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DRAMATURGIA, CONCEPCIÓN y DIRECCIÓN: PASCAL RAMBERT
TRADUCCIÓN y VERSIÓN: COTO ADÁNEZ
INTERPRETACIÓN: ISRAEL ELEJALDE y BÁRBARA LENNIE
DURACIÓN: 115 min
FOTO: FEDE SERRA
PRODUCCIÓN: BUXMAN PRODUCCIONES y KAMIKAZE PRODUCCIONES
TEATRE LLIURE (GRÀCIA, GREC 2015)

A todos aquellos que su pareja les ha dejado en un momento u otro de la vida, sabrán que por muy bien que lo afrontes, se pasa mal. Si lo dejas de buenas, también, pero si la ruptura es una pesadilla el dolor va más allá de los límites inimaginables. Y aquí, sin límites encontramos La clausura del amor. No será fácil, pero por suerte, hoy es sólo ficción.

La clausura del amor son dos monólogos al cien por cien de intensidad. Como si entráramos en un ring de boxeo y los dos púgiles combatieran entre sí pero los golpes le tocaran recibirlos al espectador. Una escenografía blanca, vacía, fría a los ojos del público. No hay nada en que resguardarse. Observamos los golpes, los disparos certeros, primero de él, cincuenta minutos casi sin pausa, sin respiro, luego ella más de lo mismo. Un sinfín de reproches, ataques personales un constante juego con el lenguaje: desde las metáforas a la manera de hablar de uno y otro personaje. Atónitos presenciamos la escena, sólo rota al acabar el primer monólogo para homenajear la inocencia. Inocencia que se rompe, se hace añicos, diminutos y las heridas comienzan a sangrar.

No hacen falta puñetazos para llorar, el dolor más poderoso viene de la mano de la palabra. Ellos se vomitan el uno al otro toda la mierda contenida durante los años. Son seres humanos aunque en algún momento puedan parecer dos bestias ansiosas por ganar la batalla. La presa, un día se le llamó amor. Hoy ya no queda, ha sido reemplazado por el odio hacia el otro, pero más que nunca hacia uno mismo.

La clausura del amor es una maratón interpretativo a la altura sólo de unos pocos. Es una obra difícil de interpretar, con un desgaste actoral como pocas. Por ello, mi más sincero aplauso escrito a Israel Elejalde y Bárbara Lennie, que con acierto se han aventurado en ella. Se queda una sin palabras para describir la ferocidad que ambos imprimen a sus personajes. Difícil el aguante de mantener el embate y de responder con la misma fuerza. De hacer vivo el texto desde el primer minuto hasta el último. Brillante combate interpretativo donde quien gana es el espectador.

Al final, en medio de la oscuridad y antes del aplauso se te queda el cuerpo vacío y frío. Como se dice durante la obra: "El amor es un cadáver y tu llevas su piel". Abandonas la sala y sientes como si alguien te hubiera dado un golpe en medio del pecho. Tu también lo has sentido. Te ha llegado. "Me lo quedo" ¡Qué pulsión, qué ritmo, qué grandes!

LA CLAUSURA DEL AMOR

by on 16:03
DRAMATURGIA, CONCEPCIÓN y DIRECCIÓN: PASCAL RAMBERT TRADUCCIÓN y VERSIÓN: COTO ADÁNEZ INTERPRETACIÓN: ISRAEL ELEJALDE y BÁRBARA LENN...
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Font: Belén Ginart (ara.cat)
La ruptura amb la seva dona va portar el coreògraf i director francès Pascal Rambert a escriure aquesta obra. De què parla?
És un espectacle molt senzill: un home entra en una sala i li deixa anar un munt de coses a la que fins aleshores, i durant una pila d’anys, havia sigut la seva companya. I després és ella la que contesta.
L’obra són dos llargs monòlegs, sense rèpliques, i tinc entès que són ferotges.
No és un final de relació quotidià ni petit. Són dos tipus que lluiten a vida o mort. Són dos titans que lluiten per seguir vius, i l’única manera que saben de fer-ho és matar l’altre.
I de quines coses parlen abans de tancar la porta del seu amor?
Com qualsevol parella que se separa, parlen del passat, de les coses que no s’han dit. Hi ha retrets, frustració, necessitats, i també l’amor compartit, que ha sigut molt profund.
I quina és la grandesa d’aquesta ruptura?
És meravellós que puguin parlar de tot amb tanta lucidesa. Quan et separes, aquesta lucidesa no és habitual. O com a mínim jo mai ho he viscut així.
Actues amb la teva parella real.
Sí, però no és un fet rellevant. Seria el mateix si actués amb un amic.
On us porta com a actors aquesta obra?
Tant a l’Israel com a mi ens va fer embogir el projecte. Reuneix un munt de coses noves i que volíem provar: el tipus de posada en escena, la feina amb nosaltres mateixos, ens descobreix un nou món.
Els protagonistes despullen els seus sentiments, i al cartell l’Israel i tu hi sortiu despullats. Metàfora o realitat?
Metafòricament estem superdespullats. Jo mai abans havia estat tan despullada íntimament a sobre d’un escenari. Però hi sortim vestits. El cartell remet a una cosa que passa al llarg de l’obra i que el Pascal ja va utilitzar quan la va estrenar. Li va fer il·lusió que nosaltres també la volguéssim utilitzar.
Encara esteu en ple procés de creació. Com us està anant?
En total haurem assajat onze dies. Jo mai havia fet una cosa en tan poc temps, m’aterria la idea. Però el Pascal tenia clar que ho havíem de fer així, i ara ho vaig entenent.
En què beneficia el muntatge?
El Pascal ens demana molta naturalitat. Cal arribar a l’estrena segur però també fresc, amb la possibilitat implícita que tot pot canviar. El director no es vol passar d’assajos i de ben segur que no ens passarem. I ara he entès que assajar això durant un mes no té cap sentit.
Excita estrenar a Barcelona?
Estic taquicàrdica pel fet de fer-la a Barcelona i pel fet de formar part del Grec, un festival que segueixo des de fa molts anys. La primera vegada hi vaig anar a veure Tomatito amb Michel Camilo. Em va semblar màgic pujar a la muntanya i trobar un espai tan meravellós.
Quins altres projectes tens entre mans?
Acabo de finalitzar el rodatge d’una opera prima de Nely Reguera a Galícia, María y los demás. Després de l’estrena a Barcelona torno a Madrid per començar els assajos de La Furia, amb Miguel del Arco. I després tinc dos llargmetratges més, un dels quals a l’Argentina.
Veig que la crisi no t’afecta.
La veritat és que porto des del mes d’abril o març sense parar. Però l’any passat va ser més tranquil. El que és cert és que sempre he pogut viure, més o menys, de la meva feina com a actriu.
No tothom pot dir el mateix.
És un gran luxe, en sóc conscient. Però no sé ni quant durarà ni què em vindrà a mi de gust fer d’aquí un any i mig. Intento no fer grans plans de futur i viure amb intensitat el present. Em deixo guiar per l’instint.
I què et demana l’instint?
Porto molt malament el fet d’estar esperant una trucada per treballar. Ja ho he patit i no hi vull tornar. Ara, si no em truquen, sempre tinc els amics i gent valenta per poder fer coses i cada cop tinc més clar que no vull només actuar. Vull generar projectes, unir talents.
¿És més fàcil convèncer-te per fer teatre o per fer una pel·li?
Depèn del projecte. Però el que em passa amb el teatre és que, si es tracta d’una producció totalment privada, en bona lògica la intenció dels productors serà girar-la tant com sigui possible. I en aquests moments de la meva vida em ve més de gust anar i venir, portar poc pes a l’esquena. | 
Grec 2015: ‘La clausura del amor’. Dramatúrgia i direcció: Pascal Rambert (traducció i versió de Coto Adánez). Amb Bárbara Lennie, Israel Elejalde. Teatre Lliure de Gràcia (Barcelona). Del 23 al 27 de juliol
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Fuente: Juan Cruz (elpais.com) | Foto: Bernardo Pérez
Israel Elejalde, Madrid, 1972. Hijo de padre impresor, sindicalista y político. Su madre fue ama de casa. Actor en El misántropo, Veraneantes, La función por hacer y La fiebre.Se hizo actor para escapar del dolor, para explicárselo.

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Israel Elejalde (Madrid, 1973). Es un actor de teatro, cine y televisión Premio Ojo Crítico de teatro de RNE en 2004. Ha trabajado en obras como Memoria de un olvido, con José Luis Gómez, y Veraneantes, dirigida por Miguel del Arco. Una de sus últimas películas ha sido Magical Girl.
¿Qué ha pasado para que usted sea actor?
No sé muy bien; esta es una profesión que te elige más que elegirla tú. Desde chico me contaban mis padres cosas relacionadas con el escenario y con el público. A los 18 tenía claro que quería ser actor, pero me gustaba mucho la política, y estudié eso, Ciencias Políticas. Decidí hacer un curso de teatro para probar y quedé atrapado.
¿Qué le atrapó?
Que es un vehículo para transformarte, para descubrirte a ti mismo. Y también para compartir con los demás tu forma de ver el mundo. Tuvo que ver más con cosas que llevaba dentro, dolorosas, que el teatro me permitía vehiculizar.
¿Qué era doloroso?
Tenía una relación conflictiva con mis padres. No sabía dónde situarlos. Habían sido muy importantes para mí en la infancia, sobre todo mi padre; en la adolescencia se truncó y sentí un gran dolor. Un maestro me enseñó no sólo a hacer psicoterapia sino a convertir ese dolor en algo artístico. Sentí que era una forma de poder mejorar.
¿Por qué hubo esa ruptura?
No creo en el teatro como psicoterapia, pero algo tiene que ver”
¡Uf, me has pillado! Mis padres no eran pareja perfecta y en la adolescencia, cuando las parejas no son perfectas y además eres hijo único, tomas partido. Ya no los ves desde lejos sino como adulto y te enfrentas a cosas que no entiendes o no quieres entender. Eso provoca dolor… Mis padres murieron el año pasado, uno después del otro. Cuando me entrevistan siempre acabo hablando de ellos; es algo muy importante en este momento. Ahora entiendo que en algunos momentos fui injusto. A través del trabajo he empezado a descubrir estas cosas también.
Eso le hizo actor.
Me impulsó a tomar una decisión que llevaba dentro. No creo en el teatro como psicoterapia, pero algo tiene que ver porque tu dolor, tu forma de ver el mundo, es lo que finalmente te hace artista. El artista es alguien que tiene algo que contar y quiere compartirlo. A los 18 eso me decantó por la actuación.
¿En qué consistió ese ejercicio que hizo a los 18?
Ejercicios muy básicos para descubrirte a ti mismo. Decidí hablar de un hecho concreto que me había pasado con mi padre. Sólo la descripción me provocó un llanto brutal. El maestro hizo que dejara de ser psicoterapia para convertirlo en algo artístico.
¿Qué le sedujo para que lo marcara tanto el teatro?
Algo del ritual del teatro me atrajo desde pequeño. Esa cosa desnuda, ese peligro brutal que consiste en quedarse solo en medio del escenario, ante unos señores a los que tienes que contarles algo. Tiene que ver con el peligro, el riesgo…, las cosas que necesito en la vida.
Cuando tus padres desaparecen comienzas un nuevo orden"
¿Qué más necesita?
El amor. Necesito no sentirme solo. Lo único que remedia la ausencia de mis padres y el dolor que provoca la orfandad es que afortunadamente siento que no estoy solo. Es un miedo que he tenido siempre como hijo único. Ahora estoy orgulloso de tener amigos. La soledad me da pánico. El actor a veces se siente muy solo, pero a la vez está acompañado. Desea mostrarse como vehículo para que otros descubran cosas.
¿Hubo un momento específico en que ya se dijo “soy actor”?
Todavía no soy capaz de decirlo. Esta es una profesión en la que aprendes todos los días. No puedes perder ese rastro, pero sí hay un momento de inflexión: cuando surge Kamikaze Producciones, con Miguel del Arco, Aitor Tejada, Manuela Paso, Raúl Prieto, Cristóbal Suárez, Miriam Montilla y Barbara Lennie… He aprendido a no querer actuar sino a querer ser. Cuando empecé creo que tenía buenas dotes… Fui un actor muy técnico quizá como forma de tapar carencias. En el encuentro con Miguel y el resto de compañeros me di cuenta de que no hacía falta pensar en la técnica, que había que dejarse hacer: estar allí.
¿Y hay un instante en el que se da cuenta de que es otro en el escenario?
Ahora estoy orgulloso de tener amigos. La soledad me da pánico. El actor a veces se siente muy solo, pero a la vez está acompañado"
Depende de las funciones. En El Misántropo fui Israel y Alceste a la vez. El teatro es una gran paradoja: no eres Israel porque estás en un escenario: es que el dolor de Alceste es mi dolor, ese personaje eres tú. No es Israel.
Y en el monólogo La fiebre le pasará igual.
Lo abordé porque reflexionaba el texto de Wallace Shawn sobre cosas que me estaban perturbando. La crisis del 2008, la brutal sensación de que no hay solución. El teatro es preguntas, no respuestas.
¿Cuáles son las preguntas ahora?
Estoy resituándome en la vida, en una segunda etapa. Cuando tus padres desaparecen comienzas un nuevo orden porque algo ha cambiado radicalmente.
Ahora es usted su propio padre.
¡Ja ja ja! ¡No lo creo! Soy lo que era, pero con un bagaje diferente que te hace ver la vida diferente; ya no le puedo echar la culpa a nadie. Ahora la culpa es mía.
Usted, por cierto, recuerda ahora a Vittorio Gassman.
¿Ah, sí? ¡Qué más quisiera! ¡Pero lo que yo quiero es parecerme a José Luis Gómez!
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Fuente: Rocío García (elpais.com) | Foto: Samuel Sánchez
Una de las acepciones de la palabra fiebre en el Diccionario de la Real Academia Española dice así: “Viva y ardorosa agitación producida por una causa moral”. Eso fue lo que sintió hace ya años el actor y dramaturgo norteamericano Wallace Shawn, conocido por sus trabajos con Woody Allen, cuando viajó a un país africano. Lo que descubrió le obligó a someterse a una revisión física, psíquica, política y espiritual.
Y por eso puso el título de La fiebre a un texto personal, una confesión descarnada y muy crítica, que convirtió poco después en un monólogo teatral. Fue en 1991. Han pasado más de 20 años y ese relato sigue tan vigente o más que entonces. Bien lo sabe Israel Elejalde, el actor madrileño de 41 años, uno de los rostros más potentes y de mayor proyección en el panorama teatral español, que desde ayer pone en escena ese monólogo en la Sala Cuarta Pared, de Madrid, donde estará todos los jueves, viernes y sábados de los meses de mayo y junio. La obra ya estuvo en cartel de manera puntual el año pasado.
Confiesa Elejalde, hombre inquieto que interpreta, dirige y escribe, que este proyecto, largamente acariciado, nació de una necesidad personal cuando la crisis económica estalló de manera dramática en la gente. “Me tiré año y medio buscando textos. Me resultó difícil porque encontrar algo que te haga reflexionar sin adoctrinar ni aburrir no es fácil. En cuanto leí el relato de Wallace Shawn tuve claro que eso era lo que quería”. Era un monólogo, algo que Elejalde no se había planteado ni había hecho nunca, pero la fuerza del texto, esa reflexión sobre la decencia y la conciencia de un hombre rico del Primer Mundo ante la pobreza del Tercer Mundo, no se podía abandonar así sin más. El crowdfunding, el apoyo del director Carlos Aladro, de productoras como Kamikaze y la inversión del propio Elejalde hicieron el resto. “Fue una decisión difícil porque, en un principio, no me apetecía hacer un monólogo. Estar en un escenario es algo muy duro, se sienten muchos nervios y mucho miedo, uno se expone, se abre en canal para mostrar lo que es. Y tener un compañero al lado es como el aliado que te acompaña en el viaje. El monólogo es una lucha titánica contra la soledad. Es un río en el que en cualquier momento sube la corriente y te arrastra. Es escalar un ochomil”, explica el actor que ha protagonizado en los últimos años las obras dirigidas por Miguel del Arco, La función por hacer, Veraneantes y Misántropo.
En el tiempo transcurrido desde que Shawn, hijo del editor de The New Yorker que aceptó el envite de Hannah Arendt para cubrir el juicio del nazi Adolf Eichman en Jerusalén, escribiera este texto y lo expusiera primero en privado, en casa de sus amigos ricos, y luego saltara a los escenarios de Broadway, parece que las cosas no han ido a mejor. “Desde entonces ha habido una aceleración histórica tan fuerte que con los años se ha hecho más actual. La crisis ha ahondado la brecha entre los ricos y los pobres. Shawn lo escribe desde la perspectiva de un hombre de clase alta que se topa con una realidad aterradora de pobreza. ¿Qué ha pasado en estos años? Que no hace falta viajar a un país del Tercer Mundo, que aquí en Madrid, coges un coche y en 10 minutos puedes estar en sitios donde se vive en la más absoluta pobreza”.
Son 65 minutos de un espectáculo planteado como un coloquio, una conversación con el público de la sala, plagada de preguntas. “Cada espectador debe dar su propia respuesta. Wallace Shawn, que es un hombre inteligente y educado, lo que hace es plantear preguntas. La fiebre es una especie de crisol que, dependiendo del momento en el que nos estamos moviendo, a cada espectador se le van a iluminar unas cosas u otras. Cada uno ve un espectáculo diferente porque la vida de cada uno hace que le resuenen unas cosas y que otras queden más escondidas. El teatro está para reflexionar y no para adoctrinar. En el teatro tenemos que mantener constantemente el pensamiento de que no sabemos nada y de que desde el escenario tienen que surgir las preguntas”.
Todas las contradicciones de La fiebre estarán más que presentes en el escenario de la Cuarta Pared. La belleza, el confort, la seguridad, las luces de neón y el lujo frente a la muerte, la violencia, la brutalidad, la pobreza y la oscuridad. El sonido del violonchelo interpretando en directo música de Bach será el único envoltorio de ese caramelo amargo.
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TEXTO: MOLIÈRE
VERSIÓN LIBRE y DIRECCIÓN: MIGUEL DEL ARCO
INTÉRPRETES: ISRAEL ELEJALDE, BÁRBARA LENNIE, JOSÉ LUIS MARTÍNEZ, MÍRIAM MONTILLA, MANUELA PASO, RAÚL PRIETO y CRISTÓBAL SUÁREZ
DURACIÓN: ah 45min
PRODUCCIÓN: KAMIKAZE PRODUCCIONES, TEATRO ESPAÑOL DE MADRID y TEATRO CALDERÓN DE VALLADOLID con la colaboración de TEATRO PALACIO VALDÉS DE AVILÉS
TEATRE LLIURE (MONTJUÏC)

Ingeniería perfecta la que se ve, se siente y se escucha en la Sala Puigserver del Lliure de Montjuïc. Habituados como estamos en ver los clásicos, una y otra vez hasta la saciedad, se agradece ver la misma historia en esencia pero desde un punto de vista diferente, visceral e incluso para aquellos que no hayan visto o leído el original puedan alejarse y acercarse a un mundo donde todo no estaba escrito.

Kamikaze Producciones nos dejó muy claro tras La Función por hacer que las historias pueden ser contadas de muchas maneras. Siempre he pensado que tal y como actualmente se nos enseñan los clásicos o los amamos o los odiaremos de por vida. Necesitamos más educadores en lo clásico, como Miguel del Arco, para no alejarnos de ese punto donde no hay retorno.

Dejamos el verso para introducirnos en el lenguaje moderno, no sólo a la hora de hablar sino también en todo el desarrollo de la dramatúrgia y su puesta en escena. Es teatro, pero el uso de recursos cinematográficos están tan bien utilizados que te olvidas si hay pantalla o no. Precisión milimétrica, a pesar de las continuas entradas y salidas. Naturalidad máxima, es ficción pero yo también soy Misántropo, a veces Alcestres, a veces Celimena. 

Israel Elejalde lleva el timón del montaje, suyos son la mayoría de los discursos filosóficos sobre a quien tenemos que venderle el alma para llegar a ser alguien, frase tras frase hiere, lejos de ser un discurso hilvanado de titulares, son balas para que nuestras cabezas y corazones piensen hacía donde vamos. Ellos son políticos en buscar de poder y más poder y de perpetuarse en él, no piensan en nosotros pueblo, que asistimos impávidos a una retahíla de insultos, depreciaciones y demás fechorías que harían saltar de la butaca a cualquiera. 

Pero permanecemos porque queremos más, y aparece una radiante Bárbara Lennie, que entre la inocencia y la maldad nos hechiza con un veneno para el cual difícilmente encontraremos antídoto. Sensual, encantadora, traviesa, malvada, un personaje maravillosamente trabajado que supone el complemento perfecto para las réplicas de Israel Elejalde cuyo Alcestes es simplemente bestial.

Pero considero que el gran protagonista y al que aplaudiría levantada durante lo que mis brazos me concedieran, es Juanjo Llorens, su iluminación es simplemente sublime. Y, aunque a veces no veamos más allá de la dramatúrgia, la dirección y las interpretaciones, en Misántropo, lo que recrean las luces, es una nueva historia, es simplemente entrar en un mundo, del que sabes que no saldrás igual.  

Espero con ansias el próximo montaje de Kamikaze, como una más de sus fans. Y también anhelo que los programadores catalanes sigan deleitándonos con su presencia, sino tendremos que ir a Madrid a hacer el Kamikaze. Mientras tanto sigo de pie, gritando ¡BRAVO!

MISÁNTROPO

by on 17:17
TEXTO: MOLIÈRE VERSIÓN LIBRE y DIRECCIÓN: MIGUEL DEL ARCO INTÉRPRETES: ISRAEL ELEJALDE, BÁRBARA LENNIE, JOSÉ LUIS MARTÍNEZ, MÍRIAM ...
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Fuente: Andrea Aguilar (elpais.com)
Hace seis meses que llegó a este piso en Malasaña, pero medio año en la vida de Israel Elejalde es tiempo suficiente para combinar actuaciones en varios montajes teatrales (el más reciente como protagonista de El misántropo bajo las órdenes de Miguel del Arco), y en la película Magical Girl (filme de Carlos Vermut que será presentado en la sección oficial del Festival de Cine de San Sebastián); para participar en el proyecto de la RAE, dirigido por José Luis Gómez, Cómicos de la lengua; y para estrenarse como director con Sótano,una pieza de Benet i Jornet, que presentó en mayo y regresará el 7 de septiembre a la Pensión de las Pulgas en Madrid.
Dice Elejalde que pasea mientras aprende los textos, de la cocina al salón o de una habitación a otra, y lo cuenta mientras se mueve por la casa antes de tomar asiento. El movimiento es una constante para este madrileño nacido en Villaverde y criado en Lavapiés. Teatro y política, los dos polos que le han atraído. Su primera actuación fue en el Instituto Juan de Villanueva de Orcasitas junto al legendario grupo catalán Dagoll Dagom en el musical Glups! Hijo de un sindicalista, Israel se licenció en Ciencias Políticas mientras estudiaba en el Laboratorio William Layton, junto a José Carlos Plaza. “Política por la mañana y teatro por la tarde”, dice sobre aquella dieta académica. Ingresó en la escuela del Teatro de La Abadía para “reformarse”, y de ahí dio el salto a la Real Escuela Superior de Arte Dramático: “Quería saber de todo y lo actoral se quedaba corto. Decidí estudiar dirección”, afirma.
Este año se ha estrenado en el papel de director, y ha sido así como ha llegado al escritorio orientado hacia un balcón, ese que ocupa un cuarto escueto y despejado, con un póster enmarcado de Klimt a ras de suelo. “No soy escritor, pero me gusta leer cosas de otros dramaturgos y aconsejarles, porque como actor sé si funciona, y eso me ha llevado a versionar textos”. Arrancó con La fiebre, del genial Wallace Shawn, una pieza que encontró cuando estallaba la crisis, y que situó en Marruecos. “Era lo que estaba buscando: teatro político, pero no dogmático, un texto incómodo e ingenuo. Shawn es un dramaturgo, pero casi más un filósofo que analiza de forma racional por qué nuestro sistema está podrido, no es maniqueo, escribe para ponerse a pensar”, apunta. Porque la pregunta para Elejalde —como actor, director o escritor— siempre es la misma: ¿qué quiero contar al público de hoy? Y las respuestas remiten a la proyección de nuevos interrogantes desde el escenario: “El teatro debe plantear preguntas, es otro ejercicio intelectual. Aunque nunca debe ser aburrido, hay cosas mejores para la evasión. Tiene algo evocador, idealiza la realidad y siempre será mentira”. Y si mira alrededor este actor advierte una renovación en las formas, nuevos tipos de actores y de espectadores, pero también una brutal precariedad. “Trabajamos como amateurs, estamos como en el siglo XVII, y eso no es bueno”.

En constante movimiento

by on 16:07
Fuente: Andrea Aguilar ( elpais.com ) Hace seis meses que llegó a este piso en Malasaña, pero medio año en la vida de Israel Elejalde ...
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Fuente: Javier Yuste (elcultural.es)

Cuando el cómico y dramaturgo neoyorquino Wallace Shawn viajó a varios países del Tercer Mundo, su conciencia se vio repentinamente comprometida por lo que estaba viendo y experimentando: que la miseria de los más desfavorecidos era condición indispensable para el bienestar de su clase. Este fue el germen que generó “La fiebre” y que ahora también ha afectado a la temperatura de Israel Elejalde. El actor madrileño y el director Carlos Aladro adaptan por primera vez el texto al castellano y, juntos, lo llevan a la Cuarta Pared tras haberlo presentado en la anterior edición de Fringe (2012) y lograr el aplauso del público.

'La fiebre' es una reflexión sobre las desigualdades entre los países ricos y pobres. ¿Por qué no nos sube la fiebre a todos en occidente como le ocurre al protagonista de la obra?
En estos momentos le está subiendo unas décimas a una gran parte de la población. Nuestra sociedad (una parte al menos) empieza a darse cuenta de que las enormes diferencias entre ricos y pobres son insostenibles y de que hay que hacer algo para remediarlas. El problema es que la fiebre solo sube cuando el problema nos atañe de forma directa, hasta entonces parecemos insensibilizados. Por otro lado está la cuestión de qué hacer con esa fiebre; cómo convertirla en algo productivo, en algo tangible; cómo conseguir mejorar esta sociedad.


La obra fue escrita en 1991 y ahora la enfermedad de muchos países desarrollados no es solo moral, también es palpable a nivel económico. ¿Cómo cree que afecta esto al sentido de la obra?
La obra es visionaria. El tiempo la ha reforzado, le ha dado vigencia. Parece escrita hoy, pero tiene 23 años. Los problemas son los mismos, siempre han existido, pero ahora nos afectan a más personas y más cerca.“La fiebre” ha dejado de ser una reflexión moral sobre los principios injustos en los que se basa nuestra sociedad, para convertirse en una radiografía de las consecuencias nefastas de permitir que las diferencias entre ricos y pobres sean cada vez más grandes. Hasta ahora en Europa estas diferencias estaban mitigadas por la social democracia. La destrucción de ésta nos lleva a una desigualdad cada vez menos sostenible y es la causa de las tensiones sociales actuales. Ése es el tema de la obra.


¿No cree que el público que vaya a ver 'La fiebre', se mostrará en gran medida de acuerdo con lo que le han contado y después se irá de cena sin darle muchas más vueltas al asunto? ¿Estamos ya insensibilizados?
Puede que sea así en muchos casos pero quiero creer que en otros no lo será. Con que una sola persona se plantee realmente el asunto yo creeré que ha merecido la pena. Quizás soy un ingenuo, pero no me dedicaría a esto sino lo fuera. El teatro no cambia el mundo, pero uno tiene que hacerlo como si las preguntas que lanza en el escenario tuvieran un poder mágico, de otra manera no tiene sentido. Para vivir en la realidad y decirnos que debemos tener paciencia y resignación ya están los políticos.


¿Qué opinión le merece Wallace Shawn como autor?
Me parece un autor muy complejo, de una gran maestría en el uso del lenguaje y en el planteamiento de conflictos morales incómodos.Siempre juega al límite. Deberíamos montarlo más, tiene grandes textos.

El apoyo escénico de la violonchelista y actriz Alba Celma es un rasgo distintivo de vuestra puesta en escena. ¿Por qué introducirla y qué piensa que va a aportar?
En la obra se hacen muchas apelaciones a la música, al disfrute y a la belleza que producen las grandes obras de arte en general, pero especialmente la música. Así que a Carlos Aladro (director de la obra) se le ocurrió la posibilidad de contar con una violonchelista. Después encontramos a Alba que además es actriz, y eso nos abrió muchas opciones: la posibilidad de jugar con ella, de convertirla en una especie de conciencia del personaje, de elemento instigador. De esta manera la obra por momentos se convierte más en un diálogo que en un soliloquio. Creo que el texto respira mejor de esta forma.


Le hemos podido ver en el vídeo promocional bailando. ¿Qué tal la experiencia?

Como habrá podido ver no soy Nacho Duato. Sinceramente no es lo mío, pero esta profesión te hace enfrentarte continuamente con tus dificultades, así que juego con ello, me divierto. No es la primera vez que me toca y no será la última.

Han utilizado el crowdfunding para financiar parte del proyecto ¿Como ha funcionado la iniciativa?
Pues la verdad es que funcionó muy bien. No solo porque conseguí la pequeña financiación que pedía, si no porque de esta forma el público se vinculó al espectáculo de una manera más personal.


¿Qué le parecen estás herramientas de mecenazgo popular?
Me parecen bien aunque el crowdfunding es una solución desesperada ante la falta casi absoluta de ayudas de cualquier tipo. El modelo anterior se ha terminado. ¿Qué nos han ofrecido a cambio? Nada, el desierto. Así que nos buscamos la vida como podemos. Ahora bien, espero que en un futuro este recurso no sea tan masivo como ahora. Esto significará que a alguien con un mínimo de inteligencia se le ha ocurrido desbloquear el problema de la financiación de la cultura.


¿Cómo afronta la puesta en escena de su primer monólogo?
Con ilusión y con miedo. Hacer un monólogo es muy duro. Es como la soledad en la vida: puede que uno saque cosas fructíferas de ella pero desgasta. Es un de los retos más difíciles de mi carrera.

Presentaron la obra en el pasado Fringe, ¿cómo fue la reacción del público?
Pues quedamos muy contentos y por eso lo reponemos. Me he encontrado con bastante gente que me decía que lo habían visto y que tenía que volver a hacerlo, que querían leer el texto, que era una reflexión necesaria y, como dice el personaje, "bien, bueno, vale...y aquí estoy".
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