DRAMATURGIA, CONCEPCIÓN y DIRECCIÓN: PASCAL RAMBERT
TRADUCCIÓN y VERSIÓN: COTO ADÁNEZ
INTERPRETACIÓN: ISRAEL ELEJALDE y BÁRBARA LENNIE
DURACIÓN: 115 min
FOTO: FEDE SERRA
PRODUCCIÓN: BUXMAN PRODUCCIONES y KAMIKAZE PRODUCCIONES
TEATRE LLIURE (GRÀCIA, GREC 2015)

A todos aquellos que su pareja les ha dejado en un momento u otro de la vida, sabrán que por muy bien que lo afrontes, se pasa mal. Si lo dejas de buenas, también, pero si la ruptura es una pesadilla el dolor va más allá de los límites inimaginables. Y aquí, sin límites encontramos La clausura del amor. No será fácil, pero por suerte, hoy es sólo ficción.

La clausura del amor son dos monólogos al cien por cien de intensidad. Como si entráramos en un ring de boxeo y los dos púgiles combatieran entre sí pero los golpes le tocaran recibirlos al espectador. Una escenografía blanca, vacía, fría a los ojos del público. No hay nada en que resguardarse. Observamos los golpes, los disparos certeros, primero de él, cincuenta minutos casi sin pausa, sin respiro, luego ella más de lo mismo. Un sinfín de reproches, ataques personales un constante juego con el lenguaje: desde las metáforas a la manera de hablar de uno y otro personaje. Atónitos presenciamos la escena, sólo rota al acabar el primer monólogo para homenajear la inocencia. Inocencia que se rompe, se hace añicos, diminutos y las heridas comienzan a sangrar.

No hacen falta puñetazos para llorar, el dolor más poderoso viene de la mano de la palabra. Ellos se vomitan el uno al otro toda la mierda contenida durante los años. Son seres humanos aunque en algún momento puedan parecer dos bestias ansiosas por ganar la batalla. La presa, un día se le llamó amor. Hoy ya no queda, ha sido reemplazado por el odio hacia el otro, pero más que nunca hacia uno mismo.

La clausura del amor es una maratón interpretativo a la altura sólo de unos pocos. Es una obra difícil de interpretar, con un desgaste actoral como pocas. Por ello, mi más sincero aplauso escrito a Israel Elejalde y Bárbara Lennie, que con acierto se han aventurado en ella. Se queda una sin palabras para describir la ferocidad que ambos imprimen a sus personajes. Difícil el aguante de mantener el embate y de responder con la misma fuerza. De hacer vivo el texto desde el primer minuto hasta el último. Brillante combate interpretativo donde quien gana es el espectador.

Al final, en medio de la oscuridad y antes del aplauso se te queda el cuerpo vacío y frío. Como se dice durante la obra: "El amor es un cadáver y tu llevas su piel". Abandonas la sala y sientes como si alguien te hubiera dado un golpe en medio del pecho. Tu también lo has sentido. Te ha llegado. "Me lo quedo" ¡Qué pulsión, qué ritmo, qué grandes!

LA CLAUSURA DEL AMOR

by on 16:03
DRAMATURGIA, CONCEPCIÓN y DIRECCIÓN: PASCAL RAMBERT TRADUCCIÓN y VERSIÓN: COTO ADÁNEZ INTERPRETACIÓN: ISRAEL ELEJALDE y BÁRBARA LENN...
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Elisa Díez, Butaques i Somnis, a Cooltura F.M.: http://www.ivoox.com/recomana-3-22-07-15-audios-mp3_rf_5183289_1.html

Recomana, Associació per a la Promoció de les Arts Escèniques, estrena espai a la ràdio. Durant dues setmanes, del 20 al 31 de juliol, el programa Recomana.cat especial Grec seguirà tota l’actualitat del festival amb entrevistes, tertúlies i un repàs a l’agenda diària. L’espai neix de la col·laboració entre Recomana i l’emissora CoolturaFM.com, que estrena estudis a Barcelona.

Recomana.cat especial Grec compta amb la coordinació del periodista Christian Machío, i serà conduït per Jaume Garcia. El programa s’emetrà de dilluns a divendres amb una durada de 15 minuts, entre les 20.00 i les 20.15, i donarà veu als principals protagonistes del festival. (Reemissió el dia següent de 14.00 a 14.15).

Els dilluns, dimecres i divendres, una tertúlia amb crítics teatrals vinculats a Recomana servirà per repassar i valorar els espectacles de la programació del Grec. Els dimarts, el programa girarà al voltant d’una entrevista amb actors i directors d’alguns dels muntatges del cartell del festival. I els dijous, una agenda repassarà les estrenes i les propostes més destacades de la cartellera. A més, cada dia s’oferiran dades de rànquings elaborats a Recomana.cat que poden ajudar els espectadors a fer la seva tria i descobrir-li propostes. I també diàriament l’espai inclourà fragments de les crítiques publicades a Recomana.cat en la veu dels seus autors.

Recomana.cat especial Grec es planteja com l’inici d’una llarga col·laboració entre Recomana.cat i Cooltura FM. L’emissora i el portal especialitzat en la prescripció d’espectacles (més de 40  crítics hi fan sentir la seva veu a través de la web Recomana.cat) treballen per poder oferir un programa setmanal d’arts escèniques a partir de la tardor vinent.

Recomana, Associació per a la Promoció de les Arts Escèmiques, va néixer el juny de 2013 com a plataforma virtual que aglutina 40 crítics en la pàgina web Recomana.cat. Recomana és un projecte professional d’acompanyament a l’espectador, amb la voluntat de garantir-li la major satisfacció en el consum cultural. Recomana ofereix a l’usuari un ampli ventall de crítiques de la cartellera barcelonina i de bona part de Catalunya, i també accions presencials relacionades amb determinats espectacles.

Cooltura FM és una emisora de ràdio online fundada l’any 2004 per l’Associació Hostafrancs Comunicació de Proximitat amb vocació social i cultural i dedicada principalment a la cultura i l’art. Amb seu a Sabadell, l’any 2010 va sumar emissions a través d’ FM i TDT. 
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Font: Berta Vilanova (ara.cat)
Què vol dir estar en crisi? Com es viu als diferents països d’Europa? I cap on ens porta l’euro? Són algunes de les preguntes sobre les quals vol reflexionar el Festival de Dramatúrgia sobre la Crisi, PIIGS, que aquest any celebra la segona edició a la Nau Ivanow del 23 al 25 de juliol, en el marc del festival Grec. Es tracta d’una mostra de quatre obres teatrals, escrites per autors emergents internacionals, que parlen sobre la crisi a Europa. “Vam obrir una convocatòria i vam triar les quatre propostes que ens semblaven més interessants”, explica el dramaturg i director Antonio Morcillo, un dels creadors del festival juntament amb l’actriu i directora Beatriz Liebe i la gestora cultural Rosa Moliner. “Al festival diverses companyies professionals de teatre faran una lectura dramatitzada de cada una de les obres seleccionades”, afegeix. 
En la convocatòria de l’anterior edició del festival només van poder-hi participar dramaturgs originaris dels països PIIGS (Portugal, Irlanda, Itàlia, Grècia i Espanya), però aquest any ho han pogut fer també autors procedents de la resta d’Europa. “Els PIIGS són els països més pobres de la Unió Europea i els que pateixen més la crisi del nostre continent, però enguany hem pensat que també seria interessant conèixer com viuen la crisi els altres territoris”, comenta Morcillo.
El festival PIIGS té dos grans objectius. D’una banda, donar a conèixer noves veus de la dramatúrgia, i, de l’altra, contrastar les diverses realitats de cada país i debatre sobre la crisi a Europa a partir de propostes teatrals internacionals. “Volem que el públic tingui l’oportunitat de conèixer nous autors i textos, i alhora pugui escoltar la veu de testimonis que estan vivint la crisi en diferents llocs d’Europa”, diu Morcillo, que considera especialment interessants els col·loquis que es faran després de cada lectura dramatitzada. “El públic podrà parlar amb els autors i fer-los preguntes, i a l’inrevés. A més, també hem organitzat trobades entre els dramaturgs emergents de fora i els de Catalunya perquè puguin intercanviar experiències i reflexionar sobre què significa fer teatre en un context de crisi econòmica i d’identitat”, explica Morcillo, que espera que aquest espai permeti als autors establir lligams entre ells i d’aquesta manera puguin sorgir nous projectes de cara al futur.
“Esperem superar la crisi”
Els autors que participen en aquesta nova edició del PIIGS són: Emanuele Aldrovandi, d’Itàlia, amb l’obra Balenes, que serà interpretada per la companyia Nus Teatre; Tanja Sljivar, originària de Bòsnia i Hercegovina però resident a Alemanya, amb Però la ciutat m’ha protegit, a càrrec de la companyia LAminimAL Teatre; Javier Sahuquillo, d’Espanya, amb Los últimos de Filipinas, que presentarà la companyia Arcadia, i finalment Maria Tranou, de Grècia, amb Cap por que ens deixi, de la qual farà una lectura dramatitzada la companyia Sargantana. “Ens agradaria consolidar el festival perquè creiem que és una proposta molt nova i fresca”, comenta Morcillo, i conclou: “Tot i que esperem superar la crisi ben aviat”.
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Font: Cristina Ros (ara.cat)
Jaume Miró (Cala Millor, 1977) no sap com va arribar a escriure la seva primera obra de teatre, quan encara era un estudiant de la UIB. Aquella peça, Noctàmbuls, inspirada en la pintura Nighthawks, d’Edward Hopper, es va convertir amb el pas del temps en el nom de la seva companyia, amb la qual acaba de guanyar el guardó al millor espectacle teatral dels premis d’Arts Escèniques 2015, que atorga l’Associació de Teatres i Auditoris Públics, per l’obra Dels llargs camins. Ell, com a autor, ha guanyat el premi al millor text. En el seu haver ja hi ha més d’una desena d’obres de teatre i diversos premis, sobretot per les dues obres que responen al gènere del teatre documental i que estan centrades en la Guerra Civil: Dels llargs camins i Diari d’una miliciana (premi Teatre Principal 2012 i premi Bartomeu Rosselló-Pòrcel 2013). Precisament aquesta darrera obra es representarà per primera vegada a Barcelona el 17 d’octubre, al teatre Porta4.
Diari d’una miliciana , tot i centrar-se a Son Servera, el poble mallorquí on vostè viu, té molt a veure amb Catalunya. 
Sí, és una obra que m’interessa molt que es vegi a Catalunya perquè sorgeix d’un diari d’una miliciana catalana, del qual l’historiador Josep Massot i Muntaner va trobar una còpia en un arxiu de València. La miliciana fou una de les cinc joves assassinades a Manacor en temps de la Guerra Civil. Qui les va capturar? Què passà després? L’objectiu era descobrir la identitat exacta de la miliciana, però només hem aconseguit saber que havia treballat a telègrafs a Sabadell o a Barcelona. Ella escriu el diari en castellà però amb molts catalanismes, i a les seves pàgines parla de les germanes Daria i Mercè Buixader, assassinades amb ella. Tampoc no s’ha trobat l’original del diari. I com més vegades es representi l’obra, sobretot a Catalunya, més possibilitats hi ha d’identificar-la.
Vostè forma part de l’associació Memòria Històrica de Mallorca. 
Hi ha famílies de Catalunya que es posen en contacte amb nosaltres per trobar els cossos dels seus familiars. Cerquen com tancar un capítol. Hem treballat molt en les fosses, i s’ha de tenir en compte que bona part de les fosses de Son Servera són de catalans. A la platja de Son Servera hi ha una fossa que deu contenir entre 300 i 600 cadàvers.
Gairebé no se’n parla, d’això. La sorra ho ha cobert tot. 
A Son Servera els qui hi vivim ara venim d’una generació que va decidir no parlar-ne, per causes polítiques però sobretot per motius psicològics.
Diria que fa un teatre ideològic? 
No vull fer teatre ideològic. El que faig, almenys en les obres com Dels llargs camins i Diari d’una miliciana, és un teatre documental. Investigo i escric sobre el que m’interessa. M’ajuden a definir-me i a entendre com és el lloc on visc. Puc habitar en un municipi petit, però als llocs petits sovint s’hi troben les grans històries. I, en tot cas, el que vull és intentar posar llum on hi ha ombra.
Què ens diu de fer teatre i, en particular, de fer-ne a Mallorca? 
A mi m’agrada escriure teatre perquè és el vessant més sociable de la literatura. A més, té molts efectes col·laterals: pots escriure, dirigir, fer l’escenografia, actuar... Normalment jo prefereixo no dirigir les meves obres. En primer lloc, per distanciar-me’n, però també per poder centrar-me a escriure. Pel que fa al teatre a Mallorca -és sabut-, les condicions són molt difícils. Aquí l’escenografia ha de caber dins una furgoneta, no només pels costos sinó per poder canviar d’escenari cada dos per tres. Si ho miram en positiu, Mallorca és un centre de creació que et permet créixer molt perquè has de començar i moure’t força temps a baix de tot.
Li diran que la nostra illa és turisme. 
Mallorca, en bona mesura, s’ha convertit en un parc d’atraccions. A l’estiu tenim plens que es fan insuportables i una feinada. I a l’hivern bona part de la població no té res a fer. Seria molt important engegar un debat sobre el turisme i els límits. Pens que no es pot plantejar aquest debat només des de l’òptica capitalista, sinó que ho hem d’analitzar des de l’ètica, des del punt de vista mediambiental i també des de la raó. A vegades pens que ens fa falta un bon novel·lista de ciència-ficció que ens faci veure Mallorca d’aquí cent anys i així potser ens adonem que cal que hi hagi un equilibri entre la qualitat de vida i el turisme.
Un plantejament que va fer a L’Atlàntida.
En cert sentit sí. Vaig intentar esbrinar com pot afectar el turisme a Mallorca. Pens que els creadors hem de fer utopies i distopies, tenim l’obligació de generar preguntes, i el que voldria és que l’espectador trobi respostes als interrogants i dilemes que els planteges en cada obra. Com a autor treball per trobar respostes. El teatre, la literatura, és coneixement, i això els fa necessaris. Si saps on és l’estrella Polar passaràs més gust de contemplar la nit.
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Fuente: José Luis Romo (elmundo.es) | Foto: E.M.
El pasado lunes, la directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Helena Pimenta, presentaba junto a José María Lasalle, Secretario de Estado de Cultura, y Montserrat Iglesias, directora del INAEM (Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música), la rehabilitación del Teatro de la Comedia. Tras 13 años cerrado y unas obras valoradas en 21,6 millones, la CNTC estrenará allí el 15 de octubre su versión de El alcalde de Zalamea, protagonizada por Carmelo Gómez y Joaquín Notario. 
Que Madrid recupere uno de sus templos escénicos con más solera supone una gran noticia para los amantes del teatro en la ciudad y, sin embargo, esa alegría se torna en incertidumbre cuando se vuelve la vista hacia el Teatro Pavón, el coliseo que la Compañía Nacional de Teatro Clásico ha usado como sede durante estos años de destierro. Este centro cerró sus puertas al público el pasado 17 de mayo con una representación de La celestina y son muchos los que se preguntan cuando volverá a verse un espectáculo en sus tablas... incluida su propietaria, la actriz y directora Amaya Curieses. Cuando se le pregunta por sus planes para el Pavón, ella se ríe socarronamente. «Perdona, estos días todos me hacéis la misma pregunta y la verdad es que no sé que contestar... Estoy en manos del INAEM». 
Curieses compró junto a José Maya el Teatro Pavón en 1999, cuando éste llevaba casi una década en estado de semiabandono. Su intención era estrenar allí textos clásicos y, desde 2002, lo venía alquilando a la Compañía Nacional de Teatro Clásico a través del INAEM. Allí la CNTC ha logrado éxitos históricos su montaje de La vida es sueño, protagonizado por Blanca Portillo. «Nosotros, cuando llegó la crisis les rebajamos el alquiler, ahora mismo les cobramos en torno a los 32.000 euros. Yo soy una mujer de teatro, no una empresaria», cuenta Amaya Curieses, quien acaba de estrenar una obra en elfestival de Almagro, «me gustaría llegar a un acuerdo con el INAEM pero están muy misteriosos... ahora la compañía está ensayando en el teatro El alcalde de Zalamea. Nunca habían utilizado el Pavón para ensayos y es muy raro. Yo quería haber aprovechado este tiempo para hacer mejoras, como la climatización del teatro, y no he podido porque están ellos. Estamos pendientes de firmar una prórroga del contrato... pero algo pasa porque no nos llaman». 
Una de las ilusiones de Curieses sería que la CNTC siguiese usando el Pavón como segunda sede. «Igual que el Teatro Español tiene el Matadero o el Centro Dramático Nacional se divide en dos teatros, podría ser una opción. Sobre todo si quieren darle más impulso a la Joven Compañía».

INAEM

Sin embargo, desde el INAEMaseguran a este periódico que el 31 de enero de 2016 dejarán el Teatro Pavón para centrar sus actividades en La Comedia. ¿Qué sucederá entonces con un centro que, inaugurado por Alfonso XIII en 1925, es uno de los escasos ejemplos de arquitectura art decó de Madrid? «No lo sé, yo he tenido ofertas, claro. Mucha gente viene y pregunta pero no hay nada concreto porque no hemos firmado nada con el INAEM y para nosotros, ellos tienen preferencia. Todo está en el aire». 
Lo que está claro es que al Teatro Pavón, el lugar donde Celia Gámez estrenó muchas de sus míticas revistas, le queda por delante una larga reforma. «Antes de irse tienen que dejarme el teatro como lo encontraron. Tiraron el ambigú para hacer despachos, cambiaron la embocadura del escenario, convirtieron la sala de ensayos en las taquillas... Todo eso me lo tienen que arreglar». 
Precisamente, el Pavón ha encarado unas obras recientemente para reabrir el bar de sus bajos. «Hemos descubierto las antiguas molduras y las hemos restaurado». Pero, si definitivamente el INAEM cumple con lo dicho yse va el 31 de enero, el bar que han inaugurado no tendrá espectadores a los que atender, ya que según Curieses, «a esas alturas no da tiempo a organizar una programación». Así pues, de cara a la próxima temporada Madrid habrá ganado un teatro para perder otro. «Eso sí, yo te aseguro que tengo toda la intención de que esto siga siendo un teatro pase lo que pase».

Otra despedida

El cierre eventual del Teatro Pavón, situado en la calle Embajadores, número 9, es especialmente dramático para el barrio, que hace un par de meses despedía a otro centro escénico puntero. Se trata de La casa de la portera, ubicada en la calle Abades, y que se convirtió en una de las salas independientes que más expectación causó durante los dos años que abrió sus puertas. Ideado por José Martret y Alberto Puraenvidia para levantar su Ivan Off, en ese espacio uno podía encontrarse entre el público al Nobel Vargas Llosa o Nuria Espert. Allí jóvenes dramaturgos como José Padilla, Paco Bezerra o Juan Mairena estrenaban sus imaginativas propuestas a dos calles del hogar de Lope de Vega, Calderón o Tirso. Toda esa efervescencia teatral, del Siglo de Oro a los novísimos, de la que podía presumir esta zona de Madrid es ya historia. Sólo queda esperar que el Pavón vuelva a abrir a sus puertas pronto en un barrio que se ha quedado huérfano de teatros.
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Fuente: Fernando Díaz de Quijano (elcultural.com)

Julio César y Cleopatra. Menuda historia. Roma y Egipto. Pasión, sexo, ambición, poder, geopolítica. Dos personajes rematadamente clásicos y trágicos. Por eso se justifica su presencia, desde esta noche, en el Festival de Teatro Clásico de Mérida, aunque el texto que los devuelve a la vida sea contemporáneo. Los responsables son la pareja formada por Emilio Hernández y Magüi Mira. Él lo ha escrito y ella lo dirige.

La obra enfrenta a los Julio César y Cleopatra reales, enmarcados en su tiempo histórico, con los personajes inmortales que son hoy y que, dos mil años después, vuelven la vista atrás y se asombran (se indignan) del devenir, decepcionante para ellos, de la Historia.

Este "combate a cuatro" cuenta con la veteranía de Emilio Gutiérrez Caba y Ángela Molina, que encarnan las versiones "inmortales" de los personajes, mientras que los jóvenes e históricos Julio César y Cleopatra son interpretados por Marcial Álvarez y Lucía Jiménez, que han trabajado anteriormente a las órdenes de Magüi Mira. De hecho, Álvarez lo hizo el año pasado en Pluto, también en el Festival de Mérida.

La directora ha vuelto este año al mismo teatro romano por deseo del responsable del festival y productor Jesús Cimarro. Para Mira, es el empresario teatral perfecto: "En nuestra obra, Julio César cree que las abreviaturas a. de J.C. y d. de J.C. significan antes y después de Julio César, en vez de Jesucristo. Yo digo que en el panorama teatral significan antes y después de Jesús Cimarro".

La relación del general y dictador romano con la última reina del Antiguo Egipto se inició en medio de la disputa que ésta mantenía con su hermano y esposo Ptolomeo XIII por el gobierno del país. En aquellos años, el Imperio Romano tenía mucho interés en convertir Egipto en una provincia romana más y solía intervenir en su política interior. Según las crónicas de la época, Cleopatra enamoró a Julio César, que se convirtió en su amante y protector y se estableció con ella en Alejandría, donde la pareja venció a las tropas de Ptolomeo. Poco después tuvieron un hijo, Ptolomeo XV, apodado Cesarión, y se trasladaron a Roma. Tras el asesinato de Julio César en los idus de marzo del año 44 a.C., Cleopatra, que nunca fue aceptada por el pueblo romano, regresó a Egipto.

En César y Cleopatra, "como nos pasa a todos cuando miramos atrás", los personajes evalúan sus aciertos y sus errores, sus méritos y sus culpas. Pasados dos milenios, el dolor se disipa y algunos recuerdos trágicos se vuelven cómicos. Otros conservan intacto todo el dramatismo, incluso en "el limbo de la eternidad", explica la directora. "Hay mucho humor y también momentos de gran crudeza. Y, sobre todo, una reflexión muy interesante sobre la condición perecedera del poder". Cleopatra y César construyeron un capítulo de la Historia, pero todos sus logros se desvanecieron con el tiempo.

Con la puesta en escena, Mira ha querido plasmar todas esas reflexiones "de la manera más física posible", explica. Para eso ha contado con la música original de David San José, coreografías de Emilio Castejón y "cuatro actores en estado de gracia". La directora nos asegura que el resultado de todo ello es "un espectáculo muy minimalista pero con mucha potencia, en la que todos los medios están al servicio del texto y los actores".

Aunque la cultura popular está llena de obras en las que aparecen Cleopatra y Julio César, asegura Mira que el romance entre ellos "ha sido poco contado desde la ficción", a pesar de su enorme atractivo. "Es una historia de fusión total, de pasión física y objetivos comunes como líderes políticos", afirma la directora. Una de las obras más conocidas que han tratado la relación entre ambos líderes fascinantes es César y Cleopatra, de George Bernard Shaw, estrenada por primera vez en Newcastle en 1899. No obstante, la directora asegura que ellos han partido de cero para levantar la suya, salvo algunas influencias inevitables como la ópera Julio César en Egipto, de Händel, y mucha documentación que garantiza el rigor histórico.

Magüi Mira interpretó a Cleopatra en 1997 a la dirección de José Carlos Plaza y el personaje ya nunca abandonó su pensamiento. "Es uno de esos personajes femeninos que marcan la involución posterior de la mujer. Ahora las mujeres libramos una intifada silenciosa hasta recuperar poco a poco nuestro lugar en el mundo, pero Cleopatra demuestra que en un pasado lejano, en algunos lugares como el Egipto antiguo, la situación de la mujer fue infinitamente mejor de como fue en los siglos posteriores. Cleopatra fue una mujer culta, instruida en las artes y las ciencias, que hablaba 9 idiomas a los 20 años, preparadísima para gobernar, y fíjate dónde está hoy Egipto".
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