Fuente: Isabel Valdés (elpais.com) | Foto: Álvaro García

Empecemos por el final: uno de ellos acaba llorando. Ese uno es Alberto Puraenvidia, amo y señor junto a José Martret de La Casa de la Porteracomo reza su cuenta de Instagram, (y director de arte y escenógrafo). Hasta ahora, el que había lagrimeado tras los cristales de unas arquitectónicas gafas de pasta negra había sido Martret (Palma de Mallorca, 1971); es el turno de Puraenvidia (Ávila, 1977), un hombre rociado con el don (o la maldición, según quién lo mire) de la transparencia. Es martes 23 de junio, son algo más de las 19.30 y desde el salón del número 24 de la calle de Abades se escucha como ruge el cielo. Lluvia tibia sobre Madrid. Un escenario adecuado para la última entrevista de los creadores de este espacio único de teatro: La Casa de la Portera cierra.

La última función fue el pasado domingo y el adiós no podía ser sino con Ivan-OFF. Esa versión del Ivanov de Chéjov dirigida por el propio Martret abrió el bajo del barrio de Lavapiés el 8 de marzo de 2012. “Estas paredes se pintaron para esa pieza”, recuerda Martret con el ritmo de quien ha rebobinado esa cinta varias veces en las últimas semanas. Puraenvidia vivía en la tercera planta del mismo edificio desde hacía varios años, acabó alquilando la casa de la antigua portera para rodar Fumando espero, un corto de Edu Casanova. “Lo pintó todo de gris, muy monocromático, daba la sensación de que entrabas a las cuevas de Altamira”, espeta Martretacompañándose de una carcajada. Puraenvidia quería quedarse con el espacio para hacer talleres teatrales, “una especie de lugar de coworking”. Fue entonces cuando a Martret se le ocurrió proponerle que pusieran en marcha una obra de teatro para un público reducido que iría cambiando de sala por actos. “No éramos conscientes de que estábamos abriendo una sala de teatro”.

Así nació La Casa de la Portera, como un lugar para Ivan-OFF. Y así debía despedirse, con la función número 358. Tres años y casi cuatro meses surgidos de una idea que en un principio no duraría más de una decena de semanas. “Pero cuando estrenamos, vinieron amigos de la profesión, a la gente le gustó el proyecto y recuerdo a Carmen Mayordoma diciéndonos: ‘Pues estamos con Peceras, de Carlos Be, y yo creo que podría encajar aquí’. Y acabamos aceptando”, explica Puraenvidia. Y a pesar de que cada centímetro de la casa había sido modelado para esa primera obra, Peceras encajó. “Fue como si viésemos la casa por primera vez. Y después llegaron más (DeliciaPetra, Cenizas, Una extraña comedia...), y todas se acoplaban a la casa. Aunque también ha habido cosas que no lo hacían, pero funcionaban igualmente”, argumenta el decorador de la estética de la casa. “Es el magnetismo de este lugar”, apostilla Martret.
Lo cierto es que tiene mucho de fascinante y un algo de mágico un lugar de luces cálidas donde cada detalle, por sí mismo, podría ser una ofensa a la estética dominante del siglo XXI. Sin embargo, el hilván de la puerta acolchada, el teléfono en la pared, el papel pintado, las cabezas de ciervo, la virgen de expresión amable, los espejos, los posavasos de nácar que estructuran el mosaico del pasillo, las cuentas de cristal de las arañas… todo es un todo con un innegable vaho retro y una simbiosis chocante. “Es pura Puraenvidia”, se ríe el padre de cada detalle del que, hasta ahora, ha sido su hogar. “Pero ya no podemos seguir con la obra, 358 funciones son muchas y sin Ivan-OFF en el cartel sentimos que todo pierde un poco el sentido”.
Hablan de cerrar ciclos, de futuro a medio o largo plazo: La pensión de las pulgas, que abrieron solo unos meses después de La Casa de la Portera por el éxito de la iniciativa, también acabará cerrada. “¿En un año, en dos? No lo sabemos, pero aquello empezó con Macbeth (MBIG), y cuando ya no se pueda representar más, La Pensión tendrá que dejar de existir”, cuenta Martret. Cierran con lista de espera, con gente que les ha pedido que no lo hagan, con un asistente almeriense fiel y jubilado cuya foto de comunión viste una de las paredes de la taquilla, con no saben exactamente cuántos dramaturgos, actores y técnicos han pasado por ese suelo que emana olor al Madrid más castizo porque son “un desastre”. Cierran mientras hablan de los días que vendrán, de encontrar otro espacio para “intervenirlo”, de dejar atrás lo que tiene que quedarse atrás para que lleguen otros “algos” nuevos. Dejan la llave de ese pequeño laberinto para adentrarse en otros. Pero las despedidas, necesarias a veces, inevitables otras, duelen. Siempre.

La Casa de la Portera, por partes

José Martret y Alberto Puraenvidia han decidido montar un mercadillo con los objetos y el mobiliario de La Casa de la Portera. "Aunque no todo se venderá", avisa, nostálgico, Puraenvidia. Hay cosas de las que no pueden desprenderse.
Para aquellos que quieran llevarse a casa algo de este bajo de la calle de Abades en Madrid, el sábado la casa abrirá las puertas de 12.00 a 19.00, de forma ininterrumpida; y el domingo, de 11.00 a 15.00.
Font: Belén Ginart (ara.cat) | Foto: Francesc Melcion
Aquest és el quart Grec que dirigeixes. ¿Has pogut fer realitat el model de festival que t’havies planejat?
No del tot, però el model de festival que vull fer és molt clar i estem aconseguint fruits: un festival de creació, internacional, amb una temàtica i un estil contemporanis, amb un compromís ètic, polític i social, que parli del nostre present. I un festival obert, en el sentit de fer extensiu a tothom les millors propostes de dansa, circ, teatre i música.
Alguna cosa a lamentar?
Esperàvem créixer més i les circumstàncies no ens ho han permès. Tenim un pressupost molt inferior al que hi havia abans. I tot i això fem un festival molt potent. Això és un mèrit, però també t’obliga a buscar-te molt la vida.
En quin sentit?
Fent treball en xarxa, buscant molts socis. La col·laboració em sembla essencial. Hem fet una política de coproduccions molt important amb companyies internacionals i amb gent d’aquí, a qui també ajudem a trobar socis fora. Treballem per mantenir viu l’ecosistema teatral creatiu.
Com valores l’encaix del festival amb el públic?
Treballem molt la transversalitat, volem fer popular el que d’entrada no ho sembla. Però és una feina a llarg termini, no s’acaba en tres o quatre anys.
Estàs satisfet de les xifres d’espectadors?
El primer any vam patir una sotragada, però després hem anat creixent cada any. Cal tenir en compte les retallades que ha patit la gent i la pujada de l’IVA. Però a més hem de lluitar contra un desinterès social respecte a la cultura, un desinterès orquestrat. Hi ha una certa aculturalitat creixent en termes generals, no parlo només del Grec.
El que sí que es destaca és la creativitat dels artistes.
És una de les coses de què no em puc queixar. I no m’agrada queixar-me. Si se’m permet l’expressió, la gent de la cultura hem de tenir pebrots. El que hem de fer és lluitar.
I com veus aquesta lluita?
El sector de les arts escèniques viu amb una precarietat absoluta. Però en canvi continua generant nous projectes, noves formes de treballar. És el que em dóna més esperança. La gent de la cultura continua generant estímuls interessants, s’internacionalitza, busca i lluita. Ara bé, la falta d’inversió coarta totalment la creativitat de la gent. S’estimula una determinada creativitat precària. Per créixer, per estimular les coses, cal invertir.
Has fet una clara aposta pel públic familiar i aquest és el segon any del MiniGrec.
El mes de juliol no és fàcil per al públic familiar, però l’any passat crec que vam trobar el fil. Ara hem d’intentar evolucionar. I de cara a l’any que ve m’agradaria ampliar-ho amb una cosa que crec que ens falla, els espectacles per a públic adolescent, d’entre 13 i 19 anys.
També manteniu la complicitat amb l’Antic Teatre.
Sí. Amb La Caldera, que recuperarem l’any que ve perquè enguany està en obres, són dos nuclis molt importants per a la creació més jove i contemporània. L’any passat vam començar a apostar per l’Antic Teatre per visibilitzar creadors més outsiders, de llenguatges més contemporanis i més joves.
Què no m’he de perdre d’aquest Grec? Em fas tres recomanacions?
En teatre, La voix humaine. Val molt la pena veure Ivon van Hove des d’una perspectiva diferent, estem acostumats a veure’l en format gran i això és un monòleg, una cosa molt delicada.
En dansa?
À louer, de Peeping Tom, amb un espectacle antic però que no s’ha vist abans a Barcelona.
I en circ?
Il n’est pas encore minuit, de la Compagnie XY. Són tres espectacles molt grans, i els tres valen molt la pena. Ara la resta em mataran!
Ets en un lloc on pots repartir joc, i decidir suposa excloure. ¿El càrrec t’ha reportat més amics o més enemics?
A l’hora de decidir sempre intento ser tan honest com puc. Intento triar els espectacles més interessants, que no vol dir els que m’interessen més a mi, sinó els que ajuden a fer una programació equilibrada. A més, sé que la situació és molt complicada i intento donar molta vida al sector. Segur que algú s’ha enfadat. Pero crec que amb aquestes premisses he fet més amics que enemics. 


Fuente: Saioa Camarzana (elcultural.es) | Foto: Carles Santos

Carles Santos (Vinaroz, 1940) presentó en el Teatre Grec su pieza Canturia cantada en la que recopilaba algunos fragmentos de sus espectáculos como Montenegro, Tramuntana tremens y La meua filla sóc jo. Actualiza ahora la pieza con la incursión del Coro de la Comunidad de Valencia y añade motetes de Tomás Luis de Victoria, un genio de la música renacentista por el que siente debilidad. Se lo tomó como un reto y ahora presenta la performance en este sábado con la que inaugura el Festival de Verano del Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial. Además, de cara al verano comenzará los ensayos de un nuevo proyecto para el Teatro Nacional de Barcelona.

Participa en el festival de verano de San Lorenzo El Escorial con Canturia Cantada. ¿Qué vamos a poder escuchar?
Es buena parte de la música coral que tengo, versos etc. Un montaje parateatrado, no hay escenografía, ni vestuario, pero siempre están moviéndose. No paran, saludan y la gente aplaude. Como si estuvieran en Sol cantando. La voz humana ha penetrado por los lugares más insólitos. Es una manera de expresarme cantando.

La novedad frente a la pieza presentada en el Grec es la incorporación al repertorio de temas de Tomás Luis de Victoria. ¿Cuál es la importancia de recuperar el sonido de este artista del Renacimiento?
Era un pequeño desafío, pensé: 'por qué no te pones en evidencia'. Y Tomás Luis de Victoria es una debilidad que tengo. Se descansa mucho y luego recuperas el equilibrio emocional. Hay dos descansos musicales y él es un maestro. Yo no soy músico de coros, hago cosas corales pero no pertenezco a ninguna coral y siempre me ha fascinado. En vez de aplaudir lloro. 

¿Cómo ha sido el trabajo con Coro de la Comunidad Valencia?
Es un coro con el que tengo una larga historia, empezamos a colaborar hace 20 años. Es uno de los mejores coros del país, es enorme y lleva mucho años trabajando, tienen muy buenas voces, buenos maestros que lo dirigen y mucha fuerza y empuje. Es espectacular, lo hacen con ganas. Será un placer verlos en El Escorial. Han asumido este papel de actores-autores y lo hacen con sabiduría y con ganas, que es lo necesario.

¿Cómo fue la selección de las piezas que iban a formar parte de Canturia Cantada?
No lo sé. No me acuerdo. Me pidieron y seguro que dudé. Cuando lo montamos seguro que cambiamos alguna cosa. Aunque desde entonces no recuerdo haber hecho cambios. Tenía una idea de lo que tenía que ser.

¿Cuál es el hilo conductor que une a todas las piezas? 
En el programa hay cosas sobre los Borgia, sobre obras mías diversas como Ricardo y Elena y Tramuntana tremen. Es una dirección que se realiza sin excesos y si los hay tienen que estar en el lugar adecuado. Hay que ordenar el trabajo, como lo hacen los escritores, los artistas, todos. 

¿Qué es lo que le inspira cuando se propone un nuevo proyecto?
Las noticias que te dan de que no hay dinero, creo que nos asombra más esto aunque no tiene romanticismo. Te dicen que cobrarás dentro de seis meses o no, el gobierno cambia y lo más desagradable es la parte administrativa, que va como alguien quiere que vaya.

¿Qué nos puede decir de la puesta en escena?
No hay elementos teatrales. Yo estoy delante del lugar y hay algo de danza. Es una tarima equilibrada porque no son muchos y es muy sencillo. Hay movimiento, desplazamiento y la gente se reincorpora. Pero por mucho que se muevan y hagan alguna performance sigue siendo un concierto coral.

En su experiencia, ¿cuál es el público que acude a este tipo de espectáculos?
En Valencia, como se hace en la universidad tienen el hábito hacerlo en el claustro, y cada uno hace una cosa. Hay público que viene por la noche y hacen fiestas y también estamos nosotros. Es uno de los lugares más reconocidos de Valencia.

¿Cómo ve el panorama cultural hoy en día?
No es un buen momento, no solamente la gente en sí sino los teatros y las salas de conciertos se están quedando sin subvenciones. Lo curioso sería saber si es casualidad o es algo premeditado. Da la sensación de que el país va bajando la calidad de las cosas. Se confunden y las consecuencias son tremendas. 

¿Qué se debería hacer para fomentar su consumo?
Cambiar muchas cosas. Han cambiado pero hay que abrir un nuevo camino. No lo sé, seguramente si fuera gestor tendría una respuesta rápida. Creo que se ve y se nota cómo van las cosas. Las programaciones son tendenciosas. Claro que hay cosas buenas que lo serán siempre pero la falta de facilidades hace que las cosas tengan un interés relativo en un país con cosas fantásticas y gente que trabaja mucho. El problema no es de la gente sino de quiénes nos administran. 

¿Tiene algún proyecto entre manos?
Tengo un proyecto pero empezamos a ensayar en verano para el Teatro Nacional de Barcelona. Es otro tipo de experiencia, más musical, teatral, nada coral. Hay la posibilidad de hacerlo y eso es lo importante. Con menos posibilidades y con un soporte más controlado pero esto no impide hacer cosas interesantes.

Font: Jordi Camps i Linnell (elpuntavui.cat)
Si a l'hivern la gran cita teatral és Temporada Alta, a l'estiu el Fitag és el punt de trobada dels entusiastes de les arts escèniques a les comarques gironines. El Festival Internacional de Teatre Amateur de Girona continua fent camí i, després de divuit anys, celebra la seva quinzena edició. “Hem complert la majoria d'edat”, remarca amb satisfacció el seu director, Martí Peraferrer, que també va avançar ahir durant la presentació del festival que, per aquest motiu, la línia de programació enguany serà “més festiva”.
Del 25 al 29 d'agost, el Fitag 2015 oferirà una trentena d'espectacles de 26 companyies on hi predominaran sobretot musicals i comèdies. També, per nacionalitats, destaquen les companyies provinents de Llatinoamèrica i de l'Estat espanyol. Però, com sempre, l'eix principal tornen a ser les companyies gironines, amb un total de 10 participants.
Precisament, Quantus Teatre, una companyia de Lloret de Mar nascuda el 2008, serà l'encarregada d'obrir el teló portant a l'escenari del Teatre Municipal una reeixida adaptació de Lisístrata. L'espectacle tindrà lloc el 25 d'agost, a les 19 h, i l'entrada serà gratuïta.
Entre d'altres, també de la programació destaquen un parell de coproduccions que s'estrenaran pel festival. D'una banda, Mazatin, el hombre venado (29 d'agost), obra de “teatre antropocòsmic” coproduïda entre la Cia. Centro Cultural Jalil Gibran de Mèxic i el Col·lectiu Actoral de Girona, de la qual se'n farà un càsting per trobar quinze actors i quinze actrius. De l'altra, Mis mejores amigas, coproduïda per Cia. Teatro de la Costa d'Israel i els figuerencs Tequatre, i que es podrà veure a Figueres el 23 d'agost. I entre les novetats, destaca la filmació d'un work in progress del Fitag durant els dies que té lloc el festival, que, si bé l'epicentre és Girona, també hi haurà funcions a altres municipis. Enguany també, com a novetat, a Vidreres, Maçanet, Sant Gregori i Sant Pere Pescador.
Festival de festivals
Entre les novetats i, sens dubte, un dels actes estrella, destaca l'organització d'unes jornades internes de treball per debatre sobre el món dels festivals internacionals amateurs. Al llarg de tres dies, del 26 al 28 d'agost hi assistiran directors de festivals de teatre no professionals, amateurs, independents o universitaris de relleu internacional amb l'objectiu de crear un espai de pensament que, segons Peraferrer, “neix amb l'objectiu de crear un espai de pensament que ens permeti entendre cap a on es dirigeix el sector, com també buscar noves fórmules de relació entre festivals i crear ponts de col·laboració”. Tota aquesta feina quedarà recollida en un document de treball que serà presentat el 29 d'agost.


Fuente: EFE vía lavanguardia.com

La esperada obra de teatro sobre la infancia del mago más famoso de la literatura contemporánea, Harry Potter, se estrenará en Londres en verano de 2016, según anunció hoy su creadora, JK Rowling.

A través de su cuenta de Twitter, la escritora confirmó que "Harry Potter and the Cursed Child" ("Harry Potter y el Niño Maldito") se representará en el Palace Theatre de la capital británica.

JK Rowling reveló que la obra de teatro servirá para divulgar la "parte nunca contada" sobre la vida de este personaje, si bien recalcó que no se trata de una "precuela" de sus novelas.

También destacó que el texto examinará las vidas de los padres de Harry Potter, Lily y James Potter, antes de que fuesen asesinados por Voldemort.

"No quiero decir mucho más, porque no quiero echar a perder lo que sé que es un auténtico regalo para los fans", dijo Rowling.

La escritora inglesa tampoco quiso explicar en detalle por qué ha optado por los escenarios teatrales para abordar esta etapa de la vida de Harry Potter.

"Para responder a la inevitable (¡Y razonable!) pregunta -por qué El Niño Maldito no es una novela- estoy segura de que cuando la audiencia vea la obra estará de acuerdo en que era el único medio adecuado para la historia", escribió Rowling en un "tuit".

El anuncio sobre la fecha de la representación de esta obra teatral coincide con "un día muy especial" para la escritora, quien recordó que hoy se cumplen 18 años de la publicación de "Harry Potter y la Piedra Filosofal", la primera entrega de una saga de siete novelas de las que se han vendido cerca de 500 millones de copias en todo el mundo.

En 2013, Rowling ya adelantó que estaba trabajando con un equipo de guionistas liderado por Sonia Friedman y Colin Callender para llevar a los escenarios teatrales la infancia de Harry Potter.

Dos años después, la autora confirmó hoy que el guion no es suyo, sino que ha salido del puño del escritor Jack Thorne, autor de la adaptación teatral de "Let The Right One In".

El director de "Harry Potter y el niño maldito" será John Tiffany, ganador del un premio "Tony" por la obra "Once".

Font: Jordi Bordes (elpuntavui.cat) |foto: Albert Salamé
Els espectacles en espais no convencionals busquen l'espectador vulnerable. De fet, també l'actor mateix es troba indefens, sense la distància que el permeti accedir a una zona d'un cert confort. En la inseguretat dels dos element imprescindibles pel fet escènic es construeix una dramatúrgia de complicitat que és fèrtil. Sobretot els últims anys. Ahir va arrencar la tercera edició de l'Experimental Room Festival a Barcelona, ara també amb la implicació de l'Antic Teatre. L'artista (i directora artística del cartell), Maria Stoyanova, va presentar una performance dins d'una limusina. Un privilegi molt car per a un sector que malviu per ser honest amb el seu univers creatiu. Maria Stoyanova, guarnida amb una màscara de gall, rebia els cinc espectadors que, després de posar-se el cinturó i de servir-se una Fanta de taronja amb got de plàstic (en un vehicle que havia ocupat Lady Gaga quan va actuar a Barcelona) havien d'ajudar l'artista perquè no tirés la tovallola, després de 22 anys de carrera professional amb una vocació a prova de bomba.
Quin teatre es pot fer dins d'un cotxe? A l'Experimental Room Festival, també es prepara un trajecte dins d'un camió: hi caben fins a 15 espectadors. Però no són els espectacles més selectius del festival. Des de demà i fins diumenge, es preveu un muntatge per a un espectador únic. Es tracta d'una proposta de Teater Baest (Dinamarca): Lyst 4; l'acció transcorre en una cambra de l'Arthostal, que col·labora amb el festival. No consta la seva durada.
Molt més lúdic, aparentment, és l'espectacle de carrer (de fet recorda les barraques dels impossibles de principis del segle XX) de Tombs creatius (El viatge) de només tres minuts de durada, que es va estrenar a la Fira de Titelles de Lleida, el maig passat. La peça està pensada només per a un espectador. El seu to lúdic (tot i que el fons sí que podria coincidir amb aquesta dramatúrgia del vulnerable) l'allunya com a proposta radical, que genera una expectativa vital.
En l'època dels Radicals Lliure d'Àlex Rigola, es va convidar la companyia Rimini Protokoll per pujar dalt d'un camió, amb places per prop de 40 persones. El camioner, vingut de Romania amb aquell vehicle, explicava quines eren les seves pors i els seus desitjos entre tants quilòmetres de carretera i soledat. Cargo (2008) va entrar al Mercabarna i la càrrega de la caixa va poder veure, com espectadors d'un documental impossible, com responsables del mercat de majoristes narraven el procés de treball. Però és que també va poder sorprendre algun ballarí actuant en una rotonda (inexplicablement, poèticament) o la sorpresa dels conductors veïns quan s'encenien els llums interiors de la caixa i descobrien que al cotxe del costat del semàfor hi viatjaven una 40 de persones assegues en cadires en forma de grada. Com uns il·legals intel·lectuals, vaja.
Aquest Festival Grec la companyia La Reial (una habitual de Fira Tàrrega amb peces com Kurva, el 2008, en què convidaven els espectadors a comprovar la solitud d'una prostituta de carretera secundària) proposa un espectacle en cotxe. Són cinc trajectes de 10 minuts de durada en què, dins del vehicle (i se suposa que en trajecte) es desgranen textos de Josep Maria Fonalleras, Imma monsó, Marta Rojals, Francesc Serés i Màrius Torres. No pot ser gaire diferent del muntatge, per a tres espectadors màxim, de la darrera edició del Festival Internacional de Titelles de Barcelona, ara fa una dècada. En aquella ocasió, els espectadors eren convidats de pedra d'una parella que es cridaven (de manera similar a l'anunci d'Smart 4 portes de la tele) mentre el cotxe amb un GPS amb veu monòtona, indicava els girs pels carrerons de Montjuïc. La velocitat i l'estretor generava una vulnerabilitat ben evident.
Dins de la limusina
Limousine#1 permetia, ahir, els espectadors viatjar dins de la limusina (amb passeig inclòs per plaça Espanya, Gran Via, Via Laietana i Paral·lel) darrere d'uns vidres tintats per comprovar que aquest cotxe genera més expectació que les torres venecianes. Sovint, el
públic valora més l'embolcall dels espectacles que la mateixa creació escènica. En aquest sentit, Stoyanova es va deixar emborratxar per la joguina i va plantejar una dramatúrgia senzilla, escrita la matinada anterior.
L'artista planteja treballs maratonians, ben diferents del d'ahir. Com la de l'any passat amb Paisajes de Chéjov, en què plantejava diferents accions durant llargues hores, com si fos una mena d'instal·lació escènica. O com va ser el taller en què revisava el seu Madama Butterfly, durant 40 dies tancada a l'AdriÀntic, el 2008. No podia sortir en cap moment i rebia visites de directors per aprofundir en algun dels cinc passatges del seu muntatge. I també de la seva mare, amb qui feia anys que no es parlaven. Ahir, dins de Limousine#1 tornava la referència a la mare: ella estava preocupada que la filla sucumbís en la misèria per culpa de la seva dèria artista. Certament, avui Stoyanova revisa el seu amor al teatre des que és mare d'una nena de tres anys que li demana atenció. Stoyanova va sorprendre amb La gitana, que li va permetre un cert reconeixement en l'estret sector de les noves escenes.
L'Experimental Room Festival inclou, a més d'una variada mostra d'espectacles, un grapat de workshops. Perquè els creadors de la nova escena no poden concebre la representació sense la recerca, l'aprenentatge. Un fet insòlit per als que es creuen que el talent creatiu brota i creix sol.

Imprescindible el pla estratègic de la nova escena

Va ser en el primer tripartit que es va fer el primer intent seriós de vincular tots els artistes híbrids de la cartellera del moment: una de les primeres dificultats va ser trobar-hi un nom que els definís a tots. Ara en fa una dècada, i tot i que es va arribar a formular una associació que els ajudés a organitzar-se, es va desfer massa aviat. Avui, el sector més desemparat (i que paradoxalment actua més a l'estranger) és el de la Nova Escena. Noms com ara Roger Bernat o Ernesto Collado, fan més vida artística fora de Catalunya. Molt en part per la dificultat de generar un circuit estable a Catalunya. L'embrió d'aquest projecte és generar un pla integral específic (com fa uns anys sí que es van signar els de teatre familiar, del circ i de la dansa) i que han desembocat en festivals estratègics, i de sector amb mercat atractiu com són la Mostra Igualada, el reforç de la fira Trapezi i la incorporació del Sismògraf, respectivament en aquesta categoria. El festival Terrassa Noves Tendències (TNT) aspira a ser el festival d'aquest sector. Per a això, cal que el sector s'organitzi i el legitimi i, sí, que es mantingui potent la implicació de la ciutat de Terrassa.