El director teatral Abel Coll trasllada a la generació actual, la que utilitza les xarxes socials d'internet, El senyor de les mosques (obra destacada de la literatura britànica original de William Golding) en un espectacle que s'estrenarà el 3 de setembre al Versus Teatre de Barcelona. L'obra, interpretada per actors d'entre 21 i 24 anys, pretén donar a conèixer aquesta mítica novel·la del 1954 al públic més jove.

El senyor de les mosques 2.0 (prevista en cartell fins al 21 d'octubre) narra com set personatges naufraguen i sobreviuen en una illa solitària. Tots ells són fills de bones famílies i havien après a l'escola els principis bàsics de la bona educació, però situats en un entorn estrany es converteixen en poc temps en noves persones. Coll ha explicat que la història “té un punt bèstia de por col·lectiva a allò desconegut i parteix de referents com Lost (Perdidos)”. Aquesta sèrie televisiva de culte també està situada en una illa deserta, ha explicat Júlia Barceló, una de les actrius. També s'hi poden trobar referències a la violència d'Apocalypse Now (1979) de Ford Coppola. Coll ha explicat que “els personatges que posa en escena podrien haver viscut a Barcelona” i, com en la novel·la, “el fet de la supervivència guanya a la raó”.

L'obra es representa en un espai escènic nu en el qual només hi ha elements simples com un paraigua o un bidó que podria ser de l'avió naufragat, elements de la civilització que desplacen un eventual i suposatattrezzo realista que evocaria una illa deserta, segons ha explicat el director.

Pau Vinyals encarna Ralf, personatge ordenat que intenta organitzar la convivència de manera democràtica, escoltant tothom, líder natural que quan veu que la unió no és possible “i els altres no li fan cas, acaba imposant les seves normes sense saber com gestionar el seu desig de democràcia”, ha explicat l'actor. El seu antagonista, Peggy (Georgina Latre), és una jove de 18 anys “no acostumada a que li portin la contrària, cosa que li succeeix a l'illa per primera vegada, i d'ella emergeix la figura dictatorial, una mica la del tirà que imposa els seus pensaments al poble”. La novel·la, que era una crítica ferotge a la Segona Guerra Mundial, parla de com la violència es pot imposar a la civilització.


Font: www.elpunt.cat
Publicado por en No hay comentarios:

El Palacio Euskalduna despliega las alas y alcanza su velocidad de crucero en su temporada teatral estival.Hoy se ha presentado Ser o no ser, la cuarta y última propuesta de los espectáculos programados en torno a la Aste Nagusia, que permanecerá en cartel desde mañana hasta el 5 de septiembre próximos, y se suma a la oferta de El cavernícola, protagonizada por Nancho Novo; Arte, de la francesa Yasmina Reza, capitaneada por Enrique San Francisco, y Forever King of Pop, un musical que rinde tributo a Michael Jackson.

Amparo Larrañaga y José Luis Gil encabezan el reparto de nueve intérpretes que intervienen enSer o no ser, una adaptación de la película homónima dirigida por Ernst Lubitsch en 1942, que ha realizado Julio Salvatierra y ha dirigido Álvaro Lavín.

Fiel al guión de un filme que se repite en las listas de las mejores comedias de la historia del cine, la obra juega con el teatro dentro del teatro, con un vestuario que evoca el glamour de las actrices de la época y un reconocido homenaje al cine de los años cuarenta, con la proyección de imágenes en el escenario. La comedia surge de la combinación de sátira antinazi, embrollo sentimental, tributo a las compañías teatrales y trama de espionaje.

La buena acogida del público está garantizada antes de la primera función, con la venta de más de 3.500 entradas ya antes de la primera función. El director del Euskalduna, Jon Ortuzar, se muestra exultante con "la satisfactoria respuesta del público" a su oferta teatral. ¿Afecta la crisis a la taquilla? "A pesar de la tremenda crisis la gente sigue respondiendo, porque ofrecemos un espectáculo de calidad a precios razonables", responde Ortuzar. "La gente necesita más que nunca pasarlo bien y divertirse".

Gil apunta hacia el valor del directo para enganchar al público: "Hasta día de hoy el teatro no se puede vender en el top manta".

La trama de la obra es conocida por la fama de la película: un grupo de actores ensaya una obra en la que ridiculizan a los nazis en la Polonia ocupada durante la Segunda Guerra Mundial. Un espía les comunica una información, que de ser conocida por los nazis, resultaría muy perjudicial para Polonia. En vista de ello, el grupo decide movilizarse para evitar que esa información caiga en manos de los alemanes. "La obra habla un tema muy duro en clave de humor", añade el actor. "Ese es uno de sus grandes aciertos".

Llevar al escenario una de las primeras versiones teatrales del filme que se han hecho en España ha requerido adaptar el lenguaje cinematográfico. "Hemos renunciado a ciertos recursos que ofrece el cine y aprovechando otros que te ofrece el teatro como la cercanía, la proximidad y la empatía con el público en los momentos vitales de la película", concluye el actor.

Fuente: M. A. Pérez de Vela (www.elpais.com)
Publicado por en No hay comentarios:

“Els cors de Sòfocles són poètics, però complexos i feixucs, de manera que hem fet una tragèdia més comprensible des del punt de vista de la narrativa, amb un llenguatge més nostre per tal de fer arribar el missatge. La forma és de conte”. Lluís Elías, director de la companyia gironina Ma Mare No Em Deixa a Èdip o la culpa la té el meu pare, és qui pronuncia aquestes frases que, d'entrada, podrien fer fugir els puristes de la inauguració, avui (19 h), al Teatre Municipal de Girona, de la desena edició del Festival de Teatre Amateur de Girona (Fitag). Elías explica que han reduït la durada de l'obra a 1 hora i 20 minuts, i que aquesta, de caire existencialista, reflexiona sobre conflictes com el determinisme o la memòria: “La peça ve a dir que ens coneixem molt poc a nosaltres mateixos –explica Elías–, que si remenem en el passat descobrirem qui som i qui érem, i també que ens pensem que som una cosa i resulta que en som una altra de ben diferent.”

Ma Mare No Em Deixa, que ja va presentar l'any passat al Fitag El bon malalt, és definida per Elías com una companyia que està en trànsit cap al món professional, formada per alumnes provinents del graduat en arts escèniques de l'escola El Galliner. En aquest espectacle hi col·laboren alumnes del curs de direcció d'El Galliner, que han fet les ajudanties, i també una desena de persones sense experiència remarcable, provinents d'un taller fet expressament. La dramatúrgia és de Lluís Elías i dels membres de la companyia, que són Cesc Sala (Èdip), Aïda Grifoll (Creont), Júlia Canals (Iocasta), Esther Reverter (Tirèsies) i Christina Bauer (criat i cors). La música, original de Joffre Huguet (guitarra), serà interpretada per ell mateix, en directe.

Un dels espectacles esperats amb interès en aquesta edició del Fitag és la coproducció feta amb els sevillans Porinercia Teatro, que l'any passat van presentar La comunión de las amapolas, escrit i dirigit per Baldo Ruiz, un espectacle d'una qualitat notable tant pel que fa al text com a les interpretacions. Porinercia també actuen avui (22 h, al pati de la Casa de Cultura), en què presentaran un nou text de Ruiz, que també el dirigeix, Menú, que tracta del gens agraït tema dels trastorns alimentaris, i que es va estrenar el maig passat a la Sala Fli de Sevilla. A Menú, l'acció se situa en un centre de teràpia, i les protagonistes són quatre noies que tenen trastorns alimentaris i la seva terapeuta. En aquest segon muntatge, la companyia sevillana torna als seus orígens i, si bé La comunión de las amapolas era un muntatge força més convencional, en aquest es barregen diversos llenguatges artístics, com ara l'audiovisual, la música i el moviment, per tal d'aconseguir una certa poètica en el tractament d'un tema tan dur com arriscat, perquè si hi ha una cosa que suporta poc aquesta temàtica és la sensibleria i la superficialitat. Porinercia comença la trajectòria el 2005 amb Retazos, un espectacle que barreja teatre i dansa; el 2006 va estrenar Ya había muerto cuando quise sentir, un espectacle de dansa contemporània i gest, mentre que va adquirir identitat com a grup el 2007, en què va estrenar el seu primer espectacle com a companyia, La comunión de las amapolas, un retrat de la societat andalusa, i en concret de la condició que hi tenien les dones l'any 1967.

La companyia andalusa està formada per un grup de llicenciats de l'Escola Superior d'Art Dramàtic de Sevilla i el repartiment de Menú el formen Carolina Montoya, Macarena Mendoza, Aida Santos, Myriam Huiertas i Verónica Morales. La música, original, és d'Alejandro Cruz.

Inicialment, Porinercia no havia de presentar Menú a Girona, però una baixa d'un dels grups programats ha estat coberta per aquests sevillans en la primera jornada del festival. Porinercia també portarà Menú als teatres de Llagostera (dijous), Palamós (divendres), Fornells (dissabte) i Hostalric (diumenge).


Font: Dani Chicano (www.elpunt.cat)

Una tragèdia per començar

by on 17:07
“Els cors de Sòfocles són poètics, però complexos i feixucs, de manera que hem fet una tragèdia més comprensible des del punt de vista de la...
Publicado por en No hay comentarios:


Si William Shakespeare levantara la cabeza y viera a su célebre Hamlet convertido en 'clown' con nariz de payaso y pelo morado, seguramente se preguntaría si es que su loco personaje se ha vuelto loco del todo.

Nada más lejos de la realidad: Hamlet sigue, al igual que hace cuatro siglos, paseándose entre la demencia y la lucidez y su excéntrico atuendo solo forma parte de una nueva versión de la obra, adaptada en clave de humor por la compañía Titania Producciones.

El Teatro Casa de Vacas del Retiro acoge esta versión libre del dramaturgo inglés, en la que se entremezclan humor, amor y música. También jotas aragonesas, porque la tierra tira y Titania, que nació a orillas del Ebro, quiere mostrar al mundo el folclore de Aragón: "Tendemos a verlo como un rollo, pero en el fondo lo folclórico tiene mucha fuerza dramática", afirma Rosa Sáez, autora del guión de Jamlet con jota.

La idea surgió a raíz de una actuación de 'paloteao', una danza zaragozana del siglo XVIII en la que se utilizan espadas, arcos y palos, y que sirvió de inspiración para crear una de las más famosas escenas de la obra: el asesinato de Polonio a manos de Hamlet.

El resto es historia, y nunca mejor dicho, aunque la ilimitada imaginación de la autora ha permitido recrearla de manera diferente: el castillo real de Dinamarca se ubica ahora en el reino de Aragonia; Jamlet sigue peleándose con Ofelia y con su madre; y el archiconocido monólogo de'ser o no ser' adquiere forma de jota aragonesa cuando el protagonista se pregunta qué es más noble al espíritu.

Jamlet con jota pudiera parecer la antítesis del clásico shakesperiano, una versión alejada de la original del año 1600. Sin embargo, y aunque algunos tengan sus dudas, "el personaje original era bastante transgresor e inconformista y recuerda al típico chico rebelde de hoy en día", dice Pepe India, que da vida al personaje principal.

Además, es sinónimo de tragedia, y aunque cuesta imaginar a sus personajes fuera de este ámbito, para Joshean Mauleón, director de la obra, el secreto es el toque 'clown': "Te permite sacar, hasta de personaje más trágico, ese payaso que todos llevamos dentro".

No es la primera vez que Titania se atreve a versionar clásicos de la literatura universal. Se confiesan 'especialistas' en adaptar obras del Bardo de Avon, y ya han cosechado grandes éxitos en festivales internacionales con Sueño de una noche de verano y Romeo y Julieta.

Hasta el 19 de septiembre presentarán Jamlet con jota en Madrid. A partir de entonces, se decantarán por los clásicos españoles y ya preparan una de nuestras representaciones más universales: Don Quijote de la Mancha.

Jamlet con jota. Hasta el 19 de septiembre en el Teatro Casa de Vacas del Retiro. De jueves a domingo a las 22 horas. Entradas 12 euros con consumición.


Fuente: Beatriz Clemente (www.elmundo.es)
Publicado por en No hay comentarios:

Su muerte estaba anunciada y un provocador nato como Christoph Schlingensief no podía dejarla fuera de su teatro vital: Aprender a morir y El estado de las cosas fue su traducción escénica y El cielo no puede ser más bello su elaboración literaria.
Tras dos años enfrentado al cáncer, ha fallecido finalmente a los 49 años el «grand enfant» terrible de las artes escénicas germanas, cineasta, dramaturgo, escenógrafo, un gran «sacudidor de conciencias», para el escenógrafo Frank Baumbauer; «un artista político» dice de él el director de la Berlinale, en cuyo jurado figuró el pasado año, en referencia a esa especie que Günter Grass da ya por perdida en su última entrevista, esta semana.
La también rebelde premio Nobel austríaca y buena amiga, Elfriede Jelinek, ha lamentado la pérdida de quien le ayudó a montar Bambiland, su demoledora crítica a Austria de postguerra. «Alguien así no podía morir», dice y califica como «uno de los mayores artistas que han vivido» al autor de Mea Culpa, del que el crítico Friedhelm Teicke dice que «nunca intentó separar la vida del arte».
Nacido en 1960 en Oberhausen, en el oeste de Alemania, estudió Filología, Filosofía e Historia del Arte en Múnich, antes de trabajar en equipos de rodaje y en sus primeros cortos. Su irrupción tiene lugar con su provocadora trilogía cinematográfica 100 años de Hitler (1988), Masacre alemana con sierra mecánica (1990) y Terror 2000 - Alemania en la UVI (1992), sobre el pasado alemán y el presente de la reunificación.
Toda el área de expresión germánica «pierde uno de los artistas más innovadores y multifacéticos», ha dicho el ministro federal de Cultura, alguien «que influyó decisivamente en el mundo del cine y del teatro alemán». El artista, que llegó a colar en 1997 en la Documenta de Kassel un cartel que rezaba Mata a Helmut Kohl, formó incluso su partido al año siguiente, bajo el nombre Oportunidad 2000. En 2003 debutó en teatro en la prestigiosa Volksbühne de Berlín y al año siguiente montó un Parsifal, con dirección de Pierre Boulez, en el festival wagneriano de Bayreuth, sobre el fondo de un campo de refugiados que fue el escándalo del verano.
Casado pero sin descendencia, considerado en breve una de las figuras clave de la nueva escena alemana había sido nombrado, no sin provocación dado su declive físico, responsable artístico del pabellón alemán en la Bienal de Venecia de 2011, y en la actualidad tenía un proyecto de teatro para el festival de la Trienal del Ruhr.
Siempre crítico pero también reconocido católico, Schlingensief había manifestado su esperanza de seguir liándola en el cielo, «yo sí que creo que vamos a parar a algún lugar», pues decía confiar que «nada de lo que hacemos se pierde para siempre». Como reconoce Baumbauer, ex director de los Kammerspiele de Múnich, «significó algo, fuese en Hamburgo, en Berlín, en Viena o en África: hizo cosas realmente grandiosas».
Fuente: Ramiro Villapadierna (www.abc.es)
Publicado por en No hay comentarios:


Se abre el telón y aparecen cinco destructores dispuestos a acabar con el mundo, anunciando, tal vez para salvarnos, que esa noche va a ser la última. Y para expresarlo recitan, cantan, bailan, tocan la guitarra, la trompeta y un sinfín de instrumentos más. Y, como ellos saben bien que a través de la carcajada sus 'dardos' en forma de mensaje se clavan más rápido en el cerebro, nos invitan a pasar los últimos momentos sin parar de reír.

¿Que quiénes son ellos? Estos cinco 'jinetes del Apocalipsis' se agrupan bajo el nombre de Ron Lalá, una formación teatral dirigida por Yayo Cáceres con la ayuda de Flor Saraví que presenta a partir del próximo jueves en el Teatro Alcázar 'Mundo y final', un espectáculo que les ha llevado a recorrer España, Argentina, Chile, Perú y República Dominicana, y que vuelve a Madrid para darle "la temporada larga y exitosa que se merece, mostrar el trabajo en el mejor momento en que está y reventar el teatro", prevé Álvaro Tato, uno de los integrantes del grupo. Junto a él están Íñigo Echevarría, Juan Cañas, Miguel ‘Perilla de la Villa’ y Daniel ‘Boli’.

Durante estos días de promoción en sus camisetas vuela un limón alado (o un pajarillo con cuerpo de limón), su insignia, que recuerda que ellos no son nuevos en esto. Comenzaron en 1996, y en estos 14 años han presentado trabajos como 'Si dentro de un limón metes un gorrión el limón vuela' (de ahí su símbolo) o 'Mi misterio del interior', espectáculos diferentes pero con un común denominador: la risa.

"Hacemos algo diferente, da la sensación de que todo va a un mismo sitio y nosotros no vamos en esa dirección, sino en una propia", explica 'Perilla'. "Todo nos parece risible, empezando por cada uno de nosotros. Y ahí está la clave de todo, no ponerse límites", apunta. Y tanto se ríen de ellos mismos, que hasta cuentan que han hecho una porra para ver cuál de ellos iba a morir primero. 'Con el sueldo que no se cobra ese mes nos vamos a ir de marcha', bromea Yayo Cáceres.

Para dar la puntilla a La Tierra, Ron Lalá hablará "de todos los factores que están contribuyendo a esa destrucción: desde la política a la sociedad, pasando por las relaciones humanas", cuenta Tato, para lo cual se sirven de un original simbolismo: "Para la destrucción del medio ambiente utilizamos un comando de cactus terroristas que abogan por la desertización del planeta y el subdesarrollo insostenible", lo que supone una crítica a "este mundo que siempre parece que eclosiona y nunca acaba de eclosionar".

"Poder arrastrar a la gente joven a que viva la magia del teatro desde una clave generacional suya da muchísimo gusto", explica Tato, "Somos alguien del presente que habla del presente, y si eso puede servir de gancho para que alguien pueda disfrutar de Shakespeare después, nuestro trabajo habrá merecido la pena".

Algo que diferencia a esta compañía es su versatilidad. Son capaces tanto de hacerle una copla al pobre Plutón que ha dejado de ser un planeta hasta vestirse de época en un 'sketch' donde imaginan un ordenador en el lenguaje del castellano antiguo. Pero lo que mejor se les da hacer, según Juan Cañas, otro de los miembros del grupo, es "el gamberro. Nos reímos de todo, y todo lo demás, la actuación, la música, cantar y escribir son tapaderas. Lo más valioso es el espíritu de equipo y cómo intentamos hacer algo original", cuenta Cañas.

En el 'sketch' del ordenador personal Ron Lalá se las ingenia para hacer un delirante juego de palabras en lo que supone "un buen ejemplo de cómo funciona nuestra creación", explica Cañas, "Por un lado nos vuelve locos la música. Luego a Álvaro le pierden las palabras, y de las obsesiones de cada uno surgen los gérmenes de los números. En cada 'sketch' exprimimos todo lo que se nos ocurre", finaliza.

El balance de tanto tiempo sobre el escenario es más que positivo para la compañía. "Lo mejor es que estamos aquí después de muchos años de trabajar y aunque lo más duro es mantenerse, lo seguiremos consiguiendo", apunta Íñigo, a lo que el director suscribe, "Si dentro de 50 años perdura algún gag o algún guiño que se diga: 'Esto es Ron Lalá', con eso ya habremos cumplido".

Y aunque aún les quedan muchas cosas por hacer, como "actuar en Machu Picchu, una zarzuela rock con el pelo rosa o retransmitir las campanadas", bromea Daniel 'Boli', hay que verles primero poner a este mundo su particular 'punto y final'. Y con él se cierra el telón. Al menos, hasta la noche siguiente.

Fuente: Adrián Martín (www.elmundo.es)
Publicado por en No hay comentarios: