Font: Jordi Bordes (elpuntavui.cat)
La Renaixença catalana s'identifica amb el vers La pàtria, d'Aribau. Ningú ho discuteix. Però el director artístic del TNC, Xavier Albertí, pretén fer justícia a la clara voluntat política d'un dramaturg misteriós, que signava com a Serafí Pitarra i evitava sortir a saludar el públic en les estrenes, de situar “el català que ara es parla” a escena (es va amagar fins que el seu company Víctor Balaguer el va convèncer que havia de presentar-se; fins llavors, s'havien fet moltes especulacions i les revistes satíriques de l'època el dibuixaven fantàsticament). El 1863 menys d'un 9% de la cartellera era en català, segons calcula Albertí. El 1866, gràcies a l'impuls de Pitarra i les seves gatades (peces satíriques coents amb el poder), el català va començar a ser hegemònic. El TNC impulsa el cicle Epicentre Pitarra amb una edició amb el català fabrià de totes les peces còmiques (singlots poètics) de Frederic Soler,Pitarra. També hi haurà conferències, una exposició i les representacions de L'esquella de la torratxa (del 7 al 9 de març, amb Egos Teatre), El cantador (del 2 al 13 d'abril, amb la Jove Companyia del TNC),Liceistes i cruzados (del 16 al 18 de maig) i Safari Pitarra (del 5 al 22 de juny). Albertí no ha volgut fer una reivindicació puntual, “de ruleta russa”, sinó que tempta que els pròxims anys torni a ser habitual veure alguna peça de Pitarra a la cartellera, independentment de l'aposta del TNC. El director del TNC diu, provocador, que segurament si Pitarra fos viu “avui seria votant de les CUP”, per trencar amb la imatge de personalitat benestant.
Avui fa 150 anys i quatre dies que es va estrenar L'esquella de la torratxa. Va ser l'embrió per reivindicar el teatre popular amb el català popular. Per Albertí, La Pàtria d'Aribau és com l'obra de Frederic Mistral amb el català, que l'honora però que no va saber sortir dels armaris. En canvi, Pitarra supera el català dels Jocs Florals i es fixa en el que es parla al carrer. Juli Vallmitjana també faria una interessant aproximació al català gitano passat el 1900. Així, la colla capitanejada per Pitarra és la primera baula per aconseguir que el català sigui avui “una llengua normal”. L'Epicentre Pitarra del TNC també es revela al plantejament que el reivindica a partir de Les joies de la Roser, un intent de traslladar el drama romàntic d'Echegaray poc reeixit. Albertí és defensor del teatre popular, tot i que sigui voluntàriament de traç gros.
L'esclat del teatre de Pitarra coincideix amb un moment clau a Barcelona: la fi del monopoli teatral a ciutat. Fins al 1833 només es podia fer teatre en públic al de la Santa Creu. Amb la desamortització de Mendizábal, i coincidint amb les pressions burgeses que volien disposar d'un teatre nou, vist que l'aire aristocràtic i vell de la Santa Creu no els era propici, s'obren les opcions a noves veus teatrals. Fins llavors, s'havia fet teatre als palaus, de manera privada: amb nous títols però contractant els actors de la Santa Creu. Posteriorment, es creen unes societats amb les quals lloguen teatres, com el de l'Odeon els dimarts per fer funcions únicament per als socis. L'èxit de L'esquella de la torratxa fa que l'empresari opti per fer-ne més sessions al seu compte i, posteriorment, que Joan Sariols hi compongués quatre cançons. A l'estiu, als jardins del passeig de Gràcia, on es traslladava el teatre, la peça va fer fins a 75 representacions en cinc espais a l'aire lliure (de pagament) diferents: “Era inèdit”, insisteix Albertí.
Per la directora de la Institució de les Lletres Catalanes (ILC), Laura Borràs, que ha participat en l'edició de totes les paròdies, “l'humor necessita l'altre, cal trobar referents comuns i, en aquest sentit, la llengua és un element imprescindible”. Fins ara, només hi havia l'opció de trobar en llibres de vell planxes que Innocenci López va editar en català prefabrià. Ara s'ha optat per un vers que manté l'heptasíl·lab i procura fer-se entenedor avui. També la ILC col·labora en una exposició, que serà itinerant per biblioteques, teatres i salons de lectura, sobre l'autor.
El TNC també trenca amb la tesi que Pitarra correspon als espectacles de joventut, als paròdics, i que Serafí Soler signarà els seus drames, d'un tall més conservador i burgès, després de les seves núpcies. L'autor opta per recuperar el sobrenom per recuperar els favors del públic. En aquella època, Pitarra ja era empresari del Romea i impedia que estrenés Guimerà, un autor que, al parer d'Albertí, “sabia que era més bo” i no volia que l'arraconés.
Pitarra, també per als amateurs. El TNC triarà quatre títols per presentar-los un cap de setmana. Albertí vol que Pitarra torni a ser al repertori, també dels grups amateurs.

Revitalitzadors del català a l'escena grisa

La rebotiga de Frederic Soler, Pitarra
Anselm Clavé i Valentí Almirall van ser alguns dels autors que van freqüentar la rebotiga de la rellotgeria de Pitarra. Van fer el corpus d'un corrent que faria habitual el català als escenaris pels volts del 1865.
Josep Sampere
Són els artistes els que tornen a situar el català als teatres, ara al Paral·lel, la nova punta de llança d'una ciutat que ha passat de 400.000 habitants al milió, sobretot provinents de l'Estat espanyol.
Joan Capri
El còmic troba els favors del públic amb monòlegs fets a mida que esclaten amb el Dr. Caparrós als anys setanta a TVE.
Josep Maria Benet i Jornet
Dramaturg de resistència, lidera la presència dels serials de televisió a les sobretaules de TV3.

Terratrèmol Pitarra

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Font: Jordi Bordes (elpuntavui.cat)
Després de La rosa tatuada a la Sala Gran del TNC, és molt coherent que la següent referència sigui Doña rosita la soltera. No és cap casualitat. Si Tennesse Williams va desplaçar-se a Barcelona per imbuir-se de la poètica de Lorca (a la ciutat adoptiva, que amb el padrinatge de Margarida Xirgu el va acollir amb els braços oberts), el poeta granadí va trobar en les floristes de la Rambla unes còmplices inesperades. La setmana passada el director de la producció, Joan Ollé, i el director artístic del TNC, Xavier Albertí, ho van voler recordar fent una visita a Carolina Pallés, la néta de la florista que tindria per Lorca un respecte profund. El drama lorquià, el darrer que va poder veure estrenar, arrenca temporada aquest vespre a la Sala Gran del TNC i estarà en cartell fins al 6 d'abril.
Joan Ollé s'ha convertit en un autor expert a traslladar poetes a escena. Ja ho va fer amb Vicent Andrés Estellés (Coral romput) o Salvador Espriu (El jardí dels cinc arbres). Ara té l'oportunitat de presentar el món poètic, però pensat per a l'escena, de Lorca. L'obra, escrita en plena efervescència de la República, es remunta a una època grisa anterior. La Granada més tradicional en les etapes de 1890, 1900 i 1910. És un passatge d'una noia òrfena, que viu amb els oncles i que espera amb confiança (i aquests també hi confien) el retorn del cosí per casar-s'hi; una dona que, cap al final de l'obra, ja s'acosta a la cinquantena i fa anys que té l'aixovar complet, i un oncle que s'ha arruïnat per pagar-li un llit de matrimoni. Lorca retrata, com també feia a La casa de Bernarda Alba (Sala Petita, 2009) o a Yerma(actualment, al Teatre Tívoli amb Sílvia Marsó de protagonista) una societat tancada, empresonada per uns hàbits caducs. Lorca manté fins al final la seva voluntat de fer pedagogia a través del teatre adreçant-se a les classes més populars.De fet, li van respondre.
Doña Rosita la soltera es va estrenar al Teatre Principal el 1935, amb la musa Xirgu de protagonista. Ara és Nora Navas l'actriu que interpreta aquella dona que està esperant el retorn del seu xicot de l'Argentina, davant de la incredulitat del veïnat. Tot i que és poc habitual que una actriu es vulgui influenciar per altres artistes que han interpretat el paper, Navas celebra la generositat de Núria Espert, que li va donar algunes claus per dur Rosita a escena: el seu personatge “és ple de vida”. És una peça coral, insistia la setmana passada la protagonista, que es completa amb Joan Anguera, Mercè Arànega, Marta Betriu, Enric Cambray, Carme Elias, Oriol Genís, Laura Guiteras, Mireia Llunell, Enric Majó, Victòria Pagès, Alba Pujol, Candela Serrat i Albert Triola.
Cada vespre Margarida Xirgu rebia un misteriós ram de flors d'un anònim. L'equip artístic va esbrinar que, en realitat, eren les floristes de la Rambla les que li feien l'homenatge diari. Per aquest motiu, Lorca va decidir fer una funció dedicada a les floristes, d'ara fa quasi 80 anys, tot recitant “con el cariño con que os saludo bajo los árboles como transeúnte desconocido, os saludo esta noche aquí, como poeta, y os ofrezco, con franco ademán andaluz, esta rosa de pena y palabras: es la granadina Rosita la soltera”.

Rosita s'espera

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Font: Ramon Esteban (elpuntavui.cat)
Un cop consolidat com a espai de formació i d'elaboració de noves produccions, la Factoria de les Arts Escèniques de Banyoles s'estrena aquest divendres com a sala d'exhibició. Fins ara ja s'hi havien fet algunes representacions, però no hi havia una programació estable. És la “tercera pota” –com els agrada definir-ho als seus responsables– de l'ambiciós projecte de la Factoria, iniciat tot just fa tres anys. La línia de les peces que s'hi aniran programant –batejada com a Formats Factoria– serà la creació contemporània en formats no habituals. “Però que la gent no s'espanti, seran obres a l'abast de tothom”, puntualitzen el regidor de Cultura, Jordi Bosch Batlle; la tècnica de cultura municipal Ingrid Calpe, i el programador de la Factoria, Joan Gómez. Quan es disposi d'un públic habituat a aquests muntatges, aleshores sí que es mirarà d'arriscar més, han anunciat.
La responsabilitat d'obrir Formats Factoria recau en Ernesto Collado i el seu espectacle més recent,Montaldo, inèdit a les comarques de Girona. Atès l'enfocament que es vol donar a la Factoria com a espai d'exhibició, Collado sembla l'artista ideal per trencar el gel. “Miro d'apropar les noves dramatúrgies a nous públics –ens explica aquest barceloní, veí de Pontós– i faig uns muntatges que són un pont entre les obres de més risc i el teatre més convencional.” Aquesta posició intermèdia el converteix en un autor difícil de classificar, i admet: “Estic en una frontera estranya: no sóc prou modernillo i tampoc prou comercial; per als primers jo sóc el clàssic i per als segons, el rar.” Montaldo és una reflexió sobre el lliure pensament, les utopies i els límits entre els interessos personals i els de la comunitat. El fil conductor és un personatge que segueix les passes de les comunes d'icarians esteses pels EUA en la segona meitat del segle XIX, atiades pel moviment dels anomenats utòpics francesos. El viatge serà un desastre, però el missatge que vol enviar Collado és positiu: ara més que mai cal tenir utopies, no és veritat que no hi hagi alternatives al capitalisme salvatge.
La primera programació estable de la Factoria es completa amb Jo mai, d'Ivan Morales i interpretada per la companyia Prisamata (7 de març);Ultra inocencia, de Los Corderos (28 de març), i El poble entre copes, de Teatre Essela (12 d'abril).
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Fuente: Patricia Tubella (elpais.com)
La demanda de entradas en el londinense teatro Gielgud se ha disparado gracias a la presencia en cartel de una dama de la escena que sigue en activo a sus muy bien llevados 88 años. Angela Lansbury, actriz británica que ha desarrollado el grueso de su carrera al otro lado del Atlántico, regresa este fin de semana a los escenarios del West End y tras una ausencia de cuatro décadas para interpretar el papel de una médium en Un Espíritu Burlón, obra de Noël Coward que en Estados Unidos ya le procuró su quinto premio Tony. El reestreno de esa comedia en el Reino Unido ha concitado a legión de admiradores de su trabajo en las tablas, el cine y sobre todo la televisión. Porque para muchos sigue encarnando a aquella escritora y detective amateur de la popular serie Se Ha Escrito un Crimen.
Sólida actriz que a tenor de sus declaraciones no parece tomarse demasiado en serio la fama, Lansbury es un personaje todavía repleto de vitalidad que desconoce el parón laboral y ni por asomo aparenta su edad. La venerable cabellera gris, uno de los pocos indicios del paso de los años, quedará oculta bajo una peluca pelirroja cuando encare el papel de Madame Arcati, la pitonisa que en la pieza de Coward (Blithe Spirit, en su título inglés) convoca al espíritu de la primera esposa de su cliente con consecuencias desastrosas.
Las representaciones que arrancan el próximo sábado supondrán la primera aparición de la actriz en un teatro de Londres desde el Hamlet en el que participó en 1975 bajo la dirección de Peter Hall. Por entonces ya era sólo una visitante en su tierra natal, que había abandonado en su adolescencia para instalarse junto a su madre viuda en Nueva York. Aquella chica nacida en el este de Londres (1925) fue pronto seleccionada por la MGM para interpretar a la doncella inglesa de la película Luz de Gas, cinta protagonizada por Ingrid Bergman y Charles Boyer y que reportó a la actriz de reparto su primera nominación al Oscar cuando sólo contaba 19 años. A pesar de una inmediata segunda nominación en la misma categoría por su rol en El Retrato de Dorian Gray (1945), los productores seguían sin ver en ella el glamour que estimaban necesario para brindarle papeles estelares. En propias palabras de Lansbury, “me utilizaron básicamente como una utilidad”.
Después de un matrimonio fallido y de una segunda boda con el actor y agente Peter Shaw –fiel compañero durante 54 años y hasta su muerte- en 1963 llegó la tercera nominación a la estatuilla dorada con el filme El Mensajero del Miedo. Su presencia en el cine estaba afianzada, pero Lansbury decidió volcarse en el teatro y principalmente en los musicales, un amor descubierto gracias al maestro Stephen Sondheim. A pesar de los cinco Tonys que se ha labrado desde entonces en las tablas, la actriz ha reconocido que su poder de atracción para muchos de los espectadores que asistirán a las funciones de Un Espíritu Burlón reside en el recuerdo del personaje de Jessica Fletcher en la teleserie Se Ha Escrito un Crimen, que interpretó a lo largo de doce años y 264 episodios.
Ese papel entrañable es, sin embargo, sólo el granito de una carrera legendaria que este mismo año le ha procurado un Oscar honorífico. Ya lo ha recibido en un acto previo a la ceremonia de entrega de premios de la Academia de Hollywood que se celebrará el próximo domingo. Mientras las luminarias de Hollywood festejan en Los Ángeles, Angela Lansbury estará a miles de kilómetros sólo preocupada en recordar su texto para las representaciones de Un Espíritu Burlón en Londres. Eses es el verdadero reto, ha admitido, para una actriz de su edad.
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Fuente: Pablo Caruana (elpais.com)
Hoy jueves, en la sala El Sol de York, se estrena Los cuatro de Düsseldorf, comedia negra del dramaturgo y director José Padilla (Santa Cruz de Tenerife, 1976). Padilla lleva un año movido. Premio El Ojo Crítico a su trayectoria teatral en el 2013, premio Réplica en Canarias por su obra Porno Casero, el estreno de su obra Haz click aquí en el CDN y, ahora, este tinerfeño agarrado al texto, al ritmo y al actor, presenta su nueva pieza que surge de una residencia de creación en la sala El Sol de York.
Pero José Padilla, formado primero como actor en la RESAD y que luego poco a poco fue pasando a la escritura y la dirección, lleva ya más de ocho años trabajando y sacando montajes adelante. Desde que estrenara Cuando llueve vodka en el año 2005 sus trabajos han ido sucediéndose en el tiempo: traducciones y adaptaciones de autores como Sarah Kane y Edward Bond, su obra Porno Casero en el 2009, una versión de La importancia de llamarse Ernesto de Oscar Wilde dirigida por Alfredo Sanzol que recorrió España en el 2012… Hasta que se atrevió con la dirección en una obra que pudo verse en abril del año pasado en la sala La Casa de la Portera: Sagrado Corazón 45. Obra que además ha inaugurado (buena noticia) la nueva colección teatral denominada Max no te pongas estupendo de la editorial Bartleby.
Tildado como representante de la nueva generación de dramaturgos junto a otros nombres como María Velasco, Lola Blasco o Paco Bezerra, premiado, editado y auspiciado por el CDN; Padilla decidió, aun así, comenzar su nuevo proyecto en la pequeña sala del barrio madrileño de Chamberí El Sol de York, sala que inauguró andadura el 20 de diciembre de 2012, que no cuenta con ninguna ayuda pública y que afrontaba con este proyecto su primera residencia de creación: “El verano pasado hablé con el director de la sala, Javier Ortiz, y le propuse comenzar de cero, sin saber qué íbamos a hacer, y acepto, sin más. Ha sido mucho trabajo, poniendo tanto la sala como la compañía los mínimos medios que teníamos al alcance. Comenzamos en septiembre y ahora, pues mira, tenemos una obra. La verdad es que espero que se repita este tipo de proceso en la sala. Muchos políticos deberían plantearse que estos son los procesos que se deben apoyar y financiar”, explica Padilla.
“La temática de la obra surgió de las improvisaciones que realizamos en septiembre con los actores. Ahí se decidió conjuntamente que queríamos hacer una comedia que girara en torno a un tema troncal: la manipulación y como ésta se puede convertir en una granada de mano que te explote en la cara”, explica Padilla que cuenta en escena con Helena Lanza, Delia Vime, Mon Ceballos y Juan Vinuesa, todos ellos actores con formación teatral clásica. “No había pensado en esto. Es verdad, todos ellos han trabajado en teatro clásico… Es una virtud, un actor que tiene esa formación está mucho más preparado, esto demuestra que no me he equivocado”, confirma Padilla. “A todos ellos les había visto actuar, incluso con Delia ya había trabajado, lo que me interesaba es que son actores con los que tengo afinidad y con los que sabía que podía levantar un montaje que partía de la nada. Me interesa poder tener una escritura muy cercana a la escena y el actor”, explica Padilla.
Al preguntarle qué tipo de comedia es Los cuatro de Düsseldorf, Padilla lo tiene claro: “Negra”, dije tajante. “Con mala leche. Dispara contra elbuenismo, contra eso tan español de 'por la caridad entra la peste”, dice sobre esta obra que cuenta la historia de Carlos, un ordenanza en la sede española de una corporación alemana. “Está ambientado en el mundo de la empresa, pero su centro es la naturaleza humana. Trata sobre el manipulador manipulado. Muchas veces cuando creemos que manipulamos no nos damos cuenta hasta qué punto estamos siendo manipulados, esto hoy en día, con el entorno que estamos viviendo, creo que tiene incluso más lecturas que nunca”, afirma Padilla. La obra, que estará dos semanas en cartel, apuesta por un teatro de estética mínima: “En el espacio hay los elementos imprescindibles, nada más. En la puesta en escena intento que todo esté los más ceñido al texto que se pueda. En esta obra es determinante el ritmo y, sobretodo, el arte del actor”, explica Padilla.
Padilla llegó hace 14 años a Madrid de la Islas Canarias. Hace poco recibió el premio canario de teatro Réplica por su obra Porno Casero. “Nunca perdí el contacto con Canarias. Y tenía una espina clavada. Se me estaba representando en París, en Londres viví el sueño de ver una adaptación mía de Enrique VII nada menos que en el mítico teatro The Globe, se me representó también en Buenos Aires… Y en Canarias nunca había sido puesta una obra mía. Quieras que no, eso me llegaba a doler. Ahora, con el montaje de la compañía 2RC estoy bien contento. Además, el montaje de Daniel Tebas de mi obra El cielo de mi boca, también ha girado por las islas”, comenta Padilla. Esta última obra, podrá verse en Barcelona a finales de mes en la sala Nauivanow.
“Hacer teatro en Canarias es una heroicidad. Ahí están Profetas del Mueble Bar, los mismo 2RC Teatro, Rey Mala… Pero las instituciones han abandonado por completo las artes escénicas, están cargándose el futuro del teatro canario. Aún así, existen ejemplos como el de Antonio Tabares, que desde una isla periférica como La Palma está estrenando ahora su obra La punta del iceberg dirigida por Sergi Belbel. Eso confirma que no hay reglas”, razona Padilla.
Una sala atípica en Chamberí
Nacida el 20 de diciembre del 2012, esta sala sita en la calle de Arapiles de Madrid, que cuenta con un espacio teatral de nueve por ocho metros y 160 localidades, lleva ya más de un año dando guerra y haciendo las cosas de manera diferente. Su mantra: “Cuidar a las compañías al máximo y al público”.
Centrado en un teatro de autoría y del actor, El Sol de York no se cierra a una línea artística única ni a una sola disciplina. Su ciclo de los lunes dedicado a la música, Gamma Heart: música y arte para la nueva era, va atrayendo poco a poco a un público fiel. Ayer mismo, la sala tuvo la oportunidad de tener a Julia Varley del Odin Teatret en una función única de taquilla invertida (el público paga a voluntad después de haber visto la función). Montajes como Cuando fuimos dos de la compañía Críacuervos que acabó en el Teatro Infanta Isabel, o Los miércoles no existen de Peris Romano ahora en el Teatro Lara, comenzaron andadura en esta sala.
El equipo de la sala es mínimo. Una persona de prensa, dos becarios del Instituto Nacional de Ciencias Musicales y su director Javier Ortiz Arraiza. La sala no cuenta con ninguna ayuda pública, “pedimos una ayuda para rehabilitación de espacios pero no nos la dieron”, explica su director. Desde enero se ha incorporado a la Red de Salas Alternativas. Y tienen por orgullo una máxima: todo actor que se suba al escenario de la sala tiene que tener cubierto lo que estipula el convenio de la unión de actores: 72,94 euros por función. Algo que no se cumple en más del ochenta por ciento de las salas de Madrid y de toda España.
Ahora, han acometido su primera residencia de creación con José Padilla. Cuentan con una compañía residente, Teatro en el Aire, que estará (es el cuarto montaje que muestran en la sala) durante todo el mes de marzo con La piel en el agua, experiencia de teatro sensorial que ha recorrido medio mundo.
Y desde hace poco cuentan con un director artístico asociado, Mariano de Paco, conocido director que ha dirigido en los principales cosos españoles. Javier Ortiz, actor formado en la RESAD, hombre inquieto y ecléctico, afirma: “Trabajo, trabajo y trabajo. Ilusión y trabajo”. Larga vida.
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Fuente: Rafael Esteban (elcultural.es)

El teatro español sobrevive a la crisis. A pesar de todas sus heridas, algunas de gravedad, la escena nacional resiste a la pésima situación del país. Incluso en algunos casos muestra síntomas esperanzadores. Como, por ejemplo, la efervescencia teatral en sus principales plazas, Madrid y Barcelona, o la aparición de una nueva generación de autores que estrenan sus obras no sólo en los recintos públicos o en el circuito alternativo, sino también en las salas privadas, algo que no era habitual hasta hace muy poco.

Esos dramaturgos emergentes tienen cada uno sus propias características, pero comparten otras. Están en la treintena, alternan todo tipo de obras, incluida la desdeñada comedia, escriben a pie de escena o con ella en la cabeza y sus textos están inmersos en la narrativa actual, por lo que llegan fácilmente a un público igualmente joven y que, como ellos, se ha educado con esos códigos audiovisuales desde niños. Antonio Tabares, Jose (sin tilde) Padilla, Carlos Contreras, Álvaro Tato y Marta Buchaca, con los que ha hablado El Cultural, son algunos de esos nombres. Pero no son los únicos, porque en ese pelotón muy interesante también figuran Blanca Doménech, Zoe Brinviyer, Carolina África Martín o Paco Bezerra, entre otros muchos. Tal vez el más atípico de todos ellos sea Tabares. No sólo por la edad (41 años); sino por vivir alejado del mundillo teatral, pues reside en Santa Cruz de la Palma, donde nació. A pesar de ello consigue representar con frecuencia sus obras. Su próximo estreno es La punta del iceberg, que tendrá lugar en La Abadía el miércoles. Dirigida por Sergi Belbel, una de las figuras clave de la generación anterior, la llamada de los ‘bradomines', y que desde su puesto de director del Teatre Nacional de Catalunya apadrinó a los dramaturgos emergentes de esa comunidad con el T-6, los “tallers” dedicados a nuevos autores. Ahora hace algo parecido con una obra que tiene como escenario una gran empresa en la que se suicidan varios de sus trabajadores y en la que también el sentido del humor tiene su relevancia. 

Los cuatro de Düsseldorf

“Ha habido pavor hacia la risa porque se pensaba que era para un teatro de evasión -dice Tabares-. A Dios gracias nos hemos liberado de ese tabú condicionante”. 

Otro autor que destaca es Padilla (1976), que comparte varias cosas con Tabares. Como éste último, es canario, aunque de Santa Cruz de Tenerife, y con él, más la actriz y autora Irma Correa, escribe una obra que representará la compañía 2RC la próxima temporada. Además, estrenará el jueves 27 Los cuatro de Düsseldorf en El Sol de York, a menos de un kilómetro de La Abadía, un texto que, como el de su paisano, se desarrolla en una empresa. “Las grandes corporaciones son un tema recurrente en nuestras obras porque las tenemos metidas hasta en la sopa. Son, en cierto modo, el sustituto de las familias que nos permiten contar la realidad que nos rodea”, explica el autor.


Esa realidad la ve Padilla muy negra. “Las crisis no son buenas para nadie. En el teatro ha tenido un impacto brutal. Se han tenido que parar muchas producciones, aunque la apertura de nueva salas nos dé más oportunidades de estrenar”, continúa un autor que en los últimos años no ha parado de trabajar. 


El canario fue el adaptador del Enrique VIII que se representó en el Globe inglés durante las Olimpiadas. Además, ha estrenado recientemente Haga click aquí en la sala Princesa del María Guerrero dentro del programa Escritos en la escenapara jóvenes dramaturgos, el único de un teatro público desde la desaparición de los T-6. 


Pero las ayudas a dramaturgos emergentes no son patrimonio de los grandes centros. En Madrid algunas salas alternativas e independientes han iniciado programas para nuevos autores. La pionera es Cuarta Pared con ETC a la que ha seguido El Sol de York acogiendo a Padilla como autor residente para que escriba Los cuatro... Y luego está la más original, la de la sala Kubik, que ha invitado a varios escritores, entre los que está el canario, a que creen Story Walkers, unas miniobras para teléfono móvil que se descargarán como aplicaciones. Con estas y otras propuestas piensa Padilla que podrá salir a la luz “una nueva generación de autores muy preparados” que enriquecerá la escena nacional. 


Otra de esas nuevas voces es la de Carlos Contreras (Burgos, 1980), último ganador del Premio Calderón de la Barca con Rukeli. Aunque los habituales del teatro ya le conocen gracias a la joyita de La comedia que nunca escribió Mihura, que formó parte de la primera convocatoria de Escritos en la escena. Ambas obras sirven como ejemplo de la riqueza y variedad de unos autores emergentes que lo mismo escriben un texto sobre un campeón de boxeo gitano en la Alemania nazi, como es el caso de la primera, que otro basado en unos apuntes aparecidos tras la muerte del célebre comediógrafo español. 


“No me gusta gusta hablar de generaciones porque cada uno es de su padre y de su madre, pero sí compartimos algunas cosas, como no querer centrarnos en un género”, responde Contreras cuando se le pregunta por esa versatilidad que les lleva a tocar tanto comedias como dramas. “En mi caso me gusta mucho el cine de los años 20-30 y creo que en el teatro español hacen falta más obras de ese estilo, en las que se contaban muchas cosas y hacían al público reír y llorar”. Aunque también tiene alguna obra de otro tipo, comoVerbatim, reconoce el autor, “un postdrama con el que el público se aburrió mucho”. 


La importancia de los premios

Eso tiene que ver bastante con las escasas oportunidades que tienen los nuevos escritores de darse a conocer. Normalmente deben hacerlo a través de los premios, a los que acuden pensando que les abrirán las puertas de los escenarios, cuando no suele ser así. “La mayoría premia no los textos más representables sino los que destacan literariamente”, asegura Contrerasque cree que debería ser al revés. “En vez de publicarte un texto, deberían dedicar el dinero de los libros a montar la obra”. 

Marta Buchaca (Barcelona, 1979) comparte la opinión de su colega pero con matices. Para la autora y directora “los premios deberían implicar la producción de las obras, pero también su publicación para que quede testimonio de lo que se está haciendo”. Si no, puede ocurrir como le pasa a ella con Las nenas no deberían jugar al fútbol (Sala La Trastienda, Madrid), que ha llegado hasta el Teatro Nacional de Croacia o México, además de Barcelona y la capital española, sin conseguir su publicación.


De todas formas, la dramaturga considera imprescindibles los premios para autores jóvenes o noveles. “Sin ellos es muy difícil que salgan nuevos escritores, sobre todo ahora que han desaparecido iniciativas magníficas como el T-6, donde estuve yo, porque los premios no suponen sólo el dinero o la publicación, son mucho más. A mí, por ejemplo, me hicieron creer en que podía escribir y me permitieron matricular en el Institut de Teatre”.


De lo público a lo privado

Más adelante Buchaca llegó a los ‘tallers', donde pasó ya a escribir para subir a los escenarios. “Tuvimos unos maestros esenciales, como Sergi Belbel o Jordi Galcerán, a los que se sumó la llegada a Barcelona de Javier Daulte, que nos metió en la cabeza a todos los jóvenes que no bastaba con escribir una obra, que había que dirigirla”. Además tuvo otra ventaja respecto a sus colegas, la de que en la ciudad catalana no sea raro el trasvase de un autor del teatro público a uno privado. Así, sus obras también han llegado a escenarios comerciales, como ha pasado con El año que viene será mejor, cuya versión en castellano ha girado por España, o como pasará próximamente con Losers, que estrenará en la sala Villarroel. 

Buchaca está de acuerdo con que el teatro en España vive un buen momento con nuevos autores, apertura de muchas salas, sobre todo en Madrid, y un aumento del público a pesar de la crisis. Para la autora el lado negativo es “la precariedad con que se están haciendo las cosas, que es muy peligrosa para el futuro porque un teatro no puede descansar sólo sobre el entusiasmo y las ganas de la gente”, continúa la autora, que echa de menos más “pluralidad de voces y un poco de riesgo” en la escena nacional.


Esto último lo conoce muy bien Álvaro Tato, nacido el día en que se aprobó la Constitución (6 de diciembre de 1978), pues últimamente se dedica al teatro clásico de hoy. Con sus compañeros de Ron Lalá lleva un par de años representando Siglo de Oro, siglo de ahora y En un lugar del Quijote, dos obras en las que hace de todo. Tato se denomina “director literario de la compañía”, ya que considera a Ron Lalá “una colmena en la que todos sus integrantes comparten el polen y hacen juntos las obras sobre las tablas”.


Ese método lo sigue también cuando escribe al margen de la formación madrileña. “Yo me defino en equipo. Sin él, no puedo trabajar”, dice el autor, y lo ilustra con El intérprete, “la biografía cabaretera y sentimental” de Asier Etxeandia (hoy en Pamplona) con quien la construyó. Porque una de las características de la obras de Tato es el protagonismo de la música. “A diferencia de los autores de las generaciones anteriores, nosotros nos hemos educado con la música, la tenemos en nuestro ADN, como si hubiéramos nacido con una partitura en nuestro cuerpo que nos impide contar las cosas a plomo”. A lo que suma un gran ritmo impensable hace no mucho en un escenario español. “Sí, es cierto, un espectador de hace 30 años hubiera tenido que ver tres veces una obra de Ron Lalá para entenderla”, dice riéndose Tato que, como Contreras, reconoce tener grandes influencias de los cómics. Al igual que una gran parte de su público, una nueva generación permanece inasequible al desaliento. 
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