AUTOR: PETER WEISS
DIRECCIÓN, ADAPTACIÓN y DRAMATURGIA: RICARDO INIESTA
INTÉRPRETES: JERÓNIMO ARENAL, MANUEL ASENSIO, JOAQUÍN GALÁN, CARMEN GALLARDO, SÍLVIA GARZÓN, LIDIA MAUDUIT, MARIA SANZ, RAÚL SIRIO INIESTA y RAÚL VERA
DURACIÓN: 105min
FOTO: FÉLIX VÁZQUEZ
PRODUCCIÓN: GREC 2015 FESTIVAL DE BARCELONA y ATALAYA
TEATRE LLIURE (GRÀCIA, GREC 2015)

Hacía mucho tiempo que no "no aplaudía" en una platea, que me quedaba con los brazos cruzados y me limitaba a ver las ovaciones del resto, preguntándome qué había pasado para que la obra ni me tocara. No tengo por costumbre negarle a la compañía el mínimo aplauso pero el domingo estaba ciertamente enfadada tras lo que acababa de ver. Me explico.

Marat/Sade causó sensación en su estreno en 1964, y aunque los tiempos han cambiado, el discurso sigue en buena manera presente. Que sea dicho por unos u otros locos es más bien indiferente, pero lo que se pone encima de la mesa no deja de ser verdad, como seguimos encadenados al mismo sistema que nos oprime y no nos deja disfrutar de la famosa libertad.

La puesta en escena es simple pero efectista. Cortinas blancas que atraviesan horizontalmente la escenografía, con las que en las diferentes escenas van jugando los personajes. Un piano, una bañera y un par de muebles destartalados más completan los útiles para el juego.

El problema recae en la interpretación. Marat/Sade es una combinación del teatro épico de Brecht, el teatro de la crueldad de Artaud y el grotesco de Meyerhold. En este caso la épica desaparece, lo grotesco y la crueldad ganan protagonismo. Pero la interpretación de los actores está más cerca de una casa de los horrores o el pasaje del terror de cualquier parque de atracciones que se precie a una interpretación teatral fidedigna. El actor que interpreta a Sade, Manuel Asensio, comandante en jefe en escena, eleva su mundo grotesco a lo disparatado. Si observamos sus poses en la mayoría de las escenas más bien parece salido del desfile del Orgullo o de una película de Pedro Almodovar. 

Marat/Sade se convierte en excesiva, agotadora y con una interpretación que disfrutó de mejores momentos en otra época, pero que en la actual necesita quitarse la máscara para alcanzar su propósito. Después de 105 minutos de un sin parar de mirar si las agujas del reloj van marcando sus horas, abandono la platea sin pena ni gloria, pero libre.

MARAT/SADE

by on 18:52
AUTOR: PETER WEISS DIRECCIÓN, ADAPTACIÓN y DRAMATURGIA: RICARDO INIESTA INTÉRPRETES: JERÓNIMO ARENAL, MANUEL ASENSIO, JOAQUÍN GALÁN,...
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , , ,

Fuente: Rosana Torres (elpais.com)
Por fin! El Teatro de la Comedia de la calle Príncipe, uno de los más importantes de la ciudad, y por el que ha pasado lo mejor del teatro español e internacional desde 1875, vuelve a estar abierto para el público después de que en 2002 se cerrara para acometer unas obras de rehabilitación que parecían no acabar nunca. Las reformas han sufrido varios retrasos, no siempre por los responsables directos de la rehabilitación, sino también por dejación de funciones de algunos cargos de Cultura -en este periodo han pasado cuatro gobiernos diferentes, con sus consabidos ministros-.
Pero el pasado 14 de julio el teatro ha sido entregado a su propietario, el Ministerio de Cultura, ya rehabilitado y hoy mismo José María Lassalle, secretario de Estado para Cultura, Montserrat Iglesias, directora del INAEM (Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música) y Helena Pimenta, directora de la CNTC (Compañía Nacional de Teatro Clásico) han hecho las presentaciones, con paseíllo incluido, a la prensa.
Debe su nombre a un Real Decreto de 1849 que estableció una normativa por la que determinó que en la ciudad de Madrid existirían, entre otros, un teatro de declamación, sostenido por el Gobierno y denominado Teatro Español, y otros cuatro teatros de “número” que acogerían representaciones de drama, lírico español, lírico italiano y de la comedia. El denominado Teatro de la Comedia tendría como cometido, según este decreto, la representación de todas las obras que no sean tragedias, dramas o melodramas.
El Teatro de la Comedia es sede de la Compañía Nacional de Teatro Clásico desde 1986 y fue adquirido por Cultura en 1998. En el 2004, tras la celebración de un concurso público, el proyecto de obras fue contratado por el equipo de arquitectos Araujo & Nadal. La ejecución de las obras fue contratada a la empresa OHL en 2010 y ese año comenzaron las obras con un plazo inicial de ejecución de 24 meses.
Entre otras muchas intervenciones se ha realizado una gran excavación, que ocupa la totalidad del patio de butacas, para la creación de un gran aljibe que garantice el funcionamiento del nuevo sistema de extinción de incendios.
Especialmente impactante es la elevación del escenario, donde se ha instalado el peine y contrapeine, lográndose una altura libre total, desde el contrafoso a la cubierta, de 28 metros.
Las intervenciones más relevantes en el edificio histórico han sido la restauración del lienzo del techo y su recolocación en su emplazamiento original, la reposición de todas las pinturas decorativas de la sala, la restauración de todas las barandillas de palcos y de escaleras. Además, la ampliación del edificio permite aumentar su superficie en 750 metros cuadrados y crear una nueva sala multidisciplinar de 300 metros cuadrados con un aforo de 100 personas y preparada para ensayos, representaciones, talleres, actividades pedagógicas y laboratorios de creación, entre otros.
Aún quedan algunos elementos de infraestructura escénica y equipación que estarán finalizados en septiembre de 2017 y que supondrá un importe estimado de 5.864.877.40 euros.
El presupuesto inicial de las obras previsto por el Ministerio ascendía a la cantidad de 27,65 millones de euros, de los cuales 15.986.511 euros (IVA incluido, al 18%) correspondían a la ejecución de las obras y se estima que el total de las obras y equipamiento escénico sea de 20.353.504 euros.
La apertura al público del Teatro de la Comedía está prevista para el próximo octubre de 2015 en la que la Compañía Nacional de Teatro Clásico comenzará su temporada 15/16 con la versión dirigida por Helena Pimenta de El alcalde de Zalamea de Calderón de la Barca, con Carmelo Gómez al frente del reparto.
Pero un teatro, aunque lo fundamental sea el escenario, con lo que conlleva, y el espacio para el público, no es solo eso. También es un vestíbulo, accesos, pasillos, taquillas, ambigú….. Y ahí es donde sorprende la rehabilitación que más bien parece hecha para una tienda de moda, una clínica dental o un restaurante de franquicia.
Paredes blancas, suelo de baldositas de colores varios de 5x5 centímetros (a observar su comportamiento en días de lluvia), y las maderas, las maravillosas maderas del vestíbulo de la Comedia, pintadas en blanco roto, o blanco sucio, o blanco… (hay 28 maneras de llamar al color blanco) ¡pintadas!, al igual que las columnas de ese vestíbulo del teatro en el último siglo (su última y profunda rehabilitación fue en 1915 cuando se quemó). Ni una butaca, banco o sitio donde sentarse por los vestíbulos. ¿Dónde tumbarán a alguien que se ponga enfermo o indispuesto? Las puertas y paredes de los palcos por la parte exterior de una madera de armario poco noble.
El ambigú ha desaparecido. ¿Dónde se podrá comprar agua, o unos caramelillos, tan necesarios para los inoportunos ataques de tos?
Y tampoco queda claro dónde se cortarán las entradas , de manera que se pueda separar al público que ya ha pasado esa barrera del que esté por entrar.

Un teatro con historia

En la década de los setenta del siglo XIX se encargó al arquitecto Agustín Ortiz de Villajos la construcción de un edificio específico para acoger las representaciones del Teatro de la Comedia. A este arquitecto se deben, también, los proyectos de otros dos célebres teatros: el Circo Teatro Price -inaugurado en 1883- y el Teatro de la Princesa – actual Teatro María Guerrero, que fue inaugurado en 1885-. Los tres teatros son ejemplos representativos de la denominada “arquitectura del hierro madrileña”, al haber sido realizados con hierro colado, en vez de madera, tanto la estructura como los elementos decorativos, consiguiendo con ello unos edificios elegantes y ligeros. El proyecto de Villajos para el Teatro de la Comedia fue retomado por el arquitecto Godofredo Ros de Ursinos, pocos años después.
El espectáculo que inauguró la nueva sede del Teatro de la Comedia, el 18 de septiembre de 1875 (140 años y tres días antes que la inauguración de ahora), fue la comedia de un acto El espejo de cuerpo entero y las de tres actos El templo de la inmortalidad y Me voy de Madrid. En el reparto de esas obras estaban reconocidos artistas como Dolores Fernández, Balbina Valverde, Carmen Genovés, así como al empresario del teatro y actor Emilio Mario.
Con posterioridad han sido numerosas las modificaciones que se han llevado a cabo para mejorar las prestaciones del teatro, entre las que destaca la instalación del alumbrado eléctrico en 1887, hecho que conllevó la protesta de los vecinos por el excesivo ruido que producían las máquinas generadoras y la inmediata clausura de la instalación por el Ayuntamiento. También es digna de destacarse la obra de embellecimiento de la fachada llevada a cabo en 1897. La tercera intervención relevante tras el incendio de 1915.
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , , ,


TEXTO y DIRECCIÓN: WAJDI MOUAWAD
INSPIRADO POR: NAYLA MOUAWAD y ANNICK BERGERON
DRAMATURGIA: CHARLOTTE FARCET
INTERPRETACIÓN: ANNICK BERGERON
DURACIÓN: 130min
FOTO: PASCAL GELY
PRODUCCIÓN: AU CARRÉ DE L'HYPOTÉNUSE (FRANCIA) y ABÉ CARRÉ CÉ CARRÉ (QUÉBEC)
SALA PUIGSERVER (TEATRE LLIURE, GREC 2015)

Una flor no fa estiu y tampoco deja de serlo. Es lo que pasa con los textos de Wajdi Mouawad. Atraídos por la temática, el paso del tiempo, los deseos insatisfechos, pero sobre todo por la problemática de la lengua, de sentirse extranjero dentro de tu propio país, de que una lengua invasora te destruya tu pequeño universo, acudo rauda y veloz a disfrutar del montaje.

A través de la comedia, el montaje introduce la resistencia de la protagonista contra el uso predominante del inglés por encima de un cada vez más minoritario francés en Canadá. Tras dar una conferencia en Ottawa, la protagonista se encierra en su habitación de hotel donde permanecerá durante el resto de la obra. Un juego de puertas corredizas y sistemas inteligentes que podrán el toque cómico al drama.

Y aunque el texto y la dramaturgia prometen en el inicio, más tarde se pierden, se convierten en un sustento más light que las paredes que lo cobijan. Mientras esperas que pase algo que vaya más del simple titular, una multitud de personajes aparecen ante tus ojos, no quiero pensar que no haya legitimidad para su presencia, pero parecen piezas inconexas pegadas al azar en un gran puzzle. Y la guerra, tan presente en otras piezas de Wajdi Mouawad aquí vuelve a mencionarse, pero no va más allá de un simple pegote, de un añadido a modo de referencia que más que aportar entorpece el relato.

Nada que objetar a la interpretación de Annick Bergeron que se desdobla para ser la piel de cada personaje. Una gran actriz para un texto que le falta alma, que nos envuelve con un manto más frío que la nieve que no para de caer fuera de la habitación de Ottawa.

La puesta en escena es quizás la parte más destaca del montaje. Salvamos los muebles y las proyecciones que ayudan a crear los personajes secundarios. La habitación inteligente que habla aunque no siempre en el idioma que deseamos para entenderla. Pero lo que para Wajdi Mouawad resulta el tema central del montaje, a los pocos minutos se convierte en una mera anécdota.

Una gota, solo una gota sirve para derramar un vaso. En esta ocasión el vaso ya se nos sirvió derramado. No pudimos hacer nada para contener el líquido. Pero no nos sació la sed y nos dejó a expensas de una nueva ocasión. La oportunidad perdida de la que todo montaje huye. 

SOEURS

by on 17:57
TEXTO y DIRECCIÓN: WAJDI MOUAWAD INSPIRADO POR: NAYLA MOUAWAD y ANNICK BERGERON DRAMATURGIA: CHARLOTTE FARCET INTERPRETACIÓN: ANN...
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , ,

Font: Elisa Díez (Butaques i Somnis)

 Recepció i poètiques del real. Carles Batlle

>Conceptes de representació: com s'havia de representar l'obra teatral. 

>Quan la representació s'emancipa es deslluirà d'alguns convencionalismes. Ex: la crisi de la forma dramàtica de principis del s. XIX: cocepte modern de representació.

>José Sanchis Sinisterra: "S'ha de llegir el teatre com si escenifiquessim". La responsabilitat estarà en el receptor, donant-li el sentit últim a la peça.

>El textos contenen espais buits, tenen una flexibilitat per acomodar-se a les lectures i al moment en que es fan.

>El dramaturg o accepta la emancipació de la representació o poden incidir mitjançant el text a una manera de representar el text.

>1950: impuls performatiu>autonomia de l'art.

>90's boom d'obres de teatre i autoria teatral. Ex: Koltès, Legard, Cormann, Chrurchil, Mayorga, Papito, Cunillé...

>Jose Antonio Sánchez: "És ingenu parlar de revalorizació del text. No torna en la concepció aristotèlica sinó en forma de catastròfe. No segueixen una partitura."

>Són textos que serveixen per reconstruir l'escena.>nova escriptura dramàtica.

>El teatre contemporani no s'ha asembla res al teatre aristotèlic, amb una partitura. (o dispositiu).

>Sarah Kane, Martin Crimp (Atemptants contra la seva vida): L'autor insereix en el procès d'escriptura una forma de recepció, per buscar una resposta. Ajuda a que la tensió es mantingui des del principi al final.John Fosse. 

>Nou paradigma dramàtic>postdramatisme>en el procés i en la manera de posar-la en escena.

>Textualitat vs performance>reproduir la realitat dins d'un altre simulacre. Teatre que violenti l'espectador de la manera que té d'entendre el món. La performance allunya lo real de la immediatesa.

>Irrupció de l'atzar com real. La catàstrofe trenca el drama de dalt a baix i es converteix en una obra totalment rapsòdica. Caos.

>Comic: "¡No pasarán!" | "La guerra de Alan" | "El fotógrafo"

>Estem acostumats a crear ficció com a drama amb climax i això ja no "es fa". Si violentes l'estructura dramàtica, és llavors quan generes tensió.

>Espectador ímplicit, el que l'autor incorpora al text.>Espectador model: l'espectador que realment hi va a l'espectacle.


Nous públics i formats de disseminació. Escena Poblenou


>Festival multidisciplinar que feia servir diferents espais escènics i no escènics.

>El Festival parteix d'una associació cultural que treballa dins de Can Felipa, com altres.

>Canviar els espectacles de carrer: no només circ o titelles, també performance i dansa. Serveixen per a que la gent perdi la por a veure aquest tipus de propostes.

>Preus asequibles. Preus màxim: 6€, i fins i tot tenen descompte aquestes entrades de 6€.

>Als espais tancants com el Centre Moral del Poblenou també variaven les propostes que s'acostumen a veure allà.

>Crear xarxa no només al barri sinó a tota la ciutat per fer front a la falta de subvencions. (Graner, Can Felipa, són alguns centres escènics que una vegada presentants a Escena Poblenou cobijan els espectacles).

>Estratègies de participació del públic: col·laboració con algunes entitats del barri (no necessariàment escèniques). Ex: Jean Moré, performance molt fosc que va treballar juntament i a cegues amb un artista visual.

>Proposta de teatre adolescent, 3er i 4t de l'ESO. Talllers amb alumnes. Proposta del Roger Bernat llegida per adolescents.

>Cursos de formació teòrica amb artistes per evitar el "no entenc les disciplines contemporànies".
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: ,

DRAMATURGIA: GUILLEM-JORDI GRAELLS
DIRECCIÓN: JOSEP MARIA MESTRES
TRADUCCIÓN: JOAN SELLENT
INTÉRPRETES: ARIADNA GIL, LAURA AUBERT, MERCÈ PONS, ROSA RENOM, SÍLVIA BEL, ALEIX ALBAREDA, ÀLEX CASANOVAS, JOEL JOAN, JORDI BOIXADERAS
DURACIÓN: 90min
FOTO: JOSEP AZNAR
PRODUCCIÓN: GREC 2015 FESTIVAL DE BARCELONA y ANEXA
AMFITEATRE GREC (GREC 2015)

Welcome to The Globe... ay, no perdón que estamos en el Anfiteatro del Grec, con tanta madera me he equivocado. Fuera de bromas el gran acierto del montaje es su puesta en escena. El intento fructífero de imitar una escenografía al más estilo Globe o del Shakespeare puro le va como anillo al dedo a la dramaturgia y funde perfectamente con el cuadro del anfiteatro del Grec.

Un repaso por tres de las comedias de enredos amorosos de Shakespeare (Molt soroll per no res, Treballs d'amor perduts i Els dos cavallers de Verona), cuatro historias de amor, cuatro hombres y cuatro mujeres y, como no, un bufón. Bajo la atenta mirada de la montaña y bajo un calor húmedo asfixiante comienzan los dimes y diretes con el acompañamiento musical de Núria Andorrà que nos devuelve al Globe.

El montaje se nos ha vendido como la vuelta de la hija pródiga Ariadna Gil a casa. De acuerdo, pero encuentro que su interpretación no está a la altura de las circunstancias. Me chirría su pose en el escenario, además de su locución y entonación. No me la creo. Mercè Pons y Sílvia Bel la superan, quizás porque ya están más acostumbradas a liar con los versos del Bardo. Pero, quien se lleva el pulso del montaje es una genial Rosa Renom que despierta la sonrisa y se lleva el público de calle. Lástima que el calor la jugó una mala pasada y no pudimos aplaudirla como se merece.

En el bando masculino hay más penas que glorias, mientras que Àlex Casanovas y Jordi Boixaderas aprueban, Joel Joan se convierte, una vez más, en una simple caricatura de sí mismo.  Sabemos que la vis cómica de Laura Aubert es sobresaliente por lo que no nos descubre nada en el papel de bufón. Me permito pedir un papel dramático para la actriz, necesito sinceramente verla en un cambio de registro, sin sonrisas ni violines.

No es Londres, pero el montaje ayuda a pensar que el anfiteatro Grec sirve para algo más que para los conciertos. Un sueño elegante y popular que pasa agradablemente en una calurosa noche de verano. En otoño lo veremos encerrado en uno de los teatros de la ciudad. No será lo mismo. Hasta mañana se puede disfrutar al "aire" libre. 

AMOR & SHAKESPEARE

by on 17:28
DRAMATURGIA: GUILLEM-JORDI GRAELLS DIRECCIÓN: JOSEP MARIA MESTRES TRADUCCIÓN: JOAN SELLENT INTÉRPRETES: ARIADNA GIL, LAURA AUBERT,...
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , , , , , , , , , ,

DRAMATURGIA: EVELYN ARÉVALO y PEP TOSAR
DIRECCIÓN: PEP TOSAR
BAILE: JESÚS CARMONA
CANTE: ALBA CARMONA
GUITARRA: JESÚS GUERRERO
PERCUSSIÓN: DAVID DOMÍNGUEZ
DURACIÓN: 90min
FOTO: JOSEP AZNAR
PRODUCCIÓN: GREC 015 FESTIVAL DE BARCELONA y PEP TOSAR
SALA HIROSHIMA (GREC 2015)

Parto de una base para nada objetiva. Federico García Lorca fue uno de los escritores que de adolescente me hizo vibrar con su poesía (Poeta en Nueva York y Romancero Gitano) y luego con sus dramaturgias (Yerma, La Casa de Bernarda Alba, El Público...). Con mis sentimientos a flor de piel entré en la Sala Hiroshima a dejarme cautivar por el espectáculo.

Dicho y hecho. A pesar de que el flamenco no corre por mis venas, la puesta en escena me dejó noqueada. El flamenco de Alba Carmona a la voz y Jesús Carmona en el baile me transportó a Andalucía, a Granada. Maravillosa la percusión de David Domínguez, justa, precisa, sólo de pensarlo se me vuelven a poner los pelos de punta. Los versos del poeta en voz de Pep Tosar y la parte de teatro documental con Antonina Rodrigo, Juan Loxa, Allen Josephs, Domingo Ródenas, Mario Hernández i Vicenta Fernández-Montesinos García dan vida y voz al poeta.

Federico García es un espectáculo de vida, de pasión, de rescate, de necesidad de que recordemos la magia, el duende de una persona a la que mataron por ser ella misma. No es ni un recital poético, ni un concierto, ni un espectáculo teatral al uso, es un gran y brillante homenaje a una figura imprescindible. Un amplio recorrido por su obra, por su vida y por su sentir. Con la imprescindible participación de sus biógrafos y de su sobrina, la última persona viva que le conoció. Se nos está muriendo la historia, pero aun la podemos rescatar.

Cuatro días en el Festival Grec (y con las entradas agotadas) no son suficientes para que el espectáculo tenga el recorrido que merece. Recomendado para todas las edades, y sobre todo para aquellos que están empezando a salir del cascarón y los que se quedan con ganas de más después de una clase de literatura. Vuelvan, que yo prometo volver a deleitarme con la lección magistral de Pep Tosar, que domina la dramatúrgia, la dirección, la puesta en escena y la interpretación. Todas las teclas perfectamente afinadas. Bravo.

Historia de sobra conocida y de la que el final nos sigue machando. Una voz única que una bala nos arrebató, Federico murió pero como dice Allen Josephs no sólo ha muerto una vez sino cada vez que se niega su importancia dentro de la literatura dramática se le vuelve a matar. No importa demasiado, al menos para mí donde estén "enterrados" sus huesos, si sus versos, sus textos siguen estando vivos en la mente de sus lectores. En 2016 se cumplirán 80 años de su asesinato, si fuéramos un país "normal" comenzaríamos a honrarle. Como no lo somos, al final, le dejaremos morir.

FEDERICO GARCÍA

by on 16:25
DRAMATURGIA: EVELYN ARÉVALO y PEP TOSAR DIRECCIÓN: PEP TOSAR BAILE: JESÚS CARMONA CANTE: ALBA CARMONA GUITARRA: JESÚS GUERRERO ...
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , , , , , ,