Fuente: Julio Bravo (abc.es)
Audra McDonald es historia de Broadway. Literalmente. El año pasado se convirtió en la primera (y por ahora la única) intérprete que lograba seis premios Tony, los mayores galardones del teatro estadounidense, superando a dos actrices legendarias, Julie Harris Angela Lansbury, que habían logrado cinco cada una. La cantante y actriz debutará el próximo 31 de enero en España con un recital en el Teatro Real en el que ofrecerá un recorrido por el teatro musical americano de la mano de cuatro de sus grandes autores: George Gershwin, Stephen Sondheim, John Kander, Fred Ebb y Michael John La Chiusa.
«Ragtime» (1988), «Master Class» (1996), «Carousel» (1994), «A raisin in the sun» (2004), «Porgy and Bess» (2012) y «Lady Day at Emerson’s Bar and Grill» (2014) son las obras que han convertido en leyenda a Audra McDonald. En su hasta ahora último trabajo, «Lady Day at Emerson’s Bar and Grill», la actriz encarnó a Billie Holiday, en una interpretación unánimente aplaudida: «Merece la pena soportar los aspectos más viscosos y apagados -escribió el New York Times- por escuchar a la señora McDonald respirar dolor y vida en algunas de las más grandes canciones de Holiday.
En conversación telefónica, Audra McDonald hablaba con ABC sobre esta interpretación, que reconocía como «el mayor reto de mi carrera». «Encarnar a una mujer como Billie Holiday es absolutamente fascinante; para mí supuso una gran dificultad, porque me exigía un trabajo extraordinario para lograr que mi voz de soprano se asemejara a la suya, mucho más grave e irregular, aunque de una expresividad increíble. Me siento muy afortunada de haber podido ponerme en su piel y de haber profundizado en el sufrimiento de esa gran artista».
El concierto del Teatro Real supondrá la primera actuación de Audra McDonald en nuestro país, que apenas conoce. «Estuve hace varios años en Barcelona, pero no he vuelto a España desde entonces». Conoce poco nuestra música. «Trabajé de estudiante algunas canciones de Granados, pero nada más. He escuchado poca música española, pero me encanta el corazón y la pasión que tiene». 
Audra McDonald nació en 1970 en Berlín, donde estaba destinado su padre. Estudió canto lírico en la prestigiosa escuela Juillard de Nueva York, y pronto dirigió sus pasos hacia el teatro musical. Su primer trabajo fue en «The secret garden», y con el siguiente, «Carousel», logró su primer Tony. Ha actuado en una docena de obras en Broadway, y ha protagonizado también óperas como «La voz humana», de Poulenc, o «Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny», de Kurt Weill. El teatro y los conciertos son su principal actividad, aunque ha participado en series televisivas como «Wit» (con Emma Thompson), «The good wife» o «Sin cita previa», y en películascomo «Abajo el telón» o «Cosas de familia». «Me consideran una cantante fundamentalmente, pero mis dos facetas, la de actriz y la de cantante, no se entienden la una sin la otra. Son complementarias y se alimentan la una a la otra». Conseguir seis Tonys es fruto, dice, de un trabajo muy duro, «pero he tenido mucha suerte. Puedo asegurar que, en mi caso, los sueños se han hecho realidad».
En su concierto madrileño unirá los nombres de compositores universales como Gershwin y Sondheim con uno de los autores más representativos del nuevo teatro musical en Estados Unidos: Michael John Lachiusa. «Es un músico con un talento increíble -explica Audra McDonald-. Hay un momento creativo fascinante en Broadway; desgraciadamente, poner en pie un musical es algo muy caro, y no todos tienen la oportunidad de estrenar; pero hay músicos muy interesantes, que están trayendo nuevas ideas y desarrollando todo tipo de estilos».
Font: Belen Ginart (ara.cat)
El fenomen Animals de companyia ja dura més d’un any. No trobàveu sala i vau decidir fer teatre a les cases.
Sí. L’obra passa en un menjador durant un sopar d’amics, i mentre l’escrivia tenia al cap la casa d’una amiga dissenyadora d’interiors, Bàrbara Aurell. Com que l’obra no encaixava en la programació de cap de les tres sales on la vaig proposar, vaig demanar a la Bàrbara que ens deixés estrenar-la a casa seva.
I així va començar tot.
Sí. De fet ella havia dissenyat casa seva amb la intenció d’acollir-hi esdeveniments culturals. Hi vam fer quatre funcions i pensàvem que l’obra moria allà, però un espectador ens va demanar com ho havia de fer perquè actuéssim a casa seva.
Quantes funcions en cases heu fet?
Més de 70 arreu de Catalunya. El boca-orella ha funcionat molt.
Quina ha sigut la clau de l’èxit?
Estem oferint una experiència més enllà de la mateixa obra: veure teatre amb una proximitat gairebé impossible, a casa teva o a casa d’un amic.
No teníeu propostes per fer-la en una sala?
Quan això va començar a rutllar em van trucar de les sales que m’havien dit que no, però aleshores el volum de bolos que teníem era bastant alt i, a més, jo sentia que qui havia apostat per nosaltres eren els particulars, les famílies, els grups d’amics que ens havien contractat.
Què heu après vosaltres de tot això?
Aquesta experiència ens ha permès créixer com a actors, perquè no és el mateix actuar en un teatre que en la proximitat del menjador d’una casa particular. Sembla que el teatre només passi a les grans sales, i si vas a l’essència de la interpretació això no és cert. Quan actues amb els mínims mitjans surt l’essència de la professió.
Heu tingut viabilitat econòmica?
Cap de nosaltres no podíem viure d’ Animals. Quan vam decidir estrenar-la en una casa particular vam haver d’assumir que ja no només érem actors que feien el seu paper, ens havíem d’ocupar de tot i vam haver de fer una inversió inicial de les nostres butxaques per pagar la direcció i la producció. Vam trigar sis mesos a recuperar la inversió. A partir d’aquell moment l’obra va ser per a nosaltres com un petit sou extra.
Com arribeu finalment al Capitol?
El desembre del 2013, el Carles Roca, de Vània Produccions, va veure l’obra a casa de l’Elisenda Roca i va tenir clar que es podia portar a una sala. De fet, ell va creure més en l’obra que jo mateixa.
No és el primer teatre que trepitgeu.
No, perquè el Carles ens va aconseguir una gira per quatre països de Centreamèrica. Vam passar del menjador de les cases a teatres de 600 localitats.
A Barcelona també vau fer una funció a La Villarroel.
Sí, a l’octubre hi vam fer una representació amb el teatre ple i molts programadors entre el públic. Hi havia cert prejudici si una obra feta a les cases podia funcionar en un teatre, i aquesta funció va permetre comprovar que sí. Avui fem una funció al Teatre Plaza de Castelldefels. I després del Capitol farem gira per teatres de Catalunya.
És una comèdia.
És una comèdia amarga sobre les relacions humanes. Una noia torna a casa després d’haver estat ingressada en un psiquiàtric per un intent de suïcidi. Els amics li preparen un sopar de benvinguda, però abans que ella arribi un noi confessa al grup un secret inesperat que obliga la resta a mentir. Durant el sopar surten tots els draps bruts i es planteja si la mentida és una manera de protegir-nos o una covardia.
Tu fins ara has estat fent el personatge protagonista, ¿per què ho has deixat?
Durant un any he estat totalment dedicada a això, portant des de la web fins a la premsa, ha sigut un huracà tan fort que necessitava parar i veure què és això que jo he creat i de la qual cosa encara no sóc conscient.
I quan tinguis nova obra, voldràs que també es representi a les cases?
Jo vull seguir amb el teatre a les cases, tot i que no vull que sigui un condicionant per a la meva dramatúrgia. Al mateix temps, molts companys m’han preguntat com podien portar les seves obres als domicilis particulars, i estic engegant un projecte per consolidar aquesta fórmula. A mi m’ha enriquit molt, m’ha fet créixer i aprendre, i no ho vull deixar. |
‘Animals de Companyia’, d’Estel Solé. Amb Eduard Buch, Jacob Torres, Mercè Martínez, Miriam Tortosa i Martina Tresserra
Club Capitol (Barcelona) A partir de dimecres 4 de febrer

Fuente: Julio Bravo (abc.es)
Nuria Gallardo no se planteó ser otra cosa que actriz. Hija de los actores Manuel Gallardo María Jesús Lara, debutó siendo una niña al lado de su madre en la serie de televisión «Cañas y barro»; en 1981 pisó por primera vez las tablas en la versión de «El pato salvaje», de Ibsen, al lado de José Bódalo, y dirigida por José Luis Alonso, y allí, en el teatro, se quedó. Estos días, va de un escenario a otro: en el Lara representa, los miércoles, la obra «Recortes», junto a Daniel Guzmán y bajo la dirección de Mariano Barroso, que alterna con la gira de «Donde hay agravios no hay celos», el montaje de la Compañía Nacional de Teatro Clásico de la obra de Rojas Zorrilla.
«Desde muy pequeña he vivido para trabajar y he trabajado para vivir -dice la actriz-. No hay cosa que más me guste que subirme a un escenario y hacer bien mi trabajo; lo que ocurre es que antes era más inconsciente a la hora de valorar un resultado, era como un niño cuando juega, y con los años te va creciendo la responsabilidad. Sigo disfrutando mucho, pero cada día me pongo más cardíaca al comenzar la función; y siempre pienso en qué cosas puedo mejorar al día siguiente... Son los años».
No se ha arrepentido en ningún momento de haber escogido ese camino. «Sí me he preguntado más de una vez qué sería de mi vida si no me llamaran más para trabajar, y me ha dado un miedo muy grande. Puedo hacer de secretaria, pero no lo soy; puedo hacer de médico, pero no tengo ni idea de medicina. Hace aproximadamente unos diez años, me planteé qué me hubiera gustado hacer si no hubiera sido actriz, y me puse a estudiar. Hice el acceso a la Universidad para mayores de 25 años, me puse a estudiar una carrera y ahora soy maestra en educación infantil. No puedo ejercer, porque no se puede compatibilizar, por falta de tiempo, con el teatro; pero soy voluntaria de Cruz Roja y trabajo con niños. Durante un par de años estuve dando clases y fui muy feliz; pero cuando volvió a sonar el teléfono para ofrecerme trabajo de nuevo en el teatro, no tuve ninguna duda».
«He aprendido -añade- que todo lo que te alimenta, lo hace para toda la vida. A la hora de preparar un papel, tengo ahora muchas cosas en cuenta que antes no conocía; por ejemplo, la psicología evolutiva me sirve para analizar las obras y los personajes». El trabajo previo de preparación de un montaje, todo ese proceso interno, es para la actriz «como un iceberg; el resutado final es únicamente la punta. Cuando más veamos, más grande es lo que lo sustenta».
Se confiesa impulsiva. «Me gusta aprovechar al máximo cada momento, que es irrepetible, y disfrutar de todo; soy muy infantil en ese sentido, no he aprendido a relativizar». Vivir el momento, dice Nuria, «tiene que ver con el teatro, donde no hay dos funciones iguales, la de un día es totalmente distinta a la del día siguiente». Más si, como es el caso, se alternan espectáculos tan diferentes como los que ella está representando». 
Uno de ellos es «Recortes», un espectáculo que incluye dos piezas: «Frágil», de David Creig, y «Reflectante», de Clara Brennan, adaptadas por Juan Cavestany, y dirigidas por Mariano BarrosoNuria Gallardo, que comparte cartel con Daniel Guzmán, encarna a Rosario, la madre de una joven discapacitada con necesidades especiales. «Cuando preparaba el personaje -cuenta-, vi en la televisión a Bertín Osborne hablando de su hijo con parálisis cerebral. Yo me quedé mirando esas imágenes, me acerqué mucho a la tele y me fijé en sus ojos; su cara era sonriente, pero en su mirada había tristeza, rabia, impotencia... Todo eso me empezó a alimentar para Rosario».
Nuria Gallardo ya estrenó el pasado año este papel, que considera «un regalo». «Quiero muchísimo a este personaje. Creo que es necesario vivirlo, tener esperanza y ser positivo en los momentos que estamos viviendo ahora, seguir luchando, es algo que tenemos que seguir oyendo. Hay que saber, estar despierto, opinar y estar activos como ciudadanos. Se nos tiene que oír». 

«Donde hay agravios no hay celos»

El otro montaje es «Donde hay agravios no hay celos», donde interpreta a la criada Beatriz: «Es una mujer sin ningún problema, que vive estupendamente, que se ríe de todo y disfruta de la vida, de su cuerpo y de todo lo que se le ponga por delante; nunca había hecho un personaje que no tuviera más conflicto que la vida. Es fantasiosa y alocada, muy positiva».
Compartir ambos personajes es algo que la hace muy feliz, porque son muy distintos entre sí y porque, sobre todo el segundo, es muy diferente a los otros personajes que le ha tocado interpretar hasta ahora. «Nunca habría pensado que iba a hacer un papel tan de comediacomo Beatriz. Cuando vi el estreno de esta función, en el que lo interpretaba Marta Poveda, pensé: "¡Qué valiente, cómo me gustaría hacer ese papel! Pero no creí que me llamaran, no es mi línea... A veces hay que tener cuidado con lo que se desea, porque se cumple».
Una de las virtudes del teatro es poder transmitir sentimientos y sensaciones muy diferentes. «El espectador, cuando entra en una sala de teatro, tiene salir modificado en algo: en su estado de ánimo, en su manera de pensar... Si sales de una película o una función igual que has entrado es un fracaso. Una de las cosas más bonitas que nos dicen después de "Agravios" es que nunca habían pensado en que los clásicos pudieran tan divertidos. Pues en la siguiente ocasión en que se anuncie un clásico, esas personas sentirán, al menos, curiosidad y no rechazo».

«Recortes»

En cuanto a «Recortes», «la gente va cada vez más a ver este tipo de funciones, un teatro que habla del ahora, de una realidad social que estamos viviendo ahora, y que no se quiere dejar traslucir. Y hay que tomar conciencia de las cosas. No es cuestión de política; el teatro no debe tener un partido político, debe ser universal. Pero hay cosas que se tienen que oír, como la cuestión de la ley de dependencia. Son cosas que a mí me afectan como persona, y que no se hable de ellas me da mucha rabia».

Fuente: Rut de las Heras Bretín (elpais.com)
La madrileña sala Kubik Fabrik ha cambiado de nombre. Y eso no debería llamar demasiado la atención. En los últimos años ha sido una práctica relativamente habitual en algunos teatros, que tan pronto toman el nombre de una marca de helados, como de una compañía telefónica. Pero este no es el caso, las grandes marcas todavía no se han mostrado interesadas por las pequeñas salas de la periferia. Estas últimas se nutren de grandes ideas y a una de estas ocurrencias se debe la transformación de la sala Kubik en LAZONAKUBIK (LZK), que surge de la necesidad de ordenar el circuito off, espacios alternativos dedicados a las artes escénicas donde están bullendo constantemente interesantes proyectos.
LZK nace de la unión de la productora La Zona y de Kubik Fabrik. Su objetivo es dotar a cuatro creadores cada año de un espacio-laboratorio para investigar, trabajar, dialogar, compartir y equivocarse. Los elegidos para arrancar son Carlota Ferrer y Julián Fuentes Reta, ambos actúan, dirigen, en definitiva, "crean", como le gusta decir a Ferrer. Ellos irán abriendo puertas. Gonzalo Salazar-Simpson, director de la Escuela de cinematografía y audiovisual de la Comunidad de Madrid y productor de La Zona, los define como "los hermanos mayores", los que se toparán con las primeras dificultades –ya que, como explica Fernando Sánchez Cabezudo, fundador de Kubik Fabrik, es un proyecto en construcción, irán aprendiendo juntos–. Allanan el terreno para los que vienen detrás, que a partir de abril serán Lucía Miranda y Antonio Ruz, también con una larga carrera profesional dedicada a las artes escénicas.
Los cuatro artistas coinciden en mostrarse tranquilos y libres. Destacan la idea de “tener tiempo”. Lo explica Fuentes al señalar que, con suerte, un espectáculo en un teatro grande está unos 45 días, pero que los procesos de creación duran más, y son esos momentos en los que se encuentran en situaciones precarias. Miranda cuenta cómo cada vez que comienza un proyecto se siente "vagando de sala en sala, cansada, ensayando en cualquier sitio". Los laboratorios de LAZONAKUBIK son ese lugar en el que experimentar. "Aquí puedo decir la verdad, no tengo que vender motos", comenta Fuentes. Tanto Salazar-Simpson como Sánchez Cabezudo tienen confianza en los directores que han elegido, conocen los procesos creativos, saben que a veces hay que tocar muchas teclas hasta dar con la correcta y han apostado por este modelo que quieren que se convierta en una referencia.
Sánchez Cabezudo destaca que el espíritu de Kubik Fabrik se mantendrá. Ha crecido unido a Usera, distrito del sur de Madrid. Ha creado vínculos con los vecinos de esta zona que antes de que llegaran no tenía oferta cultural. Está totalmente integrado y seguirá siendo así. Los cuatro participantes van a trabajar con la gente del barrio. Fortune Cookie, de Carlota Ferrer, quiere integrar a la numerosa comunidad china de esta área. Va a organizar varios cinefórum de películas de este país e invitará a Eduardo Chapero-Jackson, a David Trueba o a Jorge Sánchez Cabezudo para comentar los filmes. De esta actividad, de los talleres de movimiento para actores y del resto de actividades que organice sacará el material para la pieza final que estrenará en abril, como Julián Fuentes, su compañero de laboratorio, que en Hard Candy tratará temas como la violencia y la juventud. Nora, 1959, de Lucía Miranda, parte de la abuela de la directora, una mujer que se separó durante el franquismo y que fue denunciada por abandono del hogar, algo que siempre fue visto como tabú en su familia. Quiere que interactúen las adolescentes del barrio con las señoras mayores, que se cree un vínculo entre ellas. Para estrenar en octubre, como Miranda, el coreógrafo y bailarín Antonio Ruz saca del cajón Beatiful Beach, una idea que rondaba en su cabeza desde hace diez años y en la que se plantea la playa como paraíso de escape, incluso de huida de uno mismo. Invitará a espectadores poco habituados al lenguaje de la danza a los ensayos. Quiere oír su opinión para hacer un proyecto inteligible para todos los públicos.
La transparencia es una de las características principales de LAZONAKUBIK. Que se vean los procesos desde el primer momento, ya sea en jornadas en las que el público participe directamente, o a través de los vídeos que semanalmente se colgarán en la web, incluso, de las retransmisiones en streaming de los ensayos.
Salazar-Simpson subraya que este viaje acaba de empezar y tiene intención de ser largo. "No es un matrimonio puntual, es un hermanamiento". Tienen vocación de salir de la sala, incluso del barrio, ya tienen cerradas colaboraciones con el Théâtre Toujours à l’Horizon de Burdeos, se está trabajando con otro de París e incluso les gustaría dar el salto a América.
Fuente: Rosana Torres (elpais.com)
No debía ser tan fácil cuando numerosos profesionales del mundo del teatro y la danza habían intentado ponerla en pie en diferentes ocasiones en la última década, aunque nunca nadie llegó a buen puerto. Esta vez, tras dos años de continuas reuniones, ya que había que poner de acuerdo con las distintas visiones sobre lo que debe ser una academia, el proyecto ha llegado a buen puerto y ha nacido la Academia de las Artes Escénicas de España (AAEE), presidida por el dramaturgo José Luis Alonso de Santos, con el autor y director Antonio Onetti, como secretario general, y con el productor Jesús Cimarro y la coreógrafa Rasángeles Valls, como vicepresidentes. Otros conocidos nombres de la escena figuran en la junta directiva de la nueva entidad, entre ellos los directores José Carlos Plaza y Carme Portaceli, las actrices Ana Belén y Magüi Mira, los autores Fermín Cabal y Rodolf Sirera y la coreógrafa Mónica Runde.
Una de las primeras actividades púbicas de la AAEE ha sido el nombramiento de sus diez primeros Miembros de Honor, elegidos por votación directa entre 240 académicos. Los primeros han sido la mezzosoprano Teresa Berganza; el tenor y compositor Plácido Domingo; los bailarines y coreógrafos Nacho Duato y Víctor Ullate; las actrices Nuria Espert y Concha Velasco; el actor y director teatral José Luis Gómez; el teórico teatral y dramaturgo José Monleón; el dramaturgo, escenógrafo y director de escena Francisco Nieva y el director de teatro y ópera Lluís Pascual. Al escenógrafo y productor Andrea D’Odorico se le llegó a comunicar la decisión de tenerle entre los primeros miembros de honor, pero falleció al poco tiempo de conocer esta noticia y ha recibido, a título póstumo, la primera Medalla de Oro de la AAEE.
Alonso de Santos habla del proceso seguido estos dos años, desde los primeros encuentros, que en principio se impulsaron desde la SGAE, hasta las reuniones más o menos regladas con debates a los que fueron incorporándose profesionales de muy diferentes ámbitos.
La actriz Ana Belén sostiene que la AAEE sirve para preservar el potencial artístico del teatro: “Para transmitir a los jóvenes ese patrimonio en todas las ramas de las artes escénicas y cubrir el hueco que no cubre un sindicato”, mientras su compañero de la junta directiva, Cimarro, matiza que también sirve “para unir al sector que no tenía un lugar de encuentro de las personas, lo más importante es que hay gentes de todos los sectores y cubrirá los vacíos que hay en nuestro oficio y que no cubren las asociaciones profesionales que existen”.
Entre los escollos que fueron surgiendo estuvo la nomenclatura de la entidad, que unos querían fuera la de Academia del Teatro y otros, que defendían la fusión que hoy se da entre diversas artes escénicas, optaban por como finalmente se ha llamado. También se chocó con el deseo de algunos grupos catalanes que se manifestaron en contra de estar integrados en un organismo nacional español, e incluso hablaron de que se tenía que crear la Academia Catalana simultáneamente. Finalmente se dejó claro que lo que se estaba creando era la AAEE y no otra cosa y algunos se retiraron del proyecto, no así muchos profesionales catalanes que, de manera individual, se han incorporado a la AAEE, como el autor Benet i Jornet y el actor José María Pou, entre otros. Otro catalán integrado en la AAEE, Lluís Pasqual, cree que tal vez la academia sirva, entre otras cosas, para recordar que ya en la Grecia Clásica el teatro, además de un bien social común, era una de las Bellas Artes: “Y algunas veces, no muchas, bien es cierto, aún es así”.
Cuando llegó el momento de crear estructuras, como estatutos y reglamento, echaron mano de los ya existentes en instituciones similares del mundo entero: “Pero nos sentimos especialmente en deuda con la Academia de Cine, como referente más cercano, aunque también estudiamos detenidamente las de televisión y música de nuestro país”, señala Alonso de Santos, quien recuerda esa época, en la que se definieron fines y razones de ser, como bastante ardua, sin olvidar las numerosas asambleas con profesionales muy cualificados con los que contrastar el trabajo hecho.
A partir de ahí se alquiló un local en el madrileño barrio de Chamberí, se creó un logo, y se abrió concurso para contratar a la única persona con sueldo de la AAEE, ya que el resto tienen cargos altruistas y todos los miembros pagan igual (110 € por ingresar y una mensualidad de 10 €). La AAEE está estructurada en cuatro departamentos: régimen interno, económico, actividades (entre otras la creación de una revista) y premios y distinciones.
“Si bien todo este tiempo nos hemos preocupado mucho del continente, en el congreso que vamos a celebrar en Urueña [Valladolid] del 6 al 8 de marzo, se dotara de un cuerpo más sólido a la AAEE, ya que estaremos debatiendo ponencias, comunicaciones y surgirá una fundamentación filosófica, de donde emanará un Libro Blanco del estado de la situación de las artes escénicas”, apunta Alonso.
En cuanto a los Premios Max de las Artes Escénicas que organiza la SGAE anualmente, Alonso de Santos afirma que la AAEE no tiene infraestructura ni dinero para asumirlos: “Poco a poco iremos colaborando, pero la AAEE no nace para canalizar premios, no es un sindicato reivindicativo, ni una asociación del sector, aquí lo que hay que defender es la excelencia, aunque este es un debate muy serio que origina muchos roces…, la AAEE tienen contradicciones y en Urueña debatiremos todo esto”.

Fuente: Fernando Díaz de Quijano (elcultural.es)

Tricicle acaba de cumplir 35 años. Cada nuevo espectáculo del trío de cómicos formado por Paco Mir, Carles Sans y Joan Gràcia conlleva unos cuatro años de gira, así que más o menos coinciden los aniversarios redondos entre uno y el siguiente. Este nuevo cumpleaños lo celebran volviendo a Madrid con Bits, un espectáculo en el que el mundo de la informática, internet y las redes sociales sirve de nexo para hilar un gag detrás de otro a un ritmo frenético. Aún les queda cuerda, pero sus miembros, y sobre todo Mir, al que le atrae cada vez más la dirección -La banqueta, Los sobrinos del Capitán Grant, Candide...-, comienzan a planear el “hasta siempre” de su 40° cumpleaños para poder dedicarle más tiempo a sus proyectos individuales.

Ya presentaron Bits en Madrid en 2012. ¿Cuánto les queda de gira con este espectáculo?
Estaremos en Madrid tres meses y tenemos gira aún hasta el verano de 2016.

¿Y luego?
Cuando acabemos con Bits coincidirá más o menos con el 40° aniversario de la compañía. Haremos un grandes éxitos como el que ya hicimos a los 20. Ofreceremos 40 sketches para que el público elija cuáles quiere ver cada noche.

¿Se retirarán entonces como han dado a entender alguna vez para dedicarle más tiempo a sus proyectos personales?
Bueno, la verdad es que tenemos ganas de hacer sin prisas otras cosas aparte de Tricicle y que ahora tenemos que hacer con prisas. Tricicle nos absorbe tanto que todo lo que dirigimos aparte lo tenemos que hacer encajar como un puzle y con sólo tres o cuatro bolos en días sueltos... Me apetece dedicarme a otros aspectos de la profesión que son tan interesantes como actuar.

¿Por qué le gusta Tricicle a todo tipo de públicos?
Porque tenemos un abanico muy amplio de tipos de humor, no es solo político, ni sexual, ni tonto, ni blanco, hay para todos los gustos. En nuestros espectáculos un padre y un hijo se pueden reír de lo mismo. Ya se sabe, familia que ríe unida permanece unida. Queremos que los espectadores se conviertan en niños. Si alguien no se mete en la historia, sólo verá a tres tíos haciendo el tonto y jamás se reíra. Por otra parte, en un espectáculo metemos unos 300 gags, así que hay muchas oportunidades para reírse. Si no te gusta uno, te gustará el siguiente.

¿Cómo construyen sus gags? ¿Parten de una idea compleja y la van pelando hasta dejarla en lo básico o al revés?
A menudo partimos de una idea básica a la que vamos añadiendo cosas, y otras veces tienes el concepto y de ahí vas sacando otras pequeñas ideas. Lo más difícil es encontrar el principio y el final de un gag. En el humor hay que acabar siempre muy alto. Lo que nunca hacemos es añadir cosas superfluas, si algo no es imprescindible lo quitamos.

Después de tres años con Bits. ¿Aún es válido el tópico de que cada función es distinta?
Sí, esa es una de las dos magias del teatro. La otra es que a veces puedes desear estar en la otra punta del mundo haciendo otra cosa, pero cuando subes al escenario hay un “clic” que te convierte en actor y dejas de ser la persona aburrida que hace diez segundos estaba entre cajas. Es la misma magia que transforma a un neurocirujano que hace un momento estaba tomándose un café y ahora está operando un cerebro.

¿Encontrarán cosas nuevas los espectadores madrileños que ya vieron Bitsen 2012?
Sí, hemos incorporado gags nuevos. Es la ventaja de ser actores y directores a la vez, nos permitimos improvisar. Y como somos muy exigentes, si algo no funciona dos noches seguidas, lo quitamos.

¿Parodian las nuevas formas de comunicación y relaciones sociales que potencian internet y los nuevos dispositivos?
Hacemos unas parodias muy pequeñas, porque el mundo de la comunicación cambia tan rápido que el espectáculo se nos habría quedado ya obsoleto, pero sí que hacemos guiños a Twitter, Facebook y demás.

¿Han encontrado en el concepto de bit (la unidad básica de información digital), un símbolo de su propia identidad como cómicos?
No sé si tanto, pero sí que inconscientemente nos hemos acercado más a la “unidad mínima de gag”. Este es un espectáculo de 12 sketches diferentes que contienen muchos gags a un ritmo frenético. Cada vez somos capaces de hacer más cosas en menos tiempo.