COREOGRAFÍA y DRAMATURGIA: HILLEL KOGAN
INTERPRETACIÓN: ADI BOUTROUS y HILLEL KOGAN
MÚSICA: KAZEM ALSAHER y WOLFGANG AMADEUS MOZART
DURACIÓN: 55min
FOTOGRAFIA: GADI DAGON
PRODUCCIÓN: DDD
MERCAT DE LES FLORS (PB, GREC 2017)

Que poco acostumbrados estamos a la autocrítica y la mayor parte de las veces que se producen queda reflejada de una manera pomposa, que es como pensar que no sabemos para qué se ha llevado a cabo. Hillel Kogan no sólo se atreve a criticar la denominada ‘Alianza de Civilizaciones’, la mirada hacia el otro, el ser diferente, sino que ataca los cimientos de la danza, en una especie de ‘postureo’ simbólico del artista versus su arte.

Los espectadores realmente asistimos a lo que sería un ensayo, el inicio de la preparación de un supuesto espectáculo que se representará próximamente en un lugar del desierto, en un festival creado para la ocasión, una especie de maratón creativo de tres días de duración. Y, aunque a ‘su protagonista’ no sea amigo del texto en los montajes de danza, sino de expresar sentimientos, emociones y vida a través del cuerpo, nuestra experiencia como espectadores es haber asistido a una conferencia sobre y con danza, pero sobre todo con mucho humor.

Un judío y árabe, que no musulmán, son los protagonista de esta unión que no hay muro que los separe. Un intento por destruir los símbolos del conflicto y de ir más allá. Una crítica, desde el humor, de cómo la tolerancia no siempre se resuelve en el respecto al otro. Cómo desde una idea propia de cómo mover el cuerpo para describirse es todo un conflicto dependiendo de los ojos con los que se mire.

Un tópico seguido de otro irá pasando por nuestros ojos para que con un simple discurso o movimiento seamos capaces de visualizar que nuestro supuesto respeto hacia el otro, hacia lo que desconocemos, queda resquebrajado. El como el humo de la última escena, se diluye, lo nubla todo. Todo menos el humor, la pieza clave de este montaje. Gracias a él, las palabras, las ideas entran en nuestras cabezas sin que prácticamente nos enteremos. El humor deja poso, una realidad absolutamente demoledora.

WE LOVE ARABS

by on 17:36
COREOGRAFÍA y DRAMATURGIA: HILLEL KOGAN INTERPRETACIÓN: ADI BOUTROUS y HILLEL KOGAN MÚSICA: KAZEM ALSAHER y WOLFGANG AMADEUS MOZ...


AUTORIA: STEFAN ZWEIG
VERSIÓN y ADAPTACIÓN: SIMON MCBURNEY, JAMES YEATMAN, MAJA ZADE y los miembros de la compañía
DIRECCIÓN: SIMON MCBURNEY
INTERPRETACIÓN: ROBERT BEYER, MARIE BURCHARD, JOHANES FLASCHBERGER, CHRISTOPH GAWENDA, MORITZ GOTTWALD, LAURENZ LAUFENBERG y EVA MECKBACH
DURACIÓN: 120min
FOTO: GIANMARCO BRESADOLA
PRODUCCIÓN: COMPLICITÉ y SCHAUBÜHNE
TEATRE LLIURE (GREC 2017)

Complicité y Schaubühne adaptan la novela del escritor austríaco Stefan Zweig, un explorador del alma humana y uno de los escritores imprescindibles del siglo XX. La impaciencia del corazón escrita en 1939 nos presenta una descripción de los primeros años del siglo XX y se cuestiona la naturaleza de la compasión y cómo es de difícil hacerse cargo del dolor de otra persona. El problema recae cuando la adaptación se ajusta tanto al original que no es capaz de pulir la densidad extrema de un texto. Dos horas de poética dialéctica de manera interrumpida, en la que el espectador más ducho en la materia podrá digerir sin problema, pero uno que no esté tan cercano al estilo de Zweig le costará de encajar.

Complicité vuelve a combinar lenguajes en la puesta en escena como ya hizo en The Master and Margarida (Grec 2012). Vídeo, teatro, diálogo y narración se dan la mano esta ocasión. Aunque los que esperábamos la espectacularidad del 2012 nos hemos tenido que conformar con una limitada exposición de efectos lumínicos de segunda y unos más destacables efectos sonoros que ayudan a recalcar algunas escenas, o a dejar de fijar la vista constantemente en los sobretítulos.

Otro de los momentos que más chocan es al inicio, el estatismo de los personajes invade la escena. Lo que se supone que es una fiesta se convierte por arte de magia en una especie de lectura dramatizada, con los actores detrás de unos atriles. La parte narrativa centra en exceso la escena y hasta bien llegado el final no serán los diálogos los que cobren protagonismo, convirtiendo la acción en tedio. 

La compañía berlinesa Schaubühne, colectivo teatral dirigido por Thomas Ostermeier es la encargada de interpretar la pieza. No es la primera vez que que el teatro alemán nos muestra su frialdad interpretativa (comparada con la mediterránea), el naturalismo llevado al extremo, tanto que a veces se convierte en exagerado, cruza la línea entre la naturalidad y la sobreactuación.

Beware of pity es la demostración de que algunas novelas fueron escritas para ser leídas y no representadas. Y si alguien se atreve a adaptarlas a la escena, debe ser consciente de sacar su esencia. La fuerza del teatro no está, normalmente, en la narración sino en la construcción de los diálogos y su posterior puesta en escena. Beware of pity está construida para que admiremos las palabras de Zweig, que ya residen en cualquier biblioteca, pero no cuadran demasiado con el ritmo tedioso de una puesta en escena fallida.

BEWARE OF PITY

by on 13:38
AUTORIA: STEFAN ZWEIG VERSIÓN y ADAPTACIÓN: SIMON MCBURNEY, JAMES YEATMAN, MAJA ZADE y los miembros de la compañía DIRECCIÓN: SI...


COREOGRAFIA: PATRICIA APERGI
DRAMATURGIA: ROBERTO FRATINI
INTERPRETACIÓN: ILIAS CHATZIGEORGIOU, NONDAS DAMOPOULOS, CHARA KOTSALI, GIORGOS MICHELAKIS, IOANNA PARASKEVOPOULOU y EVA GEORGITSOPOULOU
COMPOSICIÓN MUSICAL: VASSILIS MANTZOUKIS
DURACIÓN: 70min
FOTO: IONNA CHATZIGEORGIOU
PRODUCCIÓN: ONASSIS CULTURAL CENTER
MERCAT DE LES FLORS (MAC, GREC 2017)

Se nos hundió el cielo, las esperanzas de vivir una vida digna, de tener una casa, un lugar donde resguardarnos. Este es el punto de partida de Cementary, la primera propuesta griega del Grec 2017. La base sobre papel prometía mucho más de lo que en realidad se consiguió. En el inicio es donde la dramaturgia de Roberto Fratini, es más fuerte, donde se muestra unos pilares que en pocos minutos se hundirán para dejarnos sopor.

Aunque la idea siempre resuene de fondo, la falta de ritmo convierte al espectáculo en un sinfín de movimientos sin conexión. Excesiva carga de dramaturgia, quizás para un espectáculo de danza, demasiado masticado, falta espacio para que la mente del espectador construya sus propias imágenes.

La puesta en escena deja al desnudo las carencias del montaje. Una luz intensa, estática, que no nos muestras ni las sombras de aquello que alumbra, vislumbra, deslumbra. El recurso de la tierra que pinta las caras enfatiza lo que el déficit lumínico no ha conseguido mostrar.

Cementary muestra un continuo de movimientos corporales que dejan pocos instantes de danza, demasiadas repeticiones sobre los mismos conceptos, queda de sobras subrayado cuáles son, pero una vez más el ritmo no deja amplitud de miras sobre unos ítems ya conocidos, día a día nada más encender el televisor.

Al final, el cielo se hundió sobre nuestros párpados y sobre la comodidad de los asientos de la sala MAC del Mercat de les Flors. Una lástima de papel mojado que sólo despertó ligeros aplausos de compromiso de una platea adormecida.

CEMENTARY

by on 15:07
COREOGRAFIA: PATRICIA APERGI DRAMATURGIA: ROBERTO FRATINI INTERPRETACIÓN: ILIAS CHATZIGEORGIOU, NONDAS DAMOPOULOS, CHARA KOTSALI...


AUTORIA y DIRECCIÓN: LES IMPUXIBLES (CLARA PEYA y ARIADNA PEYA) y CARLA ROVIRA
TEXTO y DRAMATURGIA: CARLA ROVIRA
INTERPRETACIÓN: JÚLIA BARCELÓ, OLGA LLADÓ, ARIADNA PEYA, CLARA PEYA y MARIA SALARICH
DIRECCIÓN COREOGRÁFICA: ARIADNA PEYA
COMPOSICIÓN e INTERPRETACIÓN MUSICAL: CLARA PEYA
DURACIÓN: 75min
PRODUCCIÓN: LES IMPUXIBLES
LA SECA ESPAI BROSSA

Gran expectación la que está despertando el nuevo montaje de Les Impuxibles después de su aclamado Limbo y más cuando esta vez han unido fuerzas con Carla Rovira (Most of all, you've got to pide it from the chicks). Cuando unos pocos privilegiados nos ‘colamos’ en un ensayo (a dos semanas del estreno) la cosa ya prometía, y las expectativas se han cumplido y con creces.

Partiendo de la base del lema ‘No es no’, desde el inicio (no te pierdas el mensaje de apagar el móvil), se van desgranando una serie de ítems relacionados con la violencia que sufren las mujeres por parte (o culpa) de los hombres. Palabra, música, cuerpo, sonidos. El primer cuarto de hora es para enmarcar, la potencia visual, sonora, de palabra y música es aplastante.

Cinco voces, cinco cuerpos que claman justicia, que no se banalice la violencia, que no se tome como algo habitual, como un hecho imposible de atajar, de corta, porque no es natural. Declaración de intenciones en una dramaturgia, una y otra vez los estómagos de los espectadores. Ariadna Peya ha coreografiado aquello que no es necesario explicar con palabras, porque un simple gesto dice mucho más. Las escenas de danza, son acompañadas por un grandioso diseño de iluminación de Jordi Berch, que acompañado de la pared desnuda a ladrillo visto de la sala dibuja impactos visuales de gran calado y una simple pero cómplice escenografía de Sarah Bernardy.

Si las palabras hieren, calan y la danza impacta, la composición musical de Clara Peya hipnotiza, impresionante el solo de piano o la explicación de la banda sonora. Además el diseño de sonido de Josep Sánchez-Rico le encaja perfectamente al espectáculo y es un continuo disparo, un incesante goteo de sentimientos.


A pesar de ser un espectáculo a cinco voces, no puedo obviar una, la de Júlia Barceló, impresionante trabajo de voz y cuerpo el suyo. Sus palabras hieren pero también te cuestionan si aquellos actos tan habituales no son más que una gota más en el mar con el que luchamos diariamente. La interpretación de Júlia Barceló es magnética, desde la lista de reproches hasta una inocente y delicada narración de abusos a menores. Piel de gallina. ¿Por qué no vemos a Júlia Barceló en más montajes?

Aüc, el so de les esquerdes es un espectáculo de realidades diarias que Carla Rovira ha sabido relatar con un simple entrar y salida de ficción. El exquisito trato por los temas sensibles tratados para que el público se sienta violentado pero en su justa medida es uno de los puntos más destacados del montaje. Una cosa es impactar y otra intentar evitar tratar el tema de manera gratuita. 

Aüc. El so de les esquerdes es un montaje más que necesario, imprescindible. Desgarrador grito de una realidad que no puede quedar silenciada. Se tiene que poner encima de la mesa. Es un espectáculo apto para todo aquel al que le quede corazón, pero lo deberían ver todos los hombres, en masculino, y si son adolescentes mejor. Nosotras, ellas, salimos de la sala con el estómago y la mente golpeados, pero con la sensación de que ‘entre todas podemos’. ¡Ojála no sea una sensación pasajera! 

Gràcies!



AUTORIA y DIRECCIÓN: PAU MIRÓ
INTERPRETACIÓN: EMMA VILARASAU, IMMA COLOMER y MAR ULLDEMOLINS
DURACIÓN: 80min
FOTOGRAFIA: DAVID RUANO
PRODUCCIÓN: GREC 2017 FESTIVAL DE BARCELONA y SALA BECKETT
SALA BECKETT

Si hubiera que poner un titular sería que Pau Miró abandona las historias del Raval después de una fallida Victòria. Su zona de confort, sus personajes anónimos son puestos en stand-by al menos por un tiempo, pero no hay que sufrir porque la jugada le ha salido redonda. Durante una hora y media me olvidé que estaba en Barcelona, que los personajes hablaban en catalán y me trasladé a un escenario anglosajón donde el hilo de las dramaturgias, en la mayoría de ocasiones, deja un bordado de oro. 

A Un tret al cap se le nota que su cocción ha sido lenta, las réplicas están bien tramadas, hay una coherencia de lenguajes, nada está porque sí, excepto al final, el cuento con el que acaba la obra, la última escena, queda un poco sinsentido, un intento de cierre más intelectual que el final abrupto que supondría la escena anterior, pero que le hubiera sentado al espectador como un tiro y hubiera sido “una caída de telón” magnífica.

Como periodista, Un tret al cap es una delicia. Una radiografía de la situación de la profesión, una enumeración de los dilemas a los que nos vemos sometidos y todas las consecuencias personales y profesionales que generan. Si alguien se pensaba que la profesión era intocable, que vaya quitándose la idea de la cabeza, es sin lugar a dudas un filón de ideas si se sabe aprovechar bien, como es el caso.

La historia de una periodista, interpretada por una comedida Emma Vilarasau, que es despedida del diario para el que lleva toda la vida trabajando. En medio de un cambio de sentido vital se encuentra con una ingeniera agrónoma, convincente y misteriosa Mar Ulldemolins, que también ha sido despedida por motivos éticos. La tercera en discordia es una escritora de cuentos, y hermana de la periodista, memorable Imma Colomer, que vuelve al hogar familiar a vivir con su hermana.

Si la dramaturgia y dirección de Pau Miró es sumblime (con la ayudantía de Alicía Gorina), aún lo es más la química y complicidad que destilan las interpretaciones. Delante de un texto tan sabiamente construido, verlo representado es un simple deleite. Las mejores réplicas se las llevan Imma Colomer y Emma Vilarasau, sus momentos de debate/discusión entre hermanas son magistrales. Un tret al cap es una drama, aunque alguna de las réplicas de Imma Colomer lo pongan en duda. Sin lugar a dudas el público de treinta y… se sentirá invocado en algunas de las frases del personaje de la Mar Ulldemolins, todo un discurso sobre la falta de relevo generacional para la llamada generación más preparada.

La escenografía de Sebastià Brosa funciona perfectamente como el escaparate de sentimientos que se translucen en toda la obra. Una simple pared y unos cuantos muebles para representar la sala de estar de una casa. Quizás está vez, Pau Miró haya abandonado los personajes anónimos, pero bien es cierto que aunque veamos la radiografía de una periodista reconocida, su historia es la historia de tantos otros miles con menos nombre.

Un tret al cap funciona como una gran orquesta afinada. Una partitura que roza la maestría y unos personajes con los que el espectador empatiza desde el primer minuto. Hubiera bastado con avanzar cinco minutos el 'The End' para estar delante de una obra de 10. De todas maneras el sobresaliente se lo ha ganado, y ser uno de los montajes imprescindibles de este Grec 2017 también. Bravo!

UN TRET AL CAP

by on 11:53
AUTORIA y DIRECCIÓN: PAU MIRÓ INTERPRETACIÓN: EMMA VILARASAU, IMMA COLOMER y MAR ULLDEMOLINS DURACIÓN: 80min FOTOGRAFIA: DAVID...


TEXTO: MARC ARTIGAU, CRISTINA GENEBAT y JULIO MANRIQUE
DIRECCIÓN: JULIO MANRIQUE
INTÉRPRETES: ROSA GÀMIZ, CAROLINA MORRO, MARTA PÉREZ, CARME PLA, ALBERT RIBALTA, JORDI RICO y ÀGATA ROCA
DURACIÓN: 105min
FOTOGRAFIA: DAVID RUANO
PRODUCCIÓN: T DE TEATRE, FOCUS y GREC 2017 FESTIVAL DE BARCELONA
TEATRE ROMEA

Ay, qué tiempos aquellos en que las T de Teatre hacían espectáculos ‘ridiculizando’ a los hombres! ¿25 años han pasado ya? ¡Cómo pasa el tiempo! E.V.A. es una obra homenaje a su trayectoria y quizás un punto y aparte de su carrera, parecido a aquel que van marcar cuando van abandonar sus habituales sketches para pasar a representar obras con inicio, nudo y desenlace. 

E.V.A. está especialmente llamada a ser el final de una etapa. Conscientes que los años de Jet Lag o Homes (que han sido sus dos grandes éxitos) no volverán, el humor de T de Teatre debería girar a lo que ya nos demostraron con la gran obra de esta etapa, Dones com jo, también al Romea, escrita y dirigida por Pau Miró. El dolor es el tema principal de E.V.A., nombre de mujer, de la primera mujer, según la mitología cristiana, pero también son las siglas de la Escala Visual Analógica del Dolor. Todo muy bien tramado. 

La obra gira entorno a Àgata, Àgata Roca, una actriz que se encuentra en plenos ensayos de una obra de teatro con la cuál su compañía celebra los 25 años encima de las tablas, ‘casualidades de la vida’, pero su madre, genial Carme Fortuny, ha decidido escaparse de la residencia para vivir la vida. Clara, Carme Pla, se acaba de coger una año sabático y se dedica a limpiar armarios, ahora que su hija, Eva, Carolina Morro, está a punto de abandonar el nido para marcharse a estudiar fuera. Paloma, Marta Pérez, es una anestesista que tiene anestesiada su vida personal y Lola es una madre de gemelos que se dedica al negocio inmobiliario.  En esta ocasión, Albert Ribalta y Jordi Rico también se incorporan al reparto para interpretar personajes secundarios. Mención especial para Ribalta brillante en su personaje de Yoshiro.

En las interpretaciones también se hacen un homenaje a sí mismas, quizás la más ‘evolucionada’ sea Àgata Roca (o quizás se predilección personal), su personaje tiene más matices, es un mujer menos ‘histérica’ que las que nos tiene acostumbrados a interpretar, igual de indecisa que en otras ocasiones pero con más fondo. Carme Pla sigue con sus personajes enfadados con el mundo y lo borda, es una de las actrices que mejor se enfada de Catalunya, sin duda. Al igual que Marta Pérez, la más ‘seria’ de la familia T de Teatre. En este caso se echa de menos a Mamen Duch, su desparpajo le habría venido de perlas a un texto, que a veces peca de encorsetado y previsible. El paso del tiempo hará que la máquina, entre actores, texto y puesta en escena funcione a un ritmo más adecuado.

La escenografía de Alejandro Andújar permite una escena mucho más amplia y luminosa y el continuo movimiento y cambio de localizaciones: sala de espera de una residencia, un hospital, un restaurante… es impresionante lo que esconde lo que ha simple vista parecía un simple habitáculo de madera. La iluminación de Jaume Ventura y el espacio sonoro de Damien Bazin ponen el resto a un espectáculo donde el espectador se lo pasa bien, se ríe, disfruta echando la vista atrás, y si es fan de T de Teatre captará los guiños que todo homenaje requiere.

Per molts anys / Muchas Felicidades, T de Teatre!

E.V.A.

by on 20:26
TEXTO: MARC ARTIGAU, CRISTINA GENEBAT y JULIO MANRIQUE DIRECCIÓN: JULIO MANRIQUE INTÉRPRETES: ROSA GÀMIZ, CAROLINA MORRO, MARTA P...