TEXTO: MOLIÈRE
VERSIÓN LIBRE y DIRECCIÓN: MIGUEL DEL ARCO
INTÉRPRETES: ISRAEL ELEJALDE, BÁRBARA LENNIE, JOSÉ LUIS MARTÍNEZ, MÍRIAM MONTILLA, MANUELA PASO, RAÚL PRIETO y CRISTÓBAL SUÁREZ
DURACIÓN: ah 45min
PRODUCCIÓN: KAMIKAZE PRODUCCIONES, TEATRO ESPAÑOL DE MADRID y TEATRO CALDERÓN DE VALLADOLID con la colaboración de TEATRO PALACIO VALDÉS DE AVILÉS
TEATRE LLIURE (MONTJUÏC)

Ingeniería perfecta la que se ve, se siente y se escucha en la Sala Puigserver del Lliure de Montjuïc. Habituados como estamos en ver los clásicos, una y otra vez hasta la saciedad, se agradece ver la misma historia en esencia pero desde un punto de vista diferente, visceral e incluso para aquellos que no hayan visto o leído el original puedan alejarse y acercarse a un mundo donde todo no estaba escrito.

Kamikaze Producciones nos dejó muy claro tras La Función por hacer que las historias pueden ser contadas de muchas maneras. Siempre he pensado que tal y como actualmente se nos enseñan los clásicos o los amamos o los odiaremos de por vida. Necesitamos más educadores en lo clásico, como Miguel del Arco, para no alejarnos de ese punto donde no hay retorno.

Dejamos el verso para introducirnos en el lenguaje moderno, no sólo a la hora de hablar sino también en todo el desarrollo de la dramatúrgia y su puesta en escena. Es teatro, pero el uso de recursos cinematográficos están tan bien utilizados que te olvidas si hay pantalla o no. Precisión milimétrica, a pesar de las continuas entradas y salidas. Naturalidad máxima, es ficción pero yo también soy Misántropo, a veces Alcestres, a veces Celimena. 

Israel Elejalde lleva el timón del montaje, suyos son la mayoría de los discursos filosóficos sobre a quien tenemos que venderle el alma para llegar a ser alguien, frase tras frase hiere, lejos de ser un discurso hilvanado de titulares, son balas para que nuestras cabezas y corazones piensen hacía donde vamos. Ellos son políticos en buscar de poder y más poder y de perpetuarse en él, no piensan en nosotros pueblo, que asistimos impávidos a una retahíla de insultos, depreciaciones y demás fechorías que harían saltar de la butaca a cualquiera. 

Pero permanecemos porque queremos más, y aparece una radiante Bárbara Lennie, que entre la inocencia y la maldad nos hechiza con un veneno para el cual difícilmente encontraremos antídoto. Sensual, encantadora, traviesa, malvada, un personaje maravillosamente trabajado que supone el complemento perfecto para las réplicas de Israel Elejalde cuyo Alcestes es simplemente bestial.

Pero considero que el gran protagonista y al que aplaudiría levantada durante lo que mis brazos me concedieran, es Juanjo Llorens, su iluminación es simplemente sublime. Y, aunque a veces no veamos más allá de la dramatúrgia, la dirección y las interpretaciones, en Misántropo, lo que recrean las luces, es una nueva historia, es simplemente entrar en un mundo, del que sabes que no saldrás igual.  

Espero con ansias el próximo montaje de Kamikaze, como una más de sus fans. Y también anhelo que los programadores catalanes sigan deleitándonos con su presencia, sino tendremos que ir a Madrid a hacer el Kamikaze. Mientras tanto sigo de pie, gritando ¡BRAVO!

MISÁNTROPO

by on 17:17
TEXTO: MOLIÈRE VERSIÓN LIBRE y DIRECCIÓN: MIGUEL DEL ARCO INTÉRPRETES: ISRAEL ELEJALDE, BÁRBARA LENNIE, JOSÉ LUIS MARTÍNEZ, MÍRIAM ...
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Font: Laura Serra (ara.cat)
Les estrelles de les programacions musicals i escèniques dels auditoris i teatres catalans no tenen cognoms famosos ni apareixen en campanyes de publicitat. La gran obsessió dels directors artístics són els espectadors. La gestió de públics, l’ampliació i la fidelització de l’audiència és el gran repte actual del país. No en va l’Institut Català de les Empreses Culturals ha creat l’Àrea de Públics. “No té a veure amb la necessitat d’omplir auditoris ni amb el descens d’espectadors de l’última temporada -opina el director del Mercat de les Flors, Francesc Casadesús- sinó amb la voluntat de legitimar la cultura, de fer que l’art importi, d’ampliar-ne la base social i que no sigui per a una elit o una minoria”.
Es tracta de tenir més públic però també un públic més qualificat. El rol de l’audiència s’està transformant. Fins i tot està guanyant capacitat d’influència davant els programadors. “El públic, que són els ciutadans, cada vegada té més veu -corrobora el director del festival Temporada Alta, Salvador Sunyer-. En part perquè està més format i en part perquè s’ha dessacralitzat l’art. Ara la gent sap més, vol més, i, per tant, et pot aportar més”, explica.
Aprendre a ser espectador
Les activitats pedagògiques, la clau per tenir un públic format 
“No té cap sentit parlar d’excel·lència artística si no es té un públic informat i format. Va lligat amb la programació que vols oferir”, explica Casadesús. Les activitats per ajudar el públic a aprofundir en l’experiència teatral estan creixent exponencialment i s’estan sofisticant. Tots els grans equipaments ofereixen col·loquis postfunció, però les possibilitats van molt més enllà. Agost Produccions organitza l’Escola de l’Espectador per a festivals com el Grec, el Temporada Alta o el Trapezi. Munten paquets d’activitats (xerrades amb experts, tallers de pràctica artística, visites a assajos, debats amb els creadors, etc.) perquè l’espectador “surti de la seva mirada natural i l’ampliï amb altres recursos i punts de vista -diu Jordi Valls-. Es tracta d’aconseguir un espectador més crític i que es pugui crear un criteri propi”. “Ens interessa la qualitat del públic. La gent pot fer el que vulgui, esclar, però si vol ha de poder aprendre’n més. I això no es fa amb una conferència al mes sinó amb una bateria de propostes. Ha de ser un treball transversal, l’eix principal de l’activitat del centre”, defensa Casadesús.
Empoderar l’audiència 
El canvi de paradigma: quan el públic decideix què vol veure 
La manera de veure i programar teatre està canviant. “Hi ha una part de màrqueting que té veure amb la voluntat de millorar la relació amb l’espectador, de fer que el teu públic vagi pujant esglaons i hi puguis mantenir una relació més pròxima -explica el director del festival Temporada Alta-. Però el més important és el canvi de paradigma: s’està desmuntant l’estructura piramidal en l’art, com en la política. Fins fa pocs anys, el programador era el que en sabia i els altres el seguien. Ara veiem que les coses van de baix cap a dalt. I quan els escoltes, veus que qui més hi guanya ets tu a l’hora de programar”.
Els pioners en la gestió de públics a Catalunya són entitats com la bagenca El Galliner, que des de la societat civil s’ocupa de la direcció artística del Kursaal de Manresa. La seva fórmula de treballar des del públic i per al públic està servint d’exemple a altres teatres mitjans, fins al punt que fa un mes van constituir l’Associació d’Espectadors i Amics de les Arts Escèniques de Catalunya amb companys com el Teatre del Mercat Vell de Ripollet, l’Aurora d’Igualada, el Monumental de Mataró i l’Escorxador de Lleida per compartir experiències que “promouen la participació de l’espectador”, explica Joan Morros, coordinador d’El Galliner. En música també hi ha experiències similars, com el Camallera Cançó d’Autor o el cicle ContraBaix del Baix Llobregat. Sovint no es tracta que el públic actuï de programador i demani artistes a la carta, sinó que tingui veu i es pugui considerar com un consell assessor d’un director artístic.
L’empoderament del públic afecta en tots els nivells, també en la crítica teatral. El portal Recomana.cat vol contribuir a donar rellevància al paper del crític però també a dessacralitzar la seva figura i la del ritual teatral. Tant a través de la web com d’activitats postfunció -les anomenades RecomanAccions que munten per al TR3SC o Escena 25-, promouen la interacció del públic amb el crític. “Necessitem capgirar la dinàmica antiga del crític que va a la fila 7, mira l’obra i se’n va a casa a pontificar -diu Jordi Bordes-. Volem que la gent s’atreveixi a opinar, de manera més col·loquial, més pròxima”.
Cultivar l’empatia 
Les noves relacions que es creen amb un espectador compromès 
Els primers a parlar de l’“economia empàtica” van ser la companyia independent Sixto Paz. Fa dos anys els servia per justificar l’experiment de la taquilla inversa (pagar després de veure l’espectacle). Però aquella filosofia es pot aplicar de manera més àmplia a la necessitat de tot projecte artístic de tenir un coixí de seguidors, no tan sols per vendre’ls entrades sinó també per intercanviar-hi opinions. La forma que pot prendre aquest col·lectiu va des del format innovador d’una Lliga de Teatre (una competició de públics que han inventat les petites companyies) fins a fórmules més estructurades com el Club Ciutat del Teatre que va néixer dins la fundació del Temporada Alta o l’AsSocPerla que penja de La Perla 29 d’Oriol Broggi, amb referents com els Amics del Liceu o l’Associació d’Espectadors del Lliure. “Som un grup de seguidors de La Perla 29, tenim una història junts de molts espectacles compartits i ens agrada la seva manera de fer teatre -resumeix Toni Trallero-. Vam voler fer l’associació per donar suport al projecte, contribuir a plantejar idees, aprendre coses, muntar activitats que tinguin relació amb les seves obres o en general amb l’art”.
El Club Ciutat del Teatre va néixer per obrir un canal de comunicació amb l’espectador del Temporada Alta, però també amb ganes d’obrir el ventall a altres disciplines i equipaments. “Volem acompanyar el públic en un creixement cultural, encara que soni ambiciós, i pretenem generar nous públics dins el segment de gent que ja és consumidora de cultura, però que potser només va a museus”, explica Marta Montalban. La fórmula és la d’un club de socis amb carnet i abonaments (a preus de 100 euros a 300 o 1.000 per als micromecenes) que alhora atorga avantatges fiscals i regals, descomptes i accés preferent a activitats.
Superar els prejudicis 
Participar en la cultura és a l’abast de tothom, no de minories 
Cada vegada hi ha més escletxes per participar en el fet cultural. Moltes vegades, però, el handicap que cal superar és que es tracta d’iniciatives per a entesos. Casadesús insisteix que hi ha “activitats amb diferents graus de compromís”, des de propostes hardcore fins a activitats escolars, xerrades a les biblioteques o tallers de participació. “Si un no professional s’implica en la creació d’una obra acaba tenint una relació personal amb l’espai i el seguirà”, exposa. “Es tracta que la gent se senti seu el projecte”, argumenta Morros.
Les activitats pedagògiques “no són per a majories, ara -admet Sunyer-, perquè no hi ha l’hàbit i perquè alguns encara ho veuen com una cosa de secta, però jo crec que cada vegada serà més comú i formarà part de l’experiència d’anar al teatre, que és de les poques que és en viu i és agradable d’allargar si t’ha agradat l’obra”. No s’ha de menystenir el paper socialitzador de l’art. “L’AsSocPerla ha agafat forma de grup d’amics amb interessos comuns”, confirma Trallero. A vegades és tan fàcil com això. “La clau perquè el Mercat fos un espai de trobada va ser que les tapes del bar fossin més bones”, diu Casadesús.
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Fuente: Samoia Camarzana (elcultural.es)

Fernando de Rojas escribió una de las obras más universales que ha dado la literatura: La Celestina. Junto a El Quijote es uno de los grandes clásicos de las letras españolas. La historia de la alcahueta que hizo posible el amor entre Calisto y Melibea es, además, una de esas lecturas obligadas. Ahora, la compañía Ron Lalá la ha revisitado para crear Ojos de agua, una pieza que comienza tres años después de la historia que cuenta De Rojas. Álvaro Tato ha sido el dramaturgo que ha creado este nuevo papel para Charo López (Salamanca, 1943), que interpreta, en un monólogo de hora y media, el tejemaneje de la Celestina. Una mujer tan aguda como complicada, víctima de su propia astucia, que llega al Real Coliseo Carlos III de El Escorial este sábado bajo la dirección de Yayo Cáceres.

¿Cómo surge la idea de rescatar la figura de la alcahueta más conocida por todos?
La obra es tan atractiva, tan preciosa y tan querida por el público... el caso es que cuando me encontré con el autor, Álvaro Tato, me preguntó qué me gustaría hacer, le conté por encima lo que me apetecía, de qué hablar y salió La Celestina. Escribió un texto muy del estilo de Ron Lalá, que para mí, no tengo pudor en decir que me parece una pieza soberbia casi tan hermosa como En un lugar del Quijote, anterior a esta. Es una maravilla porque es el personaje de la Celestina pero contado a través de un juglar, que soy yo, que no es la Celestina. No es la Celestina sino a propósito de la Celestina. Todo lo que un juglar puede decir y cantar sobre el amor, la pasión, la muerte, el sexo... es una tragicomedia, lo cual la convierte en una pieza atractiva. Para mí es la obra más difícil y más adorable que he hecho nunca. 

¿En qué reside la dificultad de este personaje?
Tiene la dificultad, de que aparte de ser un monólogo de 30 folios, habla en castellano antiguo. No puro porque entonces no habría quien lo dijera pero tiene una agüita o dos y esta es la dificultad. Tampoco es una historia narrativa que tenga desarrollo, centro o final como en la comedia tradicional. Es en torno a mil sucesos que lo ocurren a la Celestina y también la suerte de releer la obra interpreto a Sempronio, Melibea, a Calisto. Es una gozada. Es un regalo que me ha hecho la profesión y Ron Lalá, por encima de todo.

Ron Lalá parecía la compañía perfecta para llevar a cabo este proyecto. ¿Cómo ha sido trabajar con Yayo Cáceres y Álvaro Tato?
Es un grupo emergente que empezó hace 10 años haciendo cosas pero siempre un poco en la sombra, ellos no han tenido voracidad de entrar en los medios, han ido creciendo, aprendiendo y de pronto han hecho tres o cuatro obras seguidas estupendas. Siglo de Oro, En un lugar del Quijote y esta, que me parece que es la cumbre, Ojos de agua. Además, Yayo Cáceres es un director que te da mucha libertad pero te exige también mucho. Creo que las escenas, aunque presumo de haber hecho obras bonitas, las escenas más hermosas me las ha montado él, que tiene un vuelo especial. Y me he sentido muy bien y me siento con ganas de salir a trabajar. 

También hay música en directo durante la obra 
Hay mucha música, guitarra y voz. Son tan buenos... Uno es músico y el otro músico, cantante y actor, los dos muy jóvenes. Hay cuatro generaciones, la de Yayo, la generación Ron Lalá, los chicos a los que han formado y yo, que soy la yaya. Hemos conjugado muy bien y como yo soy la única chica, me han tratado fenomenal. Ser chica a veces es muy bonito.

De hecho Ojos de agua comienza tres años después de lo que cuenta Fernando de Rojas en su obra.
Exactamente. Es todo pura imaginación porque podría haber empezado seis o siete después. Lo importante es que gira en torno a un personaje profundamente rico, hondo, es lista, pérfida. Es de todo la Celestina, alcahueta, sabia, un personaje tan importante del teatro clásico, a la altura de El Quijote. A la altura o más. 

Ella, al fin y al cabo, es víctima de su propia astucia
Claro, pero es que ella dice 'hice mi labor, mi vida'. Hizo lo que hoy hacemos, hacer nuestro trabajo y ser independiente. Es un personaje moderno. Es una mujer libre y, como tal, bruja. Sus reyes son su vida, a ella no la domina nadie, ella sirve para ir enganchando a unos con otros, haciendo amores y desamores. Es una alcahueta y hechicera, lo es todo. 

Se habla del amor y la belleza, que son dos conceptos universales, pero que a medida que la sociedad se ha desarrollado, han cambiado nuestra forma de gestionar estos conceptos. Caminamos hacia la superficialidad. ¿Qué tiene que decir sobre esto el personaje?
Creo que sí, lo que sería el brillo de esta función es cómo el personaje del juglar, que va contando todo, de pronto decide desdramatizar la belleza, la muerte y valorar al mismo tiempo la juventud, la mocedad, pero poniendo en entredicho que la mocedad se entera a medias de lo que pasa en el mundo. Que la mocedad no cuenta con que un día van a ser ancianos. El precio de la belleza es tener la lucidez de que se va a perder. Es un combate a brazo partido para que eso no ocurra y es una locura porque si uno siempre desea ser joven y bello ha perdido la batalla de la vida. Celestina es una mujer tan sabia que disfruta con la juventud de los demás. Ella ha llegado a la vejez y asume, la quiere y la disfruta. No echa de menos la juventud, recuerda su vida y sabe que fue guapa y joven pero su vida, cuando la sorprende de anciana, sigue viviendo de sus negocios, sus líos y trapicheos. No para. 

En esta pieza está huyendo de algo, de sus pesadillas
Ella llega a un monasterio herida porque ha habido una situación... En efecto, ella sigue soñando que la persiguen con antorchas, que la van a quemar en vida, que, por otro lado, es la obsesión de toda bruja. Y ahí empieza la obra Ojos de agua. 

Ahora que están a punto de estrenar esta pieza, ¿ve algún tipo de mejora en el panorama teatral?
Creo que pese a todo el teatro está saliendo adelante, se están haciendo buenas obras y la gente está trabajando. Imagino que sigue habiendo muchas dificultades y problemas. El teatro sigue siendo la hermana fea y tonta de la cultura pero pese a eso es una maravilla lo que está surgiendo, todos los grupos emergentes, etc. Me parece fabuloso. Pese a todo, están las salas llenas y hay una variedad enorme de géneros. El teatro está herido pero nunca va a estar herido de muerte, es imposible.
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Fuente: Roger Salas (elpais.com)
El arquitecto, diseñador escenográfico y productor teatral Andrea D’Odorico murió ayer noche en Sevilla a los 72 años de un infarto mientras estaba de gira con uno de sus últimos espectáculos; la muerte le sorprendió en plena calle, muy cerca del Teatro Lope de Vega. Había nacido en Udine en 1942. D'Odorico era graduado de Arquitectura por la prestigiosa facultad de la Universidad de Venecia y en su juventud fue alumno y un estrecho colaborador del mítico maestro arquitecto italiano Carlo Scarpa, especialista en museos y grandes exposiciones, lo que influyó de manera importante en su estética y geometrías; antes de venir a España por primera vez en 1971, el joven e inquieto Andrea pasó por varios estudios de arquitectura en Ginebra y Zurich.
A España llegó para trabajar como arquitecto y se establece definitivamente en 1972, pero ya tenía inquietudes por el mundo de la escena, que había practicado de manera voluntariosa en sus tiempos de estudiante, y fue decisivo en su futuro el temprano encuentro con Miguel Narros, director teatral de gran talento innovador con quien forma equipo y juntos forman parte del equipo fundador del Teatro Estable Castellano [TEC]. Al mismo tiempo realiza sus primeros decorados para cine y televisión y después está también en la gestación del Teatro del Arte, compañías que hoy son parte básica de la historia del teatro moderno que abarca desde los principios de la década del setenta del siglo XX a toda la transición. Su primer montaje y que ya le da renombre fue Sabor a miel (1971) al que siguen bajo la tutela artística de Narros la Antígona de Anouith; Los gigantes de la montaña de Pirandello; Hedda Gablerde Ibsen y un monumental Romeo y Julieta dirigido por el valenciano José María Morera. En esa misma escala concibió La Celestina para José Tamayo. De los montajes del TEC vale la pena citar expresamente su impronta en Así que pasen cinco años de Federico García Lorca con la colaboración del pintor José Hernández; Tío Vania de Chéjov; Don Carlos de Schiller y La dama boba de Lope de Vega.
En el Centro Dramático Nacional algunas de sus colaboraciones más elogiadas fueron Retrato de dama con perrito (Luís Riaza) y El rey de Sodoma de Fernando Arrabal y en el Teatro Español su Macbeth (Shakespeare), y Ederra de Ignacio Amestoy, la mayoría de ellas con la dirección de Narros. En el Teatro del Arte dibujó la escenografía de La danza macabra de Strindberg y de Seis personajes en busca de un autor (Pirandello); El rey Lear (Shakespeare); Don Juan Tenoriode Zorrilla y Final de partida de Samuel Beckett. Suyos fueron los decorados de Petra Regalada; Samarkanda y Séneca, todas ellas obras de Antonio Gala.
Cuando volvió al Teatro Español, D’Odorico ya consolidado como un referente magisterial de la escenografía en el teatro hispano, dibujó para La casa de Bernarda Alba dirigida por José Carlos Plaza; El castigo sin venganza (Lope de Vega); El concierto de San Ovidio(Antonio Buero Vallejo); Sueño de una noche de verano(Shakespeare) y La malquerida (Jacinto Benavente), todas ellas con Narros. En Largo viaje hacia la noche (Eugene O’Neill) la dirección fue compartida entre Narros y William Layton.
Andrea D’Odorico fue director artístico en muchos filmes, entre ellos dos de Manuel Gutiérrez Aragón: Sonámbulos y Demonios en el jardín (por la que recibió un premio en el Festival de San Sebastián); asumió esta labor directiva también en La corte del faraón de José Luís García Sánchez. En el terreno del ballet D’Odorico realizó muchas incursiones experimentales y de notable repercusión. Pueden citarse su Medea (José Granero / Manolo Sanlúcar) y su Don Juan(José Antonio / José Nieto) para el Ballet Nacional de España, así como La gitanilla (1996) basada en Miguel de Cervantes y adaptada al ballet por Narros con coreografía de Granero, estrenada en el Teatro de La Zarzuela de Madrid.
Desde 1993 ostentaba la titularidad de su empresa de producción teatral y hasta la muerte de Narros acumularon 15 grandes montajes que hicieron giras por todos los teatros españoles. En 2008 se ocupó de la produción y diseños de Tantas voces (Pirandello) dirigido por Natalia Menéndez, al que siguió Paseo romántico, dirigido por Laura Ripoll. Asumió la dirección de una lectura dramatizada de La Ilíada, de Homero y diseñó La escuela de la desobediencia, de Paco Bezerra dirigida por Luis Luque en la temporada 2011-2012. Recientemente una de sus creaciones más valoradas fue Yo, el heredero, de Eduardo De Filippo con dirección de Francesco Saponaro (2012).
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Fuente: EFE via lavanguardia.com

El actor Josep Maria Pou encarnará a partir de mañana a Wilhelm Furtwängler, uno de los mejores directores de orquesta de la historia y el favorito de Hitler, en la obra "Prendre Partit", en la que se invita a reflexionar sobre la eterna confrontación entre arte y política, entre cultura y poder.

Pou, que también dirige la pieza, que se podrá ver en el Teatro Goya hasta el mes de febrero, ha explicado en rueda de prensa que se trata de un texto del dramaturgo Ronald Harwood, que parte de los interrogatorios a los que fue sometido Furtwängler, director de la Orquesta Filarmónica de Berlín, acusado de colaboracionismo con el régimen de Hitler, aunque después del juicio fue absuelto.

El actor ha subrayado hoy que la obra no ofrece respuestas sobre el lugar exacto que ocupó el músico durante el nazismo, puesto que, a la vez que continuó dirigiendo su orquesta sin marchar de Alemania, propició que grupos de judíos pudieran abandonar el país.

"Quiero, sobretodo, que el espectador salga del teatro con los bolsillos llenos de preguntas, de reflexiones, que al cabo de una semana le vuelvan a aparecer imágenes, frases de la obra", ha dicho.

Acompañado por el resto de los actores de la obra, Andrés Herrera, Pepo Blasco, Sandra Monclús, Sergi Torrecilla y Anna Alarcón, Josep Maria Pou ha comentado que el único personaje real es el suyo, porque el resto son ficciones nacidas de la mente de Harwood, autor del guión de El Pianista y en cuya prolífica carrera como escritor son temáticas habituales la Segunda Guerra Mundial y el nazismo.

En el caso de "Prendre partit", enfrentará a Furtwängler, un hombre de metro noventa de altura, distante, altivo, divo, con el mayor norteamericano Steve Arnold (Andrés Herrera), durante los prolegómenos del juicio que llevará a cabo la Comisión Antinazi para los Artistas.

Arnold, que en su vida civil es un inspector de seguros y lo desconoce todo del mundo de la música, deberá aportar pruebas de la culpabilidad del director de orquesta, quien contará con el apoyo del resto de los personajes, desde un segundo violín de su orquesta, Helmuth Rode (Pepo Blasco), a Tamara Sachs (Sandra Monclús), una mujer viuda a la que ayudó a huir del país.

Dentro de una forma de teatro muy convencional, Pou ha defendido que el público conocerá "un gran texto, nada experimental, de muy buena carpintería teatral", del que se desprende la "sombra de la duda" sobre las relaciones del músico con el régimen nazi.

Para Josep Maria Pou, todavía hoy es una "figura controvertida, alguien especial, de quien se ha dicho que fue el mejor director de orquesta que ha habido nunca, un sacerdote de la música, al que hay quien lo disculpa diciendo que hizo lo que hizo porque era un artista".

Respecto a cómo ha entrado en la piel del personaje, ha indicado que ha intentado "no tanto una aproximación física, como captar su actitud distante, altiva".

Andrés Herrera, por su parte, ha señalado que al inicio de la representación es alguien que no conoce nada de música y a lo largo de casi dos horas "va transformándose, llegando a un punto de empatía".

Sandra Monclús ha apuntado que su personaje ejemplifica el "drama, es el testimonio humano de los efectos colaterales", mientras que el músico al que da vida Pepo Blasco es el que "tiene una trayectoria más sorprendente de todos los que intervienen".

La actriz Anna Alarcón es la secretaria que levanta acta de los interrogatorios, con muchos silencios, pero con un secreto enorme que el público no conocerá hasta el final, y el oven Sergi Torrecilla es el teniente David Wills, un alemán de origen judío que regresa a su país como soldado americano.

Josep Maria Pou espera que vayan a ver la obra no sólo los aficionados al teatro, sino también los amantes de la música, puesto que es la otra gran protagonista, con grabaciones originales de la orquesta filarmónica de Berlín dirigida por Furtwängler.
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Font: Belen Ginart (ara.cat)
El 26 d’abril del 1564 naixia William Shakespeare. Pocs mesos abans havia nascut el seu col·lega i compatriota Christopher Marlowe. Els dos autors tindrien una vida i una posteritat dispars, però comparteixen la condició de grans representants del teatre elisabetià. 450 anys després del seu naixement, quatre sales barcelonines de petit format s’han posat d’acord per retre’ls homenatge amb el cicle 4 mirades / Shakespeare & Marlowe, quatre obres presentades com una ruta que es pot completar a preu reduït.
‘HAMLET’, SALA ATRIUM. “No és ni un heroi ni un antiheroi, és un de nosaltres”, diu Raimon Molins. Un Hamlet ple d’humanitat, amb els seus dubtes i contradiccions, és el que trobarà l’espectador que faci parada a la Sala Atrium en aquesta ruta. El més conegut dels personatges shakespearians apareix situat en un context contemporani en un muntatge en què Molins comparteix les tasques de direcció i dramatúrgia amb Marc Chornet. El mític Hamlet de Peter Brook, centrat en el protagonista i alleugerit d’algunes trames secundàries, ha servit d’inspiració per a un espectacle que la companyia ha assajat durant tres mesos. Un camí que van iniciar “amb la pretensió d’acostar Hamlet a nosaltres” i ha arribat a un port diferent: “Ens hem acabat acostant nosaltres a Hamlet. La contemporaneïtat ja existeix en l’obra, no calia modernitzar-la”. El muntatge, això sí, utilitza un acurat treball sonor i videogràfic.
‘EDUARD II’, TANTARANTANA. La companyia Parking Shakespeare, que cada estiu ofereix una obra del Bard a l’aire lliure, amb el fred s’aixopluga a l’interior d’una sala per submergir-se en una tragèdia de Christopher Marlowe, que malgrat ser coetani de Shakespeare està considerat també un dels seus referents. Marlowe, mort als 29 anys, va contribuir a modernitzar el lànguid panorama teatral de la seva època. La seva obra més coneguda, Eduard II, està centrada en la relació eròtica entre dos homes. Però a més, i sobretot, és una reflexió sobre el poder, i sobre les enveges, ambicions i jocs bruts que provoca. Roberto Romei és el director escollit per Parking Shakespeare per portar a escena la seva nova tragèdia d’hivern.
‘NIT DE REIS’, CÍRCOL MALDÀ. Parelles creuades, amors no correspostos, confusió, desig. Temes recurrents en Shakespeare que la companyia Els Pirates Teatre esprem a fons en una posada en escena que aposta per la senzillesa. La rocambolesca història de dos germans bessons separats per un naufragi va formar part de la programació de l’onzena edició del Festival Shakespeare de Barcelona i en aquest marc es va estrenar en funció única a la Biblioteca de Catalunya. Ara la peça retorna els seus intèrprets a un espai familiar: Els Pirates Teatre són els responsables de la gestió del Círcol Maldà. El director artístic del teatre, Adrià Aubert, és també el responsable de l’adaptació de la peça. “L’obra està tan ben escrita que la nostra feina ha consistit a intentar que el text parli sol i flueixi d’una manera natural”, explica Aubert. El muntatge té, a més, una altra característica que lliga molt amb la trajectòria d’Els Pirates Teatre: la música.
‘COM US PLAGUI’, AKADÈMIA. Si hi ha avui una companyia que s’ha distingit mundialment pels seus Shakespeares és la britànica Propeller, habitual al festival Temporada Alta. El grup, integrat només per homes, al més pur estil de l’època, s’ha distingit per la seva brillant mirada contemporània al clàssic. Dugald Bruce-Lockhart, director associat a la prestigiosa companyia, torna per segon any al Teatre Akadèmia de Barcelona per dirigir un muntatge shakespearià amb regust de Propeller, però amb actors catalans. Desprès de l’èxit, l’any passat, del seu Romeu i Julieta cuinat a la petita sala de l’Eixample, el director proposa ara una comèdia shakespeariana marcada per les usurpacions de poder, les baralles per l’herència paterna, els equívocs, la reflexió sobre la identitat i la reivindicació del vincle entre l’home i la natura. |
4 mirades / Shakespeare & Marlowe. 'Hamlet'. Sala Atrium. Fins a l’11/1. 'Eduard II'. Tantarantana. Del 17/12 a l’11/1. 'Nit de reis'. Círcol Maldà. Del 10 /12 a l’11/1. 'Com us plagui'. Akadèmia. Del 18/12 al 18/1
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