COREOGRAFIA: PATRICIA APERGI
DRAMATURGIA: ROBERTO FRATINI
INTERPRETACIÓN: ILIAS CHATZIGEORGIOU, NONDAS DAMOPOULOS, CHARA KOTSALI, GIORGOS MICHELAKIS, IOANNA PARASKEVOPOULOU y EVA GEORGITSOPOULOU
COMPOSICIÓN MUSICAL: VASSILIS MANTZOUKIS
DURACIÓN: 70min
FOTO: IONNA CHATZIGEORGIOU
PRODUCCIÓN: ONASSIS CULTURAL CENTER
MERCAT DE LES FLORS (MAC, GREC 2017)

Se nos hundió el cielo, las esperanzas de vivir una vida digna, de tener una casa, un lugar donde resguardarnos. Este es el punto de partida de Cementary, la primera propuesta griega del Grec 2017. La base sobre papel prometía mucho más de lo que en realidad se consiguió. En el inicio es donde la dramaturgia de Roberto Fratini, es más fuerte, donde se muestra unos pilares que en pocos minutos se hundirán para dejarnos sopor.

Aunque la idea siempre resuene de fondo, la falta de ritmo convierte al espectáculo en un sinfín de movimientos sin conexión. Excesiva carga de dramaturgia, quizás para un espectáculo de danza, demasiado masticado, falta espacio para que la mente del espectador construya sus propias imágenes.

La puesta en escena deja al desnudo las carencias del montaje. Una luz intensa, estática, que no nos muestras ni las sombras de aquello que alumbra, vislumbra, deslumbra. El recurso de la tierra que pinta las caras enfatiza lo que el déficit lumínico no ha conseguido mostrar.

Cementary muestra un continuo de movimientos corporales que dejan pocos instantes de danza, demasiadas repeticiones sobre los mismos conceptos, queda de sobras subrayado cuáles son, pero una vez más el ritmo no deja amplitud de miras sobre unos ítems ya conocidos, día a día nada más encender el televisor.

Al final, el cielo se hundió sobre nuestros párpados y sobre la comodidad de los asientos de la sala MAC del Mercat de les Flors. Una lástima de papel mojado que sólo despertó ligeros aplausos de compromiso de una platea adormecida.

CEMENTARY

by on 15:07
COREOGRAFIA: PATRICIA APERGI DRAMATURGIA: ROBERTO FRATINI INTERPRETACIÓN: ILIAS CHATZIGEORGIOU, NONDAS DAMOPOULOS, CHARA KOTSALI...
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AUTORIA y DIRECCIÓN: LES IMPUXIBLES (CLARA PEYA y ARIADNA PEYA) y CARLA ROVIRA
TEXTO y DRAMATURGIA: CARLA ROVIRA
INTERPRETACIÓN: JÚLIA BARCELÓ, OLGA LLADÓ, ARIADNA PEYA, CLARA PEYA y MARIA SALARICH
DIRECCIÓN COREOGRÁFICA: ARIADNA PEYA
COMPOSICIÓN e INTERPRETACIÓN MUSICAL: CLARA PEYA
DURACIÓN: 75min
PRODUCCIÓN: LES IMPUXIBLES
LA SECA ESPAI BROSSA

Gran expectación la que está despertando el nuevo montaje de Les Impuxibles después de su aclamado Limbo y más cuando esta vez han unido fuerzas con Carla Rovira (Most of all, you've got to pide it from the chicks). Cuando unos pocos privilegiados nos ‘colamos’ en un ensayo (a dos semanas del estreno) la cosa ya prometía, y las expectativas se han cumplido y con creces.

Partiendo de la base del lema ‘No es no’, desde el inicio (no te pierdas el mensaje de apagar el móvil), se van desgranando una serie de ítems relacionados con la violencia que sufren las mujeres por parte (o culpa) de los hombres. Palabra, música, cuerpo, sonidos. El primer cuarto de hora es para enmarcar, la potencia visual, sonora, de palabra y música es aplastante.

Cinco voces, cinco cuerpos que claman justicia, que no se banalice la violencia, que no se tome como algo habitual, como un hecho imposible de atajar, de corta, porque no es natural. Declaración de intenciones en una dramaturgia, una y otra vez los estómagos de los espectadores. Ariadna Peya ha coreografiado aquello que no es necesario explicar con palabras, porque un simple gesto dice mucho más. Las escenas de danza, son acompañadas por un grandioso diseño de iluminación de Jordi Berch, que acompañado de la pared desnuda a ladrillo visto de la sala dibuja impactos visuales de gran calado y una simple pero cómplice escenografía de Sarah Bernardy.

Si las palabras hieren, calan y la danza impacta, la composición musical de Clara Peya hipnotiza, impresionante el solo de piano o la explicación de la banda sonora. Además el diseño de sonido de Josep Sánchez-Rico le encaja perfectamente al espectáculo y es un continuo disparo, un incesante goteo de sentimientos.


A pesar de ser un espectáculo a cinco voces, no puedo obviar una, la de Júlia Barceló, impresionante trabajo de voz y cuerpo el suyo. Sus palabras hieren pero también te cuestionan si aquellos actos tan habituales no son más que una gota más en el mar con el que luchamos diariamente. La interpretación de Júlia Barceló es magnética, desde la lista de reproches hasta una inocente y delicada narración de abusos a menores. Piel de gallina. ¿Por qué no vemos a Júlia Barceló en más montajes?

Aüc, el so de les esquerdes es un espectáculo de realidades diarias que Carla Rovira ha sabido relatar con un simple entrar y salida de ficción. El exquisito trato por los temas sensibles tratados para que el público se sienta violentado pero en su justa medida es uno de los puntos más destacados del montaje. Una cosa es impactar y otra intentar evitar tratar el tema de manera gratuita. 

Aüc. El so de les esquerdes es un montaje más que necesario, imprescindible. Desgarrador grito de una realidad que no puede quedar silenciada. Se tiene que poner encima de la mesa. Es un espectáculo apto para todo aquel al que le quede corazón, pero lo deberían ver todos los hombres, en masculino, y si son adolescentes mejor. Nosotras, ellas, salimos de la sala con el estómago y la mente golpeados, pero con la sensación de que ‘entre todas podemos’. ¡Ojála no sea una sensación pasajera! 

Gràcies!
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AUTORIA y DIRECCIÓN: PAU MIRÓ
INTERPRETACIÓN: EMMA VILARASAU, IMMA COLOMER y MAR ULLDEMOLINS
DURACIÓN: 80min
FOTOGRAFIA: DAVID RUANO
PRODUCCIÓN: GREC 2017 FESTIVAL DE BARCELONA y SALA BECKETT
SALA BECKETT

Si hubiera que poner un titular sería que Pau Miró abandona las historias del Raval después de una fallida Victòria. Su zona de confort, sus personajes anónimos son puestos en stand-by al menos por un tiempo, pero no hay que sufrir porque la jugada le ha salido redonda. Durante una hora y media me olvidé que estaba en Barcelona, que los personajes hablaban en catalán y me trasladé a un escenario anglosajón donde el hilo de las dramaturgias, en la mayoría de ocasiones, deja un bordado de oro. 

A Un tret al cap se le nota que su cocción ha sido lenta, las réplicas están bien tramadas, hay una coherencia de lenguajes, nada está porque sí, excepto al final, el cuento con el que acaba la obra, la última escena, queda un poco sinsentido, un intento de cierre más intelectual que el final abrupto que supondría la escena anterior, pero que le hubiera sentado al espectador como un tiro y hubiera sido “una caída de telón” magnífica.

Como periodista, Un tret al cap es una delicia. Una radiografía de la situación de la profesión, una enumeración de los dilemas a los que nos vemos sometidos y todas las consecuencias personales y profesionales que generan. Si alguien se pensaba que la profesión era intocable, que vaya quitándose la idea de la cabeza, es sin lugar a dudas un filón de ideas si se sabe aprovechar bien, como es el caso.

La historia de una periodista, interpretada por una comedida Emma Vilarasau, que es despedida del diario para el que lleva toda la vida trabajando. En medio de un cambio de sentido vital se encuentra con una ingeniera agrónoma, convincente y misteriosa Mar Ulldemolins, que también ha sido despedida por motivos éticos. La tercera en discordia es una escritora de cuentos, y hermana de la periodista, memorable Imma Colomer, que vuelve al hogar familiar a vivir con su hermana.

Si la dramaturgia y dirección de Pau Miró es sumblime (con la ayudantía de Alicía Gorina), aún lo es más la química y complicidad que destilan las interpretaciones. Delante de un texto tan sabiamente construido, verlo representado es un simple deleite. Las mejores réplicas se las llevan Imma Colomer y Emma Vilarasau, sus momentos de debate/discusión entre hermanas son magistrales. Un tret al cap es una drama, aunque alguna de las réplicas de Imma Colomer lo pongan en duda. Sin lugar a dudas el público de treinta y… se sentirá invocado en algunas de las frases del personaje de la Mar Ulldemolins, todo un discurso sobre la falta de relevo generacional para la llamada generación más preparada.

La escenografía de Sebastià Brosa funciona perfectamente como el escaparate de sentimientos que se translucen en toda la obra. Una simple pared y unos cuantos muebles para representar la sala de estar de una casa. Quizás está vez, Pau Miró haya abandonado los personajes anónimos, pero bien es cierto que aunque veamos la radiografía de una periodista reconocida, su historia es la historia de tantos otros miles con menos nombre.

Un tret al cap funciona como una gran orquesta afinada. Una partitura que roza la maestría y unos personajes con los que el espectador empatiza desde el primer minuto. Hubiera bastado con avanzar cinco minutos el 'The End' para estar delante de una obra de 10. De todas maneras el sobresaliente se lo ha ganado, y ser uno de los montajes imprescindibles de este Grec 2017 también. Bravo!

UN TRET AL CAP

by on 11:53
AUTORIA y DIRECCIÓN: PAU MIRÓ INTERPRETACIÓN: EMMA VILARASAU, IMMA COLOMER y MAR ULLDEMOLINS DURACIÓN: 80min FOTOGRAFIA: DAVID...
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TEXTO: MARC ARTIGAU, CRISTINA GENEBAT y JULIO MANRIQUE
DIRECCIÓN: JULIO MANRIQUE
INTÉRPRETES: ROSA GÀMIZ, CAROLINA MORRO, MARTA PÉREZ, CARME PLA, ALBERT RIBALTA, JORDI RICO y ÀGATA ROCA
DURACIÓN: 105min
FOTOGRAFIA: DAVID RUANO
PRODUCCIÓN: T DE TEATRE, FOCUS y GREC 2017 FESTIVAL DE BARCELONA
TEATRE ROMEA

Ay, qué tiempos aquellos en que las T de Teatre hacían espectáculos ‘ridiculizando’ a los hombres! ¿25 años han pasado ya? ¡Cómo pasa el tiempo! E.V.A. es una obra homenaje a su trayectoria y quizás un punto y aparte de su carrera, parecido a aquel que van marcar cuando van abandonar sus habituales sketches para pasar a representar obras con inicio, nudo y desenlace. 

E.V.A. está especialmente llamada a ser el final de una etapa. Conscientes que los años de Jet Lag o Homes (que han sido sus dos grandes éxitos) no volverán, el humor de T de Teatre debería girar a lo que ya nos demostraron con la gran obra de esta etapa, Dones com jo, también al Romea, escrita y dirigida por Pau Miró. El dolor es el tema principal de E.V.A., nombre de mujer, de la primera mujer, según la mitología cristiana, pero también son las siglas de la Escala Visual Analógica del Dolor. Todo muy bien tramado. 

La obra gira entorno a Àgata, Àgata Roca, una actriz que se encuentra en plenos ensayos de una obra de teatro con la cuál su compañía celebra los 25 años encima de las tablas, ‘casualidades de la vida’, pero su madre, genial Carme Fortuny, ha decidido escaparse de la residencia para vivir la vida. Clara, Carme Pla, se acaba de coger una año sabático y se dedica a limpiar armarios, ahora que su hija, Eva, Carolina Morro, está a punto de abandonar el nido para marcharse a estudiar fuera. Paloma, Marta Pérez, es una anestesista que tiene anestesiada su vida personal y Lola es una madre de gemelos que se dedica al negocio inmobiliario.  En esta ocasión, Albert Ribalta y Jordi Rico también se incorporan al reparto para interpretar personajes secundarios. Mención especial para Ribalta brillante en su personaje de Yoshiro.

En las interpretaciones también se hacen un homenaje a sí mismas, quizás la más ‘evolucionada’ sea Àgata Roca (o quizás se predilección personal), su personaje tiene más matices, es un mujer menos ‘histérica’ que las que nos tiene acostumbrados a interpretar, igual de indecisa que en otras ocasiones pero con más fondo. Carme Pla sigue con sus personajes enfadados con el mundo y lo borda, es una de las actrices que mejor se enfada de Catalunya, sin duda. Al igual que Marta Pérez, la más ‘seria’ de la familia T de Teatre. En este caso se echa de menos a Mamen Duch, su desparpajo le habría venido de perlas a un texto, que a veces peca de encorsetado y previsible. El paso del tiempo hará que la máquina, entre actores, texto y puesta en escena funcione a un ritmo más adecuado.

La escenografía de Alejandro Andújar permite una escena mucho más amplia y luminosa y el continuo movimiento y cambio de localizaciones: sala de espera de una residencia, un hospital, un restaurante… es impresionante lo que esconde lo que ha simple vista parecía un simple habitáculo de madera. La iluminación de Jaume Ventura y el espacio sonoro de Damien Bazin ponen el resto a un espectáculo donde el espectador se lo pasa bien, se ríe, disfruta echando la vista atrás, y si es fan de T de Teatre captará los guiños que todo homenaje requiere.

Per molts anys / Muchas Felicidades, T de Teatre!

E.V.A.

by on 20:26
TEXTO: MARC ARTIGAU, CRISTINA GENEBAT y JULIO MANRIQUE DIRECCIÓN: JULIO MANRIQUE INTÉRPRETES: ROSA GÀMIZ, CAROLINA MORRO, MARTA P...
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TEXTO: FEDERICO GARCÍA LORCA
DIRECCIÓN y ESPACIO: ORIOL BROGGI
CREACIÓN MUSICAL: JOAN GARRIGA
INTÉRPRETES: IVAN BENET, ANNA CASTELLS, NORA NAVAS, PAU ROCA, CLARA SEGURA, MONTSE VELLVEHÍ y JUGUETÓN
MÚSICS: JOAN GARRIGA, MARIÀ ROCH y MARC SERRA
DURACIÓN: 1h 50min
FOTOGRAFIA: BITO CELS
PRODUCCIÓN: LA PERLA 29
BIBLIOTECA DE CATALUNYA


Tercero y último Lorca de la temporada. Reparto de lujo y una obra que quien más quien menos pone los pelos de punta. Quizás sea una de las obras que más ha sufrido el paso del tiempo, a nadie le debería escandalizar el adulterio ni las rivalidades entre familias, pero lo que sí escandaliza, o al menos debería, el profundo machismo que destila. Oriol Broggi ha sido muy fiel al texto, lo ha vuelto a llevar a su terreno, a esa Biblioteca de Catalunya, a esa tierra, a esa Andalucía.

Con la platea a cuatro bandas, hay que aprovechar todo el espacio para colocar una silla más, las entradas han volado, mi situación de privilegio, bien aconsejada, en la segunda fila de una de las gradas paralelas. Juguetón camina, trota pero tengo la suficiente distancia para que lo vea como si tuviera delante una pantalla. Una concesión de la obra, más allá del titular, la presencia de una caballo vivo en directo no aporta nada más que la incertidumbre de saber si estará bien domado o no. Una simple proyección, espacio sonoro o incluso realidad aumentada hubieran hecho el mismo efecto.

El cartel encabezado por Clara Segura y Nora Navas ya promete. Dos de las grandes en escena, y la verdad es que es todo un gustazo ver cómo desgranan las frases de Lorca, poesía pura. Lo que no logro entender es el cambio de personajes de la primera escena, quizás en busca de un lucimiento de la Clara Segura, ya desde bien empezada la obra, pero a tenor por la cantidad de escenas de las que es protagonista, no haría faltar despistar al espectador.

Al mano a mano de damas, le acompaña un excepcional Leonardo, interpretado por Ivan Benet, brillante en cada réplica pero que alcanza su culmen con el duelo poético que mantiene con la Novia, Clara Segura. Montse Vellvehí nos regala los momentos con más comicidad de la pieza dramática en su papel de criada.

Uno de los elementos por los que guardaremos estas Bodas de Sangre en la memoria es por el espacio sonoro de Damien Bazin y por la estupenda banda sonora de Joan Garriga. Todo un viaje, sin movernos del asiento (nuevos por cierto, pero igual de incómodos) a esa Andalucía de sueños, de cuentos y de algunos tópicos. No entiendo, pero la inclusión del catalán en una de sus letras, demasiado hermanamiento. 

Pero sin duda el elemento más flojo de la función es la iluminación firmada por Pep Barcons, no es que la Biblioteca de Catalunya sea un lugar fácil de iluminar y menos con una poco acertada disposición del espacio escénico a cuatro bandas, realmente parece que sería más propicio hacerlo a dos, a tenor por la cantidad de sombras con las que se “alumbran” los personajes. Demasiados momentos a oscuras, el ambiente sonoro es importante, pero Bodas de Sangre es una obra de piel, y la piel te la da una mirada, una expresión.

Y mientras la sangre es derramada, me doy cuenta de que no se me han puesto los pelos de punta, de que ha faltado no sé qué que me erizara la piel, ese sentimiento de haber visto una obra maestra, inolvidable. Se agradece el viaje a Andalucía, ver un reparto interpretar con una naturalidad aplastante la difícil poética lorquiana pero esta vez el duende no me ha embrujado.

BODAS DE SANGRE

by on 19:11
TEXTO: FEDERICO GARCÍA LORCA DIRECCIÓN y ESPACIO: ORIOL BROGGI CREACIÓN MUSICAL: JOAN GARRIGA INTÉRPRETES: IVAN BENET, ANNA CA...
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DIRECCIÓN, DISEÑO DE ESCENOGRAFIA y CONCEPTO DE ILUMINACIÓN: ROBERT WILSON
INTÉRPRETE: MIKHAIL BARYSHNIKOV
TEXTO: CHRISTIAN DUMAIS-LVOWSKI
DRAMATURGIA: DARRYL PINCKNEY
MÚSICA: HAL WILLNER
DURACIÓN: 70min
FOTO: LUCIE JANSCH
PRODUCCIÓN: CHANGE PERFORMING ARTS y BARYSHNIKOV PRODUCTIONS
TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA (SALA GRAN)

Una suerte poder ver a Mikhail Baryshnikov, no bailando, pero si interpretando en vivo y en directo. Una magia al alcance de pocos, a tenor por el precio de las entradas, excesivamente elevado para ser un teatro público, comentario escuchado en más de una ocasión. Eso sí la platea a rebosar, nadie quería perderse el postureo.

Por desgracia no tengo la experiencia de otros de poder comparar las obras de Robert Wilson, pero a pesar de ello se notaba un “vamos de tirar de oficio”. Delante de nosotros una puesta en escena maravillosa, de aquellas que sólo se ven fuera de unas y otras fronteras. Un despliegue de escenografía y recursos visuales. Un constante cambio de “muebles”, de luces que convierten al espectador en un ser hipnótico.

La historia de Vaslav Nijinski queda excesivamente diluida en el texto de Christian Dumais Lvowski, más bien se convierte en una serie de repeticiones en tres idiomas, ruso, inglés y francés, que no acaban de llevar/acompañar al espectador a ninguna salida cierta. Si bien como dijo en rueda de prensa Baryshnikov interpretar a un a persona esquizofrénica seria inmoral, dejarlo todo a medias, a nivel textual, es una especie de coitus interruptus.

Pero realmente estábamos allí para ver el genio de Baryshnikov dijera lo que dijera. Y aunque a nivel dramatúrgico el espectáculo no estuviera a la altura de nuestras expectativas, el ingenio, tablas y maestría de Baryshnikov hizo que se pasara por alto el resto de “peros” de la función y despertó los vítores del público de la Sala Gran. 

Toda una leyenda sobre las tablas que nos dejó bocabiertos con la cantidad de recursos de los que hizo uso. Letter to a man gasta un teatro visual  del que no estamos acostumbrados a ver, toda una clase magistral de expresiones, movimiento corporal que juntamente con el envoltorio hizo que el caramelo se convirtiera en una velada inolvidable. 

LETTER TO A MAN

by on 18:41
DIRECCIÓN, DISEÑO DE ESCENOGRAFIA y CONCEPTO DE ILUMINACIÓN: ROBERT WILSON INTÉRPRETE: MIKHAIL BARYSHNIKOV TEXTO: CHRISTIAN DUM...
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