Mostrando entradas con la etiqueta Angélica Liddell. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Angélica Liddell. Mostrar todas las entradas


creación colectiva de JOSÉ Y SUS HERMANAS
textos de SÍLVIA FERRANDO, EL CONDE DE TORREFIEL, FEDERICO GRACÍA LORCA, JEAN ANOUILH, SÉNECA y ANGÉLICA LIDELL
dramaturgia y dirección SÍLVIA FERRANDO
intérpretes FRANCESC CUÉLLAR, ALEJANDRO CURIEL, MARTA DÍEZ, CARME GONZÁLEZ, CAROLINA MANERO, GEMMA POLO y GLÒRIA RIBERA
duración 75min
producción PROGRAMA TALENT IT (INSTITUT DEL TEATRE DE BARCELONA)
TANTARANTANA

Hasta hace un par de meses, la transición nos quedaba lejos, a algunos muy lejos. Para otros era aquella época que aparecía al final de los libros de texto desde la ESO a Bachillerato que no se daba porque nunca daba tiempo. Pero eso ha cambiado, y más después de ver cómo un grupo de jóvenes veinteañeros la tienen mucho más presente de lo que podríamos imaginar. 

La compañía, José y sus hermanas, surgida del Institut del Teatre, nos dan un repaso en poco más de una hora. No hay manual de historia que lo supere. A través de una ardua investigación nos presentan cómo ven ellos esta época que debiera estar cerrada, y superada, pero que esta más viva que nunca. La dramaturgia se estructura en 3 cuadros donde se trata indistintamente el franquismo, la Guerra Civil, la transición y la democracia.

Un repaso por el fascismo en Europa, por la Guerra Civil española, por el Franquismo, por los 200 mil desaparecidos que siguen en las cunetas de toda la Península, el capitalismo, el gusto por las obras magnánimas (del mismo edificio del Institut del Teatre al Valle de los Caídos), Federico García Lorca... Los bancos regalan sandwicheras y chorizos es una bala tras otra a la sinrazón española de esconder la mierda debajo de la alfombra.



La puesta en escena es simple pero efectiva. Con un estilo que bebe de compañías de la escena de nuevas escenas como el mismo El Conde de Torrefiel, el espectáculo consigue en determinados momentos integrar al público mientras que en otros juega con la poética y realizan todo un ejercicio de emociones y de tocar la fibra. El segundo cuadro es para enmarcar, preciosista hasta decir basta y entre las palabras de Lorca y "la sangre derramada por los cuerpos", la fibra, la piel, y, sobre todo, los pelos de punta. 

El público tiene que estar dispuesto a ser increpado, a formar parte de esa historia, quizás por segunda vez o por vez primera. Ya que en la platea se ven caras de todas las generaciones, cosa poco habitual hoy en día y que es todo un gustazo. La visión crítica del montaje es amplia y se puede decir que no deja títere con cabeza. Todo un ejercicio de memoria histórica desde un ángulo que nunca lo habíamos mirado.

La naturalidad con la que se relatan los hechos queda también reflejada en las interpretaciones. Lejos de ser personajes, son simples jóvenes de los que te podrías encontrar en la calle, en la universidad o en un manifestación exigiendo explicaciones del porqué de tanto silencio, de todas aquellas preguntas que aún hoy en día siguen sin respuestas.



Sílvia Ferrando ha logrado entretejer de manera brillante la amalgama de textos y nadie diría que Séneca y Angélica Lidell pudieran encajar de la misma manera en un espectáculo. Salvo eruditos en la materia, fuera de reconocer a Federico García Lorca, muy presente y muy significativa su aparición, el resto son consignas, dardos, preguntas, balas, que en una cierta medida todos a lo largo de nuestras vidas nos hemos hecho o haremos con respecto a los últimos 80 años de historia. 

Los bancos regalan sandwicheras y chorizos es un montaje lleno de sorpresas con un ritmo vertiginoso, donde en 75 minutos se repasan 80 años de vida y de historia. Una buena oportunidad para que los jóvenes (y no tan jóvenes) descubran una época de nuestra historia por boca de aquellos que tampoco la vivieron pero que la explican mejor que algunos que sí que la vivieron y callan, aumentando el silencio. José y sus hermanas rompen el silencio y de qué manera. El primer imperdible de la temporada. ¡Bravo! 
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , , , , , ,
Fuente: Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Tras la exitosa edición del 2014 en la que se llegó al 91% de ocupación, el Festival TNT se celebrará del 1 al 4 de octubre y contará con grandes novedades. 25 espectáculos, 1 exposición, 15 coproducciones y 55 representaciones en 4 días. 

Pep Pla destacaba en rueda de prensa que era el festival más TNT que nunca con más propuestas internacionales, con una mirada fija en lo que se está creando en el estado español (espectáculos de Galicia, Córdoba y Madrid) y con la creación de 5 itinerarios para facilitar la tarea al público a la hora de escoger qué le gustaría ver: CONDE (3 espectáculos de El Conde de Torrefiel: Guerrilla: conferència, La posibilidad que desaparece frente al paisaje y Guerrilla:concert; COST ZERO (formado por espectáculos gratuitos: Via Lucis de Angélica Lidell, Públic present 24h de Ada Vilaró, Compra'm de Insectotròpics, Music on cycles de LaDinamo, Monufati de Marcel·lí Antúnez, Maibaum de Jordi Galí e Iceberg de Compañía ES); MADE IN TNT (las 15 coproducciones del festival: Habrá que ir a la guerra que empieza hoy de Pablo Hidalgo, Cosas que se olvidan fácilmente de Xavier Bobés, Pla fix, Latung La La de David Ymbernon, Susurrando a los caballos de Los Moñekos, Entretazas de Eléctrico 28, Caravana de tráilers (G.R.U.A), La coronació de Barbarella de Dimitri Ialta, Compra'm dels Insectotròpics y El Otro de Quim Vilagran y Romain Chat); PUNK (donde se encuentran los espectáculos más irreverentes del festival como: Via Lucis de Angélica Lidell, The blind poet de Jan Laurees, Liberté, Egalité, Beyoncé de PLAYdramaturgia, Hostiando a M de Agnes Mateus y Oro de Nazario Diaz); JO TAMBÉ SÓC TNT (en el que se encuentran las propuestas más participativas como: Una familia balla de Mariona Naudin, Públic present 24h de Ada Vilaró, Entretazas de Eléctrico 28, Rios do Sono de la compañía portuguesa Circolando, El Paseo de Robert Walser de Marc Caellas y Monutafi de Marcel·lí Antúnez).

Mis imperdibles:

VIA LUCIS. AUTORRETRATOS CON POEMAS de Angélica Lidell. Del 29 de septiembre al 4 de octubre. De 18h a 21h. Exposición. Amics de les Arts. Gratuito. Angélica Lidell nos presenta sus fotografías como otra forma de acceder a su paisaje poético. Es un instante pero estamos dentro de su espacio más íntimo.

THE BLIND POET de Jan Lauwers & Needcompany. Jueves 1 de octubre a las 21h. Teatre Principal. 2h 20min. 19€. Obra que inaugura el festival de la mano del reconocido creador escénico belga que gano el Premio a la Trayectoria León de Oro de la Bienal de Venecia 2014. The Blind Poet parte de los árboles genealógicos de los artistas de su compañía para crear una historia basada en sus diversas nacionalidades, culturas y lenguas. Retorne mil años en el tiempo para reflexionar sobre la noción de identidad en la actual Europa multicultural.

COSAS QUE SE OLVIDAN FÁCILMENTE de Xavier Bobés. Viernes 2 de octubre (12:30h, 17h, 20h), Sábado 3 de octubre (11h, 16:30h, 20h), Domingo 4 de octubre (13h, 17h, 20h). Teatre Principal. 1h 15min. 3€. Teatro de objetos es lo que caracteriza las creaciones de Xavier Bobés, un universo mágico que seguro que se repetirá en Cosas que se olvidan fácilmente, un espectáculo fotográfico que transforma los recuerdos y, como el olvido, se inventa nuevos recuerdos. Una vez más recurre a las historias anónimas, a los archivos de una Europa marcada por la fragmentación del territorio y las luchas de poder, pero también mostrará la necesidad vital del ser humano de amar y ser amado.

MAIBAUM de Jordi Galí. Viernes 2 de octubre y Sábado 3 de octubre a las 17:15h. Plaça dels Progrés. 3h. Gratuito. Cinco intérpretes dan vida a este espectáculo de volumen monumental y de contemplación del trabajo comunitario. Durante las dos horas de preparación, el espectador es libre de ir y venir a su antojo, para crear y experimentar el espacio. Jordi Galí explora la relación entre el cuerpo y el objeto a través de instalaciones y construcciones vivas. Su forma se vuelve legible en el momento de la actuación, relevante el sentido y la necesidad de cada gesto.

LIBERTÉ, ÉGALITÉ, BEYONCÉ de PLAYdramaturgia. Viernes 2 de octubre a las 19:45. Escenario del Teatre Principal. 1h 20min. 7€. Un espectáculo que bebe de la danza, de las artes visuales, de la palabra y de la gamberrada ilustrada. Es una celebración de la muerte y de la juventud donde nos prenden fuego porque sí. Es el cuerpo que insiste para poder renacer de otra manera. No es un espectáculo, o sí.

LA POSIBILIDAD QUE DESAPARECE FRENTE AL PAISAJE de El Conde de Torrefiel. Viernes 2 de octubre a las 22h. Teatre Alegría. 1h 20min. 10€. Una sala de juegos donde cuatro personas intentan trascender al sentido de sus acciones sin ninguna connotación moral. Un mapa compuesto por imágenes de naturaleza estética sobre la que se esconde el territorio salvaje de la mente, amenazado por la perversión, el miedo y la debilidad de las leyes morales. Un trayecto narrativo que recorre la escena como un paisaje y a través del cual el público puede avanzar cómodamente por los terrenos más obscuros, perturbadores y violentos de la mente de las personas.

HOSTIANDO A M de Agnès Mateus. Sábado 3 de octubre a las 18:15h. Sala Maria Plans. 1h 30min. 7€. Esto es un cabaret, un cabaret extraño. Hay música, música para hacer ruido y rompernos el cerebro. La violencia es una paréntesis entre dos diálogos. La vida cotidiana se ha convertido en una ficción. El escenario es la realidad, el día a día es una pantomima.

COMPRA'M de Insectotròpics. Sábado 3 de octubre a las 20:30h. Plaça Vella. 45min. Gratuito. Para los que no puedan ir a verlo a Fira de Tàrrega, tienen otra oportunidad en el TNT. Compra'm es una reflexión sobre la felicidad y las distancias creadas en la búsqueda de uno mismo. Un viaje fascinante pero también terrorífico al interior de cada uno. Debajo de la propuesta perversa de comprar a un humano cualquiera, se esconde un ánimo de formular preguntas sobre la felicidad de una manera fresca, humorística e inteligente. La puesta en escena es una fascinante y complejo dispositivo audiovisual que mezcla el live cinema con la dramaturgia surrealista de Esteve Soler, la música de Za! y las escenografías prodigiosas de Jordi Queralt i Guau. Vídeo, pintura, teatro y música en un solo espectáculo.

Toda la programación AQUÍ
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , , , , , , , , , ,
Fuente: Esther Alvarado (elmundo.es) | Foto: José Aymá

Sus textos tienen la misma oscuridad reveladora de su teatro, Angélica Liddell (Figueras, 1966) publica en La Uña Rota 'Ciclo de las resurrecciones', bellamente ilustrados con dibujos de Ramón Sanmiquel, en el que recopila 'Primera carta de san Pablo a los corintios', 'You are my destiny' y 'Tandy', seguidos del diario 'La novia del sepulturero' y 'Salmos'. Hablar en persona con la actriz, directora y dramaturga es misión imposible, puesto que vive en Francia, así que un día enviamos un email y, como si fuera una carta de las antiguas, un par de semanas más tarde desembarcan en el buzón sus respuestas.

¿Estas piezas están escritas con la intención de ser representadas tal cual?

La palabra en el ciclo de las resurrecciones no nace para ser representada sino para ser transformada, no nacen como textos teatrales sino como elementos que forman parte de una composición poética, nacen como poesía y no como teatro, luego se organizan gracias al teatro que les confiere una dramaturgia en el seno de un caos que debo resolver. Los textos forman parte del caos y durante los ensayos organizo el caos.

Los textos pueden llegar a transmitir un sentimiento de perplejidad onírica. ¿Qué los inspira?

Hay un deseo de alcanzar la luz a través de las tinieblas, es un viaje desde las tinieblas, es decir, el viaje de la resurrección, que es el mismo viaje que hace Dante en la 'Divina Comedia', cuya inspiración es el amado y la divinización del amado. Círculos ascendentes al borde de la cornisa desde el infierno hasta el Paraíso. Pero sin alcanzar jamás el paraíso. Ni siquiera nacen de los sentimientos sino de las vibraciones primitivas del espíritu que nos ponen en contacto con lo profundo del hombre.

Dice que cree "que es el inicio de una etapa relacionada con lo sagrado". ¿Qué relación tiene con "lo sagrado"?

Hay una necesidad de lo sagrado. Siempre he deseado o necesitado creer en Dios aún a sabiendas de que Dios no existe. Lo sagrado es lo que nos pone en contacto con los movimientos fundamentales del hombre, el nacimiento, la reproducción y la muerte, lo sagrado tiene que ver con la tragedia griega y la transgresión que conduce de manera irreversible a la muerte. Lo sagrado es lo verdaderamente transgresor pues va contra todo orden social y ley, contra el cálculo de la razón, y por eso nos pone en contacto con nuestro verdadero ser, con nuestro camino al borde la cornisa de la desaparición.

¿Cómo definiría su teatro? 

No puedo definir mi teatro, me lo han preguntado muchas veces y me siento incapaz, porque cada vez que entro en una sala de ensayos experimento la misma angustia, las mismas dudas, el mismo terror ante el vacío. Lo que más me apasiona es dejarme influir. Y depende mucho de la experiencia de ese momento, de las lecturas de ese momento, de las demandas de tu espíritu en ese momento, de la identificación, amo la literatura norteamericana, Faulkner, Melville, Flannery O'Connor, Nathaniel Hawthorne, y entre ellos Sherwood Anderson, de cuyo libro 'Winesburg Ohio' escogí un cuento a través del cual podía expresar mis emociones poniendo en escena 'Tandy'. Pero las influencias vienen de cualquier territorio, y en ocasiones depende mucho del azar. Aunque pienso que lo que de verdad atraviesa todo mi trabajo es la antigüedad, la tragedia, los textos bíblicos, la épica, los místicos, toda esa literatura donde todavía no se había matado a Dios. Donde no se le había extirpado al hombre la relación y el conflicto con su espíritu, que no es otra cosa que la fe.

¿Cuándo y cómo decidió que quería dedicarse al teatro?

Cuando era pequeñita ya escenificaba cuentos infantiles, a los siete años dirigía a todo el mundo, hacía el vestuario, escribía, creo que no tuve que tomar una decisión. Ahora sigo haciendo lo que hacía a los siete años. Sin evolución.
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , ,


Fuente: Javier López Rejas | Foto: Christopher Hewitt (elcultural.es)

El libro Winesburg, Ohio, del autor estadounidense Sherwood Anderson, encendió la chispa de Tandy, la nueva entrega de la incombustible Angélica Liddell (Figueras, 1966) que presenta este jueves en el Festival Temporada Alta de Girona, dentro de su Ciclo de las Resurrecciones. Fue al releer la obra cuando se dio cuenta de que se había convertido "en uno de esos personajes solitarios, grotescos, medio locos de amor, que necesitan crear sus propios dioses para sobrevivir a la imposibilidad de ser feliz". Entre esos personajes se encontraba el forastero y Tandy. A partir del texto, Anderson -y ahora Liddell con Monteverdid de fondo- plantea una cuestión fundamental: ¿son Dios y el amor una misma cosa? "Sherwood nos responde diciendo que necesitamos ser amados, que somos débiles, frágiles, y que no sabemos resolver el conflicto entre la necesidad de estar solos y la necesidad de amar y de ser amados".

¿Qué inercia le ha llevado a volver sobre Winesburg, Ohio?

Coincidió con un momento de mi vida en el que me estoy haciendo las mismas preguntas. Como Dante, en la Divina Comedia, llegados a la mitad de la existencia, metidos ya en una selva oscura, empezamos a necesitar un guía espiritual que nos conduzca a algún lugar donde la luz exista. Empiezas a pensar en la trascendencia, en el valor del espíritu por encima de la decepción de la carne... El mundo espiritual empieza a tener más importancia que el material. Te gustaría creer y deseas cosas que la vida ya no te puede ofrecer. 

¿Qué representan para usted sus protagonistas?

El forastero, que para mí es Dante exiliado, aunque algunos han querido ver a Cristo, extraviado también en la selva del alcoholismo, ve en la niña lo que nadie ve: ve a Dios. Se enamora de ella, del mismo modo que Dante se enamora de Beatriz, se produce una fusión entre el amor sacro y el amor profano, fusión que quedó ya consolidada desde el trecento italiano. El forastero entona una profecía, le dice a la niña que no sea un hombre ni una mujer, que sea Tandy, es decir, que sea el amor. Entonces yo me pregunté qué hubiera sido de la niña si la profecía del forastero se hubiera cumplido. Y ahí apareció como respuesta el síndrome de Clerambault o la erotomanía. Lo que para mí es el amor, el amor verdadero, el que nace para reivindicar la libertad individual frente a la convención y al orden social, ese amor es tratado como una enfermedad. 

¿Son irreconciliables psiquiatría y religión?

Totalmente, la religión es el misterio, la psiquiatría es la asesina del misterio.

¿Consideraría la obra una búsqueda o una ruptura con Dios?

Hay algo más poderoso que la fe y es la necesidad de creer en dios. La búsqueda espiritual de los no creyentes es tan escarpada como la fe, y la fuerza de esa búsqueda nace de la necesidad de Dios, no de la existencia de Dios.

¿Qué respuestas da Monteverdi en el montaje? 

El trabajo es un camino desde el infierno hasta el paraíso. Al final del camino está Monteverdi. Necesitamos milagros y El lamento de la ninfa los produce. 

¿Qué relación tiene esta obra con Carta a San Pablo... su próximo trabajo? ¿Cómo ha estructurado el Ciclo de las Resurrecciones?

Todo el ciclo trabaja con la misma pregunta. Se trata de llegar a la luz mediante las tinieblas. Están conectadas por las tinieblas y por un universo donde lo prerracional conduce las acciones humanas.

Hablando de tinieblas, ¿qué piensa de la clase política ante tanta corrupción? ¿Haría una obra de teatro con todo ello?

Pienso que la única opción es la anarquía, ese NO ESTADO, como propone Chomsky, donde cada individuo es consciente del bien y del mal por sí mismo sin necesidad de ideología ni de partidos. Pero el alma humana no está a la altura del derecho, y por esta razón la anarquía es una utopía. Ahora mismo estoy trabajando con la idea de Dios, en un territorio muy lejano a la actualidad.

¿Qué debería denunciar el teatro en estos momentos?

Bertrand Russell se quejaba del carácter materialista de la sociedad moderna en la que todo debía servir para algo, tener una practicidad, y defendía el arte como aquello que no servía para nada. Yo estoy de acuerdo con él, si el teatro se convierte en denuncia nos quedamos sin ese espacio destinado a la vida espiritual, a la conmoción íntima, a la epifanía y al misterio. Esa es la zona del arte que me interesa. La que me conduce a territorios invisibles.

¿Cómo ve el formato operístico? ¿Le seduce? ¿Ha tenido tentaciones de hacer una gran ópera?

La ópera es ese lugar donde van 800 personas con una ametralladora dispuestas a liquidarte, hagas lo que hagas. Y finalmente lo único que se recuerda con el paso del tiempo son los cantantes, la interpretación... A los grandes directores de teatro jamás se les recuerda por las óperas que han dirigido. Paradójicamente, acaba siendo anecdótico en sus trayectorias. Es un fusilamiento que siempre acaba en anécdota. Pero sí, me gustaría dirigir una ópera y no gastarme un duro en decorados. Al fin y al cabo, la muerte por fusilamiento es segura.
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , ,

Font: Antoni Ribas | Laura Serra (ara.cat)
La creació contemporània nacional i internacional ha sigut el principal dinamitzador del Temporada Alta dels últims anys. A nivell creatiu, acollint les propostes europees més trencadores i internacionalitzant les catalanes, i també com a revulsiu del seu model de festival, buscant complicitats amb nombrosos festivals d’arreu d’Europa. El moment culminant de la creació més arriscada dins el festival és la Setmana de Programadors, ara rebatejada com la Setmana de la Creació Contemporània. 
Des de dijous fins diumenge el Temporada Alta, amb la col·laboració de l’Institut Ramon Llull, aplegarà 70 programadors, 30 dels quals vénen de festivals i institucions com l’Odéon de París, el festival Foreign Affairs de Berlín, el Teatro Stabile del Veneto, el Festival VIE de Mòdena i la Scène Nationale La Filature de Mulhouse, perquè vegin dotze espectacles i descobreixin el panorama escènic català.
L’amor poètic i dantesc
Angélica Liddell estrena un altre espectacle al festival, ‘Tandy’
Angélica Liddell ha estrenat quatre espectacles al Temporada Alta en els últims cinc anys, i demà obrirà la Setmana dels Creadors amb l’estrena a l’Estat d’un nou muntatge, Tandy (El cicle de les resurreccions). A més d’aquesta dramaturga, guardonada el 2012 amb el Premio Nacional de literatura dramàtica, la Setmana de la Creació Contemporània comptarà amb dos reclams internacionals de primer nivell: Romeo Castellucci, amb Juli Cèsar. Trossos, i Jan Fabre, amb el solo Attends, attends, attends... (Pour mon père).
“Crec que l’amor és una malaltia, però no l’abordo des del punt de vista de la patologia, sinó des del punt de vista poètic”, explica Liddell sobre la història de Sherwood Anderson sobre un borratxo que s’enamora d’una nena de set anys en què està basada Tandy. L’autora, a més, ha fusionat el text amb els seus propis diaris per construir un viatge iniciàtic que li recorda l’amor que Dant sentia per Beatriu i el viatge dels inferns al paradís de la Divina Comèdia i que no està faltat de la seva potència habitual.
“Cada solo que he creat és el fruit d’una empatia personal, gairebé íntima, amb els meus intèrprets”, diu Jan Fabre. “Els meus Guerrers de la Bellesa, com els anomeno, són la meva principal font d’inspiració i la meva única eina per portar la meva feina a l’escenari”, afegeix. El protagonista, i punt de partida d’ Attends, attends, attends..., és l’actor Cédric Charron. A l’obra interpreta un fill “que manté un diàleg imaginari amb el seu pare en el qual li demana que esperi i que sigui pacient; li demana al pare que s’obri al seu temps per tornar a ser un nen una altra vegada i preparar-se per a la mort”, diu Fabre. 
La setmana comptarà amb un altre nom consagrat, en aquest cas del terreny del flamenc. Israel Galván desembarcarà divendres al Teatre Municipal de Girona ambFla.Co.Men. “Hi he treballat amb la ment posada en una idea que era abandonar Israel Galván i buscar, amb la directora d’escena, Patricia Caballero, alguna cosa gran dins les coses senzilles i que girés cap a un flamenc més desemmascarat”, diu el coreògraf sevillà.
Els ‘radicals’ catalans
Xavier Bobés reflexiona sobre el teatre d’objectes amb ‘Monstres’
Els llenguatges escènics sense text, com la dansa i el teatre d’objectes, són els més fàcilment exportables dins una convocatòria internacional com la Setmana de la Creació Contemporània. Un dels noms catalans més destacats a Catalunya en aquesta última disciplina és Xavier Bobés. La seva nova creació, Monstres, es podrà veure divendres a la nit al Teatre de Salt, després d’estrenar-se a finals de setembre al TNT del Centre d’Arts Escèniques de Terrassa, i està concebut com una reflexió sobre els papers dels manipuladors dels objectes que apareixen en el teatre d’objectes. “El manipulador sol ser el súbdit dels objectes, i a l’espectacle el cos del manipulador és com un objecte que manipula altres cossos, de maniquins -va explica Bobés-. Hem treballat en el límit personal en què un creador busca desxifrar quin és el vincle que té amb el que crea. El nostre costat fosc està més a prop del que pensem”, afegeix.
Nao Albet i Marcel Borràs s’han curat en salut amb la llengua del seu últim espectacle. Els sis intèrprets de Los esqueiters parlen en català, castellà, anglès, francès, italià i noruec. De fet, tret d’ells dos, els altres quatre intèrprets no són actors sinó skaters que reflexionaran sobre què fa lliures les persones.
La collita dels anys 80
El projecte #FF80 arriba al final del seu recorregut
El Temporada Alta i El Graner, el centre de creació del Mercat de les Flors, van engegar el 2012 el programa triennal FF80 per donar suport a un grup de coreògrafs i ballarins, sobretot nascut als anys 80, sovint formats a l’estranger i que no ho tenien fàcil per tornar a Catalunya. Aquest any el programa arriba a la seva fi i encara no se sap en quin format reapareixerà l’any que ve, però de moment el públic podrà gaudir dels treballs d’El Conde de Torrefiel, La Veronal, Pere Faura, Aimar Pérez Galí, Maria Campos i Lali Ayguadé.
El barceloní Pere Faura presentarà divendres Sin baile no hay paraíso (La meva història de la dansa), un retorn al seu passat com a ballarí en què reinterpreta amb molt d’humor quatre peces essencials del seu imaginari com a coreògraf i ballarí: La mort del cigne de Maia Plissétskaia; Singing in the rain, el solo de Gene Kelly; You should be dancing, de Febre del dissabte nit, i Fase, d’Anne Teresa De Keersmaeker i Michele Anne de Mey.
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , ,