Fuente: Justo Barranco (lavanguardia.com) | Foto: Oscar Palenque

David Menéndez, Guillem Motos y Xavi Sáez dan vida en el teatro Akadèmia hasta este domingo a tres artistas malditos: el jazzista Chet Baker, el pintor Jean-Michel Basquiat y el autor teatral Bernard-Marie Koltès, autor del mítico Roberto Zucco. Tres grandes de vidas muy cortas que se encuentran en el cielo en La revolta dels àngels, una obra del francés Enzo Cormann que dirige Nicolas Chevallier. Tres poetas de lo vivo que en la obra se rebelan contra su conversión en objetos de culto petrificados, según cuenta Cormann (Sos, 1953) en esta entrevista a La Vanguardia.

¿Por qué ha unido a Bernard-Marie Koltès, Jean-Michel Basquiat y Chet Baker? ¿Qué comparten?
Ellos no se conocían. Dudo incluso que Koltès hubiera visto nunca una foto de Basquiat, o que Chet hubiera escuchado jamás citar el nombre de Koltès. Pero los tres vieron “algo demasiado grande para ellos”. Ellos coincidieron totalmente con esa visión, y fueron heridos de muerte por ella. El arte es una lucha desesperada, aunque incluso a veces sea feliz. Desde este punto de vista, los tres son más intempestivos que contemporáneos. Quizá por eso a todos se les atribuyeron atributos angelicales durante su vida: sonrisa de ángel, ángel de la grieta, cara de ángel...

¿De qué hablan los tres en la obra?
De acuerdo con la excelente definición de Robert Fillioux, “el arte es lo que hace la vida más interesante que el arte”. Nuestros tres ángeles se quejan de que esta producción de subjetividad de intención vitalista sea sistemáticamente reducida al nivel de mercancía. Se quejan de la mercantilización del arte, su petrificación mortal. Protestan contra el hecho de que sus figuras hayan sido sustituidas gradualmente por sus trabajos en el imaginario colectivo. La cara de viejo indio abatido de Chet Baker, el retrato de Basquiat descalzo en su traje Armani manchado de pintura, Koltès denigrado por los críticos durante su vida, incluso aquellos que lo encomiaron tras su muerte -y lo instrumentalizaron para denigrar toda la dramaturgia contemporánea... Todo eso afirma que cierta forma de adulación postmortem es una forma de maltrato retrospectiva.

¿Chet Baker es un ídolo para usted, que también trabaja en el campo del jazz?
No me conozco ídolos, pero tengo oídos y trato de usarlos. Escucho los coros de Chet Baker como leo las obras de teatro de Koltès y miro las pinturas de Basquiat. Chet me enseñó a frasear, Basquiat a rapsodiar, Koltès a viajar... Lo que es hermoso, lo que es vital, son estos devenires cruzados: convertirse en palabra de un cuadro o una melodía, convertirse en la música de un drama o un graffiti... La vida alimenta la vida, mientras que las palomas se cagan en las estatuas.

¿La rebelión de los ángeles es una especie de manifiesto de su teatro, contra la mediatización de todo?
Se requiere la mediación. Como maestro en una escuela de arte, yo mismo soy mediador. Y fui periodista. Pero la lógica industrial de la televisión empuja al consenso desingularizante. Si quieres que Coca-Cola te compre unos "minutos de cerebro disponibles", hace falta que demuestres que eres capaz de unir de forma espontánea varios millones de subjetividades. Los accionistas de Coca-Cola pueden comprar a precio de oro las pinturas de Basquiat, pero no pueden mostrarlas en la televisión, porque asustaría a los consumidores que han construido sus fortunas...

Usted escribió el ensayo "Lo que sólo el teatro puede decir." ¿Qué es, qué lo hace único, por qué está tan vivo hoy?
Es difícil de decir en una o dos frases lo que uno apenas es capaz de dibujar en un libro. El montaje teatral, compuesto por actores y espectadores reunidos aquí y ahora, durante el tiempo de una sesión, es un dispositivo único de enunciación colectiva en su género, nacido hace más de 25 siglos y que, en efecto, sigue vivo. El teatro es un método de examen de lo real rudimentario y arcaico, que se enraíza en la infancia: un juego, más que un espectáculo; una experiencia colectiva, un poco parecida a los "experimentos mentales" de los científicos de la materia. Un examen poético del futuro de la especie en un espacio político. Poética, política: poelítica. En resumen, todo lo que nos falta en estos tiempos posmodernos.
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Fuente: Clara Morales Fernández (elpais.com) | Foto: Gorka Lejarcegi
“Yo tenía con Hedda la misma reserva que todo el mundo: poder entenderla, y hacer que otros la entiendan”. Cayetana Guillén Cuervo (Madrid, 1969) no lo tenía fácil. La gran mujer de Henrik Ibsen, después de Nora de Casa de muñecas, ha sido tachada de caprichosa, de malvada, de nihilista, de loca, desde su nacimiento en 1880. El público y la crítica de la época no entendió la oscuridad de Hedda Gabler, la hija del general que destroza su matrimonio, a su antiguo amor y su propia vida en pos de una meta que ni ella misma consigue identificar. Incluso la brillante y libérrima escritora Lou Andreas-Salomé la tachó entonces de “lobo con piel de cordero”, de “mezquina” y de “frívola”.
Para liberarla de su mala fama, que llega hasta nuestros días (Laia Marull la representó en 2012 y dijo de ella que estaba “como una puta cabra”), ha querido alejarla de la locura. La Hedda Gabler que ha ideado junto a Eduardo Vasco a la dirección y Yolanda Pallín en la versión del texto “tampoco es una niña pija que se aburre”. La Hedda que subirá al Teatro María Guerrero de Madrid desde mañana hasta el 14 de junio es “una mujer capaz, que, por una serie de condicionantes, se comporta de una cierta manera”. La base de sus actos no está en sus elaborados laberintos mentales, sino en la sociedad. “Queríamos construir las razones de Hedda a través de la actitud de los demás”, defiende la actriz.
Hedda Gabler es, entonces, un marido dedicado a su trabajo, una luna de miel que dista mucho del ideal romántico, una tía política obsesionada con que un posible embarazo de la protagonista y una vida que no promete más que años de hastío. “Intermitente agitación femenina de pensamientos. Súbita angustia y espanto periódicos. Todo ha de ser soportado a solas. La catástrofe se aproxima inexorable, inevitablemente. Desesperación, lucha y destrucción”. Es el diagnóstico que Henrik Ibsen hacía de la vida doméstica de la mujer en 1878. La actriz, asegura, ha llegado a entender la sensación de asfixia de la antiheroína: “No puedes pasarte toda la vida pensando que tus acciones tienen consecuencias, como dice ella. Pero es verdad, la vida se construye con las cosas pequeñas. Empiezas una relación y de repente tienes un hijo. Ahí ya sí que no hay opción: estás atada a un ser humano, y a la familia del otro, para siempre”.
Habla a su salida del primer ensayo general de la obra, el pasado martes. Son ya las once de la noche y lleva trabajando desde primera hora de la mañana (rueda Versión española y Atención obras) y apenas ha comido. Jura, sonriendo, que no está cansada, y sigue dándole vueltas a la prueba de vestuario de los diseños por Lorenzo Caprile. Sus creaciones, un abanico de vestidos que pasan del gris al negro según avanza la obra, y el gran telón art déco elevan a Hedda por encima de su entorno como a una actriz del Hollywood de los años veinte sobre la muchedumbre.
Para el estudio del personaje (que han interpretado Ingrid Bergman, Isabelle Huppert o Cate Blanchett), Cayetana Guillén Cuervo se sumergió en la biografía del dramaturgo. “Es su alter ego. Por los condicionantes sociales que seguía a rajatabla, él vivía con angustia la vida cotidiana”, explica. La obra fue escrita solo un año después de la ya escandalosa Casa de muñecas, pero aquí la libertad se alcanza de manera mucho más tenebrosa: si Nora es capaz de escapar de casa con un simbólico y eterno portazo, Hedda solo encuentra escapatoria en la muerte. ¿Qué cambió? En verano de 1879, Ibsen se enamoró de una joven vienesa de 18 años. Él tenía 61. La esperanza parece esfumarse de su obra.
“Durante muchas generaciones, la mujer ha tenido que ser feliz a través del hombre. A ella eso le explota en la mano. No puede conformarse. Hasta que ya no tiene cabida en el mundo”. Las mujeres en revuelta (la femme revoltée de Simone de Beauvoir) no pueden ser entendidas por la sociedad, asegura. ¿Todavía es así? La voz de Cayetana Guillén Cuervo se oscurece cuando se le pregunta si la “catástrofe que se aproxima inexorable”, como escribió Ibsen, podría haberse evitado: “Siempre terminaría de la misma manera. Quizá si hubiera nacido hoy hubiera tenido más posibilidades. Pero me hace pensar en todas las mujeres que todavía intentan acomodarse para no ser criticadas, para sobrevivir. No lo sé. La verdad es que no lo sé”.

Redimir a Hedda Gabler

by on 15:52
Fuente: Clara Morales Fernández ( elpais.com ) | Foto: Gorka Lejarcegi “Yo tenía con Hedda la misma reserva que todo el mundo: poder e...
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JURADO 

El Jurado de Finalistas de la XVIII edición de los Premios Max de las Artes Escénicas, 2015, presidido por D. Carlos Gil, ha estado compuesto por D. Salvador Enríquez, Dña. Mar Gómez, D. Guillermo Heras, Dña. Susana Herreras, D. Joan Muñoz y Dña. Liz Perales. 

FINALISTAS 

Los finalistas de la XVIII edición de los Premios Max de las Artes Escénicas son los siguientes. 

1. Mejor espectáculo de teatro 

· Cuando deje de llover de Madrid Destino Cultura Turismo y Negocio, S.A. 
· El President de Bitò Produccions, S.L. y Teatre Nacional de Catalunya
· El triángulo azul de Centro Dramático Nacional - Valle Inclán 

2. Mejor espectáculo de danza 

· Bosque Ardora de Danza Molina, S.L (Compañía Rocío Molina)
· Cenizas o dame una razón para no desintegrarme de Losdedae Compañía de  Danza
· Free fall (Caída libre) de Compañía Sharon Fridman 

3. Mejor espectáculo musical 

· L'Eclipsi de Grec 2014 Festival de Barcelona y Teatre Nacional de Catalunya 
· El eunuco de Mixtolobo, S.L, Proyectos Labaska 64, S.L. y La Lupa S.C.C.L.
· La ópera del Malandro de Teatro Defondo

4. Mejor espectáculo infantil o familiar 

· DOT de Maduixa Teatre, S.L.
· El señor de las moscas de Acción Sur / La joven compañía 
· Nidos de Máquina Teatral Teloncillo, S.L. 

5. Mejor espectáculo revelación 

· Llibert (Liberto) de Cia. Llibertàries (La Troca S.L.)
· Fuenteovejuna, breve tratado sobre las ovejas domésticas de Compañía 
Obskené
· Los nadadores nocturnos de Draft.inn 

6. Mejor producción privada de artes escénicas 

· Carne de gallina de Arteatro, P.T, Teatro del Cuervo y La Estampa Teatro, S.L. 
· Duet for one de Guindalera T.C, S.L.
· Regreso al hogar de Tribueñe, S.L. 

7. Mejor autoría teatral 

· Francisco Nieva por El rayo colgado y peste del loco amor 
· Antonio Tabares por La punta del iceberg
· Laila Ripoll y Mariano Llorente por El triángulo azul 

8. Mejor autoría revelación 

· Gemma Brió por Llibert (Liberto)
· Iñigo Guardamino por Vacaciones en la inopia
· Miguel Ángel Sánchez por Ejecución hipotecaria 

9. Mejor adaptación o versión teatral 

· Pau Miró y Lluís Homar por Terra baixa i Lluís Homar 
· Ignacio del Moral por El viaje a ninguna parte 
·Anna Maria Ricart por Fuenteovejuna, breve tratado sobre las ovejas domésticas 

10. Mejor composición musical para espectáculo escénico 

· Sabino Bikandi por Gelajauziak
· Alberto García Demestres por L’Eclipsi 
· Iñaki Salvador por Zazpi aldiz elur, Mikel Laboa Elurretan 

11. Mejor coreografía 

· Sharon Fridman por Free fall (Caída libre) 
· Thomas Noone por Brutal love poems
· Rocío Molina por Bosque Ardora 

12. Mejor dirección de escena 

· Oriol Broggi por Adiós a la infancia
· Carme Portaceli por El President
· Julián Reta por Cuando deje de llover 

13. Mejor diseño de espacio escénico 

· Llorenç Corbella por L’Eclipsi
· Arturo Martín Burgos por El triángulo azul
· Baltasar Patiño por Bobas & Gallegas (Mofa & Befa en el Siglo de Oro) 

14. Mejor diseño de vestuario 

· Míriam Compte por Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores
· Felype de Lima por Fausto
· Eva del Palacio y Fernando Aguado por El rayo colgado y peste de loco amor 

15. Mejor diseño de iluminación 

· Xavier Albertí por Terra Baixa i Lluís Homar 
· Carlos Marqueríe por Bosque Ardora
· Juan Gómez-Cornejo por Fausto 

16. Mejor actriz protagonista 

· Gema Matarranz por Juana, la reina que no quiso reinar 
· Rebeca Valls por Casa de muñecas
· Blanca Portillo por El testamento de María 

17. Mejor actor protagonista 

· Lluís Homar por Terra baixa i Lluís Homar
· Sergi López por 30/40 Livingstone 
· Francesc Orella por El President 

18. Mejor actriz de reparto 

· Rosa Novell por L’Ultima trobada
· Marta Poveda por Donde hay agravios no hay celos 
· Susi Sánchez por Cuando deje de llover 

19. Mejor actor de reparto 

· Pau Durà por La punta del iceberg
· Pepón Nieto por El eunuco
· Fernando Sansegundo por Donde hay agravios no hay celos 

20. Mejor bailarina principal 

· Alba Barral por Brutal love poems 
· Rocío Molina por Bosque Ardora 
· Olga Pericet por Pisadas 

21. Mejor bailarín principal 

· Israel Galván por Fla.co.men 
· Manuel Liñán por Nómada
· Chevi Muraday por Cenizas 

22. Mejor elenco o intérprete solista de danza 

· Pau Cólera, Jonathan Foussadier, Maite Larrañeta, Alejandro Moya, Melania Olcina y Léonore Zurflüsh por Free fall (Caída libre) 
· Kukai Dantza (Alain Maya, Eneko Gil, Ibon Huarte, Jon Maya y Urko Mitxelena) por Gelajauziak 
· Jonatan Miró, Adrián Santana, Inmaculada Aranda, Anabel Moreno y Águeda Saavedra por Nómada 
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Fuente: Saioa Camarzana (elcultural.es) | Foto: Sergio González

"Siempre es un buen momento para el Quijote", dice José María Pou (Mollet de Vallés, Barcelona, 1944). Este año se cumplen 400 de la publicación del segundo tomo de la obra de Miguel de Cervantes, el que viene es el 400 aniversario de la muerte del escritor, en el convento de las Trinitarias están en plena búsqueda de sus restos óseos y RNE junto con la Fundación BBVA han realizado El Quijote del siglo XXI versión radiofónica. Diez capítulos de una hora cada uno en los que Pou pone voz al mismo Quijote. El primer programa se emite el día 23 coincidiendo con el Día del Libro aunque no será hasta septiembre-octubre que empiece el programa completo. "Que la radio acoja El Quijote y dé la oportunidad a muchos actores de participar es importante. Cuenta, de antemano, con la imaginación del oyente y alimenta su fantasía porque es él quien crea a los personajes", explica el actor.

¿Qué pensó cuando recibió la llamada que le proponía ser la voz protagonista de El Quijote del siglo XXI en versión radiofónica?

Si te llaman para decirte que quieren que seas la voz de don Quijote halaga tu vanidad y te carga de responsabilidad al mismo tiempo.No hay que desaprovechar oportunidades así. Los grandes personajes a todos nos llegan en un momento determinado, con una edad para hacerlo. No me extrañó la llamada ahora porque a uno le ven mayor, con la enjundia y la experiencia necesaria así que no pedí ni diez segundos, ni consulté la agenda. Hay que decir sí y luego pensar en lo demás, en cuándo y cómo lo vas a hacer. Me hacía y hace una ilusión enorme. Es un personaje que hay que vivirlo, es uno de los grandes personajes de la literatura universal y ni en el cine, ni en el teatro, ni en la televisión me lo habían ofrecido antes. Con mi físico, cuando empecé hace casi 50 años, era un comentario que me decían mucho, que había un personaje que nunca faltaría y era el Quijote y ahora me lo ofrecen pero para la radio donde el físico no importa. Es una de las paradojas.

Supone una buena manera de difundir uno de los grandes clásicos que todos conocemos pero no todos hemos sido capaces de leer. 

Ese es uno de los objetivos. Uno de los objetivos es el de divulgar y dar a conocer y con esta serie se quiere conseguir acercar al Quijote de Cervantes a un público joven y nuevo con cierta pereza. Aquí debo decir me lo he leído de nuevo y ahora es mucho más divertido. Siempre nos lo han vendido mal. Al escucharlo con la música que se ha creado estamos haciendo radio en tres dimensiones. Es como ver una película panorámica con tu visión de la realidad. Es la gran virtud del teatro en la radio, aquí se dejó de hacer y es un error muy grande. En la BBC siguen haciéndolo y los grandes autores británicos escriben para la radio. Escritores de los que hablamos, como Harold Pinter y Bekcett por ejemplo, empezaron en este medio. Hasta hace 20 años las radios españolas tenían un cuadro de actores increíbles pero algún tonto decidió que no tenía interés. Ojalá esta iniciativa ayude porque cuando se ha hecho ha tenido éxito y la gente ha pedido más. 

Además coincide que se emite el día 23, el mismo Día del Libro.

Se va a emitir el 23 por la noche cerrando el día del libro con el primer capítulo como aperitivo para que la gente tenga una idea de lo que va a ser la serie completa, que estará para la temporada 2015 - 2016 y empezará hacia septiembre u octubre

Se trata de una adaptación de Francisco Rico. ¿Qué cambios importantes hay respecto al texto original?

Se mantiene el Cervantes original, sería un sacrilegio cambiarlo. Se han hecho adaptaciones más adecuadas para el público juvenil como la de Pérez Reverte, pero no es el caso. La adaptación y los guiones son de Rico, el gran experto en Cervantes de España, y lo ha hecho de acuerdo a su edición crítica que se publicó hace unos años. Es fiel a Cervantes pero es cierto que todo el Quijote no cabe en diez horas. Se ha hecho una selección de lo fundamental de la obra. Un resumen. El texto es difícil y hay que aprender esa manera de decir, es aprendizaje pero hay que perderle el miedo a la novela de Cervantes.

¿Puede ser que el hecho de que nos obliguen a leerlo haga que no nos apetezca coger el libro?

No han sabido iniciarnos bien en él. Esto no pasa en Inglaterra, donde todos los niños están locos con Shakespeare, les llevan al teatro y son capaces de hablar de Hamlet. Aquí te obligaban a leerlo y daba mucha pereza. Hay que recurrir a la divulgación. 

¿El texto de Cervantes fue ideado para ser oral? 

Nació con vocación literaria y lo escribió y publicó para ser leído pero en aquella época no todo el mundo podía leer y ni adquirir un ejemplar. Entonces se leía en voz alta en las reuniones y se escuchaba. Él mismo recogió las aventuras de la tradición oral anterior a Cervantes para las hazañas de su personaje. 


¿Qué atributos del teatro benefician a la hora de llevar el texto a la radio?

En este Quijote se confeccionado un reparto que supongo que es muy atractivo. Es casi imposible de conseguir un reparto de teatro con Michelle Jenner y Javier Cámara al mismo tiempo que pasan actores como Concha Velasco, Antonio de la Torre y Fran Perea. Y los diez capítulos de una hora que forman la serie se editan en una colección de 10 discos con la música de Luis Delgado.

¿Cómo han sido las grabaciones?

Fantásticas. Es un tópico hablar de lo que nos reímos y lo que sufrimos. El 90% de los actores que han pasado no tienen la costumbre de trabajar en la radio y ha habido que aprender un poco. Un aprendizaje a la carrera, una experiencia nueva pero la grabación ha sido fantástica. Nos hemos ayudado mucho.

Cervantes sigue estando tan vigente como en su momento.

Está de actualidad siempre. Ahora con la búsqueda de los huesos parece que la gente está con las antenas puestas. Las celebraciones de los centenarios si alguna utilidad tienen es la de llamar la atención. Creo mucho en el teatro en la radio porque despierta la imaginación y fantasía en el oyente.
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A PARTIR DE LA NOVELA HOMÓNIMA DE MARK HADDON
ADAPTACIÓN: SIMON STEPHENS
TRADUCCIÓN: CRISTINA GENEBAT
DIRECCIÓN: JULIO MANRIQUE
INTÉRPRETES: MIREIA AIXALÀ, IVAN BENET, CARME FORTUNY, CRISTINA GENEBAT, POL LÓPEZ, MARTA MARCO, NORBERT MARTÍNEZ y XAVIER RICART
FOTO: ROS RIBAS
DURACIÓN: 1h 10min + 15 min entreacto + 1h
PRODUCCIÓN: TEATRE LLIURE
TEATRE LLIURE (GRÀCIA)

No sé si es una buena o mala adaptación de la novela porque no la he leído, así que dejo para los fans ese juicio. No me llamó la atención en su momento y, ahora con la adaptación teatral preferí dejarla para después, para no verme condicionada. Eso sí, sabía a retazos de lo que iba, y la verdad es que no hace falta nada más.

Todas las entradas agotadas, hasta para la prorroga, ya nos anuncia que estamos delante de un fenómeno, del que bien seguro tendremos noticias la temporada que viene, y del que quizás tendría que estar meses en la cartelera, como pasaría en otras ciudades europeas. Pero de momento, unos afortunados hemos podido disfrutar del montaje.

Desde hace algún tiempo ya, hay un nombre que me hace ir a ciegas a ver una obra y ese es Pol López. Haga lo que haga, me da igual, pero el hecho de leer su nombre entre los intérpretes es sinónimo de "Hay que ir". El curiós incident del gos a mitjanit no hubiera sido posible sin él. No veo a ningún actor más interpretando a Christopher. Sin duda es su mejor interpretación hasta la fecha por la cantidad de matices que requiere el personaje y por la naturalidad de la interpretación de este niño de 15 años con algunas características del síndrome de Asperger. Muchos se preguntan, después de esto ¿qué? No dudo que el techo de Pol López está demasiado lejos de ser alcanzado.

Christopher desprende ternura, una característica que en mayor o menos medida impregna a la obra. Durante la cual, en cierto momentos, vemos como se tiñe de violencia y cómo es gestionada antes de volver a la situación de calma. En el montaje domina la imaginación simbólica, un cerebro difícil de controlar, el del Christopher, que va más allá de lo que todos piensan.

Y aunque el peso de la historia recae en Pol López, está rodeado de unos secundarios de lujo. Ivan Benet, Ed, el padre de Christopher; Marta Marco, Siobhan, profesora y voz en off de los pensamientos de Christopher; pero quizás la interpretación que más me sorprende es la de Cristina Genebat como Judy, la madre de Christopher, principalmente en sus momentos tiernos y de gran carga emotiva cuando lee sus propias cartas.

Lluc Castells firma una escenografía mágica, de esas que al entrar en la sala eres incapaz de imaginarte todo lo que dará de sí. Quizás solo lo sentí yo, pero entre que el público era una mezcla de adultos y niños y la magia y la ternura que desprende el montaje, parece como si nos hubiéramos teletransportado a Londres, en uno de esos espectáculos para toda la familia. Sea como fuere, es el mejor espectáculo que he visto en las últimas temporadas. De esos para el recuerdo, que se te quedan dentro durante mucho tiempo. Lástima que el ritmo de la cartelera te haga pasar tan rápido al siguiente. Christopher, Christopher!
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Fuente: Carlos Fresneda (elmundo.es)
Lo nunca visto y oído al sur del Támesis. Lope de Vega (1562-1635) y William Shakespeare (1564-1616) se emplazaron en la Catedral de Southwark, a la vera del teatro del Globo. Y sonaron cada cual en su idioma, sin riña ni contienda, más bien "de la mano" y en un misterioso flujo de palabras, amenizados ocasionalmente con música de Joaquín Rodrigo o de Thomas Morley.
"Esto es amor, quien lo probó lo sabe"... "¡Tirano amor, cuán vivo y fresco eres!"... "Toda rama palidece de miedo al invierno que llama"..."Fuego en el alma y en la vida infierno"...
El hermanamiento poético y dramático (al que se sumó también el espíritu de Edmund Shakespeare, enterrado en la catedral gótica) fue posible gracias al impulso de Jorge de Juan, a la inspiración de Alicia Sánchez y al entusiasmo compartido de Maite Jáuregui y Pablo Turégano, reunidos en la Spanish Theatre Company, un año rompiendo moldes y derribando barreras en el abigarrado mundo teatral de Londres.
Javier Jáuregui (a la guitarra y al laúd), Elena Jauregui (al violín) y la mezzosoprano Gudrun Olaffsdotir pusieron el contrapunto musical al río incesante de sonetos y fragmentos dramáticos: de "Hamlet" al "Caballero de Olmedo", de "El castigo sin venganza" a "Cuento de invierno".
La función de "fusión" (como la define Alicia Sánchez, la madre de la idea) ha sido la tarjeta final de presentación de la Spanish Theatre Company (STC), después de un año de rodaje itinerante y a punto de echar las raíces en el espacio emblemático del Union Yard, que queda también por aquí cerca.
Con "La vida es sueño" , la STC aspira a dar la campanada este mismo otoño en su teatro propio. Junto a Calderón de la Barca estarán también García Lorca y Juan Mayorga, toda una declaración de principios de la primera compañía española en la capital mundial del teatro...

Clásicos con contemporáneos

"Queremos alternar los clásicos españoles con autores contemporáneos, y abrir también las puertas al teatro latinoamericano", proclama Jorge de Juan (Cartagena, 1961), que estudió en su día dirección y producción en el British Theatre Association y que ha sentido el reclamo de Londres tras su larga trayectoria teatral y cinematográfica en España (de "Las bicicletas para el verano" a "La mujer de negro", pasando por "Sangre en la nieve").
"La compañía surge por dos principales razones", explica el director artístico de la STC. "En Londres están convergiendo en estos últimos años jóvenes y grandes talentos españoles. Y entre nuestra comunidad creciente y el público inglés, tan ávido siempre de cosas nuevas, había un imperdonable vacío, y también un desconocimiento de nuestra gran tradición teatral. Lo pudimos comprobar recientemente cuando hicimos la lectura de 'Eloísa está debajo del almendro'. La gente no había oído hablar aquí de Jardiel Poncela y de tantos otros".
La meta, según Jorge de Juan, será aprovechar el espacio propio de Union Yard para sentar las bases de compañía, seguir creciendo y posiblemente dar el salto a un espacio más grande... "Aunque todo dependerá de la respuesta del púbico y de si conseguimos la financiación necesaria. Vamos a funcionar como organización sin ánimo de lucro y esperamos que toda la gente que ama el teatro contribuya de alguna manera".
Para Maite Jáuregui (Los Angeles, 1985) -a quien muchos recordarán por 'Planta 4', de Antonio Mercero y por las teleseries '18' y 'Abuela de Verano'- la creación de una compañía española y con vocación bilingüe es "un proyecto tan bonito como necesario". Capaz de saltar con total naturalidad entre los dos idiomas, Maite Jáuregui se llevo una de las ovaciones de la noche con su monólogo de la obra cómica de Shakespeare "Como gustéis", en la piel de la pastora Febe: 'Omittance is not quittance' ('Callar no es renunciar').
Pablo Turégano tuvo el viernes y tendrá el sábado (a las siete de la tarde) la difícil papeleta de romper el hielo en inglés y en el altar de la catedral, con una escena del tercer acto de Hamlet. Su misión consiste de paso en arrastrar paso al río de espectadores españoles y británicos hasta el reconfortante semicírculo del ábside, habilitado como recóndito escenario...
"Dirás este pasaje en la forma en que te lo he declamado yo: con soltura de lengua, no con voz desentonada, como lo hacen muchos de nuestros cómicos; más valdría entonces dar mis versos al pregonero para que los dijese"...
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