Font: Belén Ginart (ara.cat)
De què va Copi i Ocaña, al Purgatori?
És un combat entre dues reines de la màscara, el fregolisme i l’excés. Copi [dibuixant, dramaturg i actor francoargentí] i Ocaña [artista contracultural andalús arrelat a Barcelona] van morir als anys 80, amb quatre anys de diferència. Copi va morir de sida i Ocaña per un accident provocat per ell mateix quan una bengala va incendiar la disfressa de rei sol que portava.
I es troben després de la seva mort.
Sí, fem veure que acaben de morir i coincideixen en un espai tancat on s’expliquen la vida l’un a l’altre. Es vanten del que han fet, s’ensenyen les plomes i ens donen una lliçó de vida des de la mort.
Quina és l’estructura de l’espectacle?
L’obra està construïda principalment a base de monòlegs, es fan de mirall, es reconeixen, perquè van haver de superar murs similars. Cadascun dels personatges té els seus moments de vedet.
L’obra es va estrenar fa 10 anys; per què la repreneu ara?
És una de les obres que més m’estimo, entre altres coses perquè és un dels primers textos que vaig escriure. Va funcionar molt bé i al cap i a la fi el teatre està fet per poder-lo reviure tantes vegades com sigui possible.
L’obra va néixer d’una proposta del director artístic del Tantarantana, Julio Álvarez, que la va dirigir. ¿Ara que la dirigeixes tu serà molt diferent?
Hem tocat molt poques coses del text, però hem fet una nova proposta de joc. He plantejat un muntatge a quatre bandes, un ring sense portes amb els personatges tancats a dins. La intenció és que tingui un punt més lúdic. Li estem donant una nova vida.
En quin sentit?
Mentre l’hem anat treballant, han sortit nous colors. I el concepte de vestuari també és completament diferent, amb més plomes i tonalitats més vives, propi de l’època dels 80.
Els dos actors centrals repeteixen.
Sí, el Víctor Álvaro i l’Oriol Guinart, que en el seu moment van viure una mena de possessió infernal, es van imbuir totalment dels personatges. Però ells no són els mateixos que eren aleshores, i això fa que l’obra també canviï. A més hem incorporat el Jaume Madaula en el personatge de Pier Paolo Pasolini, una mena de mestre de cerimònies.
Com és la mirada als personatges?
Malgrat l’element canallesc, és molt tendra.
I quina relació s’estableix entre ells?
Té molt de National Geographic. Primer estan recelosos l’un de l’altre i després comença l’efecte mirall. No hi ha un final romàntic, però entre ells brota la guspira de la complicitat.
Quin tipus de director ets?
He treballat molt al costat de Calixto Bieito, i ell pren decisions molt ràpides i completa els muntatges en quatre setmanes. No m’agrada fer ballar el cap.
Dónes molta llibertat als actors?
Només obro la boca quan no compro les seves propostes. Al costat de Bieito he vist que dirigeix els seus espectacles sense gaires paraules, la seva presència provoca coses màgicament. Jo també sóc de deixar fer i anar tallant focs.
Com vius la dualitat autor-director?
Quan això passa saps perfectament d’on ha sortit cada frase, el perquè de cada escena i cada personatge. En alguns casos, el fet de conèixer íntimament un text ajuda molt a l’hora de muntar-lo. Però també m’agrada que els meus textos els muntin altres directors, perquè així em donen punts de vista diferents.
Com han canviat els temps per als autors catalans des de fa 10 anys?
Sóc d’una generació de dramaturgs que llavors començava a treure el cap, i des d’aleshores hi ha hagut un creixement exponencial d’autors. Després de la meva han vingut dues generacions més amb molt talent, i s’escriu molt bé. Però tot aquest talent corre el risc de quedar-se orfe perquè es troba amb un desert.
Ho vius amb molt pessimisme?
Bé, queda clar que no ens aturaran, però la situació actual no està a l’altura del talent dels joves dramaturgs. És una llàstima que el món no estigui a l’altura del talent i la creativitat que hi ha avui.
Com veus el futur?
No deixarem de fer teatre perquè portem el verí a dins, s’ha produït un creixement exponencial de companyies, però la situació és insultant i es treballa en condicions suïcides. Qui hauria d’estar responent no ho fa. 
‘Copi i Ocaña, al Purgatori’, de Marc Rosich Director: Marc Rosich. Amb Oriol Guinart, Víctor Álvaro i Jaume Madaula. Almeria Teatre (Sant Lluís 64, Barcelona). A partir del 20 de febrer
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Fuente: Winston Manrique Sabogal (elpais.com)
La cultura en España va por la orilla del nuevo tiempo digital por el que transcurre el mundo contemporáneo. El consumo de bienes culturales ha bajado un 27,7% en seis años, y el acceso a Internet ha retrocedido y asoma al país en el concepto de “empobrecimiento digital”. Un 4,5 es la nota media que dan los expertos y los gestores a las políticas públicas y privadas del sector, según el II Informe sobre el Estado de la Cultura en España: la salida digital, de la Fundación Alternativas (FA), que presentará este jueves. En tres años, la situación cultural del país, en cuanto a gestión, ha pasado de estar en la encrucijada a “las peores perspectivas imaginables”, si no se toman medidas pronto, dice Nicolás Sartorius, vicepresidente ejecutivo de FA, quien habla de “desastre” cuando se refiere a las políticas de apoyo a la cultura.
Aunque el valor de la cultura no se puede cuantificar, el impacto de sus políticas sí tiene números, según este informe, de 2008 a 2013-14. Se trata del periodo de la crisis, “pero no todo lo malo se puede atribuir a ella. También hay una cierta resistencia y falta de ingenio para asumir la transición al nuevo paradigma”, reflexiona Sartorius.
Los números hablan: mientras el sector representa entre el 3,5% y el 4% del Producto Interior Bruto (PIB), el consumo ha pasado de 17.000 millones de euros en 2008 a 12.000 millones en 2013, es decir, 5.000 millones de euros menos (ver cifras completas en el recuadro).

Descensos y retrocesos

- El sector representa entre el 3,5% y el 4% del Producto Interior Bruto (PIB).
- El consumo de bienes culturales ha descendido un 27,7%, en seis años. Ha pasado de 17.000 millones de euros en 2008 a 12.000 millones en 2013, es decir, 5.000 millones de euros menos.
- Cada español gasta, cada año, 107 euros menos de media, al haber pasado de 372 euros s 265, en 2014, es decir un 24% de caída.
- Por manifestaciones artísticas, el mayor descenso en la recaudación es para la industria fonográfica (un 56,2%), videojuego (47%)del libro (40%), las artes escénicas (24%) y el cine (20%).
- El número de empresas del sector ha disminuido de 112.643, en 2008, a 108.546, en 2013.
- El acceso a Internet es del 56% frente al 65% de la Unión Europea.
- En 2014, el acceso de los hogares a la Red ha retrocedido un 2%.
- El consumo de cultura gratuita ha subido: más de un 7,5% en televisión y del 6,7% en la radio.
- El acceso a la Red se hace en un 85% a través del móvil y un 73% por ordenador.

Este llamada de atención de la Fundación Alternativas surge del estudio realizado por su Observatorio de Comunicación y Cultura (OCC). Allí, 17 investigadores y analistas han examinado el estado de la cultura en sus ámbitos más relevantes a partir de datos actualizados de anuarios e informes institucionales y privados de referencia que van desde los diferentes Eurobarómetros, pasando por informes privados como los de la Fundación Telefónica, hasta los informes sectoriales de la SGAE o la Federación de Gremios de Editores de España. Además, incluye una encuesta propia con un centenar de expertos y agentes culturales (creadores, gestores, investigadores y críticos). Son ellos los que, por ejemplo, han dado la calificación de 4,5 de nota media a las políticas culturales en España.
No hay solución para la cultura si no hay un plan integral público y privado que involucre a la educación, a la enseñanza de la apreciación de la creación artística, coinciden las personas consultadas por EL PAÍS.
El retraso en acceso a Internet y lectura, con respecto a la Unión Europea, que es de unos diez puntos, lo que denota, según Sartorius, es que el país sigue con políticas culturales que no potencian todo lo que podrían promover. España, asegura, “siempre ha estado más atrasada; esa es nuestra historia, desde el analfabetismo a todo tipo de cultura. Y poco favor ha hecho el tener desde el año 2012 el IVA cultural más alto de los países del entorno”.
Pero, o son ciegos, o no quieren ver, o no entienden que el futuro pasa por el mundo digital. De ahí la resistencia o ralentización de las instituciones públicas, privadas y del propio sector para asumir los cambios en el nuevo mundo.
“Este nuevo paradigma plantea usos culturales y de consumo radicalmente distintos”, recuerda Lluís Pastor, presidente de la Unión de Editoriales Universitarias Españolas (UNE). Desde la experiencia de tratar con los estudiantes y la reflexión y la creación que se produce en las universidades con la gente que va a dirigir los destinos del país, Pastor no duda en asegurar que “lo más importante que va a pasar en la industria cultural en los próximos años, desde ya, va a producirse en su vertiente digital”. Sin dejar de reivindicar lo conocido, pero sobre todo, agrega, sin aferrarse a ultranza al mundo que se está yendo, hay que desprenderse del miedo y del conservadurismo y no temer a lo nuevo y, por el contrario, adaptarse y sacar lo mejor de él.
Las políticas culturales en España nunca han estado a la altura de sus creadores ni de sus amantes o aficionados, se lamenta Milagros del Corral, asesora de organismos internacionales. Pero también, añade, le cabe un grado de responsabilidad y de autocrítica al sector privado. Y lanza varias preguntas: “¿Qué han hecho ellos, de verdad, para promover e incentivar al público? ¿Han creado verdadero público para cada una de sus artes? ¿Cómo se están adaptando al nuevo tiempo?”. Hay muchas herramientas sofisticadas, reconoce Del Corral, pero vacías de contenidos y poco acordes al mundo digital, mientras la gente les da un uso mínimo y fácil.

No todo son números

La cultura y su creación y sus políticas no se pueden circunscribir a las cifras, asegura Darío Villanueva, director de la Real Academia Española. Reconoce que los números son un reflejo de lo que se haga por la difusión, pero reivindica “su manto freático, su humus, lo que forma al ciudadano. Por eso, también, es más importante la cultura de base que un gran palacio de la ópera, por ejemplo”.
En la misma línea se expresa Milagros del Corral. La consultora de la ONU se lamenta del cambio de concepto y trato para referirse a los amantes o aficionados a la cultura y las artes, a los que ahora se les llama usuarios. “Parece una tontería, pero no lo es”, afirma. El lenguaje define y en España y Europa el concepto de Cultura, agrega, tiene más que un componente economicista y no se puede cuantificar. Desde la Unesco, asegura, “se ha defendido que la cultura es algo excepcional y no hay que caer en el mercado. No es solo ocio y entretenimiento. Hay que reafirmar que la cultura y la creación son un referente primordial en la formación del ser humano”.
Aunque Villanueva y Del Corral reconocen que se tienen que mejorar las formas de incentivación y divulgación.

En la escuela, explica Miguel Barrero, Director de I+D+I de Santillana, "lo digital ha superado una fase inicial de presión por la innovación a una fase donde se empieza a entender la tecnología en cuanto medio para mejorar los procesos de enseñanza y aprendizaje. Una vez que dispositivos, plataformas y recursos digitales han hecho su acercamiento, se trata de buscar su espacio en relación a oportunidad y pertinencia didáctica y educativa. Por otra parte las tecnologías han abierto el debate sobre nuevas metodologías y nuevos roles que, a mi parecer, será el auténtico reto del cambio”.
Sobre el temor a una cultura clónica y homogénea que podría estar promoviendo la Red, según el informe, Daniel Innerarity no está de acuerdo. El determinismo tecnológico, afirma, “tiende a pensar en los usuarios como objetos pasivos de la tecnología transferida y no como personas que se apropian de ella a su manera”.
La era de las nuevas tecnologías en la cultura no se puede circunscribir a tomarse un selfie delante del cuadro favorito de un museo y divulgarlo inmediatamente en Internet, dicen. Se corre el riego de distorsionar y banalizar la cultura en un periodo clave de transición que convierte a todos en cibernícolas.
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Fuente: Álex Vicente (elpais.com)

A principios de los noventa, Robert Lepage (Quebec, 1957) vivió el peor mal de amores que recuerde. Para superar esa traumática experiencia, decidió recurrir a una terapia llamada teatro. Se inventó un álter ego, al que bautizó como Robert sin disimulo, y lo encerró en una habitación de La Louisiane, el hotel parisino donde Miles Davis y Juliette Gréco forjaron su amour fou allá por 1949. En ese preciso momento, en el ecuador del siglo pasado, Jean Cocteau también tenía el corazón roto. Acababa de regresar de Estados Unidos, donde había sido aplaudido como un genio. Pero no lograba olvidar a quien fue su gran amor, el poeta Raymond Radiguet, fallecido prematuramente varias décadas atrás.

Lepage escogió un título para su obra: Agujas y opio. Parecía decir que el amor era una droga como las demás. Y el desamor que experimentaba, una versión todavía más terrible del síndrome de abstinencia. Los tres personajes se encontraban en esa habitación de hotel, entre nubes tóxicas e inyecciones letales que hacían más llevadero el sentimiento de abandono. Esa obra estrenada en 1991 regresa ahora a los escenarios. Tras meses de gira mundial, el Festival de Otoño a Primavera la acercará a Madrid entre el 7 y el 10 de marzo.
Igual que Robert Wilson y Jan Fabre han rebuscado recientemente en su producción anterior, el director y dramaturgo canadiense se vuelve hacia el pasado, algo muy poco habitual en su trayectoria. “Es cierto. Mi carrera siempre se ha movido hacia delante y no hacia atrás. Siempre me da miedo enfrentarme a una vieja obra y que me acabe pareciendo mala”, sonríe. Jura que fue el actor protagonista, Marc Labrèche, quien le pidió este segundo acto. “Poco después de interpretar esa obra, se convirtió en una estrella televisiva en Quebec y no ha tenido tiempo de hacer más teatro desde entonces”, asegura.
Lepage reconoce que dudó. “Volver a hacer la misma obra no me interesaba nada. En estas dos décadas he hecho ópera, circo y espectáculos rock [junto a su amigo Peter Gabriel] y quería que esta nueva versión recogiera esa evolución. Le dije a Marc que solo aceptaría si la reintentamos”.
Misión cumplida: el resultado solo guarda un parecido razonable con el original. “La obra de 1991 era bidimensional: había una pantalla y un actor delante. Esta la he hecho en tres dimensiones”, bromea Lepage, que ubica a su protagonista en una habitación movediza, símbolo de su inestabilidad interior. “El espectáculo es menos bruto y más coherente, a nivel formal como también intelectual”.
Lepage sigue considerando que el amor es una droga de la más elevada toxicidad. Pero dice que ha aprendido a sufrir menos. “Cuando se envejece, uno logra inmunizarse un poco. Hoy entiendo mejor cómo funciona el amor, aunque eso tampoco acabe de resolver el problema”, señala. "Para mí, el amor ya no es un refugio ni una escapatoria, sino una manera distinta de percibir la realidad, de experimentar las emociones. Exactamente igual que las drogas”. Los estupefacientes logran abrir la puerta al surrealismo que contiene la obra, recorrida por el jazz venenoso de Davis y la lírica torturada de Cocteau.
Lepage cree que el primer amor es “el que marca para siempre”. El suyo fue una calamidad: se enamoró de una chica a los 14 años, hasta que la descubrió besando a otro. Entonces se refugió en las drogas blandas hasta que experimentó un mal viaje. Pasó dos años tratado con antidepresivos. “Al salir de la escuela, regresaba a casa y pasaba la tarde pegado al televisor”, reconoce. Por esa época, también descubrió su homosexualidad. Ha reconocido varias veces que el teatro le salvó. “Toda forma de creación es terapia, pero no solo una terapia personal. Debe serlo para el artista, pero también para el espectador. Si no, no sirve de nada”, sostiene.
Como sucede a menudo, nada dirigía a Lepage hacia el teatro. Hijo de taxista y crecido en un hogar humilde, de pequeño se veía como geógrafo. “Me fascinaban los mapas y los atlas. Conocía todos los países y sus capitales. Supongo que ya tenía interés por otras culturas y otras lenguas”, afirma. Hoy sigue interesándole la geografía, aunque a un nivel humano. “La geopolítica, el choque de culturas, las migraciones y el racismo son los grandes temas del mundo de hoy. Como en 1949, en pleno auge del existencialismo, hoy seguimos buscándole un sentido a todo. No solo a la existencia, sino a las relaciones sociales y a los conflictos que pueblan el planeta. Intentamos entender cosas tan difíciles de entender como el terrorismo”.
Su última obra, 887, que estrena la semana que viene en Nantes, propone un recorrido por el Quebec de su infancia, en unos años sesenta que dice “marcados por la lucha de clases y la esperanza de un mañana mejor”. “Fueron tiempos importantes en la definición de mi identidad personal, aunque solo tuviera 10 años”, asegura Lepage. Como quebequés, Lepage dice haber pasado su vida “sentado entre dos asientos”, esa expresión francesa que se refiere a todo equilibrio inestable. “Somos una mezcla rara: norteamericanos sin ser estadounidenses, europeos sin parecer franceses. Queremos soberanía, pero no nos atrevemos a marcharnos del todo”, afirma. Su estatus en el teatro podría ajustarse a la misma definición: desde su descubrimiento en los ochenta, Lepage ha sido un director extraño, pero al que el sistema siempre ha dejado sentarse en su mesa.
Se ha acabado convirtiendo en referencia teatral entre sus compatriotas. Por ejemplo, el dramaturgo Wajdi Mouawad (Incendios) hace años que le rinde pleitesía. “Me sorprende que diga que le influyo, porque diría que es él quien me influye a mí. En realidad, tomamos cosas prestadas los unos a los otros”, afirma. También admira al joven cineasta Xavier Dolan, con quien comparte una visión nociva del amor. “Al principio no me gustaba nada, pero luego entendí que era nuestro Almodóvar", admite. “Quebec tiene la suerte de tener talento joven. Aquí el teatro no fue inventado hace 400 años, sino apenas cincuenta. Defiendo la ignorancia de la juventud, que es una fuerza que no hay que menospreciar. Como dice David Bowie, a los 25 uno no sabe nada, pero lo defiende a muerte. Por eso trabajo tanto con jóvenes. Serán ingenuos, pero tienen una pasión infecciosa. Yo estoy a favor de ese contagio".
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Fuente: José Luis Romo (elmundo.es)
Los lamentos de Ivanov vuelven a La Casa de la Portera a partir del jueves 19 de febrero. Fue este torturado personaje de Chéjov quien inauguró la sala de teatro madrileña hace ya tres inviernos. Para asombro de los espectadores, lo que había sido la vivienda de una humilde conserje en el barrio de Lavapiés se convirtió en una decadente finca rusa por la que vagaba el apático protagonista de uno de los dramas menos conocidos del autor de 'Las tres hermanas'. El montaje supuso un pequeño terremoto en la manera de hacer y exhibir teatro en el circuito alternativo madrileño, acercándolo a la filosofía bonaerense del actúa-donde-y-como-puedas. Por ello, era de justicia que fuese 'Ivanov' (rebautizado 'Ivan Off') quien cerrase para siempre la puerta de este piso, ya convertido en una refrencia del 'off' de la capital.
Sus creadores, el director y dramaturgo José Martret y el escenógrafo Alberto Puraenvidia, han decidido que esta será la última temporada de La Casa de la Portera. En agosto echaran el cierre. "Desde que lo abrimos supimos que sería algo efímero. Todo lo que ha pasado ha superado nuestras expectativas más locas. Creíamos que íbamos a estar aquí un mes y mira... Jamás pensamos que fueramos a programar más cosas en este piso. Todo estaba pensado para esta única función y luego su decoración ha encajado en muchas otras cosas. Preferimos cerrarlo ahora antes de que baje la calidad de los espectáculos. Es un paso adelante para poder afrontar nuevos proyectos".
Martret reconoce que el proyecto no es rentable. En La casa de la portera apenas caben 22 espectadores, poco público para un espectáculo que, en el caso de 'Ivan Off', tiene casi una decena de actores, capitaneados por un superlativo Raúl Tejón. En cualquier caso, el director asegura que intervendrán en nuevos espacios en el futuro. "Queremos serguir arriesgando y apostando por nuevas fórmula. No vamos a estar parados". De hecho, ambos ya abrieron hace algo más de un año La pensión de la Pulgas, otro piso de la calle Huertas, donde se representa 'MBIG', su versión de 'Macbeth' ambientada en el salvaje mundo empresarial. Un montaje que ha viajado hasta el Centro Niemeyer o el Teatro Principal de Vitoria. "Y para el que estamos cerrando nuevas fechas". 
De hecho, el deseo de mantener a pleno rendimiento La Pensión de Las Pulgas es otro de los motivos que ha empujado el cierre de La Casa de la Portera. "No podemos continuar manteniendo los dos espacios abiertos, primero porque el número tan reducido de espectadores que entran no da para convertir el proyecto en algo rentable ni contratar más personal. Y segundo, porque para poder seguir abiertos nos vemos obligados a la multiprogramación y es imposible combinar la función de programación y dirección de los dos espacios con la creativa".
Aunque muchos aficionados se hayan echado las manos a la cabeza, Martret quiere dejar claro que "no hemos tenido problemas con los vecinos, ni con el ayuntamiento, ni ha bajado el nivel de asistencia, cerramos para poder continuar adelante con el proyecto".
Para que el espectador poco experto en el circuito 'off' de la capital, entienda la importancia de La Casa de la Portera, debe tener en cuenta que su fama ha llegado fuera de nuestras fronteras. El diario británico 'The Guardian', por ejemplo, les dedicó un reportaje. Espectadores ya consagrados como el Nobel Vargas Llosa, Miguel del Arco, Nuria Espert, Verónica Forqué, Maribel Verdú o Flotats han acudido a ver lo que se cocía en este hervidero de creatividad. Una sala en la que han trabajado la plana mayor de los nuevos autores de nuestro país. José Padilla, quien estrenó en La casa de la portera 'Sagrado corazón 45' y 'Safronia', dio luego el salto al Centro Dramático Nacional con 'Haz click aquí'. Paco Bezerra alumbró aquí una joya de muchos kilates como 'Ahora empiezan las vacaciones' y, en la actualidad, junto al director Luis Luque prepara un montaje para el Teatro Español. Carlos Be, del que se van a estrenar cuatro textos al otro lado del Atlántico proximamente, sorprendió con la turbadora 'Peceras o Elepé'. La lista podría continuar con talentosos nombres como los de Antonio Rojano, Denise Despeyroux o Alberto Conejero, quien estrenó 'Cliff' en La pensión de la Pulgas y pronto parte para Moscú, donde estrenara 'La piedra oscura', una función que ha agotado entradas en el CDN. "Ha sido maravilloso poder dar cabida a gente tan talentosa", cuenta Martret.
Entre los actores que han pasado por el espacio también hay nombres de primer nivel. Ver a la reciente premio Goya, Bárbara Lennie, actuar a escasos centímetros era un lujo. Ocurrió en 'Breve ejercicio para sobrevivir'. Asier Etxeandía, Jorge Calvo, Lola Casamayor o Tamar Novas también deslumbraron en sus salones. Momentos irrepetibles que ya no volverán. Se perderán como esos fungibles que se utilizan en las funciones. Al fin y al cabo, es algo consustancial a la memoria efímera del teatro.
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Font: Imma Fernández (elperiodico.cat)
L'esmolat Groucho Marx ja ho va advertir: «La política és l'art de buscar problemes, trobar-los, fer un diagnòstic fals i aplicar després els remeis equivocats». Un art, doncs, d'indiscutible teatralitat, que els últims temps s'ha convertit en una mina inesgotable i sorprenent. La ficció ha quedat enrere. Les martingales dels poderosos han inspirat Ruz-Bárcenas, Las guerras correctas, Hendaya, el musical; Confesión de un expresidente... A partir de l'11 de març, al Tantarantana, s'hi veurà el Camargate de la companyia TeatrodeCerca. Jorge-Yamam Serrano, creador de l'estupenda Que vaya bonito, firma la recreació basada en la famosa conversa (gravada per Método 3) del 7 de juliol del 2010 al restaurant La Camarga entre la líder del PPC, Alicia Sánchez-Camacho, i Victoria Álvarez, examant de Jordi Pujol Ferrusola.
A partir de la gravació real i d'altres documents verídics que es mostren en una pantalla, l'autor i director ha cuinat una peça de teatre documental que revela «de manera còmica, a vegades esperpèntica», el funcionament de la corrupció i els passadissos del poder. «Són com Les llobes de Wall Street. La realitat no es pot superar. El teatre està en la política», conclou Serrano, que fins i tot ha hagut de posar-hi fre i ordenar el «torrent verbal» de les comensals perquè la platea les entengués. La seva conversa va ser molt més «atropellada i esbojarrada». Les actrius Cristina Gàmiz i Anna Sabaté, sota els ficticis noms d'Antonia i Bibí, ens ho expliquen.
Camargate comença amb la líder del PP tirant pilotes fora i amenaçant els periodistes al Parlament després del succés i salta en un flash-back a La Camarga. Un individu (igual que l'agent de la Stasi de La vida dels altres) espia les protagonistes. Entre plat i plat, elles destapen els draps bruts i el seu gust pels drapets de Zara i les bosses de pell de cocodril, addicció confessada de la que es diu Antonia. Claven les dents en els poderosos -Prenafeta, cas Pretòria, els Pujol, Artur Mas, Piqué, Moragas, Rubalcaba, el cas Palau, Felip Puig...- i els tèrbols assumptes a Tarragona i Andorra, i es relaxen debatent sobre el bòtox i la cirurgia maxil·lar.
Serrano va somiar dur a escena l'assumpte de La Camarga, d'una «teatralitat extrema, bestial», va investigar profundament què va passar i va prendre com a referents la sèrie House of cards, la pel·lícula El Divo i Maria Estuardo, de Schiller. Alguns espectadors podran seguir molt de prop la conversa, integrats en l'escenografia del restaurant.
Gàmiz, que en l'obra fa servir una pròtesi dental, li ha agafat el gust al seu personatge. «M'encantaria fer un cafè amb Camacho. Adverteixo en ella un dolor i una soledat que tracta d'omplir amb bosses i amb l'aprovació de tothom. Té una necessitat immensa de poder i de dominar les situacions. No és fàcil el paper de la dona en el poder perquè ha d'assumir un rol masculí de força». «Se sent traïda, desemparada i es desfoga», diu Sabaté. «És molt Medea, està ferida i l'olla a pressió explota», intervé l'autor.
RIALLES I INDIGNACIÓ / La intenció és que el públic «es diverteixi i alhora s'indigni», afegeix Serrano. Així passava amb Ruz-Bárcenas, l'obra de Jordi Casanovas que sota la direcció d'Alberto San Juan va aplaudir al desembre. La fidedigna recreació de la declaració de l'extresorer del PP davant el jutge Pablo Ruz, el 15 de juliol del 2013, va deixar perplex el personal. Però la barra del protagonista va disparar més d'una riallada entre la noquejada platea. Casanovas tornarà a la càrrega. Prepara Pujol, president, un projecte fruit de la seva indignació amb el qui «durant 20 anys va dictar la moralitat dels ciutadans de Catalunya». «Tenim dret a passar comptes amb ell», reclama. «Serà una versió de Ciutadà Kane, un recorregut puntejat de ficció des de la seva infància fins a la seva vellesa. Necessitem clavar cops de puny perquè la realitat ha superat la ficció».
TEATRO DEL BARRIO / A Madrid, el Teatro del Barrio fundat per Alberto San Juan bull com a escenari de bregues polítiques. Acaba d'estrenar-s'hi Las guerras secretas, basada en l'entrevista que Iñaki Gabilondo va fer a Felipe González el gener del 1995 sobre els GAL. Una entrevista que, per a l'autor de l'obra teatral, Gabi Ochoa, va suposar «un abans i un després en la relació entre política i periodisme a Espanya». Ochoa ha volgut llançar «preguntes sobre les clavegueres de la democràcia, com molt bé fa el documental Ciutat morta». Deixa via lliure al públic per a la reflexió sobre el que va passar, sense abandonar el vessant d'espectacle. «Com deia Javier Daulte, el teatre hauria de ser compromès i lúdic, tot en un. És el que hem intentat fer amb aquesta obra, que, en ocasions, té un aire de comèdia bufa, i en d'altres, de western de paraules».
«El teatre és una arma carregada de veritat, més reflexiu que les notícies que treballen la immediatesa», dispara el franctirador valencià, que assimila l'auge del teló polític a una crisi que «ha burxat la nostra consciència crítica. Potser impulsada pel 15-M i el ¡Ja n'hi ha prou!». També anuncia que algú afí a l'expresident va veure la funció i l'hi va fer saber. «És la primera vegada que les meves paraules aixequen murs d'indiferència, quan no d'odi». Per ell, només hi ha dues coses que no es poden fer en escena: «Matar i practicar el sexe. Això últim seria pornografia, no teatre». La seva pròxima bala serà per als successos a l'Institut Lluís Vives de Valencia, el febrer del 2012, quan els policies van carregar contra els estudiants.
Un altre González, Ignacio, president de la Comunitat de Madrid, ha inspirat González, la nova obra d'Isaac Rosa que també veurà la llum a la sala de Lavapiés. «Intenta ser una mirada àmplia al saqueig que els ciutadans madrilenys hem patit les últimes dècades». Alberto San Juan protagonitza Confesión de un expresidente que llevó a su país a la crisis, en què l'autor David Carnevalli va buscar paral·lelismes entre l'Argentina del corralito i la Itàlia actual.
Les mirades al poder es multipliquen. Des del sorprenent musical Hendaya. Cuando Adolfo encontró a Paco, fins a un curt de Jorge-Yaman Serrano que s'atreveix a fantasiejar amb un Urdangarín a qui «dos nanos segresten, apallissen i deixen fet un eccehomo».
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IDEA ORIGINAL: CLARA PEYA, ARIADNA PEYA y MÍRIAM ESCURRIOLA (L'ERA DE LES IMPUXIBLES)
TEXTO y CANCIONES: MARC ROSICH
A partir de escritos de MIGUEL MISSÉ y POL GALOFRÉ
DIRECCIÓN ESCÉNICA: MÍRIAM ESCURRIOLA
DIRECCIÓN MUSICAL: CLARA PEYA
INTÉRPRETES: MARIONA CASTILLO, TATIANA MONELLS, ARIADNA PEYA, CLARA PEYA
DURACIÓN: 1h 05min
PRODUCCIÓN: TEATRE GAUDI
TEATRE GAUDI

Me da igual que Berta se haya convertido en Albert, me importa la persona. Este es un discurso tan manido como cualquier otro, porque en el fondo siempre vemos antes que nada la forma. Y quizás, quien vea Limbo se dé cuenta lo poco que cuenta la nada para el todo.

Un aeropuerto, un pasaporte equivocado, un ser en tránsito. Inicio de porqués sin responder, inicio y final de no hace falta ser respondidos. Y quiero ser, y soy y cómo me ven los que me rodean, como soy o como quiero ser, y cómo quieren ellos que sea, y yo quiero ser como quiero o me dejaré influir por lo que ellos quieran. Soy más importante por lo que soy o por lo que otros quieran que sea. Porque ya se quien soy, ¿no?

Limbo es el tránsito hacia ese YO, una amalgama de pensamientos, de voces, en medio de un espectáculo multidisciplinar: dramaturgia, canciones, música de piano, audiovisual, danza. Y si esto fuera un crítica al uso diría que todo fluye, que todo tiene un porqué, que me he dejado llevar por un torrente emocional de canciones, que se me ha puesto la piel de gallina al escuchar el piano en directo tocado por Clara Peya, que los momentos de danza ayudan a potenciar lo que no se dice. Pero lejos de esto o aquello no ves partes, ahora toca cantar ahora toca bailar, ves un sólo grito de un ser que busca desligar cadenas y SER.

Un espectáculo íntimo a tres bandas, donde el público es un elemento importante. Un público diverso que no es activo ya que directamente no se le pide nada, pero tiene que respirar el espectáculo en directo y en mi sesión se consiguió, esa comunión bestial en la que por un momento todos somos Albert.

A veces nos perdemos para encontrarnos y Albert se encuentra pero se vuelve a perder y entra en una espiral de esas en las que uno tiene que salir solo. Pero no es solo Albert el que se pierde, si al salir de la sala no te has perdido un poquito, quizás debas volver a entrar para aprender a perderte. Encontrémonos, pues en el Teatre Gaudí antes del 1 de marzo, tengo ganas de volver a transitar mi reencuentro.

LIMBO

by on 16:49
IDEA ORIGINAL: CLARA PEYA, ARIADNA PEYA y MÍRIAM ESCURRIOLA (L'ERA DE LES IMPUXIBLES) TEXTO y CANCIONES: MARC ROSICH A partir ...
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