Les conseqüències de la contenció de les emocions en una societat complexa i volgudament sorda a les pulsions primàries. Aquest és el marc en què es mouen els tres personatges de Parlour Song (Música de fons), la coproducció que el CAER i la Sala Trono estrenen aquest cap de setmana al Teatre Bartrina de Reus.
L'obra presenta un triangle emocional format pel Ned, especialista en demolicions; la Joy, mestressa de casa, i el veí de la parella, el Dale, empresari d'una cadena de rentat d'automòbils avorrit que fa de narrador de la història. Quaranta anys, habitants d'un adossat i presoners de la necessitat de ser estimats sense sortir-se'n, segons la directora, Magda Puyo. “Són personatges tendres, amb una música de fons de desitjos insatisfets que no veiem en un principi, però que acaben convertits en un crit.” En Ned, interpretat per Josep Julien, està encara enamorat de la seva dona, però ella està avorrida de la relació i fins i tot el troba repugnant. Cap dels dos se'n surt en la gestió de les emocions i fan el que poden per arrossegar una tensió a l'alça enmig de la rutina. En aquest joc de metàfores que és Parlour Song, l'ofici de demolidor del Ned és una de les centrals. “En Ned és una persona incapaç de fer una voladura controlada de la seva vida i és inhàbil per gestionar les emocions del món contemporani, confrontades a les pulsions animals”, explica Julien.
La reacció dels tres personatges davant la destrucció emocional pretén evidenciar “molts moments de la vida en què la tragèdia està a punt d'explotar”, però al final se soterra en un mar d'infelicitat interior, diu Victòria Pagès, la Joy que es refugia en llargs silencis davant la disconformitat amb la seva vida. “La comoditat acaba guanyant al desig. És molt contemporani, però Butterworth té l'encert de no jutjar-ho, sols de presentar-ho.”
Parlour Song està estructurada com una comèdia de clàssic humor anglès, irònica i sovint cruel, amb diàlegs acurats. Estrenada el 2008 a Nova York, és una oportunitat per veure un autor teatral aclamats als escenaris londinencs i inèdit a casa nostra. “Els clàssics estan molt bé, però necessitem explicar el que ens passa a través d'autors contemporanis” com el londinenc, argumenta Puyo. “A aquesta obra, en seguiran altres adaptacions, perquè Butterworth ja ha explotat”, assegura el director general del CAER, Ferran Madico. Actualment, l'anglès està representant amb gran èxit Jesuralem, una producció del Royal Court Theatre de Londres.
La Trono, pendent


Parlour Song es representarà al Teatre Goya de Barcelona des del 13 d'abril i durant un mes. Després, anirà a la Sala Trono de Tarragona. Amb el Teatre Metropol tancat, aquesta petita sala ha estat durant tres mesos l'únic escenari de la ciutat de Tarragona. Malgrat aconseguir una ocupació total durant el primer trimestre d'enguany, la seva continuïtat està compromesa la temporada vinent. L'Ajuntament els deu l'ajut de 23.800 euros de l'any passat i enguany l'ha rebaixat un 58% –el doble que la retallada del pressupost municipal de Cultura–, que tampoc han cobrat. Joan Negrié ha reivindicat el paper de la Trono: “Tenim el suport del públic i no volem parar de fer produccions pròpies contemporànies.”

Font: Eva Pomares (www.elpuntavui.cat)

Demolicions vitals

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Les conseqüències de la contenció de les emocions en una societat complexa i volgudament sorda a les pulsions primàries. Aquest és el mar...
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El via crucis de Max Estrella no pisó anoche el asfalto de las calles del Madrid de la bohemia, “absurdo, brillante y hambriento”, tal y como lo calificó el artífice de esta genial locura, Ramón María del Valle-Inclán. Los espejos deformantes del callejón del Gato no tenían quien los mirara; la imaginaria taberna de Picalagartos, sin clientes y el anarquista Mateo Morral, sin confidentes. La procesión atea recorrió el universo valleinclaniano en el teatro Fernando de Rojas, en el Círculo de Bellas Artes, con la representación de dos de sus obras: Ligazón y una adaptación de Luces de Bohemia y otras dos de tintes esperpénticos.
“Es el mejor homenaje que le podemos hacer al dramaturgo gallego el Día Mundial del Teatro”, afirma el también dramaturgo y periodista Ignacio Amestoy, padrino de esta cofradía de artistas, intelectuales y madrileños que celebra este año su XV edición.
Tarde primaveral. Empieza a caer el sol. El teatro del Círculo sube el telón. Aparece una mozuela que chapotea sus pies en el riachuelo que hay cerca de su casa. Enamorada de un zagal que no cuenta con el gusto de su madre, se entrega a él. Tras mezclar su sangre en una ligazón, juntos planean el asesinato de un pretendiente acaudalado con el que su progenitora y la comadre quieren casarla. Ligazón es una obra perteneciente al Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte de Valle-Inclán que se estrenó el 19 de diciembre de 1926 en el mismo escenario en el que ayer se celebraba el homenaje al célebre poeta gallego y que fue representado por la compañía teatral Tribueñe.
“Aquel año don Ramón María (1866-1936) ponía en marcha una de las aventuras teatrales más sobresalientes de la historia contemporánea”, asegura Amestoy. Y es que el autor de 0 intentó llevar a cabo su revolución teatral en el recién estrenado edificio de la calle de Alcalá, 42. Con el nombre de El cántaro roto, la compañía del Círculo sería el lugar ideal para realizar el cambio copernicano que, en su opinión, necesitaba el arte dramático español.
Casi 86 años después, las butacas del teatro acogían a los seguidores del escritor manco, capitaneados por los miembros de la Irreal Academia del Esperpento, entre los que destacaban la periodista de EL PAÍS Rosana Torres y los dramaturgos Manuel Gómez, Ignacio Amestoy y Luis Araújo. Esta institución esperpéntica se creó en marzo de 2011 con el compromiso de “atizar la candela allá donde florezca la deformación sistemática de nuestra realidad”, según declaró Araújo.
No hay nada más bohemio que los cuplés, la locura, el hambre y las letras, y todo esto lo reflejó muy bien la obra Armando Buscarini o el arte de pasar hambre, del autor Juan Manuel de Prada, que se interpretó al caer el sol en un espacio escénico casi vacío de luces y sombras. Ni tampoco existe crueldad más esperpéntica que el maltrato a una mujer. Por ese motivo, la Irreal Academia escogió para esta especial edición la obra de Nieves de Medina, Ni con el pétalo de una rosa, una reflexión sobre el calvario que sufren muchas mujeres en nuestros días. “Un esperpento actual”, sentencia el dramaturgo.
“Los bohemios teníamos que estar con Carlos Álvarez-Nóvoa este día tan especial”, aseguró Rosana Torres. El actor sevillano protagonizó al caer la medianoche su mejor papel, el de Max Estrella, bajo la dirección de Francisco Ortuño, que ha montado La noche de Max Estrella a partir de Luces de Bohemia. Álvarez-Nóvoa conoce a la perfección las luces y las sombras del personaje de la obra, al que dedicó nada menos que una tesis doctoral que sirvió como inspiración a Ignacio Amestoy para crear la comitiva burlesca que desfila por Madrid cada primavera. “Carlos hizo suyo el personaje y la obra a la que ha dedicado toda su vida”, sentenció el catedrático de Literatura Española Jorge Urrutia minutos antes de que empezara la obra.
Pasada la medianoche se baja el telón. Acto seguido, empieza a sonar la voz de Karola Escarola cantando Babilonio, tema de la zarzuela La Corte del Faraón e himno oficial de la institución esperpéntica. Llega la hora del chocolate con churros. A su salud, maestro.
Fuente: María Hervás (www.elpais.com)
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María Augusta Kutschera nació en 1905 en el Imperio austrohúngaro en un tren mientras sus padres viajaban desde su localidad en el Tirol hasta un hospital en Viena. A los siete años quedó huérfana y a los 18, en 1923, se graduó en un colegio público para la educación progresista de la capital austriaca. Una vez terminados sus estudios, entró como novicia en la Abadía Nonnberg, un convento de monjas benedictinas en Salzburgo. Residiendo aún en el monasterio, se le pidió ser la maestra de los siete hijos del comandante de la Armada Georg Ludwig von Trapp, que se había quedado viudo de su esposa Agathe Whitehead. Durante su estancia en la familia, María abandonó el convento y contrajo matrimonio con Georg el 26 de noviembre de 1927. Eso es lo que ocurrió en la realidad. En la ficción se llamó Sonrisas y Lágrimas (en español), The sound of music (en inglés) o La novicia rebelde (en Latinoamérica).
Tras huir de los nazis y refugiarse en EEUU, los von Trapp convirtieron su vida en uno de los negocios más prósperos de la historia, que sigue generando dinero a espuertas. Hoy la ruta de la película Sonrisas y lágrimas es un reclamo turístico mucho mayor que la de Mozart en la ciudad de Salzburgo. El resort de los von Trapp, una finca de 270 hectáreas en Stowe (Vermont, Nueva Inglaterra, EE.UU), donde están enterrados en un panteón muchos de los miembros de la familia, sigue ofreciendo un campamento musical permanente, tres generaciones después. Y cuatro de los nietos del capitán von Trapp y María han formado un grupo llamado JAMPS, con las iniciales de sus nombres (Sofia, Melanie, Amanda, and Justin von Trapp) y recorren el mundo cantando las canciones de lo que en su origen fue un libro (La historia de los cantantes de la familia Trapp, las memorias de la baronesa von Trapp, publicado en 1949), luego un exitoso musical de Broadway en 1959 (con canciones escritas por dos genios de los musicales como Richard Rodgers y Oscar Hammerstein), después una película austriaca y finalmente una película americana, dirigida por Robert Wise y protagonizada por Julie Andrews, que dio la vuelta al planeta y que se convirtió en una de las más taquilleras de la historia. Ahora, por primera vez, el musical, con actores y libreto en español, recorre la geografía de nuestro país llenando teatros de norte a sur y de este a oeste. Y en septiembre aterrizará en el teatro Coliseum de la Gran Vía de Madrid.
Un total de 26 artistas en escena y una orquesta en directo con 10 músicos, 70 personas entre equipo técnico, maquillaje y vestuario, 22 cambios de escenario, 140 trajes, 250 focos de última tecnología… Seis trailers de 30 toneladas recorren la geografía española, con una de las producciones más grandes que ha girado por el país. El resultado, dirigido por el donostiarra Jaime Azpilicueta (My fair lady, Jesucristo superstar, Evita…) y visto en el Teatro Principal de Valencia hace una semana, es más que notable, tanto por las voces de los artistas – muy destacables las de la argentina Silvia Lichetti (en el papel de María) y la de Noemy Mazoy (la madre abadesa)—como por la magnífica escenografía que acompaña a este espectáculo de dos horas y media de duración en dos actos.
Sonrisas y lágrimas, estrenada en 1965, es uno de esos clásicos a los que cuesta resistirse. Una de esas películas que uno vio por primera vez siendo niño y que, por ñoña que sea, revisitarla genera esa sutil emoción por la que, casi sin querer, se da un salto en el tiempo y se difuminan, más que con cualquier crema milagrosa, las arrugas de los ojos. Ocurre a menudo con cintas musicales cuyas canciones han quedado ancladas en nuestra memoria: West Side Story (de Robert Wise y Jerome Robbins, 1961) o con Mary Poppins (1964), también protagonizada por una jovencísima Julie Andrews.
Quién no ha entonado alguna vez eso de “Don, es trato de varón; Re, selvático animal; Mi, denota posesión, Far, es lejos en inglés…”. Tras 52 años de representaciones, Sonrisas y Lágrimas ha cosechado 6 premios Tonys, 5 Oscars y 2 Globos de Oro. Hasta la fecha, ya son 45 millones de espectadores en 24 países los que han podido disfrutar de este clásico que ahora recorre España, tras una inversión de tres millones de euros y la unión de cuatro productores: Vértigo Tours, Drive Entertainment, Riga (actividades culturales) y Quarte. Y, a la vista de lo sucedido en Valencia la semana pasada, más de uno se sorprenderá entonando el Do Re Mi. 
Fuente: Patricia Ortega Dolz (www.elpais.com)
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Vuit homes amb abric pujant un fèretre per unes escales. Aquesta imatge televisiva de l'enterrament de Franco és el primer record del dramaturg navarrès Alfredo Sanzol, que ha utilitzat els primers registres de la seva memòria com a punt de partida per escriure les quinze històries curtes d' En la Luna . "Els primers records tenen alguna cosa d'irreals, perquè no saps fins a quin punt són somiats o inventats", va explicar ahir Sanzol. Per explicar aquesta dimensió onírica, l'autor ha marxat a la Lluna, "un territori oníric" on les històries es desenvolupen "lliures dels condicionants de treballar en la realitat".
Amb aquest rerefons d'índole metafòrica (Sanzol està més interessat en els símbols que en la ciència-ficció) materialitzat en un típic paisatge lunar i un mural pintat per l'escenògraf Alejandro Andújar, En la Luna desplega un mosaic d'històries curtes ambientades en l'època de la Transició, que coincideix amb la primera infantesa de l'autor. "La Transició s'introduïa a casa nostra i influïa en els nostres pares -recorda Sanzol-. Hi havia moltes esperances de llibertat i molta por que aquestes esperances es frustressin, i en aquesta por hi ha el conflicte central de l'obra".
Reivindicació de l'esquetx
A En la Luna insisteix ("M'ho demana el cos") en el format de relats independents que Sanzol ja utilitzava en obres anteriors com Sí, pero no lo soyo Días estupendos . L'autor fins i tot s'atreveix a reivindicar "l'esquetx" com a gènere major, i considera que juxtaposar les històries curtes fa que sigui "més lliure" a l'hora de crear. "Les històries llargues tenen uns girs que demanen coherència, i la coherència és irreal", defensa. "A la vida les coses passen per juxtaposició, no de manera lineal o causal", conclou.
Entre aquestes històries curtes n'hi ha que són variacions sobre contes ( Los cabritillos ), relats sobre el fracàs d'un matrimoni (Interviu ) i incursions en el surrealisme ( El ventilador ). El to passa de l'acció (El atraco ) a la tragèdia (La fiesta ) en un conjunt d'esquetxos "molt diferents" que utilitzen l'humor "de manera no premeditada". En total són quinze històries que interpreten sis actors que canvien constantment de personatge, atmosfera i registre, perseguint els fantasmes de la memòria de Sanzol.
Google com a musa
Amb una mica de vergonya, Sanzol es confessa usuari habitual de Google com a eina d'inspiració. És una estratègia que ja va fer servir en obres anteriors i que, segons l'autor, "serveix per saltar-se la pàgina en blanc i endinsar-se en l'inconscient". A través Google, l'autor va conèixer la història d'un home que pintava planisferis i, sense saber per què, el va convertir en un dels portadors del fèretre de Franco, que acudeix a la cita amb la intenció d'aprofitar l'enterrament per cobrar la factura d'un planisferi pintat al Pardo.
En la Luna és una coproducció del madrileny Teatro de la Abadía que es representarà a Barcelona únicament durant cinc dies. El Lliure, per cert, va anunciar ahir que en principi es manté la representació que coincideix amb la jornada de vaga del 29 de març, tot i que no ho sabran del cert fins al moment de la funció.
Font: Xavi Serra (www.ara.cat)
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La directora de la Fira de Teatre de Titelles de Lleida, Julieta Agustí, ha assegurat que la 23a edició del certamen, que se celebrarà a Lleida del 4 al 6 de maig, serà una fira "d'emergència". El pressupost, ha explicat, s'ha reduït gairebé un 50% fins a quedar-se en 164.000 euros. Una de les conseqüències inevitables ha sigut la reducció del nombre de companyies, que ha passat de les 30 de l'edició anterior a les 18 d'enguany, de les quals 11 són catalanes, 4 de la resta de l'Estat i les 3 restants internacionals. Tot i això, Agustí ha volgut destacar la comprensió de les companyies, gràcies a les quals el nombre d'actuacions es redueix proporcionalment menys (de 85 el 2011 a 75 aquest 2012).
S'han acreditat uns 300 professionals, entre programadors, distribuïdors, companyies i expositors, i s'han programat un total de 75 espectacles repartits entre més d'una vintena d'espais oberts i equipaments de la ciutat.
Precisament enguany s'estrena un nou espai, la Seu Vella, que acollirà un espectacle, amb taller i visita al monument més emblemàtic de la ciutat. Aquest fet, segons l'alcalde de Lleida, Àngel Ros, ajudarà a la difusió d'aquest monument i respon a la voluntat que, en un futur, el conjunt del Turó sigui declarat Patrimoni de la Humanitat.
L'espectacle inaugural, 'El fantástico viaje de Jonás el espermatozoide', de la companyia andalusa El espejo Negro, donarà el tret de sortida a aquests tres dies del millor teatre de titelles, amb una programació variada i de gran qualitat artística. La fira acollirà estrenes mundials com l'espectacle 'Transforma't de cap a peus', de la companyia catalana Sienta la Cabeza. L'espectacle 'Poli Dégaine', de la companyia francesa La Pendue, es realitzarà per primer cop a Catalunya. La companyia Non nova, també provinent de França, estrenarà a l'Estat l'espectacle 'L'après-midi d'un foehn Version 1'.
Els millors treballs dels creadors i de les companyies de teatre de titelles o teatre visual seran premiats amb els Premis Drac d'Or, uns guardons iniciats el 1998 i ampliats posteriorment. Totes les companyies inscrites a la Fira de Teatre de Titelles opten als premis en totes les seves modalitats.
Font: ACN via www.ara.cat
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Resurge de sus propias cenizas. Todo el mundo daba casi por hecho que el Festival de Mérida iba a desaparecer, pero no es así. Jesús Cimarro, presidente de Pentación Espectáculos, junto a José Antonio Monago, presidente de la Junta de Extremadura, ha dado a conocer esta tarde, en Mérida, la programación de la 58ª edición de esta muestra, reconocida internacionalmente, que se celebrará entre el 5 de julio y el 26 de agosto. Eran muchas las voces que apuntaban a la extinción de este prestigiado festival, después de que se encontrara en él un déficit de 3,5 millones de euros, producido en varias ediciones anteriores y que las últimas directoras, la actriz Blanca Portillo y la productora Chusa Martín, comunicaran su retirada tras observar movimientos nada claros en la gestión del mismo.

Pero al final el festival durará sus habituales (al menos en los últimos años) ocho semanas, tendrá seis espectáculos en el emblemático Teatro Romano, un ciclo de conferencias, un encuentro entre los responsables de festivales europeos significativos para emprender proyectos y líneas de trabajo comunes, se entregará un premio de ámbito nacional, y diferentes espacios de la ciudad extremeña se utilizarán para hacer pasacalles y actividades diversas, sobre todo infantiles.

“Mi objetivo es, por una parte, presentar estrenos absolutos, como lo son todos los montajes, a excepción de Anfitrión que se estrena unas semanas antes, pero se trata de producciones y coproducciones que no sólo se estrenaran en Mérida, sino que muchas de ellas tendrán un futuro, más allá del festival, en otros espacios y teatros”, señala Cimarro, quien en todo momento puso como condición, para responsabilizarse de la externalización de la muestra, que en terreno económico había que empezar de cero y esta misma tarde Monago ha anunciado que se ha negociado una línea de crédito para pagar la deuda de las ediciones anteriores, por lo que todo hace suponer que los afectados por impagos resolverán su situación. Entre ellos están los setenta profesionales que la semana pasado pusieron una demanda conjunta, por no haber cobrado sus trabajos realizados en la pasada edición, así como los trabajadores fijos de la muestra que llevan varios meses sin recibir su salario.

Cimarro también pretende que el festival tenga presencia, a partir de ahora, en otros sitios: “Tenemos que hacer coproducciones con otros países de la unión europea, incluso a tres bandas”, y pone como ejemplo como se podría plantear algo entre Edimburgo, Epidauro y Mérida.

El productor, que está en Pentación Espectáculos desde su fundación en 1989, asegura haberse presentado para optar a lo que ha conseguido, porque corrieron rumores de que el Festival de Mérida podía desaparecer: “Para el sector de las artes escénicas es de los festivales más importantes y la obligación de la gente que nos dedicamos a esto, es implicarse para sacar a flote proyectos como este en estos tiempos de crisis”. Ante la duda que se podría tener con respecto a las ganancias, ya que toda empresa tiene como objetivo hacer crecer su capital, Cimarro aclara este punto: “Pues que no hayan dudas, ya que las ganancias que se superen, respecto del gasto establecido, se irán íntegramente al festival para ediciones posteriores; aemás hay que tener en cuenta que nosotros no nos vamos a apartar ni un ápice de los criterios marcados por la consejería, entre los cuales también está el de mantener la esencia grecolatina de la muestra, y eso no es fácil ya que hay que producir para él, pues no se encuentran así como así montajes de posible exhibición en el Teatro Romano, por temática y por características técnicas”.

Lo que está claro es que si se produce un déficit, Pentación Espectáculos lo asume y si lo que hay son ganancias, una vez pagados todos los gastos, pasa al fondo del festival. Puestas así las cosas es inevitable preguntar a Cimarro dónde está su beneficio: “El beneficio es que esta empresa tiene ganas de seguir produciendo y siguiendo en este festival, como lo he hecho muchas veces, y también procurar que otras empresas del sector apuesten por él; yo el beneficio lo tengo en otras producciones, no en estas, pero si lo hacemos bien es importante que una empresa que haya asumido la externalizacion de la gestión y la programación, lo pueda hacer bien, algo que sólo lo pueden decir los espectadores y los medios; pero lo que está claro es que nos hemos lanzado con muchas ganas de trabajar y sacar adelante el festival”, señala el productor quien recuerda que la Junta de Extremadura y su presidente al frente ha querido apostar por la cultura, “y su buque insignia está claro que es el festival, un festival que es de todos, el sector lo tiene que apoyar, independientemente de si lo hace la administración o una empresa”, concluye este hombre que ha coproducido con el Festival de Mérida en la etapa de José Monleón, Espectáculos Ibéricos, Manuel Canseco, Jorge Márquez y Francisco Carrillo.

La muestra se inaugurará el próximo 5de julio y estará hasta el 8 con el espectáculo Helade, con textos de autores griegos, dirección de Joan Ollé y asesor de dramaturgia de José María Pou. Del 11 al 15 de julio se verá Anfitrión, de Plauto con dirección de Juan Carlos Pérez de la Fuente. Del 20 al 29 de julio Electra de Eruipides, versión de Vicente Molina Foix y dirección de José Carlos Plaza. Del 1 al 12 de agosto, La Odisea de Homero, con dirección de Rafael Álvarez El Brujo. Del 16 al 19 de agosto Las Bacantes de Euripides, con dirección de Carlos Álvarez-Ossorio. Del 22 al 26 Ayax de Sófocles, con dirección de Denis Rafter. Estos dos últimos espectáculos son coproducciones extremeñas. Habrá un montaje con un DJ poniendo la música en directo, con el que se quiere prestar atención al público joven.

El último día de la muestra, el 26 de agosto, habrá una celebración donde hará entrega de los Premios Ceres (la diosa de las cosechas, de la fecundidad, de la agricultura), que recaerá en espectáculos de todo tipo del teatro español.

En dos semanas se dará a conocer los repartos de los diferentes espectáculos y la programación completa de esta 58 edición.

Fuente: Rosana Torres (www.elpais.com)
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