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de DUNCAN MACMILLAN
traducción ADRIANA NADAL
dirección SIXTO PAZ PRODUCCIONS
intéprete PAU ROCA
duración 60min
diseño del cartel EDU BUCH
producción SIXTO PAZ PRODUCCIONS i EL TERRAT
SALA LA PLANETA (TEMPORADA ALTA) / CLUB CAPITOL

Escribo esto con la memoria puesta en el vídeo más viral del momento, un anuncio de una marca que nos llega al corazón haciendo uso de aquello que a menudo nos olvidamos, nuestros seres queridos. Y es precisamente de eso de lo que habla Les coses excepcionals, de aquellas cosas que nos gustan hacer, aquellas personas con las que nos gusta estar y que por un motivo u otro no hacemos o no estamos o ni siquiera nos paramos a pensar porqué no.

El enigma empieza desde que el espectador entra en la sala, cuando se le acerca el intérprete y le explica que él será uno de los elegidos para tener un papel más o menos importante dentro del espectáculo. Los espectadores de mi función en la Sala La Planeta no opusieron resistencia, entraron en el juego y disfrutaron de él. La comunión que se establece entre miradas y respiraciones de los espectadores de esta obra supera con creces a los que se pueda producir en un montaje convencional. Aquí quien más o quien menos es excepcional.



La lista puede verse como un simple hecho anecdótico, una serie de frases repetidas, un sinfín de palabras que nadie puede recordar en qué orden se pronunciaron para llevarnos al gran problema de fondo descubrir porqué alguien se quita la vida con la cantidad de cosas excepcionales que se pueden hacer en esta vida. Resolver el enigma de un suicidio nunca es fácil, pero aquí al menos el dolor de la pérdida puede parecer más liviano si se le contempla desde el punto de vista de los buenos recuerdos.

Pau Roca ha diseñado el espectáculo a su medida, una cara amable que va deshilachando los recuerdos, las anécdotas, que te hace empatizar de una manera increíble (quizás en mayor medida a los que compartimos su generación) y que se hable de la muerte es un hecho para celebrar la vida, para recordar qué nos gusta, qué nos hace felices y disfrutarlo juntos. Olvidarnos por una hora de nuestras obligaciones con las que nos reencontraremos una vez que salgamos por la puerta y jugar a ser aquellos niños que hacían listas de sus cosas favoritas. ¡Id a descubrir una hora excepcional!

LES COSES EXCEPCIONALS

by on 20:58
de DUNCAN MACMILLAN traducción ADRIANA NADAL dirección SIXTO PAZ PRODUCCIONS intéprete PAU ROCA duración 60min diseño del cart...
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texto y dirección SERGIO BLANCO
intérpretes GUSTAVO SAFFORES, WALTER REY y SOLEDAD FRUGONE
video arte MIGUEL GROMPONE
duración 1h 40min
fotografías NARÍ AHARONIÁN
EL CANAL (TEMPORADA ALTA)

Y ésta es la obra que cierra el otoño más Blanco de nuestras vidas. Echaremos de menos sumergirnos una semana tras otra en la auto-ficción tan característica de Sergio Blanco. Quizás sea ésta la pieza que completa el círculo, la más próxima a La ira de Narciso, que abrió nuestras mentes a un mundo que hemos ido poco a poco desgranando.

Estos cinco bramidos en los que esta dividido el texto vuelve a la idea de matar al padre, una patología más antigua que el mundo pero que no deja de intrigarnos, de preguntarnos constantemente porqué, qué esconde esa figura para tener la fijación con ella. A diferencia de La ira de Narciso, en El Bramido de Düsseldorf la simbología está mucho más presente. Simbología presente a nivel visual con una estética extremadamente fría, intérpretes encerrados en una caja blanca con apenas instrumentos. El lenguaje hiere y los gestos denotan lejanía, falta de afecto. Los personajes se hablan pero más allá de las palabras ni se tocan.



La música, tan presente en la obras de Blanco, aquí es una especie de terapia que sana que (des)conecta toda esa frialdad y nos devuelve escenas más amables. Al mismo tiempo que es quizás la parte simbólica que más fuerza da al relato. También ayuda al público a rebajar la tensión, a meterle dentro de la acción en los constantes giros, a pesar de que la dramaturgia ya tiene continuos guiños que le invitan a no apartar la mirada. Esos guiños son protagonizados por momentos cargados de ironía, una descarga irónica que dura más bien poco, en segundos nos vuelve a sumergir en los episodios más macabros de nuestra humanidad.



Quizás en grado sea la obra más obscena de las que llevamos vistas de Blanco. El grado de provocación, a veces, se le va de las manos, o quizás yo tenga mitificado a Bambi y la comparación con el régimen nazi me haya parecido una broma de mal gusto, más aún cuando, anteriormente en otra escena, la monstruosidad de la ironía me hubiera provocado arcadas. Dice Blanco que la muerte es más obscena que el sexo, después de cinco obras, ambas dos comparte el mismo grado de obscenidad en sus obras. Descartamos indiferencia.

Sea como fuere volvemos a ser los espectadores los que nos preguntamos dónde acaba la realidad y dónde empieza la ficción, si es que hay algo de realidad en todo lo que nos han explicado, más allá de los datos verídicos sacados de la Wikipedia y de que el padre de Sergio Blanco sigue vivo. Düsseldorf existe pero, ¿quién brama allí?
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creación 1927
escritura y dirección SUZANNE ANDRADE
película, animación y diseño PAUL BARRITT
música LILLIAN HENLEY
intérpretes ROWENA LENNON, GENEVIEVE DUNNE y FELICITY SARKS
voz del vigilante JAMES ADDIE
producción 1927
EL CANAL (TEMPORADA ALTA)

Visita(s) anual(es) obligada(s) a Temporada Alta y después de que 1927 nos dejará con la boca abierta la edición pasada, éste era un título imprescindible en la agenda teatral de este otoño. 

Nos trasladamos a Le Bayou, la parte más temida de la ciudad, donde vive la gente que no puede vivir en otro lado, donde los servicios son mínimos y quién nace allí tiene asegurado que morirá allí. De repente una luz de esperanza inunda sus calles, una visita inesperada, Agnes Eaves y su hija quieren cambiar las cosas, ¿pero una sola persona puede cambiar el devenir de un pueblo?



Con una dramaturgia más compleja que Golem y con la parte de película, animación y diseño más compleja, esta revuelta infantil nos atrapa la mente y el corazón a partes iguales. La narrativa tiene formato de cuento, aunque poco a poco se convierte en toda una pesadilla, donde parece ser que los finales felices no son posibles. Los cuentos infantiles con toda su delicadeza y ternura poco a poco deja paso al mundo de los adultos donde las cosas no son tan fáciles como podrían parecer. Es en esa transición donde parece que el público le cueste hacer el clic, donde elige quedarse en un mundo idealizado, en el que todo es posible.




La maquinaria de 1927 es perfecta, si bien es cierto que se trata de un espectáculo estrenado en 2011 y con muchas representaciones a sus espaldas, aprenderse todas las marcas que pueblan el suelo parece un trabajo de chinos. Mientras nos recreamos en su estética, en sus dibujos, en sus acciones, el tiempo nos lleva inexorablemente a pensar en cómo de cerca tenemos un lugar como Le Bayou y cómo miramos para otro lado.

PS: Y para acabar una propuesta/petición a Salvador Sunyer, director de Temporada Alta, queremos más 1927, que una vez al año no hace daño, nos hace bien.
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de SARAH KANE
traducción ALBERT ARRIBAS
dirección ALICÍA GORINA
intérpretes PERE ARQUILLUÉ, MARTA OSSÓ y BLAI JUANET
duración 1h 45min
fotografías FELIPE MENA
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA, TEMPORADA ALTA 2017
SALA PETITA (TNC)

Recuerdo como si fuera ayer, la montaña rusa emocional que me produjo la primera lectura de Blasted. Tal impacto que tuve que leérmelo dos veces (tenía en mis manos la versión original en inglés) porque pensaba que no era posible que estuviera leyendo lo que había leído y que lo había entendido mal. La segunda lectura me confirmó que no, que había entendido lo que leía.

Desde entonces se convirtió en una obra que deseaba que alguien tuviera el coraje suficiente para representarla, en catalán, castellano, inglés, me daba igual el idioma. Y todavía recuerdo el bote y el grito que di cuando me enteré que iba a ser representada al TNC y dirigida por una mujer, hecho importante y, en las épocas que corren, hasta trascendente. 



Ya puedo decir que la he visto montada, que he visto una de sus representaciones, aunque el resultado real con el que me había conformado en mi cabeza difieren y las expectativas, quizás excesivas, no se han cumplido.

Blasted es una obra muy complicada, no sólo de digerir que aquí ya cada cuál verá que le pasa por dentro, es una obra muy complicada de montar, de dirigir, de interpretar... 

Unos días después de ver el montaje sigo pensando que peca de conservador. Desde la puesta en escena que protege al espectador de una manera un tanto inexplicable a la dirección de actores demasiado contenida.



El texto sigue siendo maravilloso pero eso ya nos venía de fábrica. No logro entender el porqué de las cortinas, que dependiendo de donde te encuentres sentado dificulta la visibilidad de los personajes entre los pliegues. He llegado a pensar que actúan como pantalla, una especie de filtro que haga que el espectador no se crea todo aquello que ve sino que parezca como una caso más de los que salen en las noticias.

Inseparablemente unidas a las cortinas está la elección del diseño de luces de Raimon Rius, excesivamente naturalista, blanco, sin cambios, una búsqueda demasiado remarcada por hacer bonito algo que no lo es. Falta ese ambiente hipnótico y catastrófico que te deja el texto cuando lo lees.



A la puesta en escena se une un comprensible y a la vez discutible casting de actores. Pere Arquillué es un peso pesado de la interpretación catalana, un nombre que hace cartel y que vende entradas, pero que lo único que consigue transmitir su encarnación de Ian es asco, de todo lo que el texto marca que suelte por la boca. Me falta la angustia existencial que dibuja Kane. Tampoco queda bien definida la turbulencia con la que está descrito el personaje, ese mundo interior con un punto psicótico que en manos de Arquillué se ha visto totalmente desdibujado.



Más compensada está Marta Ossó como Cate pero a la que la batuta de dirección tampoco ha sabido encontrar el punto. No se ha querido hacer sangre de un tema tan delicado como los abusos sexuales y se ha dejado que sean las palabras más que las acciones las que den a entender el que está o va a pasar. Ossó tiene la escena más simbólica hacia el final de la obra, donde sin mediar palabra es una bofetada directamente al estómago y sin duda lo mejor del montaje.

La obra de Sarah Kane es más necesaria que nunca. Veinte años después nos sigue dejando mudos su discurso lleno de machismo, xenofobia, misoginia, egocentrismo y una violencia, que aunque nos asalte todos los días a través del mundo de pantallas en el que vivimos, no deja de removernos bien por dentro.



A pesar de que no haya salido convencida de Blasted era tan necesario montarla como el sold out que se ha ganado. Al menos que sea una primera piedra, después de Psicosi de les 4.48, para seguir montando las obras de Kane y para que se hable en femenino desde la silla de dirección en los teatros públicos, ¡que ya va siendo hora!

BLASTED

by on 18:36
de SARAH KANE traducción ALBERT ARRIBAS dirección ALICÍA GORINA intérpretes PERE ARQUILLUÉ, MARTA OSSÓ y BLAI JUANET duración 1h...
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autor NIKOLAI GOGOL 
dirección OSKARAS KORSUNOVAS
intérprete EIMANTAS PAKALKA
duración 50min
fotografías TOMAS IVAUNIKAS
producción OKT/VILNIUS CITY THEATRE, LITUANIA ACADEMY OF MUSIC AND THEATRE
SALA LA PLANETA (TEMPORADA ALTA 2017)

Cierro esta edición del Festival Temporada Alta con este clásico de mediados del siglo XIX. Un relato profético de cómo una persona en medio de su delirio acaba por convertirse en un tirano dictador. Un monólogo de lucha contra los diferentes seres que habitan en algunas ánimas humanas que demuestran que todo ser humano tiene maldad dentro de sí.

Diari d'un boig no está concebido para el teatro sino más bien para ser leído. Es un texto narrativo, con un inicio plano y al que le cuesta alzar la voz y conseguir que el espectador se crea la historia explicada mínimamente. Tardamos en ver la locura y cuando aparece lo hace de forma 'cómica', que las palabras que resuenan de fondo no nos enmudecen como deberían.



El montaje se sustenta únicamente en el talento interpretativo de su protagonista, Eimantas Pakalka que realiza un más que notable trabajo, dejando de lado el tópico de frialdad de los actores del norte de Europa y ameniza la velada con un sinfín de gestos, algunos de los cuales, tenemos que admitir que un poco forzados.

A veces forzados, pero sin duda cuestionables son las transiciones entre escenas, acompañadas de una estridente música dance que aunque acompaña la locura del protagonista, la aportación al conjunto de la pieza es más bien escasa.



El montaje que debería mostrar la angustia del personaje delante de la falta de aceptación de sus deseos cae en un inexplicable lacrimógeno melodrama de autocompasión con el que ni siquiera se logra empatizar para soltar un 'pobrecito'.

No es el primer texto que nos muestra lo fácil que es convertir a un hombre en dictador, sin necesidad de caer en brazos de la locura, por eso la crítica al autoritarismo de la pieza me parece simplista. Y basar todo el espectáculo en el poder de la palabra, en un texto que no deja de ser una anécdota alargada no es la mejor opción, por mucho que el intérprete pueda salvar la obra. 
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de 1927
dirección y texto SUZANNE ANDRADE
dramaturgia BEN FRANCOMBE
film, animación y diseño PAUL BARRITT
intérpretes GENEVIENE DUNNE, NATHAN GREGORY, PHILIPPA HAMBLY, ROWENA LENNON y FELICITY SPARKS
música LILIAN HENLEY
duración 1h30min
producción 1927
EL CANAL (TEMPORADA ALTA 2017)

Siendo una lover del teatro británico no podía perderme Golem, toda una síntesis de animación artesanal, música en vivo y teatro que nos introduce en una distopía satírica sobre si controlamos o no las nuevas tecnologías.

Si bien está claro que el montaje deja entrever sus cartas pronto y, a finales del 2017, no nos asombra el discurso que propone basado en la novedad fácil y pasajera que introducen las nuevas tecnologías que sabemos que dura un suspiro, y pese a todo nos atrapan hasta el punto de no saber prescindir de ellas.



1927 es una de las compañías británicas más innovadoras y Golem es una muestra de ella. El uso de la imagen es espectacular y la composición entre imagen, música, texto, voz nos recuerda, y es todo un homenaje, al mundo del cómic y del audiovisual de los años 80.

A nivel interpretativo, es sabido que los actores ingleses forman parte de otro universo. Multidisciplinariedad por vena, cantan, bailan, actúan  son mimos, clowns... todo un despliegue de maestría teatral en noventa minutos. 



El punto satírico, tan presente durante todo el montaje, toca su punto álgido en el momento de las parejas, y a pesar de algunos momentos repetitivos, sale vencedor. De la misma manera que ciertos guiños al espectador medio, que muchas veces se debate entre la diatriba entre lo mainstream (U2) y lo underground (el punk).

Golem es un montaje para espectadores con un punto entre medio y alto de frikismo. Aquellos que nos les importe verle las costuras al montaje, que aquí al fin y al cabo no es ni relevante, y simplemente buscan que un espectáculo le entre por los ojos. Si detrás de tanta luminaria escénica además hay un mensaje pues ya te das con un canto en los dientes y te 'partes' las manos aplaudiendo. ¡Qué menos!

GOLEM

by on 18:51
de 1927 dirección y texto SUZANNE ANDRADE dramaturgia BEN FRANCOMBE film, animación y diseño PAUL BARRITT intérpretes GENEVIENE...
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Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

 El viernes se acabó el misterio, Temporada Alta ya ha presentado su edición 2017. Como de costumbre muchos nombres catalanes, españoles e internacionales.

Estos últimos son siempre los más esperados, debido a la escasez de programación internacional que los teatreros podemos disfrutar durante una temporada convencional de teatro.

7 espectáculos de TEATRO:

@Polina Koroleva
  • Declan Donnellan presenta su versión de Nit de Reis de Shakespeare con su compañía rusa. Un reparto exclusivamente masculino para una comedia que es una invitación a la confusión y la ambigüedad sexual. ¿Qué es real y qué es apariencia? Un juego de engaños lleno de crueldad. 
@TA
  • Los Colochos Teatro presentan Mendoza, una adaptación de Macbeth de Shakespeare adaptado al contexto de la revolución mexicana. La historia del general José Mendoza, que empujado por los pronósticos de una vieja bruja y persuadido por su mujer comienza una interminable cadena de sangre. Una cruda reflexión sobre la realidad actual mexicana.
@La Camargo Teatro
  • Seguimos en Latinoamérica, con Camargo de La Congregación Teatro, que describe el terror de uno de los asesinos en serie más temidos de América Latina. Entre diciembre de 1984 y febrero de 1986 decenas de mujeres vírgenes, de entre veinte y veintiocho años, fueron encontrados en lugares alejados y solitarios con signos de asfixia e inicios de violación en Ecuador. La obra se sumerge en la vida íntima y mental de su asesino, Daniel Camargo.
@TA
  • Josse de Pauw, icono de la avantguarda belga presenta Demensheid (La humanidad). Tomando como base el texto de Arnon Grunberg, Praise of Mankind (Lloança de la humanitat) donde se erige como abogado defensor de su especie, menospreciada y humillada. Una cantante de ópera, la aclamada soprano Claron McFadden y el músico Kris Defoot completan el reparto.
@TA
  • Desde Gran Bretaña llega Golem de la compañía 1927. El golem es una criatura fantástica de tradición judía, el hombre de barro. Con una estética de las avantguardas de entreguerra, donde la parte visual espectacular es la marca de la casa, nos introduce en un futuro distópico donde parece imprescindible convivir con un ejército de esclavos. 
@TA
  • Guy Cassiers aborda el espeluznante texto de la Nobel Elfride Jelinek, Grensgeval (El cas de la frontera), basado en la tragedia Les suplicants de Esquilo retrata con dureza una sociedad cínica y de un racismo latente. Desde un filtro poético, Cassiers crea un espectáculo de emociones intensas sobre la odisea de los desplazados (refugiados), su sufrimiento y la impotencia de Europa, incapaz de asumir este reto humanitario.
@Tomas Ivanauskas
  • La última pieza teatral internacional viene de la mano de Oskaras Koršunovas y es la adaptación de la obra de Nicolai Gogol Diari d'un boig sobre el perverso mecanismo de explicar cómo un hombre corriente se puede convertir en un dictador.

1 espectáculo de DANZA:

@TA
  • Vuelve Alain Platel, uno de los grandes referentes en los lenguajes coreográficos contemporáneos con Out of Context, un espectáculo homenaje a Pina Baush y concepto danza-teatro. Su lenguaje incluye espasmos, tics y convulsiones. Un espectáculo que es la lucha entre el hombre y el animal, el individuo y la comunidad. Una búsqueda a las raíces y a la infancia. 

2 espectáculos de CIRCO:

@TA
  • Concerto pour deux clowns de la compañía francesa Les rois vagabonds. Un espectáculo para todas las edades que provoca la risa y maravilla con su lenguaje universal lleno de poesía y magia con partituras de Bach, Vivaldi y Strauss.

  • Desde Canadá, Cirque Éloiza presenta 8 acróbatas, 3 músicos y mucha diversión. Saloom nos traslada a un pequeño pueblo en medio del desierto en una América todavía en construcción. El ferrocarril se está construyendo y mientras los habitantes se encuentran en la taberna para reír, explicarse historias y enamorarse.

TODA LA INFO AL WEB DE TEMPORADA ALTA
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BASADO EN EL LIBRO EL BUIT DE ANNA LLENAS
IDEA ORIGINAL DEL ESPECTÁCULO: CIA ESTAMPADES, CIA IMPÀS y SERGI OTS
ADAPTACIÓN ESCÉNICA, CREACIÓN y DIRECCIÓN: SERGI OTS
CREACIÓN y COREOGRAFIA: CIA ESTAMPADES y CIA IMPÀS
INTÉRPRETES: BERTA ESCUDERO, ELENA MASÓ, NEUS MASÓ, MARIONA MOYA y PAULA RADRESA (según reparto)
DURACIÓN: 45min
FOTO: EL BUIT
PRODUCCIÓN: CIA ESTAMPADES, CIA IMPÀS, FESTIVAL TEMPORADA ALTA 2016 y KREAS- AJUNTAMENT DE GIRONA
MERCAT DE LES FLORS (OM, GREC 2017)

Al entrar en la sala nos encontramos una caja blanca, el escenario y dentro de él otra caja blanca enorme con ruedas, que poco a poco se le irán quitando las capas, cual cebolla y se despertará la magia. Con un inicio muy marcado por la presencia de la danza, el espectáculo va mutando hacía un circo más orgánico, cuerda, acrobacias, rueda…

El buit es una espectáculo concebido para ser disfrutado a partir de los cinco años, pero una se pregunta en platea si los temas de los que trata están lo suficiente pulidos para que niños de esta edad puedan comprenderlo más allá de que visualmente sea precioso, toda una maravilla, para grandes y pequeños.

El miedo, ese factor implacable que nos encontramos en nuestra vida, el encontrarse con un agujero interior, cómo establecer la relación con ese miedo interior a hacer cosas, a tirarnos a la piscina sin pensárnoslo dos veces son los temas principales del montaje. El buit realiza toda una investigación sobre ese vértigo que no nos permite avanzar y nos muestra cómo ir venciendo al monstruo que hará que poco a poco el agujero se vaya empequeñeciendo.

Todo esto sin mediar una palabra, simplemente basándose en técnicas de circo y movimiento/danza. Además de la amplia riqueza visual con la que cuenta el espectáculo, según los entendidos del teatro familiar, estamos delante de un espectáculo de otra división, a lo que están acostumbrados a ver, el humor también tiene un peso importante. La incertidumbre se lleva mejor con una sonrisa.

Sin olvidarnos que tenemos la platea llena de infantes, y el mensaje tiene que ser positivo al final. Un final lleno de color que contrasta con la predominancia de los colores neutros del resto del espectáculo, donde la iluminación de Pep Arumí y Maria Martín pone el toque cálido a la acción. La escenografía de la Cia Estampades, la Cia Impàs, Laura Martín y Sergi Ots es excepcional. De hecho el montaje técnicamente supone un importante salto hacia delante del tradicional teatro familiar. Andreu Vilar Juanola es el encargado de la composición musical que supone la cuadratura perfecta del círculo.

El buit es un espectáculo valiente que trata al público de tú a tú, sin importarle si tiene cinco o ochenta años. Al fin y al cabo los miedos, aunque vistan un traje distinto aparecen cuando somos pequeños y, en la mayoría de casos, nos acompañan también durante buena parte de nuestra vida adulta.

EL BUIT

by on 17:49
BASADO EN EL LIBRO EL BUIT DE ANNA LLENAS IDEA ORIGINAL DEL ESPECTÁCULO: CIA ESTAMPADES, CIA IMPÀS y SERGI OTS ADAPTACIÓN ESCÉNI...
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TEXTO y DIRECCIÓN: LLUÍS PASQUAL
CIA: LA KOMPANYIA LLIURE
INTÉRPRETES: JOAN AMARGÓS, ENRIC AUQUER, QUIM ÀVILA, EDUARDO LLOVERAS, LLUÍS MARQUÈS y JOAN SOLÉ
MÚSICOS: ORIOL ALGUERÓ, RICARD RENART, ORIOL AYMAT, JOAN PALET, DANI ESPASA, MARC DÍAZ, ROBERTO GONZÁLEZ (voz)
DURACIÓN: 1h 25min
FOTOGRAFIA: ROS RIBAS
COPRODUCCIÓN: TEATRE LLIURE y TEMPORADA ALTA
TEATRE LLIURE (SALA FABIÀ PUIGSERVER)

Lleno hasta la bandera, sold out, la recuperación de la memoria bajo la batuta de Lluís Pasqual ha tocado en los más profundo al público catalán. La primera producción de la nueva Kompanyia (ellos) es de traca i mocador. Lluís Pasqual ha recostruido pequeños instantes de lo que tuvieron que sufrir estos jóvenes que por uno u otro motivo se vieron abocadors a formar parte de un conflicto que en la mayoría de los casos ni les iba ni les venía.

Teatro documental con una sobrecarga de dramaturgia narrativa, un estatismo que hacia el final de la pieza se hace cada vez más evidente, ya lo tiene la guerra de trincheras, que más allá de explicarse batallitas, poco más se puede hacer. La dramaturgia de Lluís Pasqual es efectivista y busca al espectador más sensible, ese que tendrá que sacar el pañuelo en más de una ocasión. Su punto álgido será cuando toda la platea de pie guarde un minuto de silencio por los que dejaron la vida por sus ideales.

De la actual joven Kompanyia destaca la interpretación de Quim Ávila, con más tabals que el resto de sus compañeros, apunta maneras de convertirse en una de las caras más visibles de la nueva hornada. Enric Auquer, que se quedó a las puertas de entrar, y que Lluís Pasqual ha repescado para este espectáculo, sería otra de las caras a tener en cuenta por si falta algún papel masculino en las próximas producciones.

La escenografía, firmada por el mismo Pasqual, vuelve a incidir en la efectividad del montaje. Al igual que la iluminación de Pascual Merat y el vídeo de Franc Aleu. "Sorprende" que en un reparto absolutamente masculino, se haya decidido que todos los músicos sean también hombres. Fuera de la anécdota, la música es uno de los grandes aciertos del montaje. ¡Larga vida a la memoria!
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DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: PABLO MESSIEZ
INTÉRPRETES: ESTEFANIA DE LOS SANTOS (LAS PLANTAS) y FERNANDA ORAZI (LOS BICHOS)
DURACIÓN: 50min (Las Plantas) | 30min (Los Bichos) + 10min de entreacto
PRODUCCIÓN: PABLO MESSIEZ
SALA LA PLANETA (TEMPORADA ALTA 2015)

Messiez, Messiez, Messiez... le cuesta llegar a Barcelona, de momento hemos podido disfrutar de sus obras en Girona, gracias a Temporada Alta. Uno de los autores de culto en los teatros off de Madrid por sus dramaturgias y cada vez más en los teatros comerciales por sus adaptaciones y/o direcciones como la de La Piedra Oscura (en febrero, nos vemos en el Lliure de Gràcia).

Primer plato, Las Plantas con una Estefania de los Santos, simpatía y buen humor a raudales en una historia agridulce, llena de soledad, de frustraciones y de búsqueda incesante por la felicidad. Esta mujer se acaba de levantar, y esta sola, con la única compañía de sus plantas, a las que riega y habla sin cesar. Los espectadores mudos en medio de la oscuridad, hasta que la cuarta pared se rompe y se nos permite mirar, se nos da una voz sorda y la mujer deja de hablar con sus plantas y se dirige directamente al público. 

Las Plantas se estrenó en 2010 y lleva un rodaje importante, la cual cosa se nota, el naturalismo impregna toda la pieza. Estefania de los Santos, a la que ya pudimos ver en Urtain, aunque sea una práctica desconocida en Catalunya, lleva el personaje tatuado en la piel. Brutal su interpretación, no hay máscaras, te lo explica con una sencillez que las risas se convierten en llanto y te despierta una sensibilidad, que a pesar, del calor de la sala, la carne se te pone de gallina.

Segundo plato, Los Bichos protagonizada por la gran maga Fernanda Orazi, impresionante la capacidad de esta actriz argentina de impactar, de capturar la atención del público. A mí, me gana desde el primer segundo, pero yo soy fan, fan total.  Una mujer sentada delante de una mesa con un móvil, su cabeza reposa encima de la mesa, no se puede despegar, oye que la madera suena, hay bichos dentro. En tan sólo media hora escasa descubrimos su gran secreto. 

Y, aunque la obra no sea de las mejores de Messiez, le falta algo más de desarrollo dramatúrgico, la capacidad de seducción de Fernanda Orazi hace que no podamos despegar la mirada de su figura, nos lleva por donde quiere y nos dejamos llevar. Los bichos nos los deja Orazi en el estómago interpretación tras interpretación.

Messiez, Messiez, Messiez... de postre, estrenará nueva obra a finales de febrero en los Luchana con Estefania de los Santos y Luz Valdenebro, se me antoja una visita a Madrid. Barcelona de momento le sigue esperando.

LAS PLANTAS/LOS BICHOS

by on 17:44
DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: PABLO MESSIEZ INTÉRPRETES: ESTEFANIA DE LOS SANTOS (LAS PLANTAS) y FERNANDA ORAZI (LOS BICHOS) DURACIÓN: 50...
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TEXTO: DAVID MAMET
TRADUCCIÓN: JULIO MANRIQUE y CRISTINA GENEBAT
DIRECCION: JULIO MANRIQUE
INTÉRPRETES: MIREIA AIXELÀ, JULIO MANRIQUE y DAVID SELVAS
DURACIÓN: 1h 30min
FOTO: FELIPE MENA
PRODUCCIÓN: TEMPORADA ALTA y LA BRUTAL
TEATRE BORRÀS

¿Qué fue del David Mamet de Un matrimonio de Boston? Creció y se disipó. Paso a ser este David Mamet. El "¡qué guais que somos, Johnny!" no acaba de convencerme, de hecho me cansa ir de guais por la vida tras 90minutos de espera a que pasa algo más allá de ese diálogo entrecortado "tan típico de Mamet" según algunos entendidos. 

Dos productores se encuentran ante la oportunidad de su vida, hacer una película con uno de esos actores revienta taquillas y hacerse ricos y famosos. Una joven sustituta de secretaria, "inocente" con ganas de cambiar el orden de cosas y de medrar será la piedra que en el camino hacia la fama tengan que saltar sin tropezar, ¿lo conseguirán?

Con una escenografía que se adapta muy bien a los tres actos, desde una oficina a medio montar hasta un apartamento, las interpretaciones van subiendo de intensidad pero el texto no acompaña. Es difícil valorar unas interpretaciones a las que les cuesta arrancar y que sólo se desentienden de su monotonía en la parte final, donde David Selvas le gana la partida a un Julio Manrique que no consigue salirse de su zona de confort. 

A Mireia Aixelà le ha tocado un papel poco grato, y aunque la duda de su inocencia pueda planear por unos segundos en la mente de los espectadores, será una sombra difusa. Sin embargo, Aixela protagonizará los mejores momentos del montaje, un segundo acto que hace salir de su ensoñación al público.  Aunque por desgracia, no será suficiente su aportación y volveremos a caer en el toma y daca de un texto falto de ideas para llenar sus noventa minutos.

UNA ALTRA PEL·LÍCULA

by on 18:56
TEXTO: DAVID MAMET TRADUCCIÓN: JULIO MANRIQUE y CRISTINA GENEBAT DIRECCION: JULIO MANRIQUE INTÉRPRETES: MIREIA AIXELÀ, JULIO MANRI...
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DE: JONATHAN LITTELL
DIRECCIÓN: GUY CASSIERS
DRAMATURGIA: ERWIN JANS
PERFOMANCE: FILIP JORDENS
DURACIÓN: 1h
PRODUCCIÓN: TONEELHUIS
CANAL/SALT ARTS ESCÈNIQUES (TEMPORADA ALTA 2015)

Nunca seremos capaces de imaginarnos la monstruosidad que se cometió durante la II Guerra Mundial, como los nazis y el resto de regímenes fascistas masacraron a millones de personas. Una y otra vez asistimos impávidos a pequeñas muestras del horror, nos sigue impactando de la misma manera, como si no hubiéramos oído hablar de ello nunca.

Como acto performático Le sec et l'humide resiste el embate del derroche de datos, una verborrea difícil de contextualizar si no se es un ducho en la materia. A pesar de eso, poco a poco entiendes que no va de coger cada dato, sino de encontrarle un sentido común a la propuesta. Como, de alguna manera, somos los conejillos de indias de un proyecto mayor.

Y mientras observamos atónitos esta clase magistral de líquidos y sequedades no aptas para ser digeridas después de comer, la hora de función pasa, en algunos momentos más lenta de lo que debiera. La frialdad de Filip Jordens en la exposición y una escenografía de lo más aséptico más que ayudar, aleja al público de escena.

Interesante, sí, pero quizás los elementos y el contexto hubiera debido ser otro. La duración es la justa, un poco más hubiera sido excesivo. Lo hemos visto y ¿ahora qué? Quizás nada.

LE SEC ET L'HUMIDE

by on 17:39
  DE: JONATHAN LITTELL DIRECCIÓN: GUY CASSIERS DRAMATURGIA: ERWIN JANS PERFOMANCE: FILIP JORDENS DURACIÓN: 1h PRODUCCIÓN: TO...
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DIRECCIÓN y ANIMACIÓN: WILLIAM KENTRIDGE
TEXTO: YANE TAYLOR
DISEÑADOR DE TÍTERES: ADRIAN KOHLER
INTÉRPRETES: DAWID MINNAAR y BUSI ZOKUFA
MANIPULADORES DE TÍTERES: GABRIEL MARCHAND, MANDISELI y MTHOMBENI
DURACIÓN: 1h 30min
FOTO: LUKE YOUNG
PRODUCCIÓN: HANDSPRING PUPPET COMPANY
TEATRE MUNICIPAL DE GIRONA (TEMPORADA ALTA 2015)

Han pasado 18 años desde que la primera versión de este espectáculo se estrenara, quizás no suficiente tiempo para que las cicatrices del Apartheid se cicatricen, sus imágenes siguen impactando igual, y aunque siempre resulte interesante rescatar un espectáculo para que los que no estábamos hace 18 años viendo teatro pudiéramos hacernos una idea (y más si es con el reparto original), los tiempos han cambiado en estos años.

La forma de hacer teatro en medianos y grandes formatos por suerte ha evolucionado y hay que ser consciente de lo que impactaba tiempo atrás ahora ya no atrae de la misma manera. De alguna manera es lo que le sucede a Ubu i la comissió de la veritat. Si bien es cierto que aquí Ubú ya viene distorsionado de fábrica, lejos queda ese personaje dictatorial, enloquecido y también se ha eliminado toda la primera parte llena de escatológicas acciones. Ubú es más que nunca un títere de sí mismo.

Versión naïf e inocente donde las haya la de William Kentridge, tanto que incluso las atrocidades cometidas durante el Apartheid y presentadas como una muestra de documentos gráficos proyectados en la pantalla quedan dulcificadas, en medio de un texto que nos vuelve a presentar el abuso de poder en manos de una persona ignorante, débil, que ordena sin saber y que al final consigue salirse con la suya y con las manos limpias después de tanta sangre derramada.

Función de domingo a la tarde, en inglés de sudafrica bastante complicado de entender hasta que te acostumbras a ese acento tan cerrado, y quizás incluso sea un acierto para los que habitualmente no leemos sobretítulos en este idioma, tenemos que prestar un esfuerzo superior para entender la historia, hecho que nos obliga a entrar o desconectar para siempre jamás.

Aplausos tibios en el Teatre Municipal de Girona, excesivamente fríos teniendo en cuenta que es una propuesta internacional, al que le ha faltado asumir el riesgo de los nuevos tiempos y optar por actualizar mínimamente la propuesta. No cualquier tiempo pasado fue mejor.
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DIRECCIÓN y DRAMATURGIA: CLAUDIO TOLCACHIR, LAUTARO PEROTTI Y MELISA HERMIDA
INTÉRPRETES: DANIELA PAL, MARTA LUBOS y PAULA RASENBERG
DURACIÓN: 1h 30min
FOTO: SEBASTIÁN ARPESELLA
PRODUCCIÓN: TEATRO TIMBRE4, MAXIME SEUGÉ y JONATHAN ZAK
TEATRE DE SALT (TEMPORADA ALTA 2015)

Atraídos por el teatro argentino de Tolcachir desde que lo descubrimos con La familia Coleman, asistimos ávidos de su teatro con una marcado carácter costumbrista a Dinamo, que no cumple con nada de lo que he narrado hasta la fecha. Olvídate de lo que hayas visto de Tolcachir hasta la fecha, un salto al vacío del dramaturgo y director argentino, donde se deja llevar por la psicodelia y olvida, al menos por una obra, el drama por el drama, que tanto les gusta a los creadores argentinos mostrar. 

Saciados de drama, déjate llevar por una maravillosa puesta en escena que parece dedicada a los amantes de muchas de las películas indies de los USA. Una asfixiante caravana donde transcurre toda la acción. Tres mujeres a las cuales los sueños las abandonaron hace algún tiempo, ven como pasan sus días con una monotonía que las consumen. La aparición del tercer personaje, una inmigrante bielorrusa supondrá un leve pero definitivo trastoque a su aburrida existencia. La incomunicación empezará entonces a marcar el ritmo de las acciones, aunque no hay barrera insalvable.

En poco más de una hora, la historia se cierra con un montón de preguntas que asaltan la mente del espectador, no hay espacio temporal ni físico, es el público quien tiene que imaginarse un contexto para cada una de las escenas. A veces parece como si fuera una simple burbuja en medio de la nada, al que nada pudiera hacerla estallar.

Con dirección y dramaturgia compartida entre Claudio Tolcachir, Lautaro Perotti y Melisa Hermida, hechos que se nota, en todo el montaje, quizás el drama interior sea lo que más recuerde al clásico espíritu Tolcachir. Las interpretaciones abandonan la naturalidad de otros montajes costumbristas y se sumergen en un mundo a medio camino entre la realidad, los sueños y los efectos provocados por las drogas con personajes desestructurados que han desistido en su búsqueda de su lugar en el mundo. Este abandono no supone ningún drama, se agradece el despojo y la opción adoptada del viaje por mundos más contaminados de la mente humana.

Se agradece también que Claudio Tolcachir no haya optado por el camino fácil de hacer más de lo mismo e indagar otros territorios, en los que por lo que parece se va encontrar igual de cómodo que en los que ya transitó en el pasado. Dinamo sigue su camino hacia Burdeos-Murcia... ¡Viva la psicodelia!

DINAMO

by on 17:26
DIRECCIÓN y DRAMATURGIA: CLAUDIO TOLCACHIR, LAUTARO PEROTTI Y MELISA HERMIDA INTÉRPRETES: DANIELA PAL, MARTA LUBOS y PAULA RASENBERG ...
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