HARINERA (TE GANARÁS EL PAN CON EL SUDOR DE TU FRENTE) | TEATRO | 60min | CAT
Dirección y dramaturgia: Andrea Paz | Intérpretes: María Capell Pera, Marlene Avendaño, Ksenia Guinea, Maria Cristina Rodríguez Novau, Monica Riki, José Bidegain y Andrea Paz |

Espectáculo de teatro que sumerge al espectador dentro de la misma escena. Es el público que construye el espectáculo. Andrea Paz reflexiona sobre la sociedad de la precariedad y sobre el poder del individuo para sobrevivir o cambiar su destino. Para ello divide al público en diferentes estatus sociales que se enfrentarán, dialécticamente, entre sí en la parte final del montaje. 

La organización social y la capacidad del individuo a organizarse o actuar por sí mismo es lo que pone en solza la obra. Eso y cómo los estamentos de poder se ven influenciados por quien menos les conviene, o al menos con los que siempre salen perdiendo los mismos. En este caso el final es abierto, el resultado de la contienda de los espectadores será quien incline la balanza a un bando u otro.

Como experimentos dramatúrgico tiene una buena idea inicial que se diluye en cuanto la obra va avanzando. Es verdad que depende del público de la función el ritmo de la misma. Pero la parte final del debate dialéctico se hace extremadamente difícil mantener un ritmo adecuado y la obra acaba cayendo en un profundo sopor.

Las proclamas se quedan bastante en la superficie. Lo que podría ser una obra combatida con un cierto telón rupturista, convierte a los tópicos y a las frases manidas en su arma de combate. Propaganda barata y panfletaria. Además la parte final erotico-festiva, una vez conquistada la batalla por uno de los bandos, es un añadido superfluo que manipula aún más el discurso de combate que nos habían enseñado al principio. 



BREAKING POINT | CIRCO | 50min
Director artístico: Alexander Weibel Weibel | Técnico: Aino Ihanainen | Weibel Weibel Co |

Espectáculo circense de resistencia. La resistencia de los materiales simples y cotidianos como son el papel y el hilo de pescar. Investigación sobre qué tipos de materiales resisten más y cuáles son los más apropiados para desarrollar el montaje. El diálogo entre el público y el creador en los impases de los números proporciona una cercanía que el circo contemporáneo pocas veces permite. 

De algún modo parecería un espectáculo más de ir de por casa. Pero no, y aunque las acrobacias tiran hacía lo tradiccional, el punto de resistencia flexible lo encontramos en los materiales usados, porque para que utilizar una cuerda habitual si se puede utilizar una y mil capas de papel.

Más de un espacio de actuación hacen que el público, siempre presente, se mueva y ocupe el área escénica. Es una pieza para disfrutarla lo más cerca posible al artista. Desde lejos, el espectacle queda desvirtuado.

El gran escollo que con el que se encuentra el espectador es la falta de dirección. Se encuentra a Alexander Weibel Weibel como si pasara por allí. En los momentos hablados, la falta de proyección de la voz hace ininteligible las palabras, no se entiende. Necesitaría unas clases de showman para acabar de meterse el público en el bolsillo. Unos espectadores que en más de una ocasión se quejan de el sonido, pero de poco les sirve, el show tiene que continuar y la poderosa vista vale más que todas las palabras. 



BOLOGNA: PASOLINI | DANZA | 35min | CAT
Dirección: Marcos Morau | Coreografía: Marcos Morau en colaboración con los intérpretes | Intérpretes: Alice Bariselli, Laia Duran, Lorena Nogal, Marina Rodríguez, Manuel Rodríguez, Diego Tortelli, Sau-Ching Wong | Asesoramiento dramatúrgico: Celso Giménez y Tanya Beyeler | La Veronal | 

La Veronal nos traslada a Italia, a la noche del 2 de noviembre de 1975 cuando murió asesinado Pier Paolo Pasolini. Con una dramaturgia de las que tocan la fibra y una puesta escena sofisticada, La Veronal vuelve a desplegar su danza con un resultado notable.

Estéticamente recurren al rojo, de entrada con un deportivo de este color en medio de la sala, alrededor del cual se situará el público. El carmesí también es protagonista de la vestimenta. Hasta la sangre derramada queda en segundo plano ante tal avalancha de bermellón.

La dramaturgia es sensacional. En italiano con sobretítulos en castellano e inglés, al menos en Tàrrega, describe los momentos previos y la figura del cineasta, poeta y novelista. Y aunque, a ratos (si no sabes italiano) tengas que olvidar los sobretítulos, para volver tus ojos hacia la danza. Cuerpos descomplejados, la danza vuelve a acompañar la palabra, para crear ese clima de tensión, ya que el público, conocedor de la historia sabe qué está a punto de succeder.

Con una puesta en escena circular por donde el público se puede mover entorno al círculo, aunque en mi función la cantidad de personas no permitía dar ni un paso (ya lo tiene Fira Tàrrega), Bologna: Pasolini se convierte en una especie de conjunto de diapositivas que pasan a gran velocidad. La Veronal vuelve a ser una apuesta segura.




FERIDA | PERFORMANCE / MULTIDISCIPLINAR| 70min | CAT & PORTUGAL
Dirección artística: Julieta Aurora Santos | Creación e intérpretes: Caterina Campos, Quim Girón, Pau Masaló Llorà, Rui Paixao, Alba Torres | Músico: Tiago Inuit |

El parque de Sant Eloi acoge este site-specific sobre la memoria. Un lugar ideal, y más en la función de las 20h donde el atardecer es el invitado sorpresa. Congregados los presentes en la Font del Congres, en los pies del parque el recorrido nos irá descubriendo lugares desconocidos del parque. 

La noche se va haciendo presente mientras subimos campo a través y en el camino los diferentes artistas presenta su particular visión sobre el tema en cuestión, la memoria: del speak corner inicial a base de preguntas directas a los espectadores, a algunas sorpresas entre los árboles, para llegar a uno de los momentos más preciosistas del espectáculo. Mientras las tormentas de la noche acompañaban de fondo, una bailarina ponía danza al momento, con unas luces proyectadas sobre los árboles, que conseguían que el momento se convirtiera en una búsqueda de paz interior.

El final de la pieza, más de carácter performático se alarga en exceso y no acaba de quedar clara la idea. Quizás el frío de la noche tampoco acompañó a la consecución de las ideas, que quedaron más separadas del resto. La verdad es que en una pieza con tantas cabezas, y con un esquema de elementos tan diferentes es difícil que la suma acabe de encajar.

Como experiencia es interesante, no sólo por el paseo por el parque, sino també a nivel multidisciplinar. Que la suma de factores no de un resultado aclaparador, no quiere decir que por separado, cada uno con su entidad diferente, pueda ejercer un más que convincente resultado.
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MÀTRIA | TEATRO | 70min | CAT
Dirección y dramaturgia: Carla Rovira Pitarch | Intérpretes: Marc Naya Diaz, Àngela Pitarch Isart, Carla Rovira Pitarch | Ayudante de dirección: Ramon Bonvehí Rosich |

Carla Rovira vuelve a Tàrrega para buscar sus raíces. Como titular funcionaría, y en cierto modo es así, porque la memoria histórica que los nietos y biznietos de aquellos que sufrieron la guerra está más que presente hoy en día. El silencio de otras décadas se ha roto y toca poner las cartas sobre la mesa para saber, para que no se olvide.

Màtria es un espectáculo documentado, muy bien documentado. Nada de fascímiles de poca monta, aquí hay un proceso de investigación previo y propio, de la familia de la Carla, que daría para más de una obra. Una historia particular la de Enrique Isart, tío-abuelo de Carla, fusilado por los franquistas con 23 años. Partiendo de este caso concreto, la historia pasa a ser general. Las reflexiones entorno a su vida y muerte nos hacen reflexionar sobre que no fue un caso único.

Los espectáculos de Carla Rovira tienden a congujar la realida más seria con el humor. Por eso tras un inicio más parecido al teatro documental, que se irá percibiendo a lo largo de la obra, la obra gira hacía un tono más casual y humorístico con la parte del Skype. El contraste entre el mundo de entonces, representado en forma de las cartas de Enrique, con el de ahora vía vídeoconferencia pone al espectador en la tesitura de que no será el mismo 'cuento' de siempre.

Otro acierto, que al principio puede resultar extraño, es convertirnos todo en femenino genérico. Un toque de frescura y naturalidad, humor y reivindicación a partes iguales. Porque Màtria es una historia de mujeres. Las de tres generaciones pasadas, algunas ya muertas otras vivas, que cargan el peso del silencio. De callar lo que saben. Dos de ellas en escena. Magnífica la incorporación de la figura materna dentro de la obra. La naturalidad del momento es tan aplastante, que te llegas a preguntar si siguen un guión o si es lo que les sale en ese momento.

A pesar de todo ello y de que el punto de partida sea el adecuado y sorprenda, el final no es el adecuado. Una vez destapadas las cartas. Las dos últimas escenas finales quedan como un pegote con respecto al resto de la obra. La historia de Genoveva, más allá del valor sentimental, no sería conveniente que pasara del mero titular, ya que no aporta nada al conjunto de la historia.

El espacio escénico en forma circular, donde al entrar parece que se va a celebrar un ritual, es ideal para que tu atención sólo se fije en la escena. Durante 80 minutos sólo existe la historia de Enrique, la historia de la familia de Carla. Màtria es un dramaturgia de memoria, feminista, un diálogo intergeneracional lleno de preguntas sin respuestas y lo malo es que el tiempo no pasa en balde y los testimonios caerán en el silencio para siempre. De momento ya tenemos una historia, la de Enrique Isart Alonso, ¿quién es el siguiente?




MY BABY IS A QUEEN | DANSA | 40min | CAT
Autoría y dirección artística: Eva Vilamitjana y Albert Vilà | Dramaturgia: Albert Vilà | Interpretación: Miquel Fiol, María Hernando / Eva Vilamitjana, Raquel Gualtero y Guido Lucas (Bailarines); Asier Suberbiola, Nil Villà, Nico Sánchez (Músicos) | Compañía La petita Malumaluga |

Aunque hace tiempo que dejé de ser un bebé, tenía ganas de descubrir qué era eso de espectáculos para personas de 0 a 3 años. Con música en directo la compañía La Petita Malumaga intentan que estos pequeños seres se sientan libres de vagar por su escenario. Música, danza, luces y acción.

Quizás no fue su mejor función, o que no eran demasiado atrevidos, pero los bebés de mi función se resistieron a participar en el acto. Desconozco las habilidades que un artista/actor/bailarín tiene que tener para ser capaz de motivarles de tal manera que cooperen en el espectáculo. En este sin duda disfrutamos más los adultos que los niños.

La música y la danza se complementan a la perfección, pero no acompañan los efectos lumínicos demasiado acentuados para la percepción de un bebé, que más que invitarles a entrar les hacen llorar o querer marchar y ni falta de elementos dramatúrgicos para animarlos a participar.




a X amor o Mujeres áureas | TEATRO | 60min | CAT
Dirección: Txell Roda | Intérpretes: Pilar Martínez, Mònica Lucchetti, Laura López, Manuel Veiga | Dramaturgia: creación colectiva a partir de una propuesta dramaturgica de Jonay Roda sobre los textos de las autoras del Siglo de Oro: María de Zayas y Sotomayor, Feliciana Enríquez de Guzmán, Anna Caro de Mallen, Lope de Vega y Carpio | mvmproduccions |

Encontrarse con el Siglo de Oro en medio de los espectáculos de Fira Tàrrega resulta curioso. Quizás por eso de ser una propuesta que no encajaba del todo con lo que estamos acostumbrados a encontrar la marcamos con un imperdible. La realidad no estuvo esta vez de nuestro lado.

En escena Lope de Vega, pero él no será el protagonista sino la víctima de la dialéctica de las mujeres, a las que hasta ahora han acallado por motivos de género las que llevarán las riendas de la obra. Entre los clásicos de la literatura española, por querer darle un toque 'moderno', se cuelan un sinfín de anacronismos. Debe ser que el 1600 nos queda lejos y necesitamos una cercanía.

Uno de sus principales problemas está en la dramaturgia, dispersa, que busca una complicidad con el público que no encuentra, pobres de ellos sumidos en un aburrimiento que no recordábamos desde los años de algunas lecciones de la escuela. En búsqueda de hacer pedagogia, que sí, que está bien, nos perdemos en una malgama de nombres, de ellas, que no sabemos si son reales o inventados, y que deberían ser una raiografía de la situación de la mujer de la época, pero se quedan en simples trozos de obras, más anecdóticos que otra cosa.

La dirección de Txell Roda ha optado por unas interpretaciones con más que una brizna de pretenciosidad, que si cabe alejan más aún al espectador. Es verdad que existe la tendencia a hacer grandilocuentes las palabras de los clásicos, pero hoy en día tal dicción y entonación es demasiado impostada, al menos para el ámbito catalán.

La decisión más acertada fue el encuadre del espectáculo, que más bien es una felicitación para la organización de la Fira Tàrrega. El enclave de la plaza dels Albers le caía que ni pintada al espectáculo. Una verdadera lástima que el resto no fuera a juego.




NINGÚ VA ALS ANIVERSARIS A L'ESTIU | TEATRO | 70min | ILLES BALEARS
Dramaturgia: Lluki Portas | Intérpretes: Diego Ingold y Lluki Portas | Assessor de dirección: Ernesto Collado | Hermanos Picohueso |

Estamos invitados a un aniversario muy especial. Lluki lleva más de tres meses esperándonos, desde aquel día que no invitó por primera vez y nadie se presentó a su fiesta de cumpleaños. Decepción absoluta que prevemos que nos hará pagar de una manera u otra.

La terraza del Museu Comarcal es el lugar elegido para el evento. Fresca noche en Tàrrega. Esto se avisa, no estaba especificado en ninguna parte. Es el día de Lluki y por ella, espectadores activos y los más tímidos se esconden, porque no hay huída.

Un espectáculo basado en la pura anécdota, llevada a situaciones a veces demasiado surrealistas, otras más comunes e incluso alguna de patio de colegio, aguanta lo que el público esté dispuesto a dejarle. Era viernes, es Tàrrega y quién no se apunta a una fiesta. Más allá de que hay montajes 'made in Tàrrega' como éste, una servidora no tenía el cuerpo para aniversarios. La consistencia de la obra pierde la gracia a la media hora, donde todavía no ha llegado ni la tarta.

Algunos intrépidos que consiguieron empatizar con la propuesta, quizás vivieron la fiesta de su vida. Los que buscan algo más que la pura anécdota nos quedamos con la experiencia y poco más.




D-CONSTRUCTION | DANZA | 35min | FRANCIA
Dirección artística: Souhail Marchiche y Mehdi Meghari | Coreografía: Menhdi Meghari | Intérpretes: Elias Ardoin, Evan Greenaway, Samir El Fatoumi, Yohann Daher, Vanessa Petit, Émile Tarpin-Lyonnet | Compañía Dyptik

Finalizo la segunda jornada con un toque de danza urbana donde la estructura metálica representa el poder, aquel que les atrapa, les condena a vivir encerrados en su propia prisión, y al mismo tiempo, les espone a los ojos de un mundo cruel. 

Vibrante ejercicio corporal con público en los dos bandos de la valla, mirando se las caras. La cuarta pared no existe en un pieza donde bailarines entran y salen de 'escena'. Caminan entre un público que sólo mira. La Plaza de las Naciones vuelve hacer honor a su nombre y se vuelve reivindicativa, en un alegato al no-mundo, donde las fronteras no existen.
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POOL (NO WATER) | TEATRO | 90min | CAT
Texto: Mark Ravenhill | Dramaturgia: Anna Serrano, Elena Martín, Marc Salicrú y Íntims Produccions | Intérpretes: Isaac Baró, Marc Cartanyà, Oriol Esquerda, Sandra Pujol y Xavier Teixidó | Íntims Produccions |

Muchas expectativas en torno al nuevo montaje de Íntims Producciones y más con la incorporación de figuras surgidas de Els Malnascuts como Anna Serrano, Elena Martín y Marc Salicrú. Una atmósfera llena de humo, una escenografía típica de Marc Salicrú, los espectadores sumergidos en una especie de burbuja, la oscuridad se cierne sobre nuestras cabezas. 

Después del éxito de Wasted parece que Íntims eligen hablar de su experiencia. Con un texto en el que no queda títere con cabeza y por el que sobrevuela la idea de ¿qué significa triunfar? ¿Qué supone el éxito en la vida? Un interrogante constante sobre lo importante de ser alguien en esta vida; de la misma manera que cada vez es más importante cómo nos miran los demás, esa mirada externa que todo lo juzga.

La dramaturgia colectiva ha empequeñecido el texto. No ha sabido poner los puntos sobre las íes. Una clara falta de correción, con una adaptación/traducción que necesita ser pulida porque traducir no es una cosa literal, es necesario transladar a la nueva lengua las expresiones de la original. Aquí se ha obviado este paso y el texto ha quedado plano y sin ritmo. Un intento de querer y no poder y conformarse.

Los montajes anteriores de Íntims, como El Lloc o Wasted, se ha notado una voluntad de ir más allá, que aquí queda escondida por el manto grueso de humo. Para quien haya visto Wasted parecía que la puesta en escena quisiera reflejar aquella angustía existencial de sus personajes. Es difícil no caer en la búsqueda del camino fácil de querer repetir el éxito, con Pool (no water) y convertirse en una especie de gallina de los huevos de oro escénicos. Si el universo de los espectadores crecen temporada tras temporada, las compañías deberían ser sus guías.

Es normal que en la primera función con público en medio de la Fira Tàrrega se vean los descosidos, aquello que en la sala de ensayo funcionaba, aquí deja de hacerlo. Estamos en esa fase, en la de pruebas. No vemos un espectáculo acabado, ni siquiera a media cocción. Las ideas están bien pero al plasmarlas se quedan a medio camino, no nos acaban de llegar. 

Y aunque el título, Pool (no water), ya nos avisaba de que no íbamos a encontrar agua, no nos imaginábamos la sequía tan grande que encontramos. Sin duda, esta vez el humo, excesivo, se ha tragado el texto de Mark Ravenhill.  




UDUL | CIRCO | 60min | CAT
Dirección artística: Bet Garrell y Marcel Escolano - Los Galindos | Concepto y creación de artistas en pista: Anna Pascual, Bet Garrell y Marcel Escolano | Intervenciones artísticas externas: Robert Magro, Enric Ases, Michel Dallaire y Bina Rieck | Los Galindos |

Siempre salgo de un espectáculo de Los Galindos con la misma certeza. Que poco basta para hacer reír a la gente. Ayer creí que más de uno le daría algo de tanto como reían. Pero empecemos por el principio, entramos en su carpa, parece pequeño, no cabría ni un elefante, pero no hace falta, aquel espacio congrega un mundo de fantasía, donde cualquier cosa es posible. 

Los Galindos exploran los límites de su cuerpo, sus movimientos son, si cabe, más espectaculares que los de un espacio de mayores dimensiones. Cuando crees que lo has visto todo, un giro te sorprende con un movimiento más excesivo, más imposible. Quizás pensaba que un tipo de corporalidad como la suya no tendría lugar en una tarima tan escasa, pero imaginación al poder, porque no hay nada imposible.

Un ejercicio de fuerza, mental y corporal, donde los artífices no paran ni un segundo quietos. Sus acrobacias quitan el hipo. EL público, pequeños y no tan pequeños asisten bocabiertos a números a escasos palmos de sus narices. No somos tan mayores cuando la simpliciadad de espectáculos como Udul nos hacen recuperar la perplejidad de cuando éramos adultos. Un hora de un espectáculo maravilloso de circo sólo para los afortunados que quepan en su carpa. La buena confitura siempre viene en tarro pequeño. Delicioso.
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@Elisa Díez

Por Elisa Díez (Butaques i Somnis) | Fotos: Teatre Akadèmia

Después de la repentina despedida de Mercè Managuerra el pasado mes de abril, Guido Torlonia recoge la dirección artística del Teatre Akadèmia y presenta la temporada 17-18, una temporada de transición, mezcla de las dos direcciones artísticas.

Bajo el lema de uno de los espectáculos Sin fronteras, Guido Torlonia pretende que el Akadèmia se abra al mundo y su marca sea conocida internacionalmente. Formado en el Piccolo Teatro, Guido coge prestada la inscripción del teatro profesional más pequeño de Italia, el Teatro de la Concordia: "la civilización no se mide por metro cuadrado ni tampoco por sus metros cúbicos". Una frase que entiende el teatro como fundamento de la cultura sin límites y barreras. Toda una primera declaración de intenciones que choca con los tiempos que corren.

Sin embargo tendremos que esperar a saber quién tomará el mando de Guido, la mecenas del Akadèmia, Elsa Peretti, por boca de su portavoz, ha lanzado una llamada a la nueva generación teatral de jóvenes para que se postulen para dirigir el Teatro Akadèmia y se acabe, así el periodo de transición.

La temporada 17-18 estará dedicada al gran maestro de la escena Giorgio Strehler. Que según palabras de Carme Elias, "siempre ha sido un referente, desde la época de Fabio Puigserver. Hoy en día, sigue siendo el espejo donde mirarnos". El Akadèmia sigue apostando por el relevo generacional y por mezcla generaciones, mezclando los clásicos, con nuevas dramaturgias y explorando nuevos lenguajes.

Subimos el telón...


  • OKLAHOMA (Del 20/09 al 15/10). La nueva propuesta de la compañía Dei Furbi que ya se estrenó bajo el paraguas del Grec 2017 y que toma la versión más clásica del mundo como un teatro. Oklahoma es el último capítulo de la obra póstuma de Kafka y será su presencia una de las centrales de la obra, pero también encontraremos textos de Lewis Caroll, Luigi Pirandello o Calderon de la Barca. Todo un patchwork escénico que según su directora, Gemma Beltran "tiene un punto abstracto" pero regado con el humor que acostumbra a destilar los espectáculos de Dei Furbi. 


  • YES, POTSER (Del 25/10 al 19/11). La compañía que ganó el Festival Mikro Teatre cuyo premio era estrenar una obra en la temporada siguiente presenta esta tragicomedia surrealista de Marguerite Duras que no enfrenta con nuestras miserias. Según su directora, Andrea Segura "es una crítica contra el imperialismo norteaméricano, que nunca pasa de moda". Estará protagonizada por Alícia González Laá, Anna Casas y Txabi Grass.


  • SIN FRONTERAS (Del 29/11 al 10/12) que es el resultado de creación del programa Workcenter Studio in Residence iniciado en marzo de 2016 y dirigido por Thomas Richards, sucesor de Jerezy Grotowski, una de las personalidades del teatro más influyentes del siglo pasado, que con sus teorías/método revolucionó el teatro contemporáneo. Nos trasladará al terremoto de Chile de 2010 donde un grupo de voluntarios de una ONG trata de ayudar a las víctimas del desastre. El montaje reflexiona sobre las fisuras que se obren en la sociedad y en los individuos que la componen después de una catástrofe natural, poniendo en evidencia la precaria estabilidad de nuestra civilización.

 

  • CARO MAESTRO! Recordant Strehler (Del 14 al 30/12). Cuando se cumplen 20 años de su muerte, el Teatre Akadèmia le hará un homenaje en forma de lectura dramatizada. Bajo la dirección del mismo Guido Torlonia, tres parejas de actores de primera línea leerán su obra: Carme Elias & Mario Gas (en catalán, del 14 al 17 de diciembre); Marisa Paredes & Mario Gas (en castellano, del 20 al 23 de diciembre) y Carlota Olcina & Pol López (en catalán, del 27 al 30 de diciembre).


  • YERMA (Del 10/01 al 04/02). El que fue, sin duda, uno de los éxitos de la temporada pasada, vuelve con el mismo equipo artístico pero con "más experiencia, para seguir creciendo, no para vender más entradas. Lorca respira de nuevo cada vez que pronuncias sus palabras", afirma su director Marc Chornet al frente de la compañía Projecte Ingenu.


  • ESPECTRES (Del 9/02 al 04/03). La companyia La Salamandra, residente en el Akadèmia, busca repetir el éxito de No èxit de la temporada pasada con este clásico contemporáneo de Henrik Ibsen. Protagonizada por Montse Guallar, Marc Garcia Coté, Víctor Pi, Pep Jové i María García Vera, Espectres es una vuelta de tuerca a las relaciones familiares con una nueva visión contemporánea como afirma su directora, Loredana Volpe. Además nos avanza una de las primeras líneas sobre las que está trabajando "estoy con la figura del sol de Olafur Eliasson, el sol que brilla y busca esa luz que le falta a los personajes noruegos, atrapados en una niebla".


  • LINK LINK CIRCUS (Del 14-25/03). La gran sorpresa de la temporada, el Teatre Akadèmia acogerá la estrena mundial de este texto escrito e interpretado por Isabella Rossellini y dirigido por el mismo Guido Torlonia. Un monólogo inspirado en el mundo animal y su relación con la especie humana, basado en datos científicos pero con una visión cómica (no hace falta más que ver el vídeo de presentación). Un espectáculo en italiano pero con sobretítulos. 


  • SIS ESCENES D'UN MATRIMONI (Del 4 al 29/04). Marta Gil por fin ha conseguido dirigir esta obra que lleva tras ella desde 2011. Una radiografía del mundo de la pareja protagonizada por Anna Sabater y Jacob Torres. La psicología de los personajes y el modo de describirla de Ingmar Bergman es la característica más notable de este clásico. Gil quiere apostar por "la contención emocional y la expresión de esta ceguera en el lenguaje corporal". Una nueva dramaturgia más personal y contemporánea.


  • AIR DE PRINTEMPS (Del 5/05 al 03/06). Si la temporada pasada se apostaba por las arias italianas (Aria di PRIMAVERA), ésta el viaje será hacia el teatro francés: El desig de capbussar-se, al voltant de Butes de Pascal Quignard (del 10-13/05); Allons François de la Patrie (del 17-27/05) y Réparer les vivants de CDN de Normandie-Rouen (del 31/05-3/06).


  • FESTIVAL DE MIKRO TEATRE (14-22/06). La segunda edición de este festival que esta temporada se celebrará en junio (la temporada pasada fue en septiembre). Doce mikros competirán por dos premios: 'Premio del público' que servirá para representar durante 3 días la pieza. 'Premio Teatre Akadèmia' (jurado profesional) que conseguirá una Residencia al Teatre Akadèmia.

+ INFORMACIÓ DEL TEATRE AKADÈMIA AQUÍ
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Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

 El viernes se acabó el misterio, Temporada Alta ya ha presentado su edición 2017. Como de costumbre muchos nombres catalanes, españoles e internacionales.

Estos últimos son siempre los más esperados, debido a la escasez de programación internacional que los teatreros podemos disfrutar durante una temporada convencional de teatro.

7 espectáculos de TEATRO:

@Polina Koroleva
  • Declan Donnellan presenta su versión de Nit de Reis de Shakespeare con su compañía rusa. Un reparto exclusivamente masculino para una comedia que es una invitación a la confusión y la ambigüedad sexual. ¿Qué es real y qué es apariencia? Un juego de engaños lleno de crueldad. 
@TA
  • Los Colochos Teatro presentan Mendoza, una adaptación de Macbeth de Shakespeare adaptado al contexto de la revolución mexicana. La historia del general José Mendoza, que empujado por los pronósticos de una vieja bruja y persuadido por su mujer comienza una interminable cadena de sangre. Una cruda reflexión sobre la realidad actual mexicana.
@La Camargo Teatro
  • Seguimos en Latinoamérica, con Camargo de La Congregación Teatro, que describe el terror de uno de los asesinos en serie más temidos de América Latina. Entre diciembre de 1984 y febrero de 1986 decenas de mujeres vírgenes, de entre veinte y veintiocho años, fueron encontrados en lugares alejados y solitarios con signos de asfixia e inicios de violación en Ecuador. La obra se sumerge en la vida íntima y mental de su asesino, Daniel Camargo.
@TA
  • Josse de Pauw, icono de la avantguarda belga presenta Demensheid (La humanidad). Tomando como base el texto de Arnon Grunberg, Praise of Mankind (Lloança de la humanitat) donde se erige como abogado defensor de su especie, menospreciada y humillada. Una cantante de ópera, la aclamada soprano Claron McFadden y el músico Kris Defoot completan el reparto.
@TA
  • Desde Gran Bretaña llega Golem de la compañía 1927. El golem es una criatura fantástica de tradición judía, el hombre de barro. Con una estética de las avantguardas de entreguerra, donde la parte visual espectacular es la marca de la casa, nos introduce en un futuro distópico donde parece imprescindible convivir con un ejército de esclavos. 
@TA
  • Guy Cassiers aborda el espeluznante texto de la Nobel Elfride Jelinek, Grensgeval (El cas de la frontera), basado en la tragedia Les suplicants de Esquilo retrata con dureza una sociedad cínica y de un racismo latente. Desde un filtro poético, Cassiers crea un espectáculo de emociones intensas sobre la odisea de los desplazados (refugiados), su sufrimiento y la impotencia de Europa, incapaz de asumir este reto humanitario.
@Tomas Ivanauskas
  • La última pieza teatral internacional viene de la mano de Oskaras Koršunovas y es la adaptación de la obra de Nicolai Gogol Diari d'un boig sobre el perverso mecanismo de explicar cómo un hombre corriente se puede convertir en un dictador.

1 espectáculo de DANZA:

@TA
  • Vuelve Alain Platel, uno de los grandes referentes en los lenguajes coreográficos contemporáneos con Out of Context, un espectáculo homenaje a Pina Baush y concepto danza-teatro. Su lenguaje incluye espasmos, tics y convulsiones. Un espectáculo que es la lucha entre el hombre y el animal, el individuo y la comunidad. Una búsqueda a las raíces y a la infancia. 

2 espectáculos de CIRCO:

@TA
  • Concerto pour deux clowns de la compañía francesa Les rois vagabonds. Un espectáculo para todas las edades que provoca la risa y maravilla con su lenguaje universal lleno de poesía y magia con partituras de Bach, Vivaldi y Strauss.

  • Desde Canadá, Cirque Éloiza presenta 8 acróbatas, 3 músicos y mucha diversión. Saloom nos traslada a un pequeño pueblo en medio del desierto en una América todavía en construcción. El ferrocarril se está construyendo y mientras los habitantes se encuentran en la taberna para reír, explicarse historias y enamorarse.

TODA LA INFO AL WEB DE TEMPORADA ALTA
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DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: ROC ESQUIUS
INTÉRPRETES: NÚRIA DEULOFEU y ISIDRE MONTSERRAT
DURACIÓN: 75min
FOTO: ROSER BLANCH
PRODUCCIÓN: DARA y el soporte de TEATRE TANTARANTANA
TEATRE TANTARANTANA

Una vez pasado el descanso vacacional, inicio la temporada teatral, un año más, en el Teatro Tantarantana, uno de los pocos que cuelga el cartel de "abierto por vacaciones". Hoy he venido a bailar Claqué o no. Qué mejor idea que comenzar la temporada con una comedia surrealista donde se pone en cuestión si es necesario sacar del armario las vocaciones frustradas y poner todo nuestro empeño en llevarlas a cabo.

 Nuestra protagonista tiene una carrera brillante como bioquímica que decide abandonar para dedicarse a su pasión, bailar claqué. Independientemente de que en un breve lapso de tiempo cualquiera pueda adivinar que no ha nacido para bailar claqué, ella le pone tanta pasión que acabas incluso por sentir lástima de tanto esfuerzo desperdiciado. A su lado, un reorientador laboral, o más bien una voz de la conciencia, surgido de la nada, que intenta convencerla que vuelva a su mundo de las ciencias para el que se ha formado y para el que realmente sirve.




Al inicio, la dramaturgia de Roc Esquius es directa, incisiva, muy divertida, loca, atrevida, y juega constantemente con el espectador... pero mantener el ritmo del inicio durante todo el tiempo es una tarea muy complicada. Un poco más allá de la mitad de la obra se mete en un cul de sac que le hace perder la potencia del inicio, volverse en exceso melodramática, pero que con más o menos traza consigue remontar en el último cuarto de hora.

Interpretativamente la obra ha encontrado el tándem perfecto. Núria Deulofeu destila tanta pasión por lo que hace como su personaje por bailar claqué, eso sí, afortunadamente, sale mucho mejor parada que él. Deulofeu despliega un sinfín de gestos que ayudan a enfatizar los momentos de comedia de la obra. A su lado Isidre Montserrat borda un personaje odioso de principio a fin. Por mucho que disfrutes de los juegos con el lenguaje y sus metáforas, como es mi caso, este orientador laboral acabaría por sacar de sus casillas a más de uno. 

El montaje nos traslada a Barcelona, con homenaje incluido en forma de baldosas de Paseo de Gracia (en una platea encima del escenario a dos bandas), pero la verdad es que fuera de la anécdota puede pasar en cualquier sitio. Porque de personas con vocaciones frustradas las hay por doquier y como se dice durante la obra no tiene el mismo significado "quería querer" que "quería ser". Pero mejor no te pares a pensar cuál es la diferencia y corre al Tantarantana que la Compañía Dara la tiene muy clara y hasta el 17 de septiembre la explica a quién esté dispuesto a escucharla. 

CLAQUÉ O NO

by on 13:07
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