Mac es indescriptible, ni con un millón de crónicas podemos resumir la experiencia, hay que vivirla porque es fascinante. ¡Dos horas de hipnotismo escénico! Creo que todos los que durante dos día abarrotamos la Sala Puigserver estaremos de acuerdo es que pagaríamos por ver las 24h de espectáculo, este aperitivo nos ha sabido a poco.

Taylor Mac, come back soon, please!

A 24 DECADE HISTORY OF POPULAR MUSIC (ABRIDGED)

by Elisa Díez on 13:30

concepción y voz TAYLOR MAC piano, dirección musical y arreglos MATT RAY interpretación y diseño de vestuario MACHINE DAZZLE inter...

idea original y dirección ALÍCIA GORINA

dramaturgia ALBERT ARRIBAS

concepto escénico SÍLVIA DELAGNEAU

interpretación ANNA ALARCÓN, JUAN BELLIDO, ELENA FIESCHI, CARME GARCÍA GOMILA y ANNA ROMAGOSA

duración 85min

fotografía RAIMON RIUS

producción: GREC 2019 FESTIVAL DE BARCELONA e INDI GEST

ESPAI LLIURE (LLIURE DE MONTJUÏC)

¿Qué fue de aquel dicho tan catalán de "los trapos sucios se lavan a casa"? Quizás es que el teatro sea casa de todos pero este repaso a la trayectoria y vida ficcionada (o no) de la creadora y directora Alícia Gorina ha decidido exponerlos a la vista de todos, en una especie de psicoanálisis colectivo que pretende dejar entrever su personalidad y su vida a través del análisis de las obras que ha dirigido.

Según parece la idea nació después de crear Watching Peeping Tom, donde compartía escenario con su padre, Àlex Gorina, y esto sería una segunda parte de aquello. Un homenaje a su madre, esta vez ausente y representada por cuatro psicoanalistas, compañeros de profesión. Más que psicoanálisis sería una radiografía de algunos rasgos diferenciales y comunes de toda su obra. Una especie de justificación de porqué hace lo que hace y no otra cosa.

Alícia pertenece a la generación Peter Pan, aquella que le cuesta asumir que los años pasan y que los 18 hace tiempo que se cumplieron, pero más que Peter, Alícia vuelve a Lewis Carol, al país de las (no) maravillas. Y tras el impacto previo de la escenografía, a medio camino entre la conferencia de prensa y una sala de un tanatorio, la sesión de psicoanalista cuesta de digerir, ya no porque los temas tratados no resulten en algún punto interesantes, sino porque el ritmo de la realidad dista mucho del que se requiere en escena y la repetición de las formas narrativas x4 no ayuda demasiado por mucho humor que le añadamos.

Hay una clara ruptura de ritmo con la aparición de la enigmática Anna Alarcón. Pero su presencia es tan breve, a modo casi de epílogo, cuando realmente está todo ya dicho y nos ha quedado claro que todo parece una excusa para seguir después del punto y aparte tratando temas que sea por la razón que sea siempre nos interesan. Después de tanto análisis me quedo con la Alícia de Imatges Gelades, y desterraría la de Blasted. Al menos que toda la metralla que ha quedado encima del escenario sirva para enterrar los miedos, dejar de blanquear la realidad y abandonar de una vez por todas Wonderland.

IN WONDERLAND

by Elisa Díez on 21:16

idea original y dirección ALÍCIA GORINA dramaturgia ALBERT ARRIBAS concepto escénico SÍLVIA DELAGNEAU interpretación ANNA ALARCÓN, ...

idea original MERITXELL YANES

dramaturgia SERGI BELBEL, EULÀLIA CARRILLO y CRISTINA CLEMENTE

dirección SERGI BELBEL y CRISTINA CLEMENTE

intérpretes ENRIC CAMBRAY, GEMMA MARTÍNEZ y MERITXELL YANES

duración 50min (cada capítulo)

fotografías SÍLVIA POCH

producción TEATRE LLIURE y MERIYANES PRODUCCIONS

TEATRE LLIURE (GRÀCIA)

Quería escribir esta crítica antes de ver el final, sin spoilers, simplemente de cómo una serie adicta como yo, percibe cómo dos de sus actividades culturales preferidas han cambiado de medio. He de decir que los dos primeros capítulos me costó acostumbrarme a ver que no podía hacer mute o hacer rewind. Si bien es verdad que muchas obras, en pleno 2019 han utilizado elementos audiovisuales y esta parte de la obra ya no nos resulta novedosa. Quizás sí que al inicio de cada capítulo tengamos un previouly y que los actores no salgan a saludar porque evidentemente en la tele nadie sale a saludar.

Dolors es una suma de oportunidades. El boom seriófilo ya es imparable, es más difícil de encontrar a alguien que no haya seguido una serie, con más o menos asiduidad, que una aguja en un pajar. Dolors habla de emprendimiento, de feminismo, de empoderamiento, de cómo el mundo está hecho por y para los hombres, de la invisibilidad femenina, de cómo los adjetivos cambian de connotación si están asociados a un género u a otro...

Dolors es una sitcom de 45 minutos, una mezcla de la series más famosas de los últimos 20 años. Pero más allá de la anécdota de ser una serie, lo es porque está dividida en 6 capítulos, y por los elementos audiovisuales que ya hemos comentado, Dolors es teatro, no hay pantalla, y la cuarta pared está rota sin salir de los límites del escenario, de la misma manera que Kevin Spacey eliminaba la pantalla cuando se dirigía al espectador.

Con un guión muy milimetrado, una puesta en escena que aprovecha y tira de la imaginación del espectador, la gran baza de Dolors son sus tres actores todoterreno. Meritxell Yanes, Dolors, que consigue hacer empatizar hasta el último espectador de la sala, Gemma Martínez, Miranda, por la que no sabes si sentir compasión o hacer un último intento por despertarla del ensoñamiento que padece y un brillante Enric Cambray, Nil, que despliega sin inmutarse las mil y una caras de su personaje.

Dolors es una serie, es teatro y es un entretenimiento. Si fuera una serie de tele sería una especie de Plats Bruts del 2019, y quizás ya que ha saltado directamente al teatro, pueda tener cabida en un futuro no tan lejano de vuelta a la pequeña pantalla. Por cierto, gran acierto los 5 minutos de pausa entre capítulos, toda una lucha contra el reloj y apto para mentes abiertas a la imaginación y a la coña indolora.

DOLORS

by Elisa Díez on 21:20

idea original MERITXELL YANES dramaturgia SERGI BELBEL, EULÀLIA CARRILLO y CRISTINA CLEMENTE dirección SERGI BELBEL y CRISTINA CLEME...

de LARS VON TRIER

traducción del inglés PAU MIRÓ

dramaturgia PAU MIRÓ y SÍLVIA MUNT

dirección SÍLVIA MUNT

intérpretes ANDREU BENITO, JOEL BRAMONA/JAUME SOLÀ, BRUNA CUSÍ, ANNA GÜELL, ANDRÉS HERRERA, JOSEP JULIEN, LLUÍS MARCO, ÀUREA MÁRQUEZ, ALBERT PÉREZ, ALBA RIBAS y DAVID VERDAGUER

duración 1h 35min

fotografías ROS RIBAS

producción TEATRE LLIURE

TEATRE LLIURE (MONTJUÏC)

Quizás fuera uno de los montajes que más ganas tenía de descubrir. Sin ser muy fan de Nicole Kidman, su mirada se te queda grabada después de ver la película. Sin pantallas de por medio, y con un ritmo muy diferente, Sílvia Munt nos traslada el ritmo cinematográfico a la pausa, a un tempo más teatral, más lento.

Y esa lentitud hace, que aunque la historia te lleve, y tenga un esperado final, hay piezas que no acaban de casar. Un reparto desaprovechado, con una dirección y puesta en escena conservadora. La sala grande del Lliure se vuelve inmensa, desangelada, donde la vida está congelada durante noventa minutos. Los personajes estereotipados no ayudan, la falta de matices provoca interpretaciones planas, sin sentido.

La escenografía de Max Graenzel abre la sala al bar del pueblo, un espacio inmenso que no hay nada que lo llene. Se echa de menos la angustia de un texto que debería tirar más de thriller psicológico pero que no consigue mantener esa tensión que promete.

Sílvia Munt y Pau Miró han retocado el texto, la historia y la duración, pero se han olvidado de convertir los personajes en seres humanos. Más allá de los gritos, el esquema de personajes se parece más a simples maniquíes que han cobrado de repente vida que seres de carne y hueso. Pues sí, al final Dogville sí que es un pueblo cualquiera.

DOGVILLE. UN POBLE QUALSEVOL

by Elisa Díez on 18:58

de LARS VON TRIER traducción del inglés PAU MIRÓ dramaturgia PAU MIRÓ y SÍLVIA MUNT dirección SÍLVIA MUNT intérpretes ANDREU BEN...

autoría y dirección LAUTARO PEROTTI

intérpretes PILAR CASTRO, PATRICK CRIADO, ÁLVARO LAVIN, CARMEN MACHI, SANTI MARÍN

duración 1h 15min

producción TEATRE LLIURE, OCTUBRE PRODUCCIONES y TEATRO ESPAÑOL

LLIURE GRÀCIA

Nos autoengañamos todos los días y nuestras mentiras no sólo nos afectan a nosotros mismos sino a todo aquel que nos rodea. Pero ya dicen que las mentiras tienen las patas muy cortas, o aquel refrán de que se atrapa antes a un mentiroso que a un cojo.

Sea como fuera esta obra va de mentiras, y la primera sería hacer creer que si somos espectadores vírgenes, de aquellos que el relato audiovisual ni les ha tocado podemos entrar en el juego que propone la obra. Para los que llevamos más frames y líneas de texto a nuestras espaldas que minutos respirados, vemos el truco antes de lo que nos gustaría.

Cronología de las bestias se encuentra a medio camino entre el culebrón/telenovela latinoamericana y las películas de sobremesa de Antena 3. Una especie de vida gritada y callada que deja al espectador medio descolocado porque aunque el final es de lo más previsible, la dramaturgia ha optado por "deconstruir la pieza" y ofrecernos la información en píldoras en un continuo ir y venir de flashbacks y flashfowards. La manera de contar la historia es, sin lugar a dudas, lo más interesante a la pieza. Aunque todo sea de paso, nada nuevo bajo el sol.

La puesta en escena con la escenografía de Mónica Borromello (aapee) y la iluminación de Carmen Martínez (aai) impresiona, parece como encajonado dentro de los límites del escenario a la italiana del Lliure de Gràcia pero esa sensación tan claustrofobia ayuda a "respirar" de otra manera el montaje. Es como si los protagonistas, que ya viven al borde del abismo, estuvieran atrapados en su propia jaula, aquella que ellos mismos se han construido.

Y aunque media platea esté buscando la mejor interpretación de Carmen Machi, se irán a casa con las manos vacías porque sin duda ésta no es su función, la dirección ha optado por no contener su interpretación que se desborda tanto que incluso llego a desear que se acaben sus réplicas. Por el contrario, nos podemos sorprender con la magnífica, cuidada y como escondida en un segundo plano, Celia, una descomunal Pilar Castro, que apenas se deja ver por la cartelera barcelonesa, y que para muchos será todo un descubrimiento.

CRONOLOGIA DE LAS BESTIAS

by Elisa Díez on 19:20

autoría y dirección LAUTARO PEROTTI intérpretes PILAR CASTRO, PATRICK CRIADO, ÁLVARO LAVIN, CARMEN MACHI, SANTI MARÍN duración 1h 15...

S'ACOSTA EL MIL∙LENNI / PERESTROIKA

de TONY KUSHNER

traducción y adaptación ALBERT ARRIBAS

dirección DAVID SELVAS

intérpretes JOAN AMARGÓS, PERE ARQUILLUÉ, QUIM ÀVILA, CLÀUDIA BENITO, RAQUEL FERRI, EDUARDO LLOVERAS, VICKY PEÑA, ÒSCAR RABADAN, JOAN SOLÉ y JÚLIA TRUYOL

duración 2h y 10min (cada una de las partes)

fotografías FELIPE MENA

producción TEATRE LLIURE

LLIURE DE MONTAJUÏC

Reconozco de entrada que soy una de esas que tiene mitificada la obra desde el día que se la leyó, hace unos 5 años aproximadamente. Quizás por eso decidí dejar las expectativas en casa y dejarme llevar por la propuesta de David Selvas.

El primer acierto es la poda del texto, dejarlo en la mitad, abandonar toda su narrativa interminable que lo hace tan complicado de leer, creo que es la obra más complicada que he leído en mi vida, y dejar sólo su esencia.

También acierta en la interpretación, la de los actores de la Kompanyia, haber sabido dar en el clavo con el papel óptimo para cada uno. Y la tercera diana se ha conseguido con la majestuosa escenografía de Max Graenzel y el potente diseño de luces de Mingo Albir que te teletransportan de lleno a la acción y te mantienen en ella hasta que cae el telón.

Pero quien acierta también erra, y que en ningún caso suene como justificación alguna, porque una vez más no la hay. Lo escribiré sólo una vez, pero lo puedo repetir hasta la saciedad. NO, ningún actor blanco puede interpretar un papel que se especifique o que sea escrito por y para un negro. NO. No me sirven las excusas falsas y las mentiras que no hay actores ("de nivel Lliure") para representar el papel, Hola, ¿qué tal? Al menos que sirva como lección aprendida.

Polémicas más necesarias que nunca aparte, los actores de la Kompanyia se gradúan con nota. Magníficos todos, pero me quedo con tres, una genial y poderosa pasada de vueltas Júlia Truyol, la fuerza de la, que ha sido el gran descubrimiento de esta promoción, Raquel Ferri y su homólogo masculino, Joan Amargós, cuyo Prior es todo un cautivador de almas, incluso en los momentos más difíciles y álgidos.

Después de las alabanzas más que merecidas a los miembros de la Kompanyia, hay un elemento en este reparto, que quizás sea porque mi mente no dibujó de la misma manera el personaje durante mi lectura del original, pero que es una pieza que no me ha acabado de encajar, sobre todo durante la primera parte (S'acosta el mil∙leni). Pere Arquillué vuelve a tener síntomas de fatiga de personajes. Quizás es porque no es la primera vez que interpreta un perfil como el Roy y ya le tiene cogido el punto, el caso es que no sé si llamarle Roy o otros nombres más conocidos por el público en general.

Sin duda es mucho más agradecida y dinámica la segunda parte (Perestroika) no sólo en la dramaturgia sino también la puesta en escena levanta el vuelo y los espectadores notan este aire que ahogaba toda la primera mitad. Y aunque los espectadores más acérrimos, de aquellos que nos suministran el teatro por la vena tengamos la necesidad de ver las dos, y si es en modo doblete mejor que mejor, para el espectador medio, con la segunda parte se puede hacer una figuración bastante precisa de la magnitud de una obra inconmensurable. Aunque siempre es mejor leerse después el texto y recrearse bien en los detalles.

ÀNGELS A AMÈRICA

by Elisa Díez on 20:12

S'ACOSTA EL MIL∙LENNI / PERESTROIKA de TONY KUSHNER traducción y adaptación ALBERT ARRIBAS dirección DAVID SELVAS intérpretes...

de MARK LOCKYER

dirección ALICE MALIN

intérprete MARK LOCKYER

duración 1h 15min

fotografías RICHARD LAKOS

producción ACTORS TOURING COMPANY

LLIURE DE GRÀCIA

Si la temporada pasada nos cautivó con su Living with the Lights On y pensábamos que cualquier cosa que nos explicara hubiera tenido el mismo efecto, pues no. Esta temporada ha optado por traernos su versión de España, o más concreto de la experiencia de un guiri en un pueblo costero español y nos ha sobrado hasta la arena que inunda la escenografía.

Hemos caído cual simples turistas en la trampa de que l@s intérpretes británicos todo lo bordan, pero para tirar de tópicos tan manidos que ya nos los sabemos de memoria ya tenemos algún que otro actor patrio. Lo que se nos presenta como un viaje para descubrir los orígenes, la parte de uno mismo que no acaba de encajar.

Se podía haber fijado en Federico García Lorca como en Cervantes, ya que realmente el poeta granadino es una mera excusa para vender más entradas porque en el espectáculo ni está ni se le espera. En una escenografía que representa lo que muchos turistas vienen buscando: sol, playa y chiringuitos. Pero más allá de su vaso de sangría no va.

Es una verdadera lástima malbaratar el talento que nos demostró la temporada pasada con tan ínfimo contenido. Lección aprendida, por nuestra parte, por la suya necesitaríamos que se diera algo más que un paseo por la península de norte a sur y de oeste a este para enmendar sus errores. Simplemente.

KEEP ON WALKING, FEDERICO

by Elisa Díez on 18:35

de MARK LOCKYER dirección ALICE MALIN intérprete MARK LOCKYER duración 1h 15min fotografías RICHARD LAKOS producción ACTORS TO...

dramaturgia JASMINE WOODCOOCK-STEWART y RINA VERGANO (Eurohouse) y LOUISE STEPHENS (Palmyra)

intérpretes BERTRAND LESCA y NASI VOUTSAS

duración 60min cada una

fotografías ALEX BRENNER

producción BERTRAND LESCA y NASI VOUTSAS

LLIURE DE GRÀCIA

Atreverse a ver diferentes tipos de montajes, de dramaturgias, entender a dejarse de mirar el ombligo y abrir los ojos a diferentes miradas. Sin saber qué ni a quién iba a ver y con una sala totalmente desnuda, empieza uno de los espectáculos más eclécticos que se ha podido ver recientemente en el Lliure.

Base de performática, estas dos piezas giran entorno al concepto de poder. En Eurohouse nos sumergimos en las telarañas y en las cloacas de la tan odiada Unión Europea, y más desde la crisis. Esa en la que Grecia perdió algo más que un puñado de miles de millones de euros. Desde un punto de vista de juego de niños, nos sumergen en una metáfora detrás de otra, haciendo uso de la palabra, la música (odiarás la versión francesa de My way después de ver esta pieza), el movimiento e incluso algunos fragmentos "circenses". El espectador necesita saber leer entrelíneas y entrar en el juego que se les proponen. Tarea no excesivamente fácil al principio, hasta que entiendes el código del espectáculo.

Por el contrario, Palmyra es mucho más fácil de entender, no necesita una profunda lectura entrelíneas, es mucho más visual que conceptual. La dramaturgia está mucho más conectada con las acciones que se representan en escena y el texto, una vez entiendes el código de la primera, fluye sin menor problema. Quizás sea más completa la primera, pero las imágenes y la temática de la segunda está más conectada con nuestras vidas actuales.

Con el escenario lleno de platos rotos, despedimos la sesión preguntándonos quién recogerá ahora toda la destrucción que ha quedado reflejado en el suelo del escenario del Lliure pero que es mucho mayor la que ha asolado nuestras cabezas. Pero, era eso a lo que habíamos venido, ¿no?

EUROHOUSE / PALMYRA

by Elisa Díez on 14:14

dramaturgia JASMINE WOODCOOCK-STEWART y RINA VERGANO (Eurohouse) y LOUISE STEPHENS (Palmyra) intérpretes BERTRAND LESCA y NASI VOUTSAS...

dramaturgia PAU MATAS NOGUÉ y ORIOL PLA SOLINA

dirección ORIOL PLA SOLINA

intérpretes DIANA PLA, ORIOL PLA, QUIMET PLA y NÚRIA SOLINA

duración 1h 15min

fotografías ROS RIBAS

producción TEATRE LLIURE

ESPAI LLIURE

Decía la semana pasada alguien en Twitter que no se deberían escribir críticas sobre este espectáculo porque no hay palabras que describan toda la belleza que contiene. Se queda corto el diccionario de sinónimos para ensalzar una vez más la figura de Oriol Pla, uno de los artistas actuales más completos que encontramos encima de un escenario.

De casta le viene al galgo. Después de ver este montaje comprendes todo el significado que esconden frases hechas como ésta. No sólo es la figura de Oriol Pla la que toma un significado de qué hará la próxima vez para sorprendernos sino que el concepto de familia de artistas queda definido a la perfección.

Cómo hacer creernos que el espectáculo no tiene dramaturgia, que no tiene esencia, que todo ha sido un juego de niños, que tengamos la edad que tengamos nos vamos a ilusionar de la misma manera... Travy es todo aquello que deseamos encontrar encima del escenario condensado en poco más de una hora. Aquellas veladas que desearías que no se acabaran nunca y que viven más allá de la larga tongada de aplausos.

Entradas agotadas desde el principio en el Lliure, incluso la prórroga. Les espera una larga gira, porque Travy es de esas obras que deberían estar un largo y seguido número de temporadas sin abandonar la cartelera, para que la viera todo el mundo, para que la disfrutarán todos aquellos que nos maravillamos nada más cruzar la puerta.

No me atrevido ni a abrir el diccionario de sinónimos para poner uno detrás de otro. Mejor te aconsejo que les persigas, que te dejes atrapar por el mundo de Travy y después me cuentas si hay algún sinónimo al que le haga justicia tanta maravilla.

TRAVY

by Elisa Díez on 13:12

dramaturgia PAU MATAS NOGUÉ y ORIOL PLA SOLINA dirección ORIOL PLA SOLINA intérpretes DIANA PLA, ORIOL PLA, QUIMET PLA y NÚRIA SOLIN...

concepto y creación JAN FABRE

autoría JOHAN DE BOOSE

dramaturgia MIET MARTENS

intérpretes LORE BORREMANS, ANNABELLE CHAMBON, CÉDRIC CHARRON, ANNY CZUPPER, CONOR THOMAS DOHERTY, STELLA HÖTTLER, IVANA JOZIC, GUSTAV KOENINGS, CHIARA MONTEVERDE, MARIATERESA NOTARANGELO, ÇIGDEM POLAT, ANNABEL REID, URSEL TILK, IRENE URCIUOLI, KASPER VANDENBERGHE y ANDREW JAMES VAN OSTADE

duración 3h 45min

fotografías WONGE BERGMANN

producción TROUBLEYN / JAN FABRE

TEATRE LLIURE (SALA FABIÀ PUIGSERVER, GREC 2018)

El ritual teatral a menudo conlleva que te dejes llevar por esa voz mayoritaria que estipula que es imprescindible y que no. Tenía miedo a tener las expectativas muy elevadas con todo lo que había circulado y circula de Jan Fabre, a veces los adjetivos grandilocuentes echan hacia atrás más que te convencen de algo. Esta vez, sin que sirva de precedente me dejé llevar y compré la entrada antes de el "sold out" colgara de la taquilla, como ha pasado.

Inicio cómico de las casi cuatro horas de función. Qué mejor que comenzar riéndose de uno mismo, de lo ves, de lo que escuchas, de lo que te muestran. Si habías entrado en la sala no del todo convencido, en menos de cinco minutos se ha disipado toda duda, ¡Qué empiece el espectáculo!

La verdad es que no he estado nunca en Bélgica y lo poco que sabía, y que sigo sabiendo, son sus tópicos y sus tradiciones: su orígenes, su afición por las palomas y por el ciclismo, su famoso chocolate y sus cervezas, su carnaval, su lista interminable de pintores, etc.

Ficciones, realidad, humor y autocrítica se mezclan en sus casi 4 horas de duración con una puesta en escena muy plástica que deja boca abiertos a los presentes. Un sinfín de explosiones visuales que dejan poco espacio para el descanso visual hasta llegar a las tres horas de duración. A partir de las cuales el espectáculo cae en una repetición forzada de elementos ya visitados y se vuelve más efectista que sorprendente.

El espectáculo es irreverente, una de las imágenes más impactantes es aquella donde se muestra el incensario humeante atrapado entre las piernas de los actores. Ese baile, ese movimiento es una de las imágenes más impactantes de la noche. Porque de plumas y de cuerpos desnudos ya vamos bien servidos.

Fuera del teatro, de los tipos de teatro que pueblan la dramaturgia en formato textual y visual, el discurso subyacente es que Bélgica es un país como cualquier otro, con sus usos y costumbres cuestionables y, a veces, difícilmente comprensibles, multicultural, multilingüístico y al que le gusta divertirse y la fiesta en cualquiera de sus múltiples estados.

Los intérpretes de Jan Fabre son resistentes y polifacéticos, sin miedo a nada. Las cuatro horas (non-stop) de desgaste encima del escenario no sólo les afectan a ellos. El espectador también ha de resistir el embite visual, de sobretítulos (de aquellos idiomas de no entiendes) y de quietud (nunca había tenido un "rigor mortis" en el cuello tan agudo).

Siempre me he quejado que los entreactos, muchas veces, te cortan en seco el espectáculo ye te obligan a hacer después un sobre esfuerzo de recuperación de la concentración. En este caso (y aunque el espectador es libre de salir y entrar cuando quiera, con la molestia para los que no salen, of course) eché de menos un entreacto que me obligara a moverme.

La sensación del día después de Belgium Rules fue de resaca (seca), de cuerpo entumecido y doloroso, como si me hubieran dado una paliza (al gimnasio). Nunca había tenido una sensación así post-teatro. No me quiero ni imaginar las 24h del Mount Olympus. De todas maneras ha valido la pena, pocas veces vemos tal explosión teatral en la cartelera y se agradece que una vez al año, podamos ser capaces de dinamitar nuestros esquemas.

BELGIUM RULES

by Elisa Díez on 14:47

concepto y creación JAN FABRE autoría JOHAN DE BOOSE dramaturgia MIET MARTENS intérpretes LORE BORREMANS, ANNABELLE CHAMBON, CÉDRI...

basado en la obra de ELFRIEDE JELINEK

dramaturgia NILS HAARMANN

dirección KATIE MITCHELL

interpretación JULE BÖWE, CATHLEN GAWLICH, RENATO SCHUCH, MAIK SOLBACH

cámara NADJA KRÜGER/STEFAN KESSISSOGLOU, CHRISTIN WILKE / JULIANE KREMBERG/MARCEL KIESLICH, SIMON PETER

duración 75min

fotografías GIANMARCO BRESADOLA

producción SCHAUBÜHNE BERLIN

TEATRE LLIURE (MONTJUÏC, GREC 2018)

Una de las noches más esperadas de esta edición del Grec 2018 nos dejó la sensación de que seguimos a años luz de poder realizar montajes como éste. Silencio sepulcral a la sala. No hay ojos suficientes para evitar no perderte entre tanto detalle. Hacía tiempo, por no decir nunca, que no había presenciado un montaje tan milimetrado.

Asistimos atónitos a un teatro muy cinematográfico, en el que podemos ver la película proyectada en una pantalla, optar por seguir cómo trabajan actores, cámaras, al mismo tiempo que vemos retazos del montaje en pantalla, mientras leemos sobretítulos (la obra está en alemán).

Pero no sólo sorprende la puesta en escena. También lo hace el drama de Eurídice trasladado a la actualidad, con una pátina de atmósfera de serie escandinava que pone los pelos de punta. Eurídice "vuelve a la vida" para encontrarse con Orfeo convertido en una conocida estrella del rock, que es quien la va a buscar al infierno. Durante el trayecto se da cuenta que lo que ha hecho es vivir siempre en la sombra de Orfeo y que el mundo al que se dirige no se lo pondrá fácil para vivir una vida independiente y quizás sea mejor seguir viviendo en una habitación propia pero llena de sombras.

Sin saber definir bien si la propuesta de Mitchell entra en el mundo del teatro, del cine o de ese Tercer Arte que el escritor canadiense John Pearson le ha atribuido, la verdad es que el viaje visual es impresionante. Un continuo movimiento de acciones, escenarios, aquello que normalmente no vemos, lo que pasa en escena y fuera de ella (la sala Puigserver se abre de par en par) y sus costuras. Un claro ejemplo es ver "funcionar" los ascensores o cómo se crean las escenas, todo en segundos y sin margen de error.

La dramaturgia de Nils Haarmann conserva el existencialismo que caracteriza a las obras de la dramaturga austríaca Elfriede Jelinek. Ombra es básicamente una obra narrada, de pensamientos y lo que para muchos sería lujo tener a una narradora presente todo el tiempo en el escenario, aquí es una de sus partes fundamentales. La cabina de doblaje iluminada permanentemente, la actriz de voz Cathlen Gawlich nos narra con una dicción extremadamente brillante, que acentúa con precisión los momentos álgidos.

Con la mirada puesta en Jan Fabre y su Belgium Rules la próxima semana, Katie Mitchell es lo mejor que ha pasado por el Festival Grec en años. Sólo nos queda desear que no sea la primera y la única vez que la veamos en un escenario barcelonés, que esta primera piedra construya un edificio sólido. Komm bald zurück!

OMBRA (PARLA EURÍDICE)

by Elisa Díez on 19:07

basado en la obra de ELFRIEDE JELINEK dramaturgia NILS HAARMANN dirección KATIE MITCHELL interpretación JULE BÖWE, CATHLEN GAWLICH...

creación ÀLEX SERRANO, PAU PALACIOS y FERRAN DORDAL

performance DIEGO ANIDO, PABLO ROSAL, WANG PING-HSIANG, DAVID MUÑIZ y NICO ROIG

música NICO ROIG

videoprogramación DAVID MUÑIZ

videocreación VICENÇ VIAPLANA

duración 70min

fotografía VICENÇ VIAPLANA

producción GREC 2018 FESTIVAL DE BARCELONA, TEATROS DEL CANAL, TEATRE LLIURE, HOME THEATRE MANCHESTER, THÉÂTRE NATIONAL WALLONIE-BRUXELLES, GRAND THEATRE GRONINGEN, LA TRIENNALE DI MILANO - TEATRO DELL'ARTE, CSS TEATRO STABILE DI INNOVAZIONE DEL FVG, TEATRO STABILE DEL VENETO - TEATRO NAZIONALE I ROMAEUROPA FESTIVAL

TEATRE LLIURE (GREC 2018)

Expectación máxima sobre todo lo que lleva la marca Agrupación Señor Serrano. Personalmente, ya habíamos podido ver un pase entero en sala de ensayo hace justo una semana, por lo que con algunos ligeros cambios ya sabía lo que me iba a encontrar encima del escenario.

El montaje se basa en explicar el mercantilismo económico, el capitalismo mediante el descubrimiento y auge de la industria platanera. La compañía hace uso de sus habituales recursos escénicos: objetos, proyecciones, videocreaciones, música, performances... todo en directo.

Después de ver hace un par de temporadas en el mismo escenario del Teatre Lliure sus tres obras más significativas: Katastrophe, A House in Asia, Brickman Brando Bubble Boom; me esperaba algo más complejo, sobre todo en cuanto a discurso que lo que me encontré. Tanto la dramaturgia como la puesta en escena, de la que siguen apareciendo virguerías tecnología mediante, pero que quizás ya no sorprenden tanto como en montajes anteriores.

Kingdom tira del humor para que aterrizamos en una realidad quejica pero que en el fondo vive bien, "estamos bien" y "podemos". Pero lo queremos todo y lo queremos ya y nunca estamos conformes.

Facebook, youtuber, cinematógrafo, la Agrupación Señor Serrano toca todos los palos, pero todo en masculino y con una crítica al macho que se queda muy en la superficie y que al final de la obra vuelve a caer en el poder del macho alfa. De hecho la escena final es del todo prescindible. A medio camino entre un desfile al más puro día del Orgullo Gay y El Libro de la Selva. Sin palabras. Si han de saltar los plomos que salten con algo de más sustancia y menos primitivo.

De todas maneras es una buena noticia que compañías como la Agrupación Señor Serrano tengan cabida en la programación regular de los teatros públicos a casa nostra, en este caso el Teatre Lliure lo ha incluido en la temporada 18-19. Eso sí, la próxima aventura espero encontrarme un discurso más trabajado, lleno de giros inesperados, de metáforas y de todo aquello que han hecho a la compañía merecedora de ser el King Kong de los escenarios.

KINGDOM

by Elisa Díez on 19:20

creación ÀLEX SERRANO, PAU PALACIOS y FERRAN DORDAL performance DIEGO ANIDO, PABLO ROSAL, WANG PING-HSIANG, DAVID MUÑIZ y NICO ROIG ...

BRUELS

ABANS QUE ES FACI FOSC

CASTING GIULIETTA

CAMPO MINADO

A 24 DECADE HISTORY OF POPULAR MUSIC (ABRIDGED)

IN WONDERLAND

DOLORS

DOGVILLE. UN POBLE QUALSEVOL

CRONOLOGIA DE LAS BESTIAS

ÀNGELS A AMÈRICA

KEEP ON WALKING, FEDERICO

EUROHOUSE / PALMYRA

TRAVY

BELGIUM RULES

OMBRA (PARLA EURÍDICE)

KINGDOM

DETRÁS DEL TELÓN

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