de MARK LOCKYER
dirección RAMIN GRAY
intérprete MARK LOCKYER
duración 1h 30min
fotografías YOUNG VIC THEATRE, STEPHEN CUMMISKEY y ELLIOTT FRANKS 
producción ACTORS TOURING COMPANY
TEATRE LLIURE (GRÀCIA)

Este último fin de semana de octubre, hemos tenido el placer de escuchar y disfrutar de la trágica historia de Mark Lockyer, un conocido actor británico que, quizás, en los mejores momentos de su carrera cayó en desgracia. Quién le iba a decir que justo en el momento en que el director por aquel entonces de la Royal Shakespeare Company, Adrian Noble, le propuso encarnar a Mercutio en Romeo & Julieta, se iba a encontrar con el 'diablo' y su vida ya no iba a ser la misma.

A partir de aquel encuentro su comportamiento se convirtió en errático hasta perder el control totalmente de su vida: familia, amigos, trabajo... hasta llevarle al infierno. El descubrimiento de su bipolaridad, la asimilación y tratamiento de esta enfermedad mental, que le llevó más de diez años, es lo que explica en Living with the lights on. 

Lo que a primera vista seria un drama de "cortarte las venas", el modus operandi británico le da la vuelta hasta convertir la historia en un relato hilarante, que a pesar de la monstruosidad de los acontecimientos narrados provoca en el espectador un suerte de risa. No deja de ser una tragedia, buena parte de lo que sale por la boca de Mark Lockyer, pero como él bien explicaba el día de la rueda de prensa "no quiero hacer sufrir a los espectadores", y de hecho no sufrimos, disfrutamos.



La puesta en escena huye de la cámara negra con luz centrada en el protagonista. Nos recibe un escenario lleno de objetos que acompañarán al protagonista, una especie de sala de ensayo, con el suelo delimitado con cinta y donde el intérprete no para en toda la función. El público está integrado en el espectáculo, las luces iluminan todo y no puede esconderse en la 'habitual' oscuridad de la sala. Somos los receptores del mensaje, respiramos con cada nuevo acontecimiento e incluso en algunos momentos debemos asentir o negar las preguntas directas que se nos formulan.

Living with the lights on es apasionante, aterradora, conmovedora, hilarante, brutal y busca intencionadamente huir del estigma que aún hoy en día conllevan las patologías mentales. Toda una lección vital e interpretativa y de no lanzar la toalla bajo el lema que sí quieres vivir, puedes hacerlo, sólo hacer falta un esfuerzo más. 



Y a pesar de que la historia sea propia, la interpretación no abandona en ningún momento la naturalidad. Sorpresa también en la introducción del espectáculo, esa puesta en situación, ese pequeño discurso en catalán que te hace sentirte como en casa desde el primer segundo. 

Anécdotas a parte, una vez más se confirma que los actores británicos tienen un don, un algo que les hace especiales. Casi toda la platea de pie aplaudiendo, en otra de las funciones para recordar del Teatre Lliure. Es una pena que los ingleses practiquen tan poco las giras internacionales porque estamos ávidos de tener más teatro británico por vena. We need to have another go.
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creación colectiva de JOSÉ Y SUS HERMANAS
textos de SÍLVIA FERRANDO, EL CONDE DE TORREFIEL, FEDERICO GRACÍA LORCA, JEAN ANOUILH, SÉNECA y ANGÉLICA LIDELL
dramaturgia y dirección SÍLVIA FERRANDO
intérpretes FRANCESC CUÉLLAR, ALEJANDRO CURIEL, MARTA DÍEZ, CARME GONZÁLEZ, CAROLINA MANERO, GEMMA POLO y GLÒRIA RIBERA
duración 75min
producción PROGRAMA TALENT IT (INSTITUT DEL TEATRE DE BARCELONA)
TANTARANTANA

Hasta hace un par de meses, la transición nos quedaba lejos, a algunos muy lejos. Para otros era aquella época que aparecía al final de los libros de texto desde la ESO a Bachillerato que no se daba porque nunca daba tiempo. Pero eso ha cambiado, y más después de ver cómo un grupo de jóvenes veinteañeros la tienen mucho más presente de lo que podríamos imaginar. 

La compañía, José y sus hermanas, surgida del Institut del Teatre, nos dan un repaso en poco más de una hora. No hay manual de historia que lo supere. A través de una ardua investigación nos presentan cómo ven ellos esta época que debiera estar cerrada, y superada, pero que esta más viva que nunca. La dramaturgia se estructura en 3 cuadros donde se trata indistintamente el franquismo, la Guerra Civil, la transición y la democracia.

Un repaso por el fascismo en Europa, por la Guerra Civil española, por el Franquismo, por los 200 mil desaparecidos que siguen en las cunetas de toda la Península, el capitalismo, el gusto por las obras magnánimas (del mismo edificio del Institut del Teatre al Valle de los Caídos), Federico García Lorca... Los bancos regalan sandwicheras y chorizos es una bala tras otra a la sinrazón española de esconder la mierda debajo de la alfombra.



La puesta en escena es simple pero efectiva. Con un estilo que bebe de compañías de la escena de nuevas escenas como el mismo El Conde de Torrefiel, el espectáculo consigue en determinados momentos integrar al público mientras que en otros juega con la poética y realizan todo un ejercicio de emociones y de tocar la fibra. El segundo cuadro es para enmarcar, preciosista hasta decir basta y entre las palabras de Lorca y "la sangre derramada por los cuerpos", la fibra, la piel, y, sobre todo, los pelos de punta. 

El público tiene que estar dispuesto a ser increpado, a formar parte de esa historia, quizás por segunda vez o por vez primera. Ya que en la platea se ven caras de todas las generaciones, cosa poco habitual hoy en día y que es todo un gustazo. La visión crítica del montaje es amplia y se puede decir que no deja títere con cabeza. Todo un ejercicio de memoria histórica desde un ángulo que nunca lo habíamos mirado.

La naturalidad con la que se relatan los hechos queda también reflejada en las interpretaciones. Lejos de ser personajes, son simples jóvenes de los que te podrías encontrar en la calle, en la universidad o en un manifestación exigiendo explicaciones del porqué de tanto silencio, de todas aquellas preguntas que aún hoy en día siguen sin respuestas.



Sílvia Ferrando ha logrado entretejer de manera brillante la amalgama de textos y nadie diría que Séneca y Angélica Lidell pudieran encajar de la misma manera en un espectáculo. Salvo eruditos en la materia, fuera de reconocer a Federico García Lorca, muy presente y muy significativa su aparición, el resto son consignas, dardos, preguntas, balas, que en una cierta medida todos a lo largo de nuestras vidas nos hemos hecho o haremos con respecto a los últimos 80 años de historia. 

Los bancos regalan sandwicheras y chorizos es un montaje lleno de sorpresas con un ritmo vertiginoso, donde en 75 minutos se repasan 80 años de vida y de historia. Una buena oportunidad para que los jóvenes (y no tan jóvenes) descubran una época de nuestra historia por boca de aquellos que tampoco la vivieron pero que la explican mejor que algunos que sí que la vivieron y callan, aumentando el silencio. José y sus hermanas rompen el silencio y de qué manera. El primer imperdible de la temporada. ¡Bravo! 
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de MARTIN MCDONAGH
traducción y adaptación de PAU GENER sobre la idea de IVAN MORALES
dirección IVAN MORALES
intérpretes POL LÓPEZ, MARTA MILLÀ, ORIOL PLA y XAVI SÁEZ
duración 1h 35min
fotografías DAVID RUANO
producción FOCUS
LA VILLARROEL

Entro en la sala con el pie cambiado, ya que pensaba que venía a ver un drama y minutos antes me entero que es una comedia. Gajes del oficio, no querer saber demasiado antes de verla para no ser contaminada. 

La calavera de Connemara nos translada a la Irlanda (oeste) verde, apática y alcohólica donde la vida es lo que pasa entre trago y trago. En el dossier de prensa, Ivan Morales la describe como una comedia negra de amor y huesos. Humor hay, a radaules, amor poco y huesos muchos, algunos todavía conservan su abrigo de piel.

Ivan Morales ha jugado con amplificar la comedia, tanto que a veces el espectador puede pensar que le están poniendo (excesivamente) en bandeja. Está claro que el protagonismo recae en los dos magos de la nueva generación cómica del país, Pol López y Oriol Pla.



Aunque los momentos más cómicos los protagoniza Mairtin Hanlon (Oriol Pla), ha llevado su personaje tan al límite que en muchos casos ha superado la delgada línea roja del histrionismo. Hay algo de su interpretación que chirría, sus momentos de "garrulo" por ejemplo son cansinos y repetitivos.

Todo lo contrario que Mick Dowd (Pol López) que ha sabido jugar con la justa medida de sus movimientos y gestualidad. Los momentos donde podía estar más pasado de vueltas, como por ejemplo en sus estados de ebriedad nos regala una interpretación contenida y llena de matices pero sin sobrepasar ninguna línea.



Justamente es Mick Dowd quien nos regala los mejores momentos de la noche cuando aparece acompañado de Maryjohnny Rafferty (Marta Milà), una brillante secundaria, cuyas apariciones en escena son como un soplo de aire nuevo entre tanta miseria humana. Completa el reparto Thomas Hanlon (Xavi Sáez) un detective que aspira a triunfar.

El diseño de movimiento de David Climent (Los Corderos) es una pieza clave en la obra, sobre todo en un momento mágico protagonizado por el Nothing compares to you de Sinead O'Connor. Sin duda el momento más mágico y quizás, el que dentro de un tiempo recordaremos de la obra.



Otro de los puntos fuerte es la escenografía firmada por Marc Salicrú, que por fin ha salido de su espiral de burbujas y esta vez nos sumerge en la campiña irlandesa con una puesta en escena magnífica.

La  trama de La calavera de Connemara no da para mucho, pero Ivan Morales, con algún que otro pero, ha sabido conseguir sacar oro entre tanto calcio. Eso sí, es una oportunidad, esperemos que no única, para ver a un reparto magnífico en escena.

PS. Un último apunte en forma de deseo. Durante buena parte de la obra estaba pensando lo genial que sería una obra sin texto protagonizada por Pol López y Oriol Pla. Como se ha demostrado en La Calavera de Connemara, el texto es secundario, su magia se puede sentir en mute. 
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Por Elisa Díez (Butaques i Somnis) 
Fotos: Vicente R.

Iron Skulls inaugura la temporada del Espai Dansat (el espacio de danza del SAT! Teatre). El colectivo vuelve a apostar por seguir desarrollando su lenguaje de movimiento ecléctico y divergente, interesándose por la energía negativa y la herencia Mediterránea.

Ideado con motivo del 4º aniversario de la muerte de Cervantes (1616), No sin mis huesos se centra en el contexto sociocultural del autor y la gran diversidad de culturas que le influenciaron como escritor y soldado. Cervantes es un ejemplo de la transformación de la energía negativa en arte debido a su incapaz como soldado de luchar, energía que dedicó a la literatura.



No sin mis huesos revive el pasado de nuestra civilización a través de la danza sufí, la Haya Nagila y la danza tradicional española, lo que nos permite ver el legado que han dejado culturas como la cristiana, la árabe y la judía en el Mediterráneo. Pero, como es habitual en Iron Skulls, también están presentes danzas urbanas, el contact y el butoh fusionándose en este viaje al pasado que nos permitirá interpretar el presente. La danza se convierte en un elemento conciliador, nexo y defensor de ideales.

No sin mis huesos. Cia. Iron Skulls.
20 y 21 de octubre. 20:30h.
SAT! Teatre.
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Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)
Fotos: David Ruano

El segundo estreno de la temporada del TNC viene marcado por la fiebre del oro. Nos trasladamos a la América rural de 1850 con unas características muy marcadas: la propiedad, Dios/religión, la patria, la bandera y la lengua. La obra está escrita en 1924 por "un visionario" como le describe Joan Ollé. 

Mientras la fiebre del oro hace que los jóvenes marchen hacia el Oeste, un viejo granjero del sur se mantiene aferrado a su antigua tierra de piedras que con el esfuerzo de toda una vida ha conseguido convertir en tierra cultivable. Cuando sus tres hijos descubren que se ha vuelto a casar con una mujer mucho más joven que sólo busca recoger la herencia, estallaran todas las tensiones acumuladas al largo de los años en los muros de esa propiedad.

Eugene O'Neill es uno de los autores más desconocidos de Catalunya, "se representa poco, quizás por temas económicos, hasta ahora era imposible representar una obra como Desig sota els oms por el número de actores en escena. A los principales se han incorporado unos 'figurantes' de los que te sonarán los nombres: Eduard Muntada, Laura Pujols, Gal·la Sabaté, Noël Olivé y los músicos: Àngel Cerdanya 'El Sueco', Iban Beltran/ Carol Duran y Lluís Gómez.

El sueño americano se convierte en la pesadilla americana en el 1929  (Joan Ollé)

Hay una figura muy presente en la obra, Dios, que en palabras de su director "tiene reminiscencias con Trump". Pero no sólo de Dios vive el hombre, Desig sota els oms también está muy influenciado por la tragedia griega. De hecho según Josep Fontana, autor del prólogo de la versión editada por Arola y el TNC, "es una transcripción de Hipólito de Euripides, eso sí con el cambio de escenario, espacio rural de la América de mediados del siglo XIX.

Y lejos de la Grecia clásica, el texto de O'Neill también nos recordará autores más contemporáneos, ya que tiene numerosas referencias a autores clásicos como Strindberg, Ibsen o Chéjov.



Una de las sorpresas de esta versión es el lenguaje por el que se ha optado, ya que la obra está escrita en un slang anglo-irlandés y a la hora de traducir no 'quedaba bien' optar por un catalán normativo (TV3 style). Por lo que podremos escuchar algo similar al catalán que se habla en la comarca de la Garrotxa.

La puesta en escena también esconde alguna sorpresa, ya que el escenario es giratorio y nos permitirá entrar en cada una de las habitaciones de la casa. A pesar de que estamos en la América rural de 1950, según uno de sus protagonistas, Pep Cruz "es una obra muy catalana, porque se saca pan de las piedras, han conseguido hacer fértiles unas tierras llenas de piedras, éste el espíritu de los catalanes, que han hecho lo mismo con buena parte de las tierras gironinas."



Otra de sus protagonistas, Laura Conejero ha destacado la importancia que para su personaje tiene la propiedad. "Para ella (Abbie) es lo primero, se casa para tener una casa en propiedad. No es la fiebre del oro, es la fiebre de la propiedad. Ella utiliza a su marido (Cabot, Pep Cruz), y su marido la utiliza a ella. Los problemas llegan cuando se enamora y además lo hace de unos de los hijos de su marido (Eben, Ivan Benet)."

Todos los protagonistas coincidem en las palabras de Ivan Benet, "es una obra que para el espectador será como vivir una realidad paralela, ideal para sumergirse en los tiempos que estamos viviendo".



La falta de espectadores en las salas, debido a los recientes acontecimientos político sociales ha estado muy presente en la rueda de prensa de presentación de Desig sota els oms que nos ha dejado dos perlas como éstas:

Si dejamos de ir al teatro es una derrota, pequeña, pero una derrota. (Pep Cruz)

Els catalans si alguna cosa sabem fer és pa amb tomàquet i teatre (Pep Cruz)


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Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

El Festival IF cumple tres años y con su oferta ya consolidada en la ciudad de Barcelona, da un paso más y este año se expande a Santa Coloma de Gramanet. Su propuesta por dar a conocer la concepción contemporánea del teatro de objetos, títeres y propuestas visuales ha conseguido hacerse un hueco en el panorama de las artes escénicas de Barcelona.

Con un presupuesto sobre los 40.000€, la tercera edición del IF se celebrará entre el 9 y el 19 de noviembre en el Arts Santa Mònica, en el Institut del Teatre, en la Sala Hiroshima, en el Hangar y en diversos espacios de Santa Coloma de Gramanet.

Si hay una característica que define al Festival IF es que es bianual. En los años pares se presentan working progress a los que se realiza un acompañamiento artístico y en los años impares, como este 2017, se muestran los proyectos ya acabados.

"El Festival IF busca un diálogo entre la tradición y la contemporaneidad", afirma Toni Rumbau, creador del festival.

El festival ha traspasado fronteras y se han establecido intercambios con países como Italia, Festival Incanti de Torí y Francia, Festival MIMA de Mirepoix. Al igual que otros centros de producción nacionales han acogido propuestas como el Festival TNT, el Teatre Principal de Palma o el Centre d'ary la Panera de Lleida.

En esta edición se podrán ver diez propuestas, cinco de las cuales forman parte de las residencias del festival.

RESIDENCIAS




BeAnotherLab: Library of Ourselves
Del 10 al 12 de noviembre (11h-21h) en el Arts Santa Mònica
Del 16 al 18 de noviembre en la Biblioteca Central de Santa Coloma

Experiencia inversiva que permite al público experimentar en primera persona las historias personales de la comunidad de inmigrantes de Barcelona mediante la combinación de técnicas de realidad virtual, las ciencias cognitivas y la performance.



Enric Farrés: Res és meu
11 de noviembre (20.30h) - Hangar

Partiendo de los soportes museográficos diseñados en 1968 por Lina Bo Bardi, Enric Farrés coge la idea de vaciar de sentido las posibilidades narrativas de los soportes expositivos, que siempre han tenido un papel marginal en el arte.

No tengo ni idea de teatro, he tenido que realizar consultas a amigos como Pol López o el colectivo que forma El Conde de Torrefiel porque con el teatro que veo no me siento identificado. De esta distancia surge 'Res és meu'


David Espinosa: El Tríptic
Del 10 al 12 de noviembre (11h-21h) en el Arts Santa Mònica
Del 17 al 19 de noviembre a Can Ssteré- Centre d'Art Contemporani (Santa Coloma)

David Espinosa busca crear juguetes para adultos, un juego entre forma, luz y sonido. Tres dispositivos componen El Tríptic, explorando las posibilidades performativas de la escultura y entregando al público el control de la acción: Bwana Devil, pieza blanca basada en los grandes éxitos del cine; Oro feo, pieza dorada que explora la relación entre la imagen y el sonido a partir de grandes éxitos de la ópera y el rock; Odile y Schelkúnchik, pieza negra que explora la relación entre la imagen y el movimiento a partir de los grandes éxitos del ballet clásico y la danza contemporánea.



Xesca Salvà: Cases
Del 10 al 12 de noviembre (11h-21h) en el Arts Santa Mònica
Del 17 al 19 de noviembre (17h-20h) en el Teatre Josep Maria de Sagarra (Santa Coloma)

Tres maquetas de casas, dos espectadores por maqueta, tres experiencias diferentes de 15 minutos. Los espectadores llevarán auriculares donde sentirán una mezcla de historias de instrucciones para que hagan las acciones y manipulen los objetos.

Es una reflexión sobre la memoria de los objetos y sobre el espacio como edificación audible y del sonido como arquitectura sonora que construye espacios emocionales. La acción se acaba convirtiendo en un 'intersticio social', un espacio de relaciones humanas con la diversidad de posibilidades de intercambio donde la gente se tiene que relacionar con la obra y con todo lo que ofrece.



Federica Porello: We Wood
10 de noviembre (18h) en el Institut del Teatre

Es el único espectáculo que sigue en working progress hasta el verano del 2018, pero en el IF explicarán su método de trabajo y enseñarán parte de su working progress. La compañía trabaja con objetos sin historia, neutros, básicamente maderas sin nada que las caracteriza, y como éstas se mezclan con los cuerpos, la danza/movimiento y los objetos/maderas. 

Busco un diálogo entre la danza y los objetos. Y también establecer una narrativa a partir de la experiencia y de los objetos.


OTROS ESPECTÁCULOS

Los dos espectáculos siguientes forman parte de la jornada inaugural del festival, el 9 de noviembre a partir de las 19h en el Arts Santa Mònica.

Si se diera un cuerpo al bullicio.
Constanza Brncic y Nuno Rebelo
9 de noviembre (20h) en el Arts Santa Mònica

La pieza explora la relación entre movimiento y producción de sonido, trabajando a partir del desarrollo de estructuras que generan diversas composiciones fluctuantes entre el azar y lo necesario. Los intérpretes utilizan diversos objetos i instrumentos que, amplificados, producen un espacio sonoro y al mismo tiempo hacen aparecer imágenes y acciones. Una pieza a medio camino entre el concierto y la performance.

Luminic.
Besllum y Octavi Rumbau
9 de noviembre (20h) en el Arts Santa Mònica

A partir de un trabajo de investigación sobre luces y sombras se crea un espectáculo de manipulación dramática a tiempo real que rememora los inicios del cine. La exploración sonora de Octavi Rumbau, basada en la originalidad y en el juego con la percepción del tiempo y sus paradojas, facilita que la propuesta sea un calidoscopio de posibilidades en una dramaturgia infinita.

Tres últimas propuestas:


  • Veus de Txernòbil de Companyia Potcuia (10 de noviembre, 18h, Institut del Teatre): Alumnos del itinerario visual del Instituto del Teatro presentan esta propuesta que da voz a historias reales de los protagonistas que vivieron los hechos acaecidos en la central de Chernobyl en 1986.

  • Duel d'Orlando i Rinaldo per amor de la bella Angèlica de Companyia Opera dei Pupi Brigliadoro (Palermo, Sicilia) (17 de noviembre, 21h, Teatre Josep Maria de Sagarra, Santa Coloma): El teatro Pupi de gran tradición en Italia se representa en contadas ocasiones en Barcelona/Catalunya y desde 2011 es patrimonio inmaterial de la humanidad. En este caso los dos protagonistas son los héroes de la conocida Historia de los Paladinos de Francia, un conjunto de temas e historias medievales centradas en la corte de Carlomagno y sus caballeros.

  • El traje del emperador de Siesta Teatro (Andalucía) (19 de noviembre en doble función, 11h y 13h, Teatre Josep Maria de Sagarra, Santa Coloma): Basado en el cuento del Conde Lucanor, en una versión d'Andersen, esta fábula de aquel que crea nada pero que los que están a su alrededor avalan como si hubiera creado la octava maravilla. Según palabras de su creador, Luis Zornoza Boy, un espectáculo sobre el 'borreguismo humano'.

Y por últimos el Festival IF también presenta dos laboratorios de creación:

  • Em falten dits. Laboratorio de creación de Xavier Bobés. Un laboratorio de manipulación de objetos en el Teatre Josep Maria de Sagarra de Santa Coloma de Gramanet sobre la idea del tiempo. (18 de noviembre a las 19h)

  • Wreck. Llistat d'experiències extintes. Workshop con Pietro Marullo. (16 de noviembre 20.30h, Sala Hirohima) Un ejercicio interdisciplinario que incorpora el movimiento, el sonido y las artes visuales. Un gran objeto negro en escena que actúa con un gran poder evocador, se traga y escupe seres humanos, cuerpos desnudos, tal y como lo hubiera hecho Leviatán, un monstruo legendario submarino o sin bajar a las profundidades, una gran metáfora del capitalismo.

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