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Fuente: Elisa Díez (Butaques i Somnis) | Foto: Víctor Iglesias

Por fin la compañía andaluza La Zaranda llega a Barcelona con El Grito en el Cielo. Hace algunos meses estuvieron en un bolo en Hospitalet y pese a las recomendaciones, sólo una función y prácticamente todo agotado no ayudaron demasiado. No te duermas que esta vez tampoco estarán mucho, tan sólo 13 funciones tienen programadas en el Teatro Romea.

El Grito en el Cielo surgió durante la residencia en la Biennal de Teatro de Venecia dirigida por Àlex Rigola de hace un año, y en noviembre pasado se estrenó en el Festival Temporada Alta. La acción se desarrolla en un geriátrico. Unos cuerpos abandonados acaben en el almacén de órganos deteriorados, sin posibilidad de regeneración. Una confortable y aséptica antesala de la muerte. A pesar de las circunstancias a estas vidas reducidas a ser mecanismos orgánicos no les han podido abolir la contraindicación de soñar. Algunos han decidido escaparse del acto final del destino, intentando una huida de la defunción medicamento certificada hacia la legendaria fuente de la eterna juventud. Un viaje de regreso a la vida recuperando el dolor como dimensión humana y la joya de la libertad perdida. Para el dramaturgo Eusebio Calonge: "una ácida crítica a un mundo deshumanizado y sin trascendencia, donde los historiales clínicos suplantan toda biografía y el arte, mutilado de su sentido espiritual, es un engranaje más de esa maquinaria de aniquilamiento."

La Zaranda, Teatro Inestable de Andalucía la Baja es una de las compañías españolas con más proyección internacional. Sus creaciones impactan y conmueven, son una sacudida para los sentidos y el alma, ya que sus personajes "no viven un argumento, sino una pasión", como afirma Calonge. Pasión, compromiso y genuinidad definen a la compañía, que en el 2010 ganó el Premio Nacional de Teatro. Después de 37 años de trayectoria, dejando de lado las modas y las tácticas comerciales, la Zaranda sigue desarrollando su creatividad con un lenguaje teatral muy peculiar y extremadamente contemporáneo, textos depurados y efectivos, una plástica sencilla pero sobrecogedora y poética y el uso simbólico de objetos. Sus obras son el resultado de una búsqueda constante, de una introspección profunda y de un trabajo en común que da lugar a la creación, una realidad que surge como si tuviera vida propia. La muerte, las devastaciones que deja el paso del tiempo, la memoria son tratados con humor e ironía sin perder gravedad ni transcendencia.

Fuente: Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Como viene siendo habitual el Teatre Tantarantana comienza la temporada con el VI Cicle de Companyies en Xarxa, que bajo los mismo parámetros del Cicló, pretende mostrarnos una representación del teatro contemporáneo y que busca nuevos lenguajes escénicos fuera de Catalunya. Andalucía, el País Valencià, la Comunidad de Madrid y las Islas Baleares son los elegidos para esta edición.

Del 27 al 30 de agosto-Para que no te me olvides-Lupa Teatre, País Valencià

Para que no te me olvides habla sobre la muerte y la pérdida. Es un ejercicio de memoria que juega contra el olvido y el vacío que nos deja la muerte. Sin alardes, sin rencores, sin dolor y con todo el dolor del mundo. Juega con los diferentes prismas que ofrece un proceso de duelo, muestra las partes y reflexiona sobre la pérdida desde lo personal y a golpe de flamenco. El flamenco como excusa, como elemento conductor, como hilo narrativo. La Lupa nace en 2010 con el flamenco entre su DNI, con dramaturgias propias y con una particular mirada que bucea en el mundo de la realidad y la ficción.

Del 28 al 30 de agosto-La imposibilidad de la muerte en la mente de alguien vivo-Teatro Xtremo, Andalucia (Àtic22)

Un homenaje a Damien Hirts y a su obra The Physical Impossibility of Death in the mind of someone living, un tiburón tigre de 4,26 metros de largo inmerso en una virtina con formol. Un diálogo intenso y sin tregua de la compañía Teatro Xtremo con la obra de Hirts. Esta compañía se mueve desde 2005 entre la escena, la plástica, la música, la informática. Usa vídeos, cámaras, textos, trabajo físico para buscar nuevas formas de expresión no convencional desde una concepción del teatro como arte específico, como un arte del todo.

Del 1 al 3 de septiembre-L'Augment-Estudi Zero- Islas Baleares

En un momento en que los sueldos se están cuestionando, en el que cada vez se exige más esfuerzo para tener un suueldo mínimo y en el que las diferencias entre los sueldos más altos y los más bajos son abismales, l'Augment de Georges Perec es una reflexión sobre la necesidad de equilibrar los salarios. Un hombre se enfrenta con una gran empresa, una narración llena de humor despiadado e inconfundible. Los actores son el engranaje, el público es el empleado. El engranaje se dirige al público para descomponer todos sus pensamientos. Estudio Zero quiere generar emociones y reflexiones abiertas, sorprender y hacer partícipe al mismo público que se verá inmerso en el conflicto de los propios personajes, viviéndolo en primera persona.

Del 4 al 6 de septiembre-La exiliada, la negra, la puta, el caracol y la mística (periferia)-La Inestable- País Valencià

¿Quién pone en tu boca tus palabras? ¿Por qué nos estamos cansando tanto?¿Cuánto de inútil es todo esto? ¿Empiezan a gastarse nuestros actos? Necesito ojos nuevos. ¿Alguien me puede decir cuál es mi drama? La libertad es la cárcel más grande de todas las cárceles. 
Tres autoras y un autor escriben esta historia para cuatro mujeres y una cantante. Cuatro mujeres descoloradas e incómodas que nos contarán sus pensamientos. Una cantante, creadora de espacios sonoros, interviene en la historia. Un bailarín escribe desde el cuerpo y dinamizar lo físico. Una directora confecciona este traje de retales de vida, de pensamientos, de insomnios, de sentimientos. Un universo femenino y periférico.

Del 8 al 10 de septiembre-Proyecto sombra-Masa Confusa- Comunidad de Madrid

Como hacemos con las personas indeseables, ocultamos, encerramos, e incluso aniquilamos nuestro lado oscuro, nuestros demonios, nuestras células enfermas. Encontrarse con la sombra no es fácil, pero es, sin duda, una aventura apasionante. Proyecto Sombra se mueve entre la ceremonia y el cabaret, lo sagrado y lo profano, el teatro y la perfomance para descubrir la manera de transmitir al espectador una experiencia tan personal, llegando más allá de lo concreto, ahondando en lo arquetípico y jugando con lo mundano. Un espacio-tiempo compartido, donde, quien se atreva, puede asomarse.

Del 11 al 13 de septiembre-Romnia-Cia. Belen Maya- País Valencià

Romnia, “mujeres” en romanó, es una celebración de la gitanidad, sin victimismos, pero con una mirada a veces compasiva, a veces alegre al infortunio de unas mujeres cuyo coraje para sobrevivir le han llevado a un nuevo compromiso ético y estético. En Romnia está presente la biofilia romaní, las duquelas, el frío histórico, el dolor y la alegría del devenir del Pueblo Gitano a través de las mujeres, tantas veces discriminadas doblemente: mujeres gitanas que siguen sufriendo, gritando, luchando, bailando y cantando. Música gitana sin oles, Belen Maya realiza un ejercicio artístico retroprogresivo: sus movimientos van hacia el origen y hacia el futuro.

Del 16 al 18 de septiembre-Un recuerdo de Avignon-La Fundición + Síntesis-Andalucía

Tres actores, tres historias, tres vidas…Dos espacios, dos lugares, dos mundos….Con estas premisas se inicia la propuesta de Un recuerdo de Avignon. Tres personajes que nos van a descubrir su yo más íntimo a partir de la supuesta recreación de un ensayo teatral de un gran drama histórico. El escenario dividido en dos, la zona de ensayo y la realidad cotidiana servirá de espejo que nos hará dudar cuándo es realidad y cuándo es representación.


Fuente: Margot Molina (elpais.com)
“Me encuentro como si estuviera nadando en un mar de decepciones, en aguas turbulentas cultural y políticamente”, dice rotundo Salvador Távora, fundador de La Cuadra en 1972 y creador de un lenguaje dramático propio que ha paseado por escenarios de todo el mundo. El director de escena sevillano se enfrenta ahora, cumplidos ya los 80 años, al derrumbe de su proyecto. La compañía La Cuadra, que entró en concurso de acreedores en febrero de este año, se enfrenta a la quiebra en dos meses y medio porque no puede pagar la deuda que contrajo en 2007 para la construcción de su teatro en la barriada del Cerro del Águila.
“Andalucía va a dejar morir a La Cuadra, una de sus referencias culturales”, dice Távora, poseedor, entre otros galardones, de la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y Premio Andalucía de Teatro.
“Le hemos propuesto a la Junta que se quede con el teatro a cambio de saldar la deuda, pero no puede ser. Y del Ayuntamiento, ni hablamos… Hace mes y medio que le escribimos a la presidenta, Susana Díaz, para solicitarle una entrevista pero no ha contestado”, aclara Távora, que ha llevado sus montajes por los cinco continentes.
“Con nuestra historia y nuestro compromiso por un teatro lejos de la estética pequeño burguesa, en 2007, arriesgando todo nuestro patrimonio formalizado en 40 años de historia, construimos en el barrio donde nació el grupo un teatro de pequeño aforo, con aspiraciones populares a fin de descentralizar la cultura en la ciudad”, dice la carta enviada el pasado 3 de noviembre.
“Recurrimos a ti con la esperanza de que podamos encontrar soluciones para evitar (…) la frustración de un proyecto cargado de compromisos estéticos e ideológicos con un terrible final de desahucio cultural”, añade la misiva para concluir que si se produce el cierre “ante la indiferencia de la izquierda, será el fracaso, por falta de valoración oficial, de todo un periodo de conquistas artísticas del medio popular”.
La construcción del Teatro Salvador Távora, que se inauguró en marzo de 2007 dentro del Plan Director de Espacios Culturales del Ayuntamiento de Sevilla, le supuso a la compañía un gasto de 1.600.000 euros, cantidad a la que La Cuadra hizo frente hipotecando todo su patrimonio: dos naves comerciales. “Juan Carlos Marset [entonces delegado de Cultura] quería crear una red de teatros en los barrios de la ciudad y nos convenció para iniciar el proyecto. A nosotros y a otras compañías que tampoco han salido adelante. Compramos el solar e hicimos la obra y el Ayuntamiento realizó cuatro aportaciones anuales de 100.000 euros, según lo convenido. Lo que no cumplió fue la promesa que nos hizo Marset de contribuir con 100.000 euros anuales para el funcionamiento”, explica Lilyane Drillon, cofundadora del grupo.
El teatro, cerrado como espacio escénico desde hace un año, también está en peligro. “La deuda es de más de 300.000 euros, pero el problema es que aunque el banco se quedase con las naves hipotecadas no se cubriría el total porque ahora valen muchísimo menos que en 2007 y tirarían del teatro para cobrar la totalidad”, añade Drillon.
“Yo pensaba que asentarme en Sevilla era el final feliz que queríamos. Recogerme aquí, en mi barrio, y hacer buen teatro desde la periferia. Pero esto se ha mantenido durante siete años con los ingresos de las giras de La Cuadra y ahora no es posible”, dice Távora, quien se ha nutrido de flamenco, toros, caballos, procesiones y conciencia social despojados de tópicos en sus 27 espectáculos.
“Para las compañías que han desarrollado el divertimento, la frivolidad y el teatro comercial la cosa ha ido mejorando estos años; pero a los que pensamos que el teatro es más que diversión, cada vez nos cuesta más andar”, afirma Távora, quien a pesar de no ocultar su decepción, la chispa le vuelve a los ojos cuando habla de sus proyectos.

Fuente: Margot Molina (elpais.com)
"Vivimos tiempos en los que la gente busca opciones de entretenimiento intensas, breves y baratas. Es el resultado de trasladar al mundo real los tiempos y las formas de las redes sociales e Internet", explica Chema Rodríguez (Sevilla, 1967), director y guionista de cine y uno de los 11 socios que ha puesto en marcha Microteatro Sevilla. El nuevo espacio, que se inaugura este jueves en un local de cinco plantas en el entorno de Metrosol Parasol (vulgo Las Setas), ofrecerá pequeñas dosis de teatro, circo, danza, ópera, flamenco, música, magia y artes plásticas.
Todo tipo de espectáculos que compartirán el número 15 de común denominador. Las obras tienen menos de 15 minutos de duración, podrán verse en cinco salas de 15 metros cuadrados y para un máximo de 15 espectadores, número que variará según el formato de cada puesta en escena. La puesta en marcha de Microteatro Sevilla(calle José Gestoso,3) incluye también espacios para las artes plásticas y un gastro-bar. Montajes que podrán verse de jueves a domingo en dos sesiones (a las 20.00 y a las 22.00. Viernes y sábado la sesión golfa comenzará a las 22.45).
El bailaor El Junco; el montaje Espérame despierto, de la compañía de danza contemporánea MOPA; el texto de Nancho Novo Sólo pienso en ti, la obra Los caminos del Señor, dirigida por Chiqui Carabante, o la comedia Quédate conmigo, protagonizada por Paco Maldonado y Galo Romeo, son algunas de las propuestas con las que Microteatro se presenta en Sevilla. Durante su primer mes de andadura, todas las propuestas girarán en torno a un tema: la pasión.
"Nuestra filosofía es que podemos conseguir que la gente que nunca ha ido al teatro se acerque si le ofrecemos una obra de solo 15 minutos y por un precio que casi todo el mundo puede pagar: 3,5 euros. Son como bomboncitos que dejan buen sabor de boca y que contribuirán a crear público", comenta Rodríguez, autor, entre otros, del documental Estrellas de La Línea, un largometraje de 2006 que dignifica a un grupo de prostitutas guatemaltecas y con el que obtuvo una larga serie de premios.
Y la fórmula, que Chema Rodríguez y otros 19 socios pusieron en práctica en Madrid en 2010, ha funcionado. El proyecto ha abierto sedes en México, Argentina, Costa Rica y Estados Unidos, que se suman a las que ya funcionan en España: Madrid, Valencia, Almería y Málaga. "En Madrid estamos vendiendo unas 10.000 entradas al año y en Málaga, llegamos a las 8.000; así que la cosa está funcionando", explica el cineasta que en Sevilla se ha asociado junto a, entre otros, el productor Álvaro Alonso, la directora de cine Ana Rosa Diego, el actor Rafael Rojas y el ingeniero David Pérez.


Fuente: EFE via lavanguardia.com

La novena edición del Festival de Artes Escénicas de Sevilla (feSt) acogerá los estrenos absolutos de las funciones teatrales de los actores Alberto San Juan, con "Masacre: una historia de la banca privada española", y de Cristina Medina (Nines en "La Que Se Avecina"), con "A grito pelao".

El feSt, presentado hoy en la sala La Fundición, también contará con la participación de los intérpretes Tristán Ulloa, Miguel Rellán y Pablo Carbonell y se celebrará del 17 de diciembre al 27 enero, con un parón entre el 21 de diciembre y el 8 de enero.

Las salas privadas La Fundición, Cero Teatro, Centro TNT y Teatro Duque-La Imperdible, junto con los espacios públicos Teatro Lope de Vega y Teatro La Alameda, se repartirán los 69 espectáculos teatrales que forman parte del feSt.

El Metro de Sevilla también será parte de la presente edición, con pequeñas representaciones teatrales en sus estaciones.

La asociación de salas privadas Escenarios de Sevilla, con el apoyo del Ayuntamiento de Sevilla, la Diputación, la Junta de Andalucía y el Ministerio de Cultura, ha sido la principal impulsora de este festival, un "ejemplo de la colaboración del sector privado con el sector público", ha destacado José María Roca, presidente de Escenarios de Sevilla.

El certamen del 2013 tuvo más de 6.000 espectadores, con una ocupación de localidades del 86 %, según datos facilitados a Efe por la organización del feSt.

El presupuesto de esta nueva edición del fEst será superior al de la pasada, unos 175.000 euros, con una aportación de 70.000 euros por parte del Ayuntamiento de Sevilla.



Fuente: Libertad Paloma (elpais.com)
Las marionetas sirven para conjurar los miedos. Lo dice Ismael Peña, músico y coleccionista de títeres desde hace ya medio siglo. Afición que nació durante sus años de estancia en Francia. Se hizo amigo de marionetistas y compró algunos muñecos “por diversión”. Esos primeros títeres pronto tuvieron compañía y, con el paso de los años, tuvo que hacerse con unos almacenes para alojarlos. Hasta que un año estuvo en Cádiz y creyó que sus marionetas podrían tener allí su hogar permanente.
“Somos una zona de una gran tradición titiritera”, confirma Antonio Castillo, concejal de Cultura en Cádiz. El hecho de que su Festival Internacional del Títere Ciudad de Cádiz cumpla con ésta 30 ediciones es prueba de ello. La jornada de hoy cierra un evento por el que han pasado 12 compañías, 25 funciones y 13 montajes. Las marionetas llegan de triunfar en Uruguay, Argentina, Francia y otros escenarios españoles y no han dejado ni un rincón de Cádiz sin visitar.
A los espacios tradicionales, como La Central Lechera, el Baluarte de la Candelaria o el nuevo Teatro de Títeres La Tía Norica, se suman otros escenarios improvisados en plena calle y un nuevo auditorio al aire libre que se ha estrenado en esta edición: el Auditorio Costa Rica del parque Celestino Mutis. Aquí se representará en la sesión de clausura de hoy domingo El espantapájaros fantasma, de Teatro Mutis, a las 19.00. La jornada la completan La boda del piojo y la pulga, de La Gotera de Lazotea; Coup de chapeau, de Veronique des Chapeaux, y El sainete, de La Tía Norica.
Pero aunque el festival echa el telón, las marionetas no se van. El Museo Iberoamericano del Títere de Cádiz acoge desde esta semana más de 300 marionetas de la colección de Ismael Peña, adquirida por el Ayuntamiento en 2008. De diferentes técnicas y realizadas en distintos materiales, hay marionetas de dedo, de guante, de perchas o movidas por hilos. También las hay de cristal, de porcelana, hechas con papel maché o talladas en maderas nobles. Algunas proceden de la tradición europea, mientras que otras muchas han viajado desde África o Asia, donde Peña llegó en algunas de sus rutas en busca de nuevas músicas y nuevos teatros. En la exposición permanente del museo se pueden contemplar también piezas de más de 20 países.
Con su inauguración, el museo se ha convertido en un nuevo aliciente para el Festival del Títere. La exposición cuenta, además de con las figuras de Ismael Peña, con un gran volumen de documentación relacionada con esta tradición que también era propiedad del coleccionista, y con complementos para las funciones.
La instalación, que viene a confirmar la relación entre la ciudad y el teatro de títeres, ha supuesto alcanzar “una de las principales ilusiones del área de Cultura”, según Castillo. La apertura de la muestra permanente de títeres del mundo será sólo la primera fase del museo, que tiene previsto acoger pronto, en su primera planta, a los personajes de La Tía Norica, mítico origen de la relación entre la ciudad y el teatro de títeres.
Los guiñoles gaditanos convivirán con ejemplares tan valiosos como un grupo de marionetas austriacas de mediados del siglo XIX. Su trabajo de tallado en madera y sus articulaciones las hacen especiales para su hasta ahora propietario que, sin embargo, se resiste a decantarse por ninguno de estos muñecos como ejemplar favorito. Porque los títeres no tienen alma; pero Ismael Peña, sí.


Fuente: Rosana Torres (elpais.com)
La Zaranda (premio Nacional de Teatro 2010) es un grupo mítico en Latinoamérica y una formación de culto, ritual y poética para las gentes de la escena europea. Su trayectoria e historia no hubieran sido las mismas sin Juan de la Zaranda, seudónimo que siempre utilizó Juan Sánchez desde que fundara este grupo en 1978 con los que siempre llamó sus hermanos, alguno incluso de sangre: Paco de la Zaranda, Eusebio Calonge, Gaspar Campuzano y Enrique Bustos.
Todos ellos también eligieron como nombre Teatro Inestable de Andalucía La Baja, dejando claro de esa manera su nomadismo y su precariedad, y todos ellos velaron ayer el cuerpo de Juan en el tanatorio de Jerez de la Frontera (Cádiz). Ciudad en la que todos nacieron y crecieron, en la que Juan nació en 1954 en la calle Juan Sánchez, en la que falleció el martes a las cuatro y media de la madrugada (hora a la que tantas veces se retiraba) y en la que será incinerado hoy a las once de la mañana. Preguntado su hermano Paco sobre la causa de la muerte, contestaba con apenas un hilo de voz, al más puro estilo zarandiano: “¿La causa de la muerte? Pues la vida. Estaba mal”.
En una pequeña autobiografía de Juan escrita con su seudónimo de escribidor, el dramaturgo afirmaba: “Grito claramente la esencialidad de mi obra con el Teatro de la Zaranda, con los que escribo: Los tinglaos de María Castaña (1982), Ojú, ojú, ojú (1983), Mariameneo, Mariameneo (1985) y Vinagre de Jerez, subtitulada Estudio dramático para una seguiriya (1987)”. Con esta última obra, La Zaranda hizo gira por medio mundo consiguiendo, más que espectadores fieles, auténticos feligreses de un culto escénico que nadie pudo ni supo imitar sobre un escenario y cuyo relevo tomó con pulso firme Eusebio Calonge, autor de La Zaranda y un trasunto contemporáneo de Valle-Inclán (con el que guarda un asombroso parecido físico… y mental), investido con el aliento poético de Juan Sánchez desde que el dramaturgo fallecido ayer iniciara su silenciosa retirada. Poco antes de emprenderla, escribió: “No sé lo que busco. ¿Una verónica de Rafael de Paula, un verso de Antonio Machado, un cante por bajito del Monea? Los nombro con prudencia, me desdigo, me repito, avanzo y retrocedo. Tal vez el intento de devolver al teatro ese eco de seguiriya que la historia me prestó”.
Desde esos primeros cuatro espectáculos marcados, ya para siempre y hasta ahora, por la poética de Sánchez, el sello de los zarandos, como les llaman en la profesión teatral, es convertir su teatro en un rito, no en una forma de hablar sino de actuar: “El origen del teatro es anterior a la escritura y el hablar se convierte en una acción, y esta acción no es propia sino revelada (...) porque en el teatro, como en la vida, nuestras obsesiones fundamentales: el amor, la muerte... van más allá de lo cotidiano, ocupan también nuestros sueños”.
Para un grupo como La Zaranda, el texto es una semilla que el autor deja caer en los personajes, y la mayoría de las veces, “los actores destrozamos esa semilla, tiene que morir para que salga algo vivo entre nosotros; los personajes que crea la compañía, que han creado Juan y Eusebio, habitan en la conciencia del espectador y el actor busca un recuerdo imborrable en la memoria del público. Si conseguimos eso significará que el misterio oculto en la obra habrá aflorado”, afirmaba no hace mucho Paco de la Zaranda refiriéndose al teatro escrito para ellos por Calonge y el dramaturgo ahora desaparecido, que siempre buscaba con su escritura descubrir lo más íntimo y silencioso que habita en la soledad del ser humano y para ello siempre renunció a la chabacanería, a lo fácil, al pelotazo, a la cacharrería intelectual y al andalucismo barato. Quien ha visto alguna vez en un escenario a La Zaranda sabe que lo que este grupo ofrece es algo más que teatro y que su poética, sus mundos apocalípticos, su estética y su ética de perdedores y, sobre todo, su ritual mirada lúcida, cruenta, tierna y existencialista tiene su origen claro y diáfano en la escritura dramática de Juan Sánchez, amigo íntimo de artistas flamencos como Ana y Manuel Parrilla, Diego Rubichi y Manuel Morao (y su compañía de Gitanos de Jerez), con quienes trabajó y para la que creó el espectáculo Tierra cantaora. Otros de sus trabajos fueron La vida es así y solo Dios, que la ha hecho, sabrá el porqué y en 1992 Antígona Monge, un estudio flamenco sobre la obra de Sófocles, Sur-Hondo (cuatro estaciones para el baile) o Pregón Mascandé.


Fuente: Antonio Jesús Mora Caballero (elpais.com)
El consejero de Cultura, Luciano Alonso, aseguró la semana pasada que el Centro Andaluz de Teatro (CAT) está “en fase de redefinición”, después de que la Unión de Actores e Intérpretes de Andalucía mostrase su “preocupación” por el futuro de esta institución. Pero las palabras de Alonso parecen no haber tranquilizado al sector. Así, la Asociación de Empresas de Artes Escénicas de Andalucía (Acta) ha pedido a Cultura que la adaptación del CAT sea coherente con la “difícil” situación que atraviesa la profesión.
“El Centro Andaluz de Teatro, ahora más que nunca, debería significar un refuerzo para las compañías. Consideramos que entre sus prioridades deberían figurar el mirar y trabajar desde y para el sector”, asegura el presidente del colectivo Ángel López. “El CAT es el buque insignia de las artes escénicas andaluzas”, agrega.
Entre las medidas a tener en cuenta, López señala la necesidad de que la Junta refuerce el capítulo de las coproducciones y que sea el CAT el que abrace a las compañías andaluzas. “Ir de su mano nos abriría muchas puertas”, asegura el presidente, quien defiende que, a la hora de diseñar la programación, los grupos son actores y “no piezas de puzle”. “Debemos tener un papel más activo. Nosotros deberíamos organizar la giras, presentar las propuestas a la Junta y que esta aporte cuanto pueda”, asegura López.
En esta “redefinición” de la iniciativa, Acta pide la continuidad del PremioMiguel Romero Esteo, un galardón dirigido a jóvenes dramaturgos andaluces, cuyos textos son posteriormente puestos en escena. “Era una plataforma ideal para visibilizar a los nuevos creadores”, apunta López, quien reconoce que el sector se encuentra “asfixiado” por los recortes y la subida del IVA. “Estamos viviendo no solo una fuerte destrucción de empresas sino también de empleo”, añade.
En respuesta a la suspensión del circuito andaluz a mitad del año pasado y con contratos firmados, López ha anunciado que el colectivo prepara crear una programación propia que les dé estabilidad. “Sabemos que la situación actual es muy complicada. Lo único que pedimos es que se tomen medidas, y que se tomen a tiempo”, concluye.

Fuente: Antonio Jesús Mora Caballero (elpais.com)

Corren los años cuarenta. En los aledaños de la Gran Vía madrileña, el espacio de variedades arrevistadas El balcón de España y Portugal abre sus puertas como cada noche. Sobre el escenario, un grupo de seis mujeres sobrevive en el mundo del cabaret. Es momento de olvidar los horrores y el dolor de la guerra, aunque solo sea de cara a la galería. Qué comience el espectáculo. Desde este jueves y hasta el domingo, el Teatro Lope de Vega de Sevilla viajará entre cuplés y coplas hasta el siglo pasado en la obra Orquesta de señoritas, dirigida y producida por Juan Carlos Pérez de la Fuente.

Al frente de esta orquesta, que se basa en la historia del dramaturgo francés Jean Anouilh, están actores como Juan Ribó, Víctor Ullate Roche o Juan Carlos Naya. “Qué más da hombres o mujeres, todos sentimos igual”, apunta el director. “Lo importante es lo que narra, no si el personaje tiene barba o pelo en el pecho”, apunta Naya. Este cambio de sexo en los personajes ya se llevó a escena en la adaptación que la compañía porteña Los Comediantes de San Telmo estrenó en Madrid en los años setenta. “El reto era conseguir que no parecieran disfrazados, que no incitara a la risa, que fueran personajes con dignidad”, apunta Pérez de la Fuente. “Queríamos acentuar el patetismo que rodea la vida de estas mujeres, ver cómo a lo largo del espectáculo el maquillaje se va cayendo y deja al descubierto sus vivencias personales”, agrega.
Entre canción y canción, entre ellas Suspiros de España o Quiéreme mucho, sus protagonistas cuentan sus amores, sus ilusiones y también sus decepciones. La música no solo es el hilo conductor del espectáculo sino también de sus vidas. “Hay muchos momentos cómicos en la obra, pero la historia encierra mucho dolor”, señala el director, quien apunta que estas mujeres son una “lección de coraje”. “Son artistas que ya tienen sus años y que ya no pueden reiniciar su vida. Solo les queda afrontarla como les viene”, afirma Naya.
Además de ser, según Pérez de la Fuente, un montaje con escenografía ecológica —se han utilizado 25.000 botellas de plástico para diseñar el decorado—, esta tragicomedia rinde homenaje a Álvaro Retana, considerado el mejor escritor de novelas eróticas de su época y autor de las letras de celebrados tonadillas o cuplés. “El vestuario, de Alejandro Andújar, está realizado a partir de los figurines de Retana que hay en el Museo Nacional del Teatro”, apunta el director, quien prepara un nuevo trabajo cuyos personajes serán políticos españoles. "Y hasta aquí puedo leer", bromea.
A diferencia del espectáculo de los años setenta, en la obra de Pérez de la Fuente no hay lugar para el playback. “Era una de mis grandes apuestas”, apunta el director. Así, serán los propios actores los que con onomatopeyas de instrumentos den ritmo a este “gran reconocimiento” al género frívolo. “Para mí, este proyecto ha sido liberador, un verdadero reto después de hacer durante tanto años teatro clásico”, concluye Naya.


Fuente: EP vía elpais.com
La Unión de Actores e Intérpretes de Andalucía ha presentado una carta en la sede de la Consejería de Cultura y Deporte de la Junta en la que solicita una cita con el consejero, Luciano Alonso, para que le informe sobre los proyectos que tiene para este sector y le aclare qué está pasando con el Centro Andaluz de Teatro (CAT). “Nos preocupa que se esté queriendo dejar morir el CAT”, se detalla en el escrito.
La Unión de Actores e Intérpretes, con una antigüedad de 25 años y entre sus afiliados hay actores y actrices de todas las provincias andaluzas, afirma en la carta que en estos momentos “son muchas las inquietudes” de sus afiliados y que la “única información” que tiene sobre este centro es la que aparece en su web oficial. “Hace más de un año que no se actualiza y en ella figura aún como director Francisco Ortuño. Hemos podido comprobar que hace más de seis meses que ya no está en el cargo y que no se ha nombrado a nadie para ocupar dicho cargo”, según el escrito, firmado por el secretario general del colectivo, José Carlos Carmona.
Asimismo, los actores andaluces piden a Alonso que les informe sobre los proyectos que Cultura tiene para el teatro andaluz y que les tenga en cuenta para cualquier tipo de reunión relacionada con el sector. En este sentido, el grupo critica que le consta que recientemente se realizó una reunión con el sector de las artes escénicas a la que no fueron invitados.
La citada reunión es la que el consejero mantuvo el pasado 28 de enero con la Asociación de Artes Escénicas de Andalucía (ACTA); la Asociación de Gestores Cultura de Andalucía (GECA); Escenarios de Sevilla; el sector del circo; y la Asociación de Profesionales y Compañías para el Desarrollo de la Danza en Andalucía (PAD) para explicarles las líneas estratégicas de la nueva acción cultural presentada por la Junta.


Fuente: OTR/PRESS via abc.es
El Teatro de la Maestranza de Sevilla acoge este martes y los días 7 y 9 de febrero un programa doble de ópera. Por un lado, Sárka --estreno absoluto en España-, del checo Leos Janacek (1854-1928), es una ópera heroica en tres actos compuesta en 1887, mientras que Cavalleria rusticana, de Pietro Mascagni (1863-1945), es un drama verista en un acto estrenado en 1890 que alude al trágico "código de honor" de los italianos meridionales.
Ambas producciones del Teatro La Fenice de Venecia cuentan con dirección musical de Santiago Serrate, dirección de escena a cargo de Ermanno Olmi y reposición de puesta en escena por Barbara Pessina.
Con la participación de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS) y el Coro de la Asociación de Amigos del Teatro de la Maestranza, con Iñigo Sampil al frente, Serrate destacó durante la presentación de ambas óperas, la calidad del reparto vocal, así como el trabajo llevado a cabo por el Coro al cantar en checo.
Asimismo, explicó que Sárka fue la primera ópera de Janacek, «quien siempre sintió gran cariño por ella y que no pudo estrenar hasta cumplidos los 70 años»; mientras que de Cavalleria Rusticana dijo que «es el amor puro y los celos», aunque «el amor en sus distintas pasiones une una ópera y la otra», apostilló.
Por su parte, Pessina señaló que las escenografías de ambas óperas «son estéticamente diversas» y que se ha trabajado sobre esta diversidad, para «hacer notar la diferencia entre las dos». Así, en Sárka la historia se desarrolla en el bosque y la escenografía «es en negro» porque «da la sensación de estar bajo tierra».
Sin embargo, en Cavalleria Rusticana «está el sol de Sicilia, la luz, y una escenografía no muy imponente, en la que se trabaja sobre la simplicidad del vestuario de la gente trabajadora». No obstante, añadió, «el hilo de unión de ambas es el amor y son dos historias que tienen que ver con las reglas de honor».
Producción tradicional
Los tenores Roman Sadnik y José Manuel Montero, como Ctirad y Lumír, respectivamente; el barítono Mark S. Doss, en el papel de Premyls, y la soprano Christina Carvin componen el reparto de Sárka --de unos 65 minutos de duración--, una producción a la que Carvin, que interpreta el papel principal, «agradeció que esté hecha de forma tradicional».
Además, reconoció que «no es fácil hablar de un rol que no se ha hecho a menudo» porque la gente «no tiene referencias», de modo que el reto para ella «es hacer que la gente lo comprenda». Por su parte, Sadnik manifestó que le ha sorprendido la música de Janacek «por su belleza» y agradeció la ayuda prestada por Serrate, ya que el compositor checo «es muy complicado, muy rítmico y necesita de mucha concentración», señaló.
Por su parte, Mark S. Doss, único artista que participa en ambas óperas, se mostró «encantado» de estar en Sevilla, donde «tantas óperas han sucedido», toda vez que aseguró que aunque ha hecho pequeñas intervenciones en otras obras en Madrid y Barcelona, en España «es lo más importante» que ha realizado hasta el momento.
En Cavalleria Rusticana participan, además, la mezzosoprano Dolora Zajick --que interpreta a Santuzza, mujer de Turiddu--; el tenor José Ferrero -como Turiddu-; Alexandra Rivas -Lola, mujer de Alfio- y Viorica Cortez como Mamma Lucia.

Fuente: Roger Salas (elpais.com)
Jan Fabre (Amberes, 1958) está igual que el 30 de enero de 2005. La misma voz, el mismo pelo, los mismos gestos, el mismo verbo afilado. En aquella ocasión presentaba en la madrileña galería Espacio Mínimo sus dibujos hechos con su propia sangre y sus provocativas instalaciones. Esta vez está en Sevilla, donde hoy, en función única en el Teatro Central y dentro de un ciclo centrado en las artes escénicas flamencas, podrá verse su obra Esto es teatro como era de esperar y prever. A veces el título se puede encontrar en inglés, francés o alemán. Es un producto rompedor y memorable que se estrenó el 16 de octubre de 1982 en Amberes; luego, en octubre de 1983, fue al Festival de Otoño parisiense y de ahí, a marcar pauta y recibir mandobles a la vez que flores. La pieza dura ocho horas. El público entra y sale a placer. En todos estos años, no ha cambiado ni un gesto. Lo que para algunos fue desmesura para otros resultó un hallazgo estético.
Ayer en Sevilla había un cálido sol de invierno que a los belgas les debe de haber parecido caribeño. Los ocho artistas hacían su clase de estiramientos al aire libre sobre esteras mientras Fabre contestaba a las preguntas de este diario. Ninguno de los que hacen hoy la pieza estuvo en la distribución original: “¡Imposible! Ahora tienen 30 años más. Pero estoy preparando una obra de 24 horas de duración”, explica. “Usted no escarmienta”, le interrumpo. “No, la verdad es que no”, sigue el creador belga, “y en esa obra van a participar performers que han trabajado conmigo antes, y ahora están en los segmentos de edad 50-60 o 30-40. Es como si el fantasma de Pina Bausch se mantuviera cerca: sí, de hecho, esta vez la menciono dos veces”.
El proyecto de 24 horas tiene entusiasmado a este artista polifacético en sus esencias (pintura, literatura teatral, ensayos, teoría del teatro, teatro de la danza, ballet): “He hecho audiciones a más de 800 artistas por muchos sitios del mundo; seleccioné a 40 y me los llevé a Amberes por un período, un curso. Después de ese taller intensivo de varios meses me quedé con 15 personas”.
La obra que se verá hoy en Sevilla es la misma de 1982: “Sí, exacta”, responde con la convicción de una regla coreográfica: “Se respeta tal como a la coreografía académica de ballet, por ejemplo. Es la lectura esencial y ahí está el estilo”. Pero los artistas de hoy son diferentes: “Obviamente. Por ejemplo, en origen Wim Vandekeybus tardó dos meses en la creación del tango; el bailarín actual sólo una semana en aprenderlo. Está claro que los artistas ahora están mejor preparados para asimilar algo así, pues los movimientos y la música son los mismos”, argumenta Fabre. Se trata de un crisol profesional: “Desde hace 30 años en mi compañía han convivido actores y bailarines en una especie de contaminación cruzada, y por esa razón se crea esta especie nueva de performer mixto; a los actores les enseño a moverse, y a los bailarines a hablar. También les transmito una preocupación por la iconografía del cuerpo humano a lo largo de la historia del arte”.
La abundante obra escrita de Fabre es prácticamente desconocida en España mientras en otros sitios tiene ya categoría de libro de texto: “En España nada, pero en español sí. En Latinoamérica sí se me ha editado bastante”. Es alguien que por fin es profeta en su tierra: “En Amberes se ha desarrollado un sistema de publicación de mi experiencia, se trata de preparar al actor-bailarín-artista del siglo XXI, de lo que yo pienso que debe ser ese performer. No hago distinciones genéricas entre actores y bailarines. Todavía se trabaja sobre categorizaciones del siglo XIX, pero hoy no es así. Todas las personas que inciden en la representación se unifican. La formación en danza contemporánea o ballet clásico es limitada, pero debe en realidad abrirse”. Es una manera de mirar el futuro, algo sombrío, de las artes escénicas de hoy: “En tres años de formación preparamos a ese performer del siglo XXI. Ya no existen maestros como Grotowski o Peter Brook, que fueron los últimos formadores. Y eso hay que hacerlo. Es un asunto que sigue siendo difícil de responder. Cuando yo empecé, ellos eran los viejos. Ahora ya no están y ahora el viejo soy yo. De todas formas están pasando cosas interesantes y hay una generación joven con mucho carácter”.
En Esto es teatro como era de esperar y prever los artistas repiten escenas, hay silencios, filmes caseros, llueve yogur y arena. El público tiene libertad, pero regresa: “¡Eso espero, que vuelvan a sus butacas! Que se queden. La intensidad es fundamental y esto está en mi forma de entrenamiento. Hay una sistemática en ello”. Nadie duda de la vigencia de esta pieza larga como una jornada laboral: “Vivimos en un mundo en el que los artistas se adaptan, se pliegan a lo que quieren los curadores o los organizadores. Nunca lo he hecho. Respondo a mis propias necesidades”, dice. ¿Soñaba en 1982 con esta trascendencia? “En absoluto. Durante los últimos 10 o 15 años teatros y festivales me han propuesto retomar esa obra y yo me negaba porque tenía miedo que el mito fuera mejor que ver la realidad. Pero la verdad es que ahora es mejor de lo que me esperaba”.
Fuente: Antonio Jesús Mora Caballero (elpais.com)

No es la primera vez que se sube a los escenarios bajo las órdenes de la directora británica Tamzin Towsend, ya lo hizo hace unos años con Un Dios salvaje. La actriz Aitana Sánchez-Gijón (Roma, 1968) visita el Teatro Lope de Vega de Sevilla con Babel, un thriller emocional que narra la historia de dos matrimonios que se son infieles y que arranca con una misteriosa desaparición.Sánchez-Gijón, que comparte obra con Francesc Albiol, Jorge Bosch y Pilar Castro, ya prepara para primavera su próximo estreno teatral, La Chunga, un texto de Vargas Llosa, y su regreso a televisión con una nueva serie, Galerías VélvetBabel estará en cartel desde este jueves hasta el próximo domingo.
El título de la obra es una clara crítica a la falta de comunicación entre los seres humanos…
La obra plantea muchas cosas, pero una de ellas es esa. Como, a veces, parece que hablamos idiomas diferentes, como no llegamos a entendernos con las personas más cercanas y, sin embargo, tenemos una facilidad de comunicarnos con desconocidos, con alguien que conocemos una noche en un bar. Además, la obra resalta esa mala costumbre de hacer juicios de valor sin conocer todos los puntos de vista de la historia y como, casi siempre, nos induce al error.
¿Incluso con la pareja?
(risas) Incluso con nuestra pareja. Esta trama de infidelidades cruzadas también muestra ese sentimiento de insatisfacción permanente del ser humano.
Towsend describe la obra como la historia de unas personas que se encuentran en crisis buscando rencontrarse con lo que se fue y añorando lo que nunca se llegó a vivir. ¿Qué añora Aitana Sánchez-Gijón?
Ahora mismo me encuentro en una etapa de vida nada nostálgica, me siento muy satisfecha con mi vida. No siento que me haya perdido nada.
En la obra hace doblete, ¿cómo es la experiencia?
Ya en el espectáculo anterior, ‘Santo’, interpretaba a tres personajes en tres obras distintas, cada una de media hora. Supone un reto, un estímulo.
El hecho de que cuatro actores interpreten nueve papeles ¿es una señal de la crisis que atraviesa el sector?
No, no, Andrew Bovell ya la escribió así hace más de 14 años. Quiere expresar que, en el fondo, todos somos varias personas.
¿Se encamina el sector al dicho de trabajar por amor al arte?
Vivimos en una situación muy precaria. Se trabaja el triple por la mitad de la mitad que cobrabas antes. A penas se hacen película, la televisión tampoco pasa por su mejor momento y en teatro cada vez es más difícil salir de gira. La subida del IVA ha sido un duro golpe. Trabajar en este sector se está convirtiendo en una proeza.
¿Tanto se nota la subida?
Es brutal. Según compañeros del sector, desde septiembre, el número de espectadores ha caído un 30% y no solo eso, también ha bajado el poder adquisitivo de los ciudadanos. Si unimos esos dos factores… la bomba explota. Está influyendo mucho. Pero a ver en qué queda este afán recaudatorio porque, como dicen unos colegas, el 21% de cero es cero. Si cae el número de espectadores también cae la recaudación. El sector está herido de muerte.
¿Qué medidas debería tomar el Gobierno?
Debería dar un impulso a la ley de Mecenazgo, que está en el limbo, ni para adelante ni para atrás; debería bajar el IVA y dejarlo en lo que se esperaba, en el 10%; y, por supuesto, parar esta oleada privatizadora, no solo en la cultura sino también en la educación, sanidad…
Y ahora vuelve a televisión con una serie…
Además de otras propuestas teatrales muy interesantes, este proyecto me supone una tranquilidad profesional, y más viendo cómo está el panorama. Es una obra de calidad, un personaje importante,... Es un gran estímulo.


Fuente: elpais.com
Il barbiere di Siviglia, la ópera bufa de Rossini, se convierte en un superbarbero en la versión de la compañía Tricicle para el público infantil, en una producción del Teatro del Liceo, de Barcelona. El superbarbero de Sevilla se representará en el Teatro Arriaga, en Bilbao, los días 2 (19 horas)  y 3 de febrero (12 y 19 horas) dentro del ciclo ABAO Txiki, que la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera (ABAO) organiza para acercar la lírica a los más jóvenes. 
Tricicle recorta el libreto original para dejar El superbarbero de Sevillareducida a 75 minutos de duración, aunque mantiene el hilo argumental de los enredos entre Fígaro, Rosina, el conde de Almaviva y Bartolo. Música, escenografía y vestuario están adaptados para que el espectáculo se adecúe a espectadores mayores de cinco años.
La obra será interpretada en por los cantantes Xavier Mendoza (Figaro), Elena Roche (Rosina), Vincenç Esteve (conde de Almaviva), Xavi Fernández (doctor Bartolo) y Joan Sebastià Colomer (don Basilio), acompañados por los músicos Olga Kharitonina (piano), Jaume Cortadellas (flauta) y Jordi Soler (contrabajo).
El superbarbero de Sevilla es el tercer título de ABAO txiki esta temporada. La siguiente obra del ciclo será La princesa árabe, con múscia de Juan Crisóstomo de Arriaga. 


Fuente: elpais.com
Once funciones de la mano de cinco compañías. Estas son las cifras que ilustran la recta final del Festival Internacional de Artes Escénicas de Sevilla, que el próximo martes cerrará su séptima edición con la entrega de los Premios Escenarios de Sevilla 2012. Entre las compañías que visitan la capital, se encuentran el grupo malagueño El Espejo Negro, los canarios 2RC Teatro y los granadinos Laví e Bel.
En Sala Cero Teatro, El Espejo Negro mostrará su maestría en el teatro de marionetas con la adaptación de La venganza de Don Mendo (del viernes al domingo); los madrileños La Casa en el Árbol estudiarán en La Fundición la relación entre público y actores con Manual básico de cine experimental (viernes y sábado); en el Teatro Duque-La Imperdible, serán los granadinos Laví e Bel los que se suban al escenario con su irreverente cabaret (viernes y sábado); y 2RC Teatro, en el Centro TNT, representará la adaptación de Abre el ojo (viernes y sábado). El cartel lo completa el escritor hispalense Antonio Rodríguez Almodóvar quien, junto a su hija Sara, reivindicará en La Fundición la tradición de los cuentos (sábado y domingo).
Los primeros datos de asistencia corroboran que la "arriesgada" apuesta de feSt para esta edición ha sido respaldada, según un comunicado de la organizadora. Tras el éxito en diciembre, en estas dos semanas de enero, el festival ha vuelto a colgar el cartel de No hay billetes en obras como el 666, de Yllana; o Ultrashow, de Miguel Noguera. Representaciones como Coma, de Patrice Chéreau, también han cosechado buenos resultados.
“Otro dato esperanzador es la buena acogida recibida por las propuestas pensadas para el público familiar e infantil que, de media, han superado el 70% de ocupación. En el caso concreto de Los viajes de Maya y Gallardo, de Kubik Fabrik, se programó una función extra debido a la demanda”, apuntan en el comunicado.