Fuente: Rosana Torres (elpais.com)
Quiénes y cómo son hoy Romeo, Segismundo, Laurencia, Absalón y otras muchas criaturas que pueblan desde hace siglos los territorios del teatro clásico. Cómo desde una mirada joven, enérgica y escudriñadora se nos puede contar dónde encontrar a esos personajes en nuestra historia más contemporánea, en Ciudad Juárez la lopiana Laurencia nos habla del dolor de las mujeres, en Guantánamo nadie mejor que Segismundo para reflexionar sobre el poder y la pérdida de libertad o en Mendoza es Macbeth quien nos hace ver la violencia en México. Al tiempo se nos muestra cuál es la relación de todos ellos con la sociedad que les rodeaba, con la sociedad que nos rodea. Cómo se les puede analizar y observar desde los puntos de vista más dispares para poder jugar con ellos, reflexionar a través de ellos, corromperlos, reinventarlos y, sobre todo, gozarlos, incluso desde la provocación, la muerte, el dolor, la ironía...
Una posible respuesta a estas y otras muchas cuestiones se puede encontrar buceando en las relecturas y reinterpretaciones que muchos jóvenes profesionales del teatro hacen de los textos clásicos. Está claro que las tablas barrocas atrapan como pocos a las nuevas generaciones de creadores escénicos y a los grupos emergentes propietarios de las últimas tendencias del teatro contemporáneo. Ello se debe también a impulsos externos como Almagro Off, una propuesta nacida hace un lustro como parte del Festival de Teatro Clásico de esa ciudad manchega, que acaba de cerrar con éxito su trigésimo octava edición.
Almagro Off nació convertido en certamen internacional, en el que se pueden lanzar arriesgadas conclusiones, y en el que pueden participar jóvenes de todo el mundo, como directores o dentro de colectivos, pero con una trayectoria que no supere los cinco montajes y con la firme decisión de recrear algún texto del periodo barroco.
A lo largo de estos cinco años han llegado más de 400 propuestas de las que cada año una decena han encontrado el apoyo para encarnarse sobre el escenario. Ello supone que sean vistas no solo por espectadores al uso, sino por un buen puñado de programadores, distribuidores y gestores culturales que posibilitan que los espectáculos valiosos puedan tener vida más allá de Almagro, haciendo giras no solo nacionales. Una plataforma que es especialmente amable con los montajes que se hacen con el premio del certamen.
Este año el jurado de Almagro Off, por unanimidad, ha querido otorgar el primer premio a la compañía griega IDEA Theatre Group y su enérgico, inteligente y divertido montaje Romeo and Juliet for 2. “Un puzzle teatral de varios géneros y estilos, donde destaca el virtuosismo en la composición de los personajes, además de un espléndido trabajo musical en vivo, todo ello sin dejar de transmitir la esencia de la obra de Shakespeare, proporcionando momentos de comedia y drama, humor y ternura, risas y emoción, amor extremo y muerte”, en palabras del jurado.
Natalia Menéndez, directora del Festival de Almagro y muñidora de este certamen está más que satisfecha con la trayectoria de Almagro Off. “Desde el principio fue de mis mayores apuestas y los objetivos se han cubierto más de lo esperado, dando vida nacional e internacional a estos espectáculos”, apunta. “Pero de lo que estoy más orgullosa es de la respuesta de los profesionales: lo han entendido, quieren estar, y en cada edición se nota que cada vez está importando más este certamen”, celebra. Menéndez tiene claro que inventó este proyecto por sentido común: “Es lo que nos habría gustado a mi generación, haber tenido cuando empezamos, con un espacio como La Veleta, una estupenda sala polivalente; además Almagro Off nació con personalidad, no como un engendro que tiene que fermentar”.
Almagro Off también desarrolla talleres con expertos en dramaturgia, verso y música y genera espacios de debate y diálogo con profesionales del sector: actores, directores, dramaturgos, técnicos, agentes artísticos y un largo etcétera.
El espectáculo que se hizo con el galardón en el primer Almagro Off fue La vida es sueño por la Compañía de Titiriteros de la Universidad Nacional de San Martín de Argentina. Tras estrenarse en Almagro, emprendió un circuito internacional de presentaciones cosechando críticas y galardones, realizando en 2011 y 2012 funciones en España, Italia, Brasil y el interior de Argentina.
Giulio Cesare, de Andrea Baracco, ganador del II certamen hizo giras por Inglaterra, España e Italia. La compañía Obskené terminó siendo multipremiada en diversos festivales tras su paso por el tercer Almagro Off con Fuenteovejuna, breve tratado sobre las ovejas domésticas, delicioso montaje que aún continúa su gira. Y el pasado año, Mendoza, de la mexicana compañía Los Colochos, tras hacerse con el primer premio, fue reclamado en diversos escenarios de España, Alemania, La Habana, y en 2015 siguen realizando funciones en todo el territorio mexicano.
También los espectáculos que han tenido una mención especial del jurado dentro de Almagro Off obtienen repercusión. De hecho, los espectáculos de Almagro Off han estado presentes estos años tanto en eventos de carácter público como el Festival Don Quixote de París, el Festival de Olmedo, el Frinje, Festival de Donosti y en numerosos teatros y salas privadas.

CREACIÓN: COMPAGNIE XY
ARTISTAS EN GIRA: ABDELIAZIDE SENHADJI, AMAIA VALLE, ANDRÉS SOMOZA, CAROLINE LE ROY, ALICE NOEL, ANN-KATRIN JORNOT, ANTOINE THIRION, AURORE LIOTARD, CHARLIE VERGNAUD, DAVID BADIA HERNÁNDEZ, DAVID COLL POVEDANO, DENIS DULON, EMMANUEL DARIÈS, EVERTJAN MERCIER, GUILLAUME SENDRON, GWENDAL BEYLIER, JÉRÔME HUGO, MOHAMED BOUSETA, ALEXANDRE FOURNIER, THOMAS SAMACOÏTS, THIBAUT BERTHLAS, XAVIER LAVABRE y ZINZI OEGEMA
DURACIÓN: 60min
FOTO: JOSEP AZNAR
AMFITEATRE GREC (GREC 2015)

Preciosista noche la que disfrutamos el lunes, y otros el martes, al Anfiteatro Grec. El circo acrobático de la compañía XY que dejó maravillados a toda una platea que se lo agradeció puesta en pie durante un buen rato. El escenario era el más adecuado para hacer brillar sus ya conocidos castillos humanos, al más puro estilo catalán de castellers. Pilares humanos que no se conforman con montar sino que adornan con acrobacias imposibles que dejaron boquiabierto a más de uno.

Il n'est pas encore minuit... habla del grupo, de la masa, del colectivo confrontándolo con el individuo. Comenzando por una pelea dancística inicial para formar el grupo y seguir construyendo y derribando pilares, grupos para cuestionarse las nociones de trabajo, solidaridad, esfuerzo, rigor y juego, mucho juego. No sólo de circo bebe la pieza sino que la danza también adquiere un protagonismo relevante, bien sea en formato contemporáneo (como en la "pelea" inicial) o bailando el lindy hop, un baile social de los años 20, previo al rock&roll y que no entiende de individualidades, sino que no hay lindy hop sino hay grupo.

El ritmo, la flexibilidad de los cuerpos e incluso la humanidad, porque el vivo y en directo a veces provoca que no todo salga como el guión dicta enamoran. El circo es al humor, lo que el humor es al circo, es decir, imprescindible y en Il n'est pas encore minuit... es visible y ablanda la transición entre aquellos momentos en los que el corazón se te encoge tras un doble mortal, por ejemplo. 

Dos años ha tardado XY en crear el espectáculo, pero le ha salido redondo. Ni un ápice para cerrar los ojos y dejar de soñar. La medida de los elementos es un acierto, cada nueva acción irá seguido segundo a segundo por los ojos de algún espectador que busque, una vez más, el asombro. Una hora pasa volando, seguro que más de uno pediría "un poco más" para seguir maravillándose con más acrobacias. Pero el punto y final no es el aplauso, es lo que te ha quedado vivo por dentro. ¡Bravo!   

Fuente: Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Después de un mes de maratón cultural, el Grec 2015 ha presentado sus cifras provisionales de ocupación. Más espectadores, 9.000 (6.000 de pago y 3.000 invitaciones) son las cifras que para Ramon Simó simbolizan que su modelo de festival se ha consolidado y goza de la aprobación por parte de los ciudadanos de Barcelona.

La música, con 48 espectacles y el 75% de venta i el 82,82% de ocupación total con invitaciones, vuelve a ser el bastión del Grec por delante de los otros géneros (teatro, circo y danza). El teatro con 47 espectacles, y a pesar de que casi iguala a la música en espectadores, se queda en porcentajes muy inferiores (50,96% de venta y 61,76% de ocupación total con invitaciones). La danza con 13 espectáculos ha sido uno de los aciertos de este año al alcanzar el 60,82% de venta i el 85,82% de ocupación total con invitaciones. El circo relegado en esta edición al último plano y en una expresión mínima de tan sólo tres espectáculos, una lástima ya que en ediciones anteriores había dado muy buenos resultados tanto al público como a la venta de entradas, ha alcanzado el 57,16% de venta y el 66,84% de ocupación total con invitaciones. Datos, estos últimos muy ficticios porque no se tienen en cuenta las entradas del espectáculo de la compañía XY que se ha representado entre el lunes y el martes de la última semana de festival en el Anfiteatro.

De un total de 94 espectáculos entre las cuatro disciplinas, 16 han conseguido agotar las entradas, 11 han alcanzado el 90% de ocupación, 14 el 80% y 12 el 70%, lo que quiere decir que más de la mitad de la programación está por encima de la media de ocupación total del Grec 2015 que se encuentra en 71,78% (incluyendo las invitaciones).

2017, un nuevo Grec
Ramón Simó se ha mostrado satisfecho de los resultados y más allá de las cifras ha destacado la calidad artística de la que hemos disfrutado en el festival ha sido muy buena. Y, aunque ya hablamos de consolidación de su modelo de Grec, la presencia de la nueva Comisaria para la Cultura, Berta Sureda, alertaba de cambios futuros. 

El nuevo gobierno del consistorio mantendrá el año de contrato que le queda a Ramon Simó pero el Grec de 2017 tendrá nuevo director. Este otoño se iniciarán conversaciones desde el ICUB con los distintos agentes culturales para analizar el actual modelo y proponer cambios. Uno de ellos será el director del festival que se eligirá mediante concurso público en el primer trimestre del 2016. Ramon Simó no descarta presentarse si el nuevo modelo que se propondrá después de las conversaciones se adapta a lo que el considera que puede llegar a ser el Festival Grec. Eso sí, tendrá que someterse al concurso como el resto de los candidatos.

Berta Sureda no augura cambios de presupuesto en un futuro. De los 4,6 millones de € que disponían el año antes de la llegada de Ramon Simó, se han pasado en 4 años a los 3 millones de €, con un claro aumento de los espectáculos y haciendo "mans i mànigues" como el propio Simó afirma. Lo que sí ha apuntado Sureda es un cambio en la conceptualización del espectáculo, y aunque hay mucho que estudiar, uno de los pilares para el nuevo equipo será conjugar la cultura de base dentro de las grandes infraestructuras culturales. Algo que evidentemente ya tiene piedras puestas en el modelo de Simó, pero que se potenciará en futuras ediciones.

Montjuïc or not Montjuïc
Sin duda uno de los debates más controvertidos del modelo de Ramon Simó ha sido concentrar la mayoría del festival en la montaña de Montjuïc, dejando de lado el resto de la ciudad. Berta Sureda, con la mirada atónita y nerviosa de Ramon Simó, ha expresado su voluntad (compartida por muchos) de abrir el Grec a la ciudad (no puede ser que lo que se llama un Festival de Verano de Barcelona sólo pase en Montjuïc, opinión personal). Pero Sureda va más allá de extender el festival por los distritos de la Ciudad Condal, ya piensa en llevarlo al área metropolitana, todo ello sin variar el presupuesto. Simó la miraba y no daba crédito. 

Lo que sí está claro es que después de escuchar todos los puntos de uno y de otro ha faltado, como casi siempre, una autocrítica. En cuanto a los datos, y pese al ligero repunte, Simó se escuda en que la temporada en general ha sido mucho más floja de lo que cabía esperar (tendremos que esperar a los datos de ADETCA el 7 de septiembre) con porcentajes en los últimos meses entorno al 45% y levantarnos durante julio era tarea complicada.

Si hablamos de públicos y su concepto de transversalidad (el público de la música puede ir a ver teatro y al revés) esta edición sigue aumentando y el Grec sigue teniendo como preocupación como comunicarse con ellos. Pero lo que sí falta, y por mucho que diga Simó el Grec no es para todos los públicos en cuanto a precios se refiere, una política de abonos para todos aquellos que quieran ir a 5, 10, 15, 20 o más espectáculos puedan permitírselo sin tener que vender un riñón. Y, aunque haya quien piense que son 4 gatos, de 4 en 4 se llena una platea. Quizás la Tarifa Plana del TNC sea una utopía para muchos fuera de la institución, pero es hora de que el precio deje de ser la excusa.

Sea como fuere, el Grec 2015 es uno de los que mejor me lo he pasado personal/profesionalmente. Lo que no quiere decir que haya sido bueno artísticamente. Para mí, ha sido el más flojo de la era Ramon Simó. Falta circo y sobra música. Si en la edición anterior no echamos de menos habernos ido a Aviñón, este año más de uno ya hubiera cogido la maleta a mitad de julio. Está claro que nunca llueve a gusto de todos, pero tiene que seguir lloviendo.

POR UN NUEVO GREC

by on 17:24
Fuente: Elisa Díez (Butaques i Somnis) Después de un mes de maratón cultural, el Grec 2015 ha presentado sus cifras provisionales de...


Fuente: Alberto Ojeda (elcultural.com) | Foto: Juan Echanove

Juan Echanove lo que le tira es la comedia y la carcajada incisiva. Buena prueba es cómo se gestó su versión de La asamblea de mujeres. Jesús Cimarro tenía ganas ya de que se doctorase en el Teatro Romano de Mérida como director. En la edición anterior del festival le propuso hacer el Calígula de Camus, retrato humanísimo de la enajenación del tirano. Echanove se aplicó. Le buscó las vueltas al texto pero algo no funcionaba. "No tenía el cuerpo para adentrarme en la densidad del drama. No me excitaba y no encontraba nada que me permitiera comunicarme con el presente", confiesa a El Cultural.

Buscó entonces un 'plan b' que desembocase en sensaciones más lúdicas y hedonistas. Esa era la premisa exigida por Echanove para arremangarse. Rastreó decenas de comedias: griegas, romanas, de nuestro Siglo de Oro, del periodo de esplendor en la Comédie Française, de la Commedia dell'Arte italiana... Un ejercicio que le permitió constatar “la ilación histórica y artística” de un género muchas veces mirado por el encima del hombro.

La bombilla se le encendió cuando llegó a Aristófanes. La asamblea de mujereses una de las 11 comedias que han sobrevivido de las 40 que escribió, un corpus dramatúrgico pleno de beligerante ironía que se cobró muchas víctimas, entre ellas Sócrates, al que satirizó sin piedad en Las nubes. La pieza se orquesta en torno a lo que aparentemente es una broma: las mujeres toman el control de la política ateniense a través de un sibilino 'golpe de Estado' dado en el parlamento. Una manera de rebelarse contra la incompetencia de sus representantes varones, que han hundido la Liga de Delos en la desolación (Aristófanes la remató en el 392 a.C, poco después de que Atenas sucumbiera al empuje espartano).

Es ese estado crítico el que le da coartada a Echanove para arrimar su versión a nuestros convulsos días. "Aristófanes no escribe esta obra para reivindicar a las mujeres. Él era un machista y un reaccionario, como casi todos sus coetáneos. Escribe para mofarse y lacerar a los gobernantes", advierte. Sobreentiende Echanove que el comediógrafo heleno venía a decirles algo así: hasta las mujeres son capaces de hacerlo mejor que vosotros, inútiles.

Y por ahí va armando el paralelismo entre ambas épocas: "Vivimos bajo un trauma similar. Nuestra Guerra del Peloponeso es la crisis financiera, el recorte de la soberanía de los Estados y la saturación informativa, que hace imposible formarse una idea clara de lo que sucede. Aristófanes, si viviera, estaría metiendo el aguijón en asuntos tan desconcertantes como que la economía de Europa dependa de unos fondos de inversión controlados por cuatro jubilados de Iowa. Hoy día a mí me cuesta mucho explicarle a mi hijo qué significa la palabra democracia".

Pero no es una monserga contestataria lo que quiere endosar al público emeritense. Lo cierto es que La asamblea de mujeres daría pie para excursos politológicos: algunos identifican este título como un precedente del ideal socialista, ya que las mujeres, cuando toman el mando, abogan por una colectivización de los bienes. Aunque Echanove no renuncia a ese trasfondo crítico y -digamos- trascendente, su intención es que la gente pase un buen rato. Sin más. "Estamos en verano, al aire libre. Toca disfrutar y yo lo que quiero es organizar una fiesta. Siempre que leía este texto creía que podía representarse como una juerga".

Esa premonición la ratificó Echanove durante una madrugada insomne, ya cuando el proyecto de montar La asamblea estaba en marcha. En el duermevela vislumbró a unos actores que "hacían cosas muy raras sobre el escenario", moviéndose en aparente anarquía festiva. Cuando se acercó al proscenio, se dio cuenta que estaban en el carnaval de Cádiz y que tales presencias histriónicas conformaban una chirigota. Ese es el código y el tono que le ha estampado al montaje, en cuyo reparto encontramos a Pastora Vega, María Galiana, Pedro Mari Sánchez, Sergio Pazos... Y a Lolita Flores, elevada a las alturas por su conmovedora encarnación de la Colometa en La plaza del diamante firmada por Joan Ollé. Aquí abandera la revuelta femenina en la piel de Práxagora, la lideresa ateniense con la que la actriz y cantante se ha mimetizado desde el principio: "Es una mujer como yo, inquieta, que quiere cambiar las cosas, que lucha por la igualdad, con mucho temperamento, muy decidida, muy enérgica y muy capaz".

Son también cualidades esenciales para afianzarse sobre el intimidante escenario del Teatro Romano, convertido por Echanove en una gran elipse con forma de moneda de diez céntimos. Él lo conoce bien como actor. Allí se ha subido ya cuatro veces. "Es curioso: cuando asistes como espectador te parece un espacio gigante pero como actor, concentrado en las tablas, te parece pequeño". En su reválida como director, tras Visitando al señor Green y Conversaciones con mamá, intenta conjugar ambas perspectivas y afilar el bisturí de Aristófanes, para clavarlo, con la anestesia del humor y la música de Javier Ruibal, sobre el caos contemporáneo. "Siendo absolutamente fieles al texto podemos contar la realidad de ahora. Eso es lo que me motiva al trabajar con los clásicos. No creo en el teatro como museo ni en los espectáculos-vitrina".

DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: NAO ALBET y MARCEL BORRÀS con la colaboración de JUAN MIRANDA
CREACIÓN e INTERPRETACIÓN: NAO ALBET, ALFREDO BACCETTI, DALLAS BAYLEY, MARCEL BORRÀS, MICHAEL DILIGENT y KRISTINA WESTAD
COMPOSICIÓN MUSICAL: NAO ALBET y MARCEL BORRÀS  a partir de las composiciones de BADBADNOTGOOD
DURACIÓN: 50min
FOTO: FELIPE MENA
PRODUCCIÓN: GREC 2015 FESTIVAL DE BARCELONA, LA BRUTAL, TEMPORADA ALTA y CCCB
TEATRE CCCB

En su búsqueda por acercarnos a nuevos mundos, nuevos lenguajes, nuevas maneras de contarlo lo mismo pero diferente, el dúo Nao Albet y Marcel Borràs han combinado el pensamiento ilustrado con el mundo del Skater. Diferentes, sí, no hay duda pero que al menos por 50 minutos parecen tener más cosas en común de las que parecía a simple vista.

El telón de fondo es la libertad definida a través de un sinfín de frases de escritores y filósofos como Platón, Molière... monólogos sobre qué papel juega la universidad en el aprendizaje humano y el eterno dilema si es el conocimiento quien otorga al hombre la libertad.

Pero la parte más sorprendente es la coreografía dancística de los cuatro 'esqueiters', que no sólo actúan si no que ellos y sus tablas se mueven rítmicamente al compás de la música y junto con el juego de luces, protagonizan la que es sin duda la imagen más preciosista del espectáculo.

El humor y la multiplicidad de idiomas: castellano, inglés, francés, italiano y noruego es otra de las señas de identidad habituales en los montajes de Nao Albet y Marcel Borràs que no pueden faltar. Y, aunque Los Esqueiters no van en la onda de Mammon, uno de los mejores montajes de la temporada y que ha dejado el listón creativo muy alto, Los Esqueiters es un agradable entretenimiento para las calurosas tardes de verano.

LOS ESQUITERS

by on 18:00
DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: NAO ALBET y MARCEL BORRÀS con la colaboración de JUAN MIRANDA CREACIÓN e INTERPRETACIÓN: NAO ALBET, ALFREDO B...

CONCEPCION, TEXTO y DIRECCIÓN: MILO RAU
TEXTO e INTERPRETACIÓN: KARIM BEL KACEM, SARA DE BOSSCHERE, SÉBASTIEN FOUCAULT y JOHAN LEYSEN
INVESTIGACIÓN y DRAMATURGIA: EVA-MARIA BERTSCHY
DURACIÓN: 130min
FOTO: MARC STEPHAN
PRODUCCIÓN: MILO RAU e INTERTIONAL INSTITUTE OF POLITICAL MURDER
MERCAT DE LES FLORS (SALA OM, GREC 2015)

Quizás uno de los espectáculos que más curiosidad despertaba fuera The Civil Wars. Hace dos años, Milo Rau nos dejó impactados con Hate Radio, pero esta vez la curiosidad mató al gato. La búsqueda por elaborar una trama con la actualidad europea, basada en que le lleva a un joven a alistarse a los grupos terroristas islámicos como la jihad, la culpabilidad de la educación, de la familia (y más concretamente de los padres o la ausencia de estos).

Nos recibe un enorme púlpito por aquello de las religiones diversas en una Europa todavía más. Lo sagrado y los temas tabú de aquellos que más vale no hablar, pero que saldrán de las intervenciones de los protagonistas. Todo un set preparado para grabar. De acuerdo, es teatro documental, o quizás ¿deberíamos tachar teatro para dejarlo en documental?

Estamos en una sala excesivamente grande para que desde más allá de la sexta fila el espectáculo deje de tener sentido. Porque para los que estábamos sentados más lejos la función se nos hizo insoportable. Fue como asistir al rodaje de una película, pero desde un kilómetro de distancia. Incapaces de distinguir alguna cosa más allá de lo que la pantalla nos mostraba, nos perdimos el proceso (no estoy segura de si había algo que perderse tampoco, pero bueno en cualquier caso no lo vimos). Teatro más bien poco, reducido a los cambios de lugar de los personajes. Los sobretítulos colocados justo debajo de la pantalla, con letras en blanco, combinaban muy bien con el blanco y negro de las imágenes, eso sí, flaco favor para los que nos hubiera gustado combinar letra e imágenes. Imposible sin dejarse los ojos en el intento. 

Milo Rau nunca da respuestas en sus espectáculos sino que se limita a lanzar preguntas para que sea el espectador quien piense la contestación más plausible. Si la pregunta de partida era realizar una análisis sobre los fallos de la sociedad europea actual para intentar adivinar qué falla, la respuesta es que los datos aportados por el montaje son insuficientes para hallar la solución al problema. Nos hemos perdido en la casuística personal de cada caso, sin adentrarnos en el problema. Hay problema. No hay respuestas. Europa es culpable, todos somos europeos, todos somos culpables. Simplista a más no poder. Lástima.

THE CIVIL WARS

by on 17:17
CONCEPCION, TEXTO y DIRECCIÓN: MILO RAU TEXTO e INTERPRETACIÓN: KARIM BEL KACEM, SARA DE BOSSCHERE, SÉBASTIEN FOUCAULT y JOHAN LEYSEN ...