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AUTOR: FEDERICO GARCÍA LORCA
DIRECCIÓN: ÀLEX RIGOLA
INTÉRPRETES: NACHO VERA, PEP TOSAR, NAO ALBET, GUILLERMO WEICKERT, LAIA DURAN, DAVID BOCETA, JESÚS BARRANCO, PAU ROCA, MARÍA HERRANZ, JORGE VARANDELA, JAIME LORENTE, DAVID LUQUE, IRENE ESCOLAR, JUAN CODINA, JOSÉ LUIS TORRIJO
ESPACIO ESCÉNICO: MAX GLAENZEL
ILUMINACIÓN: CARLOS MARQUERIE
DURACIÓN: 1h 20min
FOTOGRAFIA: ROS RIBAS
PRODUCCIÓN: TEATRO NACIONAL DE CATALUNYA y TEATRO DE LA ABADÍA
SALA GRAN (TNC)

Escribo esta crítica pensando que soy incapaz de abarcar con mis palabras el brutal universo que describe Federico García Lorca en El Público. Inconmensurable obra llena de simbolismo, con una imaginación desbordante y que provoca diversas miradas sobre la obra, para los que sean capaces de sumergirse en ese universo y para aquellos, que aún sabiendo que hay cosas que se les escapan, optan por quedarse en una primera lectura, (a la salida de la sala siempre pueden leerse el magnífico programa de mano).

Con una Sala Gran recortada, con una escenografía de vibrante e imponente de Max Graenzel (con una iluminación poderosísima de Carlos Marquerie) que acompaña al espectador desde que éste entra por la puerta y le acompañará mucho tiempo después de la salida. Entre brillos y arena se dan cita los fantasmas del autor, sus miedos, sus frustraciones, sus deseos, la pulsión entre sus deseos más íntimos y lo que la sociedad marca, el teatro y la vida. Un teatro, que se ha aburguesado, ha dejado de interesarse por la vida, está muerto, y que Lorca a través del surrealismo intenta resucitarlo (las hormigas de Dalí o una Elena que no puede irse como si fueran los personajes burgueses de "El ángel exterminador" de Buñuel).

Pero teatro no es sólo texto, con una poesía y un puñal en cada verso, también es catarsis colectiva, brillantemente dibujada en en penúltimo cuadro, cuando Nao Albet canta "La canción del Pastor Lobo" y Laia Duran da luz a los versos a través de una hipnótica danza. Sin hacernos sangre, el último compás está marcado por esa desilusión que parece no tener fin y teñir la escena. Moribundo y sin opción, el teatro deja pasar a sus espectadores, que no han sido lo suficientemente valientes de presenciar la muerte en escena.

Federico García Lorca guardó en un cajón una obra que el pensaba que el público no estaba preparado para verla, después de acabar de escribirla en 1930. Hoy, y después de observar el comportamiento de la sala, no estoy del todo segura de que haya cambiado el signo de la afirmación. Gente abandonando su asiento antes de que acabarán los aplausos, ni el más mínimo bravo a una compañía, a la que una servidora hubiera estado aplaudiendo días, y para un texto, que a día de hoy está más vivo que nunca. El teatro sigue moribundo y sólo depende de nosotros resucitarlo, por lo que diría, y aunque no es de este texto, "tócala otra vez, Sam". Gracias, Rigola! 

EL PÚBLICO

by on 16:44
AUTOR: FEDERICO GARCÍA LORCA DIRECCIÓN: ÀLEX RIGOLA INTÉRPRETES: NACHO VERA, PEP TOSAR, NAO ALBET, GUILLERMO WEICKERT, LAIA DURAN, D...
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Fuente: Patricia Peiro (elpais.com) | Foto: Luis Sevillano
En los años cincuenta y sesenta un actor de teatro valía lo que contuviese su baúl. El arcón debía albergar el mayor repertorio de vestimenta posible, desde un traje de noche hasta ropa de deporte. Depende de lo lleno que estuviera, el sueldo era mayor o menor, porque eran los cómicos los que se encargaban de su propio vestuario. El de Lola Herrera tenía casi de todo. Su compañera de tablas Irene Escolar nunca ha vivido esta experiencia a sus 26 años. Ella carga con el examen continuo de los castings. La primera llegó al teatro por casualidad, buscaba algo —“no sabía muy bien qué”— y la segunda mamó el escenario desde su nacimiento. Herrera y Escolar desgranaron en el teatro La Cuarta Pared de Madrid el camino recorrido en sus carreras y el que queda por delante en un encuentro organizado por EL PAÍS y moderado por la periodista Rocío García, para sus suscriptores el pasado martes.
Les ha tocado vivir dos etapas muy diferentes de la escena teatral. Herrera llegó a Madrid con apenas 18 años. En Valladolid había ganado cuatro concursos de canto a los que la presentaron sus padres, “de esos casposos de la posguerra”, explica con sorna la intérprete, “participar en algo así descoloca a cualquiera, así que vine a Madrid a buscar y encontré”. Lo que halló fue la pasión de su vida: el teatro. “Mi alimento y mi necesidad”, asegura. Irene proviene de una familia de artistas y conoce todas las experiencias de los cómicos en los años de la dictadura a través de los relatos de su abuelo y sus tíos. “Cuando mi tía [Julia] acababa las funciones, yo subía al escenario y la imitaba, aunque no supiera leer, aunque no pudiera ni aprenderme el texto”.
Hubo tiempo en el diálogo para recordar los triunfos y los fracasos. La primera vez que Lola Herrera representó Cinco horas con Mario, en el teatro Marquina, se durmió hasta el encargado de las luces. Pero no fue eso lo peor, sino que también lo hizo el empresario del teatro. Miguel Delibes comentó antes de su estreno que era una obra muy experimental, que no iba a gustar mucho. Todo apuntaba al fracaso, pero llevarla adelante fue un "emperramiento". Herrera se ha metido en la piel de Carmen en cuatro ocasiones más los 25 años posteriores a aquella primera vez. “Con ese personaje proyecté muchas mujeres. Delibes lo supo captar tan bien…".
Escolar confesó que aún no hay ningún personaje tan representativo en su carrera, pero reconoció las alegrías que le ha dado su papel de Juana la Loca en la serie Isabel. “Espero que no te moleste, pero parecías una demente de verdad”, le espetó una asistente en el turno de preguntas. “Una de las cosas más importantes es conocer el contexto que rodea al personaje y le hace ser como es. Juana era un ser vulnerable y entre todos hicieron que perdiera la cabeza”, detalló la artista. “¡Qué personaje es Juana, eh! Yo también lo interpreté en teatro”, añadía una sonriente Herrera a su lado.
Si para ellas el escenario es su pasión, es además porque creen en todo lo que les rodea. Ambas se lanzaron a exigir que el teatro sea una asignatura en los colegios. “Creo que es imposible”, apuntó Escolar. “Que no, que no es imposible”, le rebatía Herrera, “pero parece que los que mandan, no nos quieren”. “Si los políticos fueran más al teatro…”, contestó a su vez Escolar. Herrera sabía de uno que lo frecuentaba: “¡Fraga iba mucho! Se ponía en un palco y dormitaba. Esto es verídico”.

El baúl de dos cómicas

by on 14:04
Fuente: Patricia Peiro ( elpais.com ) | Foto: Luis Sevillano En los años cincuenta y sesenta un actor de teatro valía lo que contuvies...
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Fuente: Elisabet Sans (elpais.com)

Les separan dos décadas, pero las une 1988. Ese año, la carrera de Aitana Sánchez-Gijón despegaba gracias a su papel en la película Bajarse al moro, y, en octubre, nacía en Madrid Irene Escolar, en una familia que marcaría su destino. Ahora se han encontrado en el reparto de La Chunga, aunque no por casualidad. Aitana se enamoró de la novela de Mario Vargas Llosa al instante, y sin saber cómo podría enfrentarse a un personaje tan opuesto a ella, según confiesa, tuvo claras dos cosas. Debía convencer al Nobel de Literatura –con quien ya había hecho tres producciones, él también como actor– y hacerle creer que Joan Ollé podía dirigir su adaptación al teatro. Conseguido. Su siguiente paso fue llamar a Irene, solo ella podía ser la Meche de la obra. “Me transmitió tal entusiasmo y tal necesidad de que lo hiciera yo… recuerdo, incluso, dónde estaba cuando recibí la llamada. Fue una sensación de mucha responsabilidad y felicidad que apuesten tanto por ti, y más si es ella”.

“Ella” es una de las actrices más consolidadas del cine y del teatro español. Pero la admiración es mutua. Aitana (Roma, 1968) afirma sin dudar que no se ha cruzado con muchas jóvenes actrices como Irene. “Es el ejemplo de un camino acertadísimo. Está teniendo una carrera muy seria, muy rigurosa en sus elecciones, sobre todo porque apuesta por el teatro, su pasión, no se deja tentar por cantos de sirena”. Aitana, para quien los jóvenes actores deberían hacer más teatro, asegura que ella no necesita sus consejos.
Con solo nueve años, Irene se subió al escenario por primera vez. Nada extraño, teniendo en cuenta que tiene sangre Gutiérrez Caba. “Mi familia siempre me ha ayudado, no para que me dieran papeles, sino para entender la responsabilidad y la disciplina que conlleva esta profesión”. No siente el peso de sus apellidos, pero sí la presión de la responsabilidad. “No va a menos”, advierte Aitana. “Parece que con la experiencia, y si ya tienes una posición determinada, uno puede relajarse. En absoluto. Cada vez es un reto nuevo y la expectativa de la gente es mayor. Y hay que estar a la altura e, incluso, superarlo si puedes”.
Entre teatro, cine y televisión, las dos lo tienen claro. Es en el teatro donde encuentran los papeles que les gustan, los más completos. “Siempre ha habido personajes femeninos más fuertes, sobre todo a medida que cumples años. En el cine eres el objeto de deseo unos años, luego pasas a ser su madre”, lamenta Aitana. “De actriz buenorra nunca me ofrecen nada, creo que tampoco lo soy…”. Ante la sorpresa de Aitana, Irene añade: “Tampoco ando buscando eso”.
Aitana adora los ensayos y los momentos de creatividad que estos permiten, “querría ensayar siempre”. Irene se quiere quedar donde está, donde es feliz. “Estoy en la edad de formarme, ya habrá tiempo para ganar más dinero… el día que decida dar el salto será porque ya tenga una base sólida. Es una escuela maravillosa, no hay sitio donde esté mejor que aquí”.
Hasta el 16 de junio en un principio, y ahora hasta el 30 de junio ya que la función ha sido prorrogada, las dos actúan en el teatro Español de Madrid, donde han notado la bajada de público por la subida del IVA. Tras mencionar esa cifra maldita del 21%, se dirigen a sus camerinos. El de Aitana, decorado con una portada de la revista Rolling Stone con Don Draper y dos playmobil de sus hijos. A Irene, entre otras cosas, siempre le acompaña una foto de su abuela, Irene Gutiérrez Caba: “Cosas que te hacen emocionalmente vulnerable, el teatro es un lugar para estar totalmente abierto”.

Dos damas de teatro

by on 20:36
Fuente: Elisabet Sans ( elpais.com ) Les separan dos décadas, pero las une 1988. Ese año, la carrera de  Aitana Sánchez-Gijón  despe...
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Fuente: EFE vía larazon.es
El teatro público madrileño, es decir, el que ofrecen el Español, Fernán Gómez y Price, será hasta el verano lugar para espectáculos "intensos y variados" con contemporáneos, como Vargas Llosa o Mamet, y "debutantes" en la escena como Carlos Saura, una receta "valerosa" para afrontar la dureza de la crisis.
El director de Programación de Artes Escénicas, Natalio Grueso, ha presentado hoy en el Español acompañado de muchos de los actores y directores de las obras, como Carlos Saura, y del delegado de las Artes, Fernando Villalonga, las 50 propuestas que llenaran las salas que gestiona el Ayuntamiento de Madrid.
Muchos de los montajes, ha recalcado Grueso, se harán en coproducción con el sector privado y en colaboración y apoyo a las salas alternativas: "en tiempos difíciles y complicados (este tipo de iniciativas) son más importantes que nunca", ha dicho.

Mario Vargas Llosa, con La chunga; Carlos Saura, que se estrenará en la dramaturgia con El gran teatro del mundo, de Calderón, y David Mamet, con La anarquista, son muestra de la "producción variada e intensa" que podrá verse hasta verano en el Español.

José María Pou será el primero, ya que mañana estrena A cielo abierto en el Español -Naves del Matadero- y después "vendrá la poesía", con Amancio Prada, que hoy ha cantado y recitado, y "uno de los platos fuertes" de la temporada: la integral de Vargas Llosa, que se incorporará a los ensayos más adelante.

La Chunga, que dirigirá Joan Ollé, será la primera de las obras del Nobel de la serie que se llevará a los escenarios y estará protagonizada por Aitana Sánchez Gijón, Irene Escolar y Asier Etxeandía, entre otros.

Saura ha subrayado que El gran teatro del mundo es una obra "preciosa" que siempre le ha fascinado pero que como él es "un poco irreverente" quería hacer con ella "una cosa popular, pequeña y adaptada" a sus posibilidades.
El director de cine ha recordado que aunque ha dirigido "flamenco" siempre le ha dado "mucho miedo" hacer una obra "con actores de palabra" y ha pedido "perdón" a sus actores "porque desde el principio quería verlo en plano general, completo".
"Me han obligado a ir parte por parte. Un coñazo, vamos", ha resumido entre las risas y aplausos del auditorio.

En junio, Magüi Mira interpretará La anarquista, de Mamet, que regresa tras su éxito del pasado mes de diciembre.

En Naves del Matadero, y cuando termine El gran teatro del mundo, el Ballet Nacional de España (BNE) interpretará una obra inspirada en Sorolla, y el "teatro joven" tendrá en esa sala del Español su "oportunidad" con títulos como Return, de Chevi Muraday, o Feelgood, protagonizada por Fran Perea.

El Fernán Gómez, ha destacado Grueso, está haciendo "una pequeña revolución" y se ha "inventado" una cosa "fantástica": "'Los martes milagro: poesía', que está siendo un gran éxito", y allí irán luego La importancia de llamarse Ernesto, el Ballet Nacional de Cuba, zarzuela con Luis Olmos, Ceniza, La mujer por fuerza, Al dente y La lengua en pedazos.

El Price, "una de las grandes salas de referencia de conciertos" en España, según Grueso, combinará "el circo con la música" y actuarán Franco Battiato, la Shica y Ludovico Enaudi, aunque será en verano cuando lleguen súper ventas como Diana Krall o Winton Marsalis.

"Son más de 50 actividades de una oferta muy variada e interesante que hará que la vida en Madrid sea mas atractiva e interesante", ha añadido.
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TEXTO: JOHN STEINBECK
ADAPTACIÓN: JUAN CAÑO ARECHA y MIGUEL DEL ARCO
DIRECCIÓ: MIGUEL DEL ARCO
INTÉRPRETES: FERNANDO CAYO, ROBERTO ÁLAMO, ANTONIO CANAL, RAFAEL MARTÍN, JOSEAN BENGOETXEA, IRENE ESCOLAR, EDUARDO VELASCO, DIEGO TOUCEDO, ALBERTO IGLESIAS, EMILIO BUALE
DURACIÓN: 2h
PRODUCCIÓN: CONCHA BUSTO PRODUCCIÓN Y DISTRIBUCIÓN en coproducción con TEATRO ARRIAGA DE BILBAO, TEATRO CALDERON DE VALLADOLID, CLECE S.A., KAMIKAZE PRODUCCIONES S.L. y con la colaboración del TEATRO CUYÁS DE LAS PALMAS
TEATRO EL BOSQUE, MÓSTOLES (Espectáculo en gira)

Extasiada, así se resumiría en una palabra como salí del teatro. Muchas habían sido las buenas críticas, las recomendaciones continuas, pero pocas las posibilidades de verla. Barcelona volvía a ser un destino imposible para una buena producción de Madrid. Móstoles nos dio la oportunidad de ver uno de los mejores montajes de la temporada pasada de la cartelera madrileña, que aún continua de gira por España.

No conocía el texto, lo poco que pude leer en el folleto de mano me llevo a sumergirme en un mundo de pobres de cartera pero ricos de espíritu desde el primer minuto. Espectacular montaje, su puesta en escena sorprende, sus numerosos cambios escenográficos, conseguidos sólo con girar un par de piezas funciona y convierte a las transiciones en momentos de magia. La adaptación a cargo de Juan Caño Arecha y Miguel del Arco fluye, poco a poco y sin descanso te dejas atrapar por la historia, y las dos horas pasan en un suspiro.

De ratones y hombres habla de la amistad, de las relaciones humanas, de los deseos, de las frustraciones, de los sueños, pero también de temas políticos, muy presente está la discriminación a los negros, el menosprecio de la figura de la mujer, la diferencia entre los terratenientes y los casi esclavos trabajadores...

Por si fuera poco, el reparto es excelente, desde el primero hasta el último. Sorpresa mayúscula, la de Fernando Cayo, que mi ignorancia me lleva a recordarle por algún secundario televisivo y por algún papel teatral menor, y aquí coge las riendas de este barco, donde es protagonista, y se enfrenta a las tormentas con valentía, regalándonos una de las mejores interpretaciones de la noche. 

¿Qué decir del gran Roberto Álamo? Que parece recuperado del pequeño traspiés llamado deseo y nos devuelve su mejor cara. Lennie es la ternura hecha hombre, Álamo lo envuelve en un dulzura que convierte su maldad en bondad y el público no es capaz de culparle de sus actos.

Con una entrada desconcertante a escena, Irene Escolar aporta al personaje una inocencia, a veces exagerada y otras escondida tras una más que aparente provocación. Chocan su vestimenta, más moderna de lo que el canon de la obra pediría. Pese a todo, suya es una de las mejores escenas del montaje, junto con Lennie, hablando de sueños. Su mirada al público es sencillamente cautivadora.

De ratones y hombres, cautiva, convence, atrapa, ensueña y sobre todo fascina. Por lo que sigo preguntándome, ¿por qué no llegará a Barcelona? Es de esas cosas que nunca entenderé. De momento sigue de gira, si tenéis la oportunidad, no la dejéis escapar.

DE RATONES Y HOMBRES

by on 19:30
TEXTO: JOHN STEINBECK ADAPTACIÓN: JUAN CAÑO ARECHA y MIGUEL DEL ARCO DIRECCIÓ: MIGUEL DEL ARCO INTÉRPRETES: FERNANDO CAYO, ROBERTO...
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