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dramaturgia y dirección ROGER TORNS
intérpretes ANNA HEREBIA, LAURA DAZA y ROGER TORNS
duración 60min
fotografías: H.I.I.T
producción H.I.I.T con la ayuda de LA SECA ESPAI BROSSA y el INSTITUT DEL TEATRE
LA SECA ESPAI BROSSA

Salgo de la burbuja del Festival Grec para ver una de las piezas que forma parte del nuevo ciclo Abrossa'm de La Seca Espai Brossa, una especie de becas a la creación de espectáculos en torno a la figura del poema que da nombre a la sala. Después de ver hace unos meses Habitat (doble penetración) a la Sala Atrium tenía ganas de volverme a sumergir en el universo de Roger Torns.

Estrip-tesi coge algunos de los rasgos de Brossa como son los juegos del lenguaje, la falta de significado concreto de algunas acciones, el juego, el surrealismo para criticar las políticas culturales que se han dado en los últimos tiempos. Aquello de construir una gran equipamiento para tenerlo vacío y cerrado al público. La metáfora funciona con las generalidad de las políticas culturales pero también es llevada a la especificidad de querer encerrar la poesía porque da miedo y no queremos que la gente la descubra.



Roger Torns crea, dirige e interpreta parte (lleva la voz cantante) de la función, ejemplo inequívoco de que las políticas culturales no dan para tener una ficha artística muy amplia. A pesar de ello, se desenvuelve bastante bien. No alcanza la volada de su anterior trabajo, para que nos vamos a engañar. Sobre todo para no acabar cayendo en aquello que a la vez estás criticando de ser mujer florero. Quizás hubiera sido conveniente reducir el reparto a lo femenino sin necesidad de tener una voz masculina dirigiendo in situ.

Estrip-tesi conjuga texto, música, voz, proyecciones, vídeo, teatro de objetos... en una sala Palau i Fabre dispuesta a dos bandas con escenario central, donde el público que sólo mira, oye y ve se siente como dentro de una misión secreta. El final sólo dependerá de lo alto que sea capaz de dejar volar su imaginación.

ESTRIP-TESI

by on 18:18
dramaturgia y dirección ROGER TORNS intérpretes ANNA HEREBIA, LAURA DAZA y ROGER TORNS duración 60min fotografías: H.I.I.T produ...
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autoría y dirección CLARA POCH y MARÇAL CLAVET
dramaturgia CLARA POCH
intérpretes MARÇAL CLAVET, MARTA CAMUFFI y CLARA POCH
duración 50min
fotografías GERARD RIERA
producción MUMUSIC CIRCUS
LA SECA ESPAI BROSSA (GREC 2018)

El Grec2018 también es apto para espectáculos familiares como Flou Papagayo. Volver a recuperar la magia y la ilusión al menos durante un rato. Hacer circo en una sala con el techo tan bajo y las dimensiones de La Seca es todo un deporte de riesgo y no sólo para los artistas, los espectadores de primera y segunda fila vivieron el "riesgo" en carne propia, lo cual hace sin duda más atrayente.

Mumusic Circus opta por la mezcla de circo con algunos momentos que ponen los pelos de punta con otros donde la magia de encuentra en la comedia y en la interacción con el público, pequeños y ya no tan pequeños, porque los padres también tienen que dejar boquiabiertos a sus hijos.



Flou Papagayo no tiene argumento. Es un seguido de escenas inconexas que llevan al espectador a disfrutar con cada una de ellas. Simplemente déjate llevar y participa siempre y cuando sea requerido. Volver a ser un niño, si es que no lo eres, volver a creer que todo es posible y que la barra pasará cerca, pero no te tocará, al menos no físicamente hablando.

Como el agua, que tiene su protagonismo en el espectáculo, el espectáculo fluye delante de los ojos del público con momentos tan espectaculares y divertidos como la cantarella de saber contar hasta el infinito o la especularidad de calzarse un pantalón encima de la percha china, lo más normal del mundo para Marçal Calvet, o la suspensión capilar de Marta Camuffi que nos deja completamente sin respiración.

Tanto si vas solo como si lo haces rodeada de infancia con piernas, el disfrute está asegurado. Porque ¿A quién no le gusta creer ni que sea por una ratito que la magia existe? 

FLOU PAPAGAYO

by on 17:57
autoría y dirección CLARA POCH y MARÇAL CLAVET dramaturgia CLARA POCH intérpretes MARÇAL CLAVET, MARTA CAMUFFI y CLARA POCH duraci...
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de WILLIAM SHAKESPEARE
adaptación y dirección ORIOL TARRASÓN
intérpretes ANNABEL CASTÁN, ÒSCAR INTENTE y ARNAU PUIG
duración 1h 25min
fotografías JOAN GASTÓ y DAVID TARRASÓN
producción CIA LES ANTONIETES
LA SECA ESPAI BROSSA

Últimamente Shakespeare me causa más apatía que entusiasmo, pero como dice el amigo Jordi Vilaró no es Shakespeare sino las adaptaciones que a casa nostra (veo poco teatro fuera de Catalunya por no decir nada) se hacen de las obras del Bardo inglés.

En ese estado me encontraba cuando se anunció la adaptación de Les Antonietes. Me atraía una posible adaptación al momento actual, a las fake news como ellos mismos anuncian, y atraída por el buen sabor de boca que par de meses antes me había dejado la maravillosa versión de La Tormenta de Projecte Ingenu me hizo dejar la apatía en el sofá y acercarme a la sala. 



La primera sorpresa es la cámara blanca, con una simple alfombra roja que a modo de tragedia prevista "mancha" la virginal estancia. Un escenario muy limpio, minimal, muy pulcro que pronto se verá empañado por el devenir de la historia.

Oriol Tarrasón vuelve a optar por un potente y necesario recorte de texto y personajes. Sólo veremos a Othello, a Yago y a Desdémona. A primera vista no se aprecia ningún problema en la poda del texto, pero hay algo que sí sorprende más de lo que debiera, el gusto por acercar el texto a la época actual se deja por el camino algunas partes en verso que no acaban de cuadrar con la sonoridad general.



Por lo que más se recordará esta versión de Othello es por el Yago de Arnau Puig, que acapara todas las miradas. El aspecto que más cojea en el montaje de Les Antonietes es el casting. Delante de una interpretación sobradamente convincente de Annabel Castán y de un soberbio Arnau Puig, Òscar Intente no consigue que Othello alce el vuelo, le falta fuerza, presencia, ánima y le sobra apatía.

Mientras veía el montaje me imaginaba a Arnau Puig haciendo todos los papeles del Auca, sin lugar a dudas hubiera sido uno de los montajes del año. Entonces sí que la versión hubiera dado ese paso más. Ha faltado atrevimiento, porque el actor perfecto ya lo tiene. ¿Hay algún voluntario en la sala?

OTHELLO

by on 19:39
de WILLIAM SHAKESPEARE adaptación y dirección ORIOL TARRASÓN intérpretes ANNABEL CASTÁN, ÒSCAR INTENTE y ARNAU PUIG duración 1h 25...
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dramaturgia JORDI ORIOL y DANIELA FEIXAS
dirección JORDI ORIOL
intérpretes MUGUET FRANC y ANNA GÜELL
duración 50min
fotografías MICGRUP CATALUNYA
producción Q-ARS TEATRE
LA SECA ESPAI BROSSA

Desconocía totalmente a Cristina Fernández Cubas. Confieso que su nombre no me sonaba de nada hasta que lo vi impreso en la nota de prensa. Pero ahora se ha convertido en una autora de la que me apetece leer más de lo que escuché en la sala. De hecho, necesitaría leerme los cuentos en los que esta basada la dramaturgia para saber cómo Jordi Oriol y Daniela Feixas han tejido la narrativa de la obra. Me parece todo una filigrana. 

Fui con la idea de ver escenificados una serie de cuentos, de narraciones cortas, pero me encontré un texto con entidad propia, basado en pequeñas escenas pero que juega con la metateatralidad del espacio, del tiempo e incluso intuyo que de las historias de las propias narraciones de Fernández Cubas. Oriol y Feixas han conseguido sumarse al universo de la autora y crear una realidad paralela y común a sus narraciones. Y, aún desconociendo a la autora, esto resulta de los más impactante.





En la pequeña sala Palau i Fabre, el público entra con la presencia escénica objetual y humana al completo. La escenografía de Àlex Aviñoa y Sílvia Delagneau nos traslada a una realidad paralela nada más poner los pies en la sala. Se podría decir que crea un ambiente hipnótico. Eso sí, ayudada en casi todo momento de una potentes iluminación, obra del mismo Àlex Aviñoa.

Más que perturbarme como prometía la sinopsis, me causó intriga, una manera obsesiva de explicar la narración, y como espectadora una avidez impresionante de querer descubrir qué es lo que estaba pasando en escena, que me estaba perdiendo al no llegar a entender del todo algunos comportamientos. Tranquilos que no se deja nada al azar.



Si hace un par de semanas veía a Muguet Franc con un personaje lánguido a más no poder, esta vez sus personajes tienen una fuerza que cruza la platea. Su presencia es la con la que más han jugado los dramaturgos. En ella reside buena parte de los interrogantes de la función. Sus múltiples personalidades/personajes consiguen que el espectador se sienta cuestionado en todo lo que ve y escucha, no reciba toda la verdad.



Por el contrario será el universo del personaje interpretado por Anna Güell el que lleve la voz cantante y en el que gire toda la historia. Su gran poder es saber jugar con las palabras, tanto en sonoridad, tiene una forma increíble de masticar el texto, como en significado. Me quedaría horas escuchándola sin pestañear.

Ausencias es un espectáculo boomerang de aquellos que el espectador recibe infinitamente más de lo que da. Es todo un latigazo a la conciencia, a lo que somos y lo que queremos ser. Y todo concentrado en poco más de tres cuartos de hora. Como un buen capítulo de esas series que tanto nos agradan, pero con actores de carne y hueso, sin pantalla, que sufren y te lo susurran al oído. Fascinante. 

AUSENCIAS

by on 20:00
dramaturgia JORDI ORIOL y DANIELA FEIXAS dirección JORDI ORIOL intérpretes MUGUET FRANC y ANNA GÜELL duración 50min fotografías ...
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dramaturgia y dirección JORDI PRAT i COLL
intérpretes IVAN LABANDA / ANNA MOLINER, JORDI VIDAL y ANDREU GALLÉN
duración 1h 20min
fotografía MAY ZIRCUS
LA SECA ESPAI BROSSA

El solo hecho de ir al teatro ya es un ritual que cada uno lo asume con una fe de diferente. Al final en la platea de turno somos un único aliento que respira al unísono a varias voces disonantes. Pero nada más entrar en la Sala Joan Brossa de La Seca nos damos cuenta que este ritual será diferente, hay quelcom en el ambiente que así lo indica.

No es porque los intérpretes ya estén en escena, que te miran, que van reconociendo a personas "amigas" entre los asistentes. Tampoco porque se permita hacer fotos (sin flash) el único día que apagas por completo el móvil en vez de dejarlo en modo avión (fallo garrafal). Creo que soy incapaz de explicar con palabras la atmósfera que uno se encuentra al entrar, sin duda lo mejor es vivirlo en directo.

Pero para ponernos en situación, los tres individuos que tenemos enfrente nos han citado en los bajos de un edificio donde está  apunto de comenzar un ritual muy particular, en el que descubriremos su fe, un nuevo dios, Eva Perón. A partir de entonces nuestro padre nuestro particular será un medley muy especial con Don't cry for me Argentina, como pilar.



Bajo un recomendación fui a ver el montaje con Ivan Labanda como maestro de ceremonias. Y la verdad es que su presencia refuerza el carácter de cabaret con un toque de petardeo y un guiño a la comunidad LGTBI+. Labanda está sensacional, tanto él como Jordi Vidal llevan la voz cantante de esta misa pagana donde seguiremos los dictámenes de Eva Perón o a quién quiera que les de la gana a estos dos. 

Las dotes  cómicas y musicales de Ivan Labanda son de sobra conocidas para los musical lovers. Al igual que las de Jordi Vidal, que en Requiem for Evita, vuelve a demostrar un amplio rango vocal que deja pasmados a propios y a extraños. Pero la gran sorpresa del montaje es la vis cómica de Andreu Gallén que lo mismo sirve "para un roto que para un descosío". 



Tanto el diseño de iluminación de Lluís Robirola como, en especial, la escenografía de Judith Torres juegan a la sorpresa con el espectador y son unas perfectas comparsas para el show que se acaba montando encima del escenario. Las letras de David Pintó son el talismán que le faltaba al espectáculo para que te dure días en la cabeza.

A Jordi Prat i Coll le compramos estampitas, cantamos cualquier himno que se le pase por la cabeza e incluso recibimos su peculiar comunión sin pestañear. Sin ser creyente de nada, acabas cayendo a los pies de esta peculiar fe y sin darte cuenta, sucumbes bajo el grito de guerra, "Jo sóc perona". 

REQUIEM FOR EVITA

by on 19:22
dramaturgia y dirección JORDI PRAT i COLL intérpretes IVAN LABANDA / ANNA MOLINER, JORDI VIDAL y ANDREU GALLÉN duración 1h 20min f...
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basado en La Tormenta de William Shakespeare
dirección y adaptación MARC CHORNET
intérpretes TONI GUILLEMAT, CRISTINA LÓPEZ, NEUS PÀMIES, VÍCTOR RODRIGO, MARTÍ SALVAT, ROSER TÀPIAS y XAVIER TORRA
duración 1h 10min
fotografías DAVID RUANO
producción PROJECTE INGENU
LA SECA ESPAI BROSSA

Tengo que confesar que no he visto nunca La Tempesta montada en su versión original, es una espinita que tengo clavada y que espero que muy pronto alguien sea capaz de desclavarme. La he leído hace bastantes años para tener una ligera idea de qué va.

De entrada sorprende descubrir que se trate de un espectáculo puramente visual, con ligeras concesiones sonoras que dejan al texto de Shakespeare totalmente fuera de bolos y sin pronunciar una palabra consiguen trasmitir toda su fuerza.



Marc Chornet es uno de los directores que mejor conoce la obra del Bardo inglés y queda demostrado a lo largo del montaje. Sólo después de una profunda investigación sobre su obra se puede llegar a crear un montaje como éste. Si con Hamlet consiguió sorprendernos, con Romeo y Julieta nos dejó mudos, Vaig ser pròsper nos deja totalmente boquiabiertos.

Cuando no hay palabras, la responsabilidad recae en una dramaturgia de sonidos, teatro físico y de una puesta en escena acorde a todo el conjunto. El espacio sonoro diseñado por Pol Queralt juntamente con la música original y los arreglos vocales de Neus Pàmies eriza la piel, es todo un viaje emocional que es imposible que te deje indiferente. Víctor Rodrigo firma un movimiento que te atrapa, no hay escapatoria para unos ojos que no se despegan de la acción en ningún momento. La escena inicial con los criados es de una belleza poética que te desmonta. Impresionante.



Laura Clos (Closca) vuelve a diseñar una escenografía complicada, con una disposición a dos bandas, según parece desde la grada B hay más sombras que claros que desde la grada A. A pesar de las sombras, desde mi grada A la disposición de mezcla de luz y sombra funcionaba más que molestaba. Suyo es también el excelente diseño de luces que funciona a la perfección tanto en los momentos más calmados como en aquellos que se entra en un ligero éxtasis.

Vaig ser pròsper exige a sus intérpretes una entrega diferente, con una dramaturgia y un ritmo tan coreografiado cualquier error es fácilmente visible a los ojos del espectador. Pero en eso, Projecte Ingenu son unos expertos, dominan la naturalidad para que todas las piezas encajen y esta vez no iba a ser menos, entrega total... y se nota, vaya que si se nota!



La herencia simbolista que ya adoptaron en su anterior montaje, Yerma, queda muy superada aquí. Vaig ser pròper es el doctorado Cum Laude de Marc Chornet en Shakespeare, en montajes simbolistas. Projecte Ingenu tiene prohibido conformarse y lo sigue demostrando. No hay fronteras, no hay barreras que no logren superar. What a f*cking maravilla! BRAVO!

PS: Y aunque nunca nos acordemos de ellos, las fotos del montaje de David Ruano son una preciosidad. Tanto que me ha costado elegir cuatro para la crítica.
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texto, interpretación y dirección MANUEL VEIGA
ayudante de dirección MERCÈ CERVERA
duración 65min
fotografías DAN BALBOA y MIGUEL ÁNGEL FERNÁNDEZ
producción ROSELAND S.L.
LA SECA ESPAI BROSSA

Comienzo admitiendo que la música y todo el universo de Lola Flores me queda a años luz. Cosa que afortunadamente no es, ni ha sido, en mi caso concreto, un impedimento para disfrutar del montaje. Manuel Veiga coge la esencia de lo que supuso su figura en plena dictadura franquista para sacar a la luz la historia de muchos, que como el protagonista, el hijo de Curro, no consiguió alcanzar a ver cómo la sociedad entendía sus historias, sus vidas.

Siempre a la varita tuya es un monólogo flamenco, un grito vitalista, una historia que hemos visto que se repite en otras formas más de una vez, pero sobre todo es verdad. La mirada de Veiga penetra y se queda como una sombra que no desaparece una vez que se sale por la puerta. La intensidad de unos ojos, que se mezcla con el dolor infinito de unas palabras, que nunca fueron las necesarias, provoca una hora de hipnotismo escénico.



A pesar de que por necesidades técnicas, la Sala Palau i Fabre de La Seca se haya teñido de rojo, parece que sus paredes lloran, hecho que acentúa aún más, si es posible, la sensación de drama del montaje. Sensación que se ve, a menudo, interrumpida por un humor negro, negrísimo.

La sobriedad de la escenografía diseñada por Jar Teatre, una silla, un maniquí que da figura al traje verde y una cortina de fondo a modo de telón que sirve como entrada y salida y también ayuda a dar vida a las proyecciones. Sin duda, el elemento clave de la puesta en escena es la precisa iluminación de Josep Maria Cadafalch, que despierta todo un torrente de emociones en el sentir del espectáculo por parte de los espectadores.



La apasionada interpretación de Manuel Veiga destila verdad y sentimiento. El único pero que se le puede poner a su verdad es el caló, pero no porque no venga a cuento, sino porque a veces sale demasiado forzado. No seré yo quién critique los acentos de cada uno, pero el exceso de intensidad que se pone para resaltar el 'andaluz' lastra en algunas escenas la preciosista poética del texto.



Después de Carmen Amaya y Lola Flores, Manuel Veiga seguirá rescatando de la memoria colectiva a golpe de homenaje escénico, grandes nombres de la cultura popular. La trilogia se completará con el escritor Paco Candel. Mientras tanto, déjate atrapar por su arte. Y Chinpún.

SIEMPRE A LA VERITA TUYA

by on 19:15
texto, interpretación y dirección MANUEL VEIGA ayudante de dirección MERCÈ CERVERA duración 65min fotografías DAN BALBOA y MIGUEL ...
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TEXTO: JON FOSSE
TRADUCIÓN, DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: ESTER ROMA CALLE
INTÉRPRETES: RAMON BONVEHÍ y BÀRBARA ROIG
DURACIÓN: 60min
LA SECA ESPAI BROSSA

No es que nos hayamos saltado una estación de repente, pero el texto de Jon Fosse hace honor a su nombre, la nieve invade la escena y los personajes son contaminados por esa baja temperatura.

Con el recuerdo del calor, del verano; con el gusto todavía en los labios del día anterior con Peccatum, la entrada de aire fresco es como una bofetada. El espectador, a medio camino entre lo impasible y las ganas de descubrir qué esconden los personajes permanece más inerte que de costumbre sentado.

Un hombre y una mujer intercambian un diálogo entrecortado. Medias palabras, diálogo sinsentido, reproches entre frases inacabadas, ¿pero qué relación tienen? ¿Se acaban de conocer en el banco de un parque o ya tenían una relación anterior?

Un tercer protagonista, el silencio. A veces no dice nada, pero en este caso viene a reafirmar su papel en la incomunicación de los intérpretes. Un silencio, incómodo, excesivamente alargado (en la mayoría de casos) y presente. El espectador busca que la escena avance, pero el texto le niega una y otra vez esa posibilidad. La cuarta pared es férrea, no hay ni la más mínima posibilidad de derribarla, y el público lo nota. 


Las interpretaciones son contenidas, más en el caso de Ramon Bonvehí, que mantiene a raya cualquier síntoma de cercanía, su mirada y gestos rozan lo gélido. Mientras que su compañera Bàrbara Roig echa mano de naturalidad para presentarnos un personaje más complejo, con más capas que gira entre la soledad que comparten los dos, a la locura por cambiar la aparente rutina donde se han estancado.

El texto es críptico, la historia se explica por el personaje de ella, por sus miradas, por sus gestos, por sus acciones... El texto es lento, porque realmente si no fuera por tanto silencio, por tanta frase entrecortada no superaría la media hora. Pero la vida también es lenta, críptica y vivimos más de 60 minutos. A Hivern le cuesta arrancar, pero la belleza de los últimos 5 minutos es sublime. Al final a cualquier experiencia hay que sacarle el jugo.

HIVERN

by on 20:02
TEXTO: JON FOSSE TRADUCIÓN, DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: ESTER ROMA CALLE INTÉRPRETES: RAMON BONVEHÍ y BÀRBARA ROIG DURACIÓN: 60min ...
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DRAMATURGIA: TONI GOMILA
INTÉRPRETES: TONI GOMILA y CATALINA FLORIT
DURACIÓN: 50min
FOTO: MARIA BEL LLULL
PRODUCCIÓ: PRODUCCIONS DE FERRO
LA SECA ESPAI BROSSA


Toni Gomila ha tardado mucho en volver. Ha vuelto repetidas veces con Acorar, el éxito que todavía en la misma sala volvió a repetir la semana pasada. Pero había ganas de verlo en otro registro. Estaba vez también habla de carne, pero el "puerco" tiene dos piernas en lugar de dos patas.

Nos sumergimos en el mundo de las pornorondalles, una especie de fábulas verdes breves de monseñor Alcover, llenas de violencia, sexo, mujeres, hombres. Un dato curioso, que ocurrió durante mi sesión (y que a una le pone los pelos de punta) mientras se explican historias de violencia física o psíquica hacia las mujeres, los hombres ríen. El resto de la pieza es muy cómica, pero en ese punto la risa es peligrosa. 

El despiece de miembros es similar al porcino, pero aquí las partes escabrosas parece que se han eliminado, o al menos así lo decía monseñor. El que no se ha excluido es la sonoridad del mallorquín, que esta vez resulta igual de atractivo para los oídos y un poco más fácil de entender, lo cual se agradece.

Y se agradece también el juego con la lingüística: ay, las vocales neutras! o el juego de diferentes acentos, imperdible el momento de Adam i Eva. La comedia está servida y la risa no tiene lenguaje que le marque el ritmo.



La puesta en escena de Joan Miquel Artigues, Martí Gomila y Margalida Munar, no puede ser más simple, con el público en círculo entorno a un mini escenario donde un pequeño "altar" en forma circular se halla. Una ambientación mitad iglesia, mitad infierno por las luces rojas y el humo nos recibe. Que los espectadores estemos en círculos y a unos centímetros de la escena permite difuminar en un abrir y cerrar de ojos la cuarta pared.

La iluminación de Dani Noceda es uno de los puntos claves del montaje. Acentúa aquello que es necesario y sobre todo, en los momentos de escasa luz, convierte sus leves toques en experiencias sensoriales magníficas.


De sobra es conocida la maestría de las actuaciones de Toni Gomila, pero Peccatum nos tiene preparado una sorpresa, Catalina Florit. Una actriz nacida en Barcelona, pero cuya carrera se ha desarrollado entre Ses Illes y Alemania, hasta ahora casi desconocida para el público barcelonés. Seductora, juguetona, con sólo una mirada es capaz de convencer hasta el espectador más cerrado.

En esta ocasión hay un elemento tan importante como la interpretación, el movimiento físico. El juego no sería el mismo si se eliminará los movimientos que los actores ejecutan en escena, cómo la rondallas cobran vida, y ayudan a hacer más entendedor (si cabe) el texto. Una "pura" delicia.

PECCATUM

by on 17:39
DRAMATURGIA: TONI GOMILA INTÉRPRETES: TONI GOMILA y CATALINA FLORIT DURACIÓN: 50min FOTO: MARIA BEL LLULL PRODUCCIÓ: PRODUCC...
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AUTORIA y DIRECCIÓN: LES IMPUXIBLES (CLARA PEYA y ARIADNA PEYA) y CARLA ROVIRA
TEXTO y DRAMATURGIA: CARLA ROVIRA
INTERPRETACIÓN: JÚLIA BARCELÓ, OLGA LLADÓ, ARIADNA PEYA, CLARA PEYA y MARIA SALARICH
DIRECCIÓN COREOGRÁFICA: ARIADNA PEYA
COMPOSICIÓN e INTERPRETACIÓN MUSICAL: CLARA PEYA
DURACIÓN: 75min
PRODUCCIÓN: LES IMPUXIBLES
LA SECA ESPAI BROSSA

Gran expectación la que está despertando el nuevo montaje de Les Impuxibles después de su aclamado Limbo y más cuando esta vez han unido fuerzas con Carla Rovira (Most of all, you've got to pide it from the chicks). Cuando unos pocos privilegiados nos ‘colamos’ en un ensayo (a dos semanas del estreno) la cosa ya prometía, y las expectativas se han cumplido y con creces.

Partiendo de la base del lema ‘No es no’, desde el inicio (no te pierdas el mensaje de apagar el móvil), se van desgranando una serie de ítems relacionados con la violencia que sufren las mujeres por parte (o culpa) de los hombres. Palabra, música, cuerpo, sonidos. El primer cuarto de hora es para enmarcar, la potencia visual, sonora, de palabra y música es aplastante.

Cinco voces, cinco cuerpos que claman justicia, que no se banalice la violencia, que no se tome como algo habitual, como un hecho imposible de atajar, de corta, porque no es natural. Declaración de intenciones en una dramaturgia, una y otra vez los estómagos de los espectadores. Ariadna Peya ha coreografiado aquello que no es necesario explicar con palabras, porque un simple gesto dice mucho más. Las escenas de danza, son acompañadas por un grandioso diseño de iluminación de Jordi Berch, que acompañado de la pared desnuda a ladrillo visto de la sala dibuja impactos visuales de gran calado y una simple pero cómplice escenografía de Sarah Bernardy.

Si las palabras hieren, calan y la danza impacta, la composición musical de Clara Peya hipnotiza, impresionante el solo de piano o la explicación de la banda sonora. Además el diseño de sonido de Josep Sánchez-Rico le encaja perfectamente al espectáculo y es un continuo disparo, un incesante goteo de sentimientos.


A pesar de ser un espectáculo a cinco voces, no puedo obviar una, la de Júlia Barceló, impresionante trabajo de voz y cuerpo el suyo. Sus palabras hieren pero también te cuestionan si aquellos actos tan habituales no son más que una gota más en el mar con el que luchamos diariamente. La interpretación de Júlia Barceló es magnética, desde la lista de reproches hasta una inocente y delicada narración de abusos a menores. Piel de gallina. ¿Por qué no vemos a Júlia Barceló en más montajes?

Aüc, el so de les esquerdes es un espectáculo de realidades diarias que Carla Rovira ha sabido relatar con un simple entrar y salida de ficción. El exquisito trato por los temas sensibles tratados para que el público se sienta violentado pero en su justa medida es uno de los puntos más destacados del montaje. Una cosa es impactar y otra intentar evitar tratar el tema de manera gratuita. 

Aüc. El so de les esquerdes es un montaje más que necesario, imprescindible. Desgarrador grito de una realidad que no puede quedar silenciada. Se tiene que poner encima de la mesa. Es un espectáculo apto para todo aquel al que le quede corazón, pero lo deberían ver todos los hombres, en masculino, y si son adolescentes mejor. Nosotras, ellas, salimos de la sala con el estómago y la mente golpeados, pero con la sensación de que ‘entre todas podemos’. ¡Ojála no sea una sensación pasajera! 

Gràcies!
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AUTORA: SARAH KANE
TRADUCCIÓN: ANNA SOLER HORTA
DIRECCIÓN: MOISÈS MAICAS con la colaboración de IVAN MORALES
INTÉRPRETE: ANNA ALARCON
DURACIÓN: 1h 20min
PRODUCCIÓN: THE THREE KEATONS
LA SECA

Hay autores malditos porque nadie les quiere representar, por su dificultad, por la conexión con el público que requieren, porque necesitan una digestión lenta y porque para algunos "no venden". Entre ellos, Sarah Kane. Hace algunos años que busco textos suyos, los encuentro en inglés, no hay traducciones, y pocas veces se representan. Tan maldita y tan de culto porque una vez que entras en su universo, ya es muy difícil salir.

Sólo por el hecho de haber saltado saltado al ruedo de la valentía, de haber optado por un texto tan difícil, lleno de oscuridad, el último que escribió antes de suicidarse y ponerlo en escena, toda la compañía se merece un sonoro aplauso. No diré que es el que más me impresionó (ese honor se lo lleva Blasted, el que tuve que releer porque creía haberlo entendido mal, pero no) pero la poética del texto y la factura física y mental que exige este monólogo a la actriz que lo interprete es tan potente como el suicidio artístico de la intérprete que se lance a él con o sin red.

Impresionante escenografía a tres bandas, que al principio le juega un mal papel al montaje, sobre todo en la primera parte, donde en numerosas ocasiones la actriz da la espalda a buena parte del público durante su monólogo y te quedas en la sombra esperando que te mire, que tu también seas el punto de atención de sus quejas, de sus súplicas.

Totalmente hipnotizada por la interpretación de Anna Alarcon. Potencia y ternura a partes iguales para dibujar un ser que se ha cansado de vivir, que ya no tiene esperanzas ni cree en la felicidad, en el amor, en la vida. Eléctrica como si me hubieran sentado en una silla de tortura pero de la que no pudiera o quisiera escapar. Atónita a todo lo que está sucediendo delante de mis ojos. Sarah Kane nunca estuvo tan viva como en el cuerpo de Anna Alarcon. 

Me gustaría pensar que Moisès Maicas ha puesto la primera piedra para seguir montando otros textos de la autora británica, que Psicosi 4.48 no es flor de un día. Que alguien podría dejarme de nuevo sin respiración representando el ya mencionado Blasted. ¡Por favor, que alguien me diga que no estoy soñando! 

PSICOSI DE LES 4.48

by on 16:39
AUTORA: SARAH KANE TRADUCCIÓN: ANNA SOLER HORTA DIRECCIÓN: MOISÈS MAICAS con la colaboración de IVAN MORALES INTÉRPRETE: ANNA ALAR...
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Fuente: Elisa Díez (Butaques i Somnis) 

Benditos los ojos que alguna sala se atreve a programar a Sarah Kane. Sigo sin poder creerme que este septiembre podamos hacer una aproximación a su figura. Psicosi de les 4.48 explora la región de la mente que la mayoría de los seres humanos desearía no tener que visitar nunca, pero de la que muchas personas no pueden escapar. Es un territorio habitado por voces. El hecho de que la obra fuera escrita cuando Sarah Kane sufría una depresión profunda, una circunstancia más destructiva que creativa, demuestra el acto de generosidad de la autora.

Y aunque el suicidio es siempre un interrogante, el suicidio de una escritora plantea una pregunta que los vivos buscamos responder. Que la muerte de Sarah Kane planee sobre toda su obra no es nada nuevo, puede hacer que el lector/espectador vaya buscando un diagnóstico, para escuchar los gritos sordos que buscan ayuda. El reto de los espectadores, de la que es la última obra de la autora, es dejar de buscarla entre las palabras de su texto sino dejar que éste te transporte hasta su propia realidad, lo que provocará en el público el reconocimiento del miedo que sienten y los impulsos que les mueven en relación a un acto autodestructivo que a menudo preferimos ignorar.

Además de la obra protagonizada por Anna Alarcón y dirigida Moisès Maicas con ayuda de Iván Morales, La Seca ha organizado un conjunto de actividades, todos los miércoles, en paralelo a la obra para profundizar en la figura de Sarah Kane.


09.09.15 

19.00 h - Sala Palau i Fabre

Mesa redonda alrededor de la obra y figura de Sarah Kane

Con Ramon Simó, Andreu Gomila y Xavier Albertí. Presentación de la edición de Lleonard Muntaner Editor de la versión catalana de Psicosi de les 4.48, con traducción de Anna Soler Horta y prólogo de Andreu Gomila. 


16.09.15

19.00 h. - Sala Joan Brossa

Lectura dramatizada de Rebentats (Blasted), de Sarah Kane, con traducción d’Ester Roma Calle

Con Mingo Ràfols, Bàrbara Roig y Miquel Sitjar. Dirección: Ester Roma Calle. 



23.09.15

Sala Joan Brossa

Después de la función, coloquio.

Con la actriz Anna Alarcón, el director Moisès Maicas y el equipo artístico del espectáculo Psicosi de les 4.48. 



30.09.15

19.00 h - Sala Joan Brossa

Oh Kane... my Sarah Kane | Escenario Abierto

Creadores vinculados al mundo del teatro, lectores y espectadores de obras de Sarah Kane intervendrán para compartir con los asistentes su visión de los textos de Sarah Kane.


PSICOSI DE LES 4.48. La Seca. Del 9 de septiembre al 4 de octubre. 
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Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Cuando los focos se apagan, las plateas se vuelven desiertas y las persianas anuncian un "Cerrado por Vacaciones" es hora de hacer balance de la temporada teatral que ya ha terminado. Este año por circunstancias personales y laborales no he podido asistir con tanta regularidad a las salas, tan sólo en poco más de 100 ocasiones, contando la maratón que con mucho gusto me he pegado con el Festival Grec.

Esta ha sido una temporada floja, se presentó como la temporada de la recuperación y hemos acabado con ocupaciones tras la Semana Santa que a penas alcanzaban al 40%, es verdad que cuando sale el sol, la playa tira más que las salas teatrales, pero son números preocupantes para un sector ya de por sí afectado por diversas políticas culturales.

Pese a todo hay vencedores que se han llevado el gato al agua y que han visto sus plateas a rebosar. Comencemos con dos nombres y apellidos que por una u otra razón han destacado esta temporada. Ernesto Collado, que parecía que tenía vetado la exhibición de sus espectáculos en Barcelona, esta temporada ha conseguido que deseemos ver más tras Montaldo (La Seca) y Constructivo (Hiroshima). Nuevos lenguajes escénicos, una apuesta clara por incluir al público en la pieza escénica y una experiencia muy recomendable para aquellos que no se conforman con sentarse en una butaca y disfrutar. Volviendo al teatro más clásico y convencional, esta ha sido la temporada de Lluís Homar que ha maravillado con su Terra Baixa (que volverá al Borràs del 23 de septiembre al 25 de octubre tras agotar localidades en su primera temporada) y con la dirección de L'art de la comèdia de Eduardo de Filippo en la Sala Gran del TNC y que después pudimos ver "paso a paso" en el programa Teatral del Canal 33.

De los nombres y apellidos pasamos a las salas. Destacaré tres, una por su nacimiento, la otra porque aunque llevaba ya un tiempo entre nosotros, este año ha consolidado su presencia, quizás no tanto para el gran público que busca un teatro más comercial, pero sí para los teatreros que buscamos otro tipo de emociones y por último la consagración de una sala/compañía que el año pasado dejó el listón muy alto y éste ha vuelto a superarlo. 
Hace apenas cuatro meses nacía la Sala Hiroshima, venía a ocupar una parcela poco explorada en Barcelona como es el teatro experimental, la performance, la danza, los géneros híbridos... Pegadita al Paral·lel, cuna de los grandes teatros comerciales, este proyecto huía de los neones para mostrarnos otro tipo de propuestas, que poco a poco van ganando adeptos entre el público teatral. He podido asistir en dos ocasiones y tengo ganas de más. En unos días os explicaré una avanzadilla de su nueva temporada. Estad atentos! 
Y siguiendo en Poble Sec, en lo alto de la Montaña de Montjuïc nos encontramos con La Vilella, hervidero de pequeñas propuestas. En ella se horneó una de las joyitas de la temporada, Et vindré a tapar, que más tarde, ya en verano ha recalado en La Seca. Tanto una como otra han conseguido participar en el Festival Grec de este año, una buena señal de que dejan el anonimato para entrar en el circuito. 
Finalizamos en el centro, sorteando guiris, para refugiarnos en el anteriormente conocido como Círcol Maldà, que a partir de esta nueva temporada se llamará El Maldà. Entre los múltiples estrenos de esta temporada, dos montajes me han sorprendido. La producción de esta temporada de la compañía, Els Pirates Teatre, que han versionado con su estilo, Nit de Reis de Shakespeare. Disfrutada de obra donde la música volvió a tener protagonismo y El llarg dinar de Nadal, que agotó entradas y volvió fuera de Navidad, para regalarnos una ambiente cuidado con una puesta en escena sublime y unas interpretaciones que dejan la boca abierta. Esta Navidad vuelven. No se la pierdan.

En el último tramo de temporada nos aguardaba una de las sorpresas que nos ha tenido en vilo durante dos meses y con la que hemos disfrutado enormemente, tanto que nos hemos quedado con ganas de más. La responsable es la compañía La Brutal con David Selvas y Julio Manrique a la cabeza que han creado una especie de teatro seriado y con su ciclo Tot pels diners ha conseguido llenar el Espai Lliure de mentes despiertas con ganas de ver una serie de montajes diferentes. Mammon, Cleopatra y L'onzena plaga nos ha convencido y hecho adictos a montajes que no acaban en los aplausos.

Y acabamos con fuegos artificiales, para el que es sin duda el montaje de la temporada. Y aunque algunos digan que es un melodrama (si Shakespeare levantara la cabeza...), lo cierto es que tuvo las entradas agotadas antes de estrenarse y nos hizo soñar con lo que puede conseguir un director, Julio Manrique, con los recursos limitados, con algo más de imaginación. Sí, estoy hablando de El Curiós Incident del Gos a mitjanit que se pudo ver al Lliure de Gràcia y que la temporada que viene se podrá ver al Lliure de Montjuïc. Después de ver el de Barcelona fui a Londres, y vale que allá tienen más dinero y escenográficamente es espectacular pero les falta Pol López, inconmensurable la interpretación de unos de los grandes de la escena catalana actual. Las entradas volarán, de eso tampoco hay duda.

Y claro que hay cosas negativas, espectáculos que me han decepcionado, ha sido una temporada como muchas otras, donde sales corriendo de una sala porque si alguien te pregunta qué te ha parecido se te va a notar que no te ha gustado demasiado tirando para nada, pero eso en agosto se te olvida nada más poner un pie en la arena, ni te acuerdas de las listas que has podido hacer en una platea por estar aburrida o no conectar con el mensaje. En septiembre vuelves descansada, con un montón de kilos de más... en la maleta y con ganas de sumergirte en más historias, con nuevos personajes, mientras la página en blanco te sigue esperando para que la rellenes con una y mil reflexiones. Este agosto, el blog sigue, te esperan una serie de artículos para que la vuelta a la rutina sea más liviana porque estés deseoso de iniciar la temporada teatral con una y mil propuestas. Esto es tan sólo un punto y seguido... Continuará.
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