TEXT                                             INTÈRPRET
Noemí Carrasco                          Damià Piensa
Marc Guevara                              Marta Bayarri
Marta Solé                                    Vanessa Segura
Nan Vidal                                      Joan Sureda
Alberto Ramos                             Mireia Gubianas
Niclas Johansen                           Carles Algué
Joan Yago                                     Annabel Castan
Jumon Erra                                   Pep Ambròs

DIRECCIÓ: NEIL LABUTE
AJUDANT DE DIRECCIÓ: JESSIE MILLS
DURADA: 40min
PORTA4 (Divendres, 23h)

Què feu encara asseguts llegint això? Ah, que no és divendres i no podeu anar a gaudir dels monòlegs de DESIGJAM. Quaranta minuts, 8 monòlegs, 5€, millor pla impossible. Tots els dirigits i supervisats pel dramaturg i guionista nord-americà Neil Labute. 

Vuit actors amb força experiència dramàtica, 8 dramaturgs que escriuen monòlegs curts, tan sols 5 minuts per actor i la imaginació d'actors i públic fa la a resta. Tots els tracten de la recerca del jo, dels desitjos per complir. Uns són més clàssics, d'altres innoven. Per destacar dos, em quedo amb el monòleg i la interpretació de Marc Guevara i Marta Bayarri, tot una lluita existencial d'una vaca. Però sense dubte, per mi, el més imaginatiu és el que amaga el colze de l'Alberto Ramos interpretat per la Mireia Gubianas.

Bon textos, bons actors, bé dirigits, bé interpretats. De moment el podeu veure a la Porta 4 els divendres a les 23h fins al 23 de desembre. Vale, tothom ja ha reservat la seva entrada?

DESIGJAM

by on 17:01
TEXT                                             INTÈRPRET Noemí Carrasco                          Damià Piensa Marc Guevara        ...
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Font: Xavi Serra (ara.cat)
Pau Miró torna al Temporada Alta. Un any després de presentar-hi amb èxit Els jugadors, que després va fer temporada al Teatre Lliure, el dramaturg barceloní estrena aquesta nit al festival gironí un muntatge més modest que aquell, Un refugi indie. "Tenia ganes de fer una cosa més arriscada, més independent i fins i tot amb menys recursos", explica Miró, que es va plantejar el projecte com "un retorn als orígens". És a dir, a la Sala Beckett, on es podrà veure l'obra a partir del 12 de desembre.
Toni Casares, director de la sala, va apostar pel projecte "a cegues". No només perquè Miró té una trajectòria molt pròxima a la Beckett i a l'Obrador, sinó per la possibilitat de veure l'autor treballant amb un grup d'actors joves i parlant d'una generació que Miró considera que "s'ha quedat sense aixopluc ni horitzó". Una generació perduda, en definitiva, que, segons ell, "busca un lloc per construir un futur" i, com que no el troba, "se l'ha d'inventar".
El Germà, el Músic i el Guapo
Per tirar endavant aquest projecte Miró s'ha envoltat d'un grup d'actors joves i més aviat desconeguts, "un risc" que li venia "molt de gust". Ells són el Germà (Isaac Alcayde), el Músic (Joan Solé), la Cambrera (Andrea Trepat), el Guapo (Peter Vives), l'Estudiant (Marta Ossó) i el Fugitiu (Jordi Llovet). Sis personatges de vint-i-pocs que miren de sobreviure en un món de solitud i butxaques escurades. S'enamoren entre ells, es creuen en una festa i al final es traeixen. "Van amb el pas canviat -diu Miró-. Porten roba de marca i tenen iPads i iPhones, però veuen la marginalitat molt a prop. La seva vida és dura i per sobreviure han de fer una mica de tot". L'autor juga amb aquesta precarietat des del títol, que al·ludeix tant a "una metafòrica reserva índia on poder fer un reset" com a la música independent, present d'una manera o d'una altra a l'espectacle.
És sabut que els textos de Miró no estan acabats fins que no els treballa en escena amb els actors; però el procés no està exempt de sorpreses. "Jo pensava que l'obra sortiria més trista, però treballar amb ells m'ha fet veure que tot i que ho tenen fotut, se'n sortiran", raona. És per això que Un refugi indie "destil·la un bri d'optimisme, una escletxa d'esperança dipositada en les generacions que vénen", diu Miró.
De trilogia en trilogia
El dramaturg no considera l'entreteniment pur i dur com una opció. "Ja vaig fer un Paco Morán i en vaig tenir prou", etziba. Ara diu que té ganes de "marxa", de "córrer riscos". Un refugi indie serà la segona part de la trilogia que va iniciar Els jugadors, i de la qual ja té pensada una tercera part que estarà protagonitzada per "un grup de dones que s'aproximen als 50 anys". Després de la trilogia de Búfals, Lleons i Girafes, es perfila ja una nova tripleta d'obres en què els diners són més que un fil conductor. "Les trilogies són per endreçar millor els temes, no per màrqueting", es defensa ell. Dels personatges madurs d' Els jugadors ha passat als joves d' Un refugi indie, però una idea no canvia: "la bossa de diners, que no para d'omplir-se i buidar-se", diu.
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Font: Jordi Bordes (elpuntavui.cat)
És un còmic incòmode. Tant a Barcelona com a Madrid. Perquè diu el que pensa sense preocupar-se de com afecta el que l'escolta. Ell és amic de l'humor d'acupuntura, “de punxar sense fer sang a diferència de fer la cirurgia” com el seu company Pedro Ruiz. El centre de la seva diana és el poder. Per això apunta cap als polítics, tot i que cada cop siguin menys poderosos. Aplaudeix el carisma de Fraga, Tarradellas o Carrillo, amb qui havien rigut. Diu que els polítics d'ara són molt grisos, no tenen punta. Només fins diumenge actua a l'Arenas Festival amb el seu espectacle Golfus hispánicus.
No tolera els polítics. Ha provat mai d'exercir de polític?
Hi ha amics que ho han provat i, al cap d'un any, n'han sortit fastiguejats. No els deixen fer res.A mi em van proposar liderar un partit polític. Es tractava d'atraure vots dels inconformistes fent mítings còmics. Els vaig dir que no. Havia lluitat molt perquè arribés la democràcia per denigrar-la així. A més, al Congrés jo no podria callar. No valc per a això.
A la política d'ara li falta...
El carisma de Guerra, Tarradellas, Carrillo o Fraga. Els mítings d'ara són per aclamar els polítics. Ells sempre volen sortir a la foto. S'enutgen si vénen a una funció i no els anomeno. No els interessa el teatre perquè com que es fa fosc no se'ls veu. Al futbol, sí, que pugen a tribuna a la vista de tothom. Potser haurem deposar-los a primera fila al teatre i il·luminar-la!
Vostè fa cultura o entreteniment. Ho dic per allò de l'IVA...
El futbol té un IVA més petit. No els interessa que les masses es queixin. Al teatre és diferent. Per culpa de l'IVA, l'assistència a Barcelona ha baixat molt. En l'època socialista tot era abaixar preus per fer la cultura pròxima. Ara s'han acabat les subvencions i els que pagaven cinc per veure'ns no estan disposats a pagar-ne 30.
A vostè també li va tocar viure els semàfors verds i vermells de la censura?
Jo vaig començar com a cantautor. Cantava a la universitat valenciana en gallec i, com que vaig tenir èxit, després vaig anar saltant pels locals. Entre cançó i cançó feia algun comentari i, de mica en mica, van anar guanyant espai els comentaris.
El mateix procés que l'Eugenio.
Sí, ara, jo tirava més de cabaret amb aquelles jaquetes llampants i amb grans fermalls.
Ara es pot fer sorna de la monarquia molt més fàcilment que en la Transició, no?
Ara hi ha més censura que amb Franco, però camuflat sota la paraula democràcia.
No dirà, ara, que amb Franco es vivia millor...
Per a res. Qualsevol que em digui franquista és que no em coneix. Jo em queixo dels còmics que se'ls veu quin és el seu carnet polític.
A Barcelona, va començar a Don Chufo.
Era el local més pijo de Barcelona. Va ser el 1978. Jo vaig aconseguir que els de la Bonanova baixessin al Paral·lel. Sorprenia veure aquells cotxes llampants en aquells carrers. Recordava l'època daurada del Paral·lel, en què els homes hi anaven després de passar pel Liceu. Als anys setanta, Barcelona era la porta d'Europa. És on es van fer els primers musicals. On són els escriptors de llavors? La discoteca 2001 va concedir tres premis el 1980. Tricicle, pel millor mim; Cubana, pels millors espectacles de carrer, i jo, pel millor número de cabaret. Després va venir allò de l'idioma. Tot el que acaba amb -isme m'atabala perquè veig que em volen imposar alguna cosa. Jo he recorregut tot Catalunya i conec tota la gent. Quan actuo aquí també hi incloc el català, però a TV3 un dia em van dir que no podia participar en una sèrie perquè no parlava bé el català.
A Golfus hispánicus fa un repàs d'història. És divertida aquesta matèria?
Depèn de com l'expliquis. Es tracta de desmitificar la història. Les comunitats autònomes d'avui coincideixen amb els regnes del segle XII. Jo tinc un públic propi després de 41 anys treballant que sap que em fico amb tothom.
Per parlar de Catalunya, la seva referència és Intereconomía?
També miro TV3. La realitat me l'explica el taxista, la gent del carrer. Encara que sembli que jo hagi fet molta tele, en realitat vaig anar a dos programes de l'1, 2, 3 i sis del de Raffaella Carrà. Fa poc vaig anar, precisament, a Intereconomía i em vaig queixar d'un convidat que es ficava amb els homosexuals. No surto gaire a la televisió perquè temen el meu directe. Dic les coses clares.
Fa comèdia social.
Sóc dels que pensen que tots els còmics, com ara Groucho Marx, Gila, Chaplin o Cantinflas, som filòsofs frustrats. Tots tenim un discurs de moralina: critiquem el poder però també hi incorporem una certa tendresa. Els còmics posem un mirall pla al davant de l'espectador, no és còncau ni convex. És la realitat mateixa. S'equivoquen els que pensen que la gràcia és l'insult. Jo no insulto.
Però sí que diu moltes paraulotes. Com Rubianes.
Això ho tenim els del nord. En Rubianes també era un artista molt coherent que feia humor en contra de. I de les paraulotes, jo parlo com es pensa. Quan un es dóna un cop de martell al dit no diu cáspita, precisament. Els còmics d'ara som el Pepito Grillo, seguim la tradició del bufó de la Cort: diu la veritat a
la cara amb enginy. M'agrada l'acupuntura: punxar al lloc
exacte i no fer sang.
Quin és el seu públic?
És de la meva generació. Ara, quan vénen joves surten sorpresos del que deia aquest avi!
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Fuente: José Manuel Gamboa (elpais.com)
Israel Galván de los Reyes (Sevilla, 1973), hijo de los bailaores José Galván y Eugenia de los Reyes, fue un niño que prodigioso bailaba, sí o sí. Desde pequeño hubo de vérselas con la farándula, bien en el escenario bien esperando a que sus padres terminaran la danza de cada noche para volverse acompañado. Como diría Gomaespuma, la verdad es que al chaval no le daban ganas de tener ganas, estaba por otras ilusiones. Pero ya metido en cimbreos flamencos no hay forma de escapar al veneno inoculado. De aquello nos hablaría en su primer vuelo libre, Los zapatos rojos o el bailar sin querer queriendo. Pero regresemos a la ortodoxia de su instrucción antes de desvelar el proceso, nada kafkiano.
El niño se hizo adolescente, entró a formar parte de la escudería Mario Maya, padre del baile masculino actual, siendo primer bailarín en la ceremonia de inauguración del Mundial de Esquí de Sierra Nevada de 1996, cuando, por cierto, se descubrió el esplendor de Estrella Morente. Siguiendo los usos, Galván comparece en los principales certámenes, y obtendrá primeros premios en el Nacional de Córdoba de 1995 y 1996, en La Unión y el Concurso de Jóvenes Intérpretes de la Bienal de Sevilla. Bailó aquí con tal competencia, que no encontró ídem. Se fue más atrás en el tiempo y clavó, por ejemplo, los pasos de Antonio el Bailarín, un referente de Maya. Y aquí comienza a gestarse el nuevo artista, el Israel Galván de todos conocido que revolucionó nuestra escena acudiendo al pasado color sepia. Israel ganó el premio en Sevilla y delegó para la recogida. En ese instante se encontraba indispuesto… Cualquiera en su caso se perdería por una ovación. Galván es de otra pasta.
Estas dos premisas nos anticipan lo que, amén de trabajador inagotable, va a ser Israel: el más moderno siendo en verdad el más antiguo, y el artista imprevisible. Aún no había descubierto las cartas. Su baile, de primera, se mantenía conforme a los cánones. Aquella Bienal de 1996, participó en Por aquí te quiero ver, del inefable bailaor y flamenco poliédrico Manuel Soler, cuya asistencia sería crucial en la vuelta de tuerca que preparaba.
De gira artística con Maya, Galván le vino a confesar a la directora de teatro Pepa Gamboa, superando una timidez casi enfermiza, sus iconoclastas anhelos. Y, ¿para qué queremos más? “¡Vamos!”. Se puso manos a la obra, con la dirección escénica de Gamboa, la artística de Pedro G. Romero, que hasta hoy le acompaña, y la complicidad preceptora de Manuel Soler, quien, representando la sabiduría jonda mostraba un criterio avanzado y coherente, resultó el acicate magistral que necesitaba Israel para resolver. Cuando las dudas acudían, Soler alentaba: “Israel, este es de los pocos espectáculos inteligentes que yo me voy a dar el gusto de hacer, y tú también. No se puede estar con los purismos. Si no hubiera avanzado la ciencia, yo hubiera muerto del corazón hace un montón de años”. En 1998 emergieron Los zapatos rojos, y las representaciones flamencas cambiaron para siempre. Haciendo de lo aprendido tabula rasa —título de su espectáculo de 2006—, construye un propio concepto y lo muestra magníficamente presentado.
Primero lo aplaudió Sevilla y, después, un sector intentó cargárselo, pero ya era tarde porque lo habían descubierto Francia y el mundo. Decimos el mundo y descontamos España, siempre tan singular y perra para consigo. Observen: el mismísimo Georges Didi-Huberman, historiador del arte, filósofo de chipé, tocaor en la intimidad, aplicó su aguda mirada al arte de Galván, conformando el ensayo El bailaor de soledades y curiosamente una editorial madrileña rechazó su pronta traducción por llevar peligroso contenido: flamenco. La sagacidad del filósofo adelanta el futuro. Galván, el bailaor de soledades, pronto estará ante el público danzando Solo (2010), en la única compaña del compás, la armonía y la melodía de su mente.
El hiperactivo-concentrado, nuestro rebelde sin pausa, es rebelde con causa; deconstruye la estructura del baile flamenco para recomponerlo según un propio esquema ad hoc a cada fase creativa. Pepa Gamboa recalca: “Todas las ideas salen de él. Cuando hicimos amistad empezó a preguntarme por el cine, que le gustaba muchísimo. En un año era yo la que le tenía que preguntar. Le fascina Bergman, Pasolini… Lo sabe todo. Recuerdo que me llamó una noche a la una; que si se había comprado esa tarde en el Vips un libro que se baila; que lo había leído cinco veces, y que se baila; que es increíble, genial: que se llama La metamorfosis y es de un tal Kafka, me cuenta. Nosotros llegamos ahí porque nos lo han enseñado, pero él lo descubre. Se me saltaron las lágrimas”. Obra a la vista.
Con la inspiración musical de Ligeti personificó en La metamorfosis (2000) al señor Samsa hasta morir de pie, desvanecerse hubiese sido una vulgaridad. Suma y sigue. Modélico nos resultará aquel inagotable sortilegio de infinitos marcajes, de llamadas sin parangón en ‘La farruca del día 11’, de Galvánicas (2002), con la inconmensurable guitarra de Gerardo Núñez. Refiere Pedro G. Romero: “La pieza sufrió en su discurrir envites como los acontecimientos del 11 de septiembre, la visita de Israel Galván a Nueva York, el significado apocalíptico del suceso…”. Y alcanzaremos a contemplar El final de este estado de cosas (2007), sobre el Apocalipsis, que ha de resultarnos el más elevado, impactante, emocional y soberbio espectáculo flamenco de un bailaor jamás contemplado. Un hito previo estableció Arena (2004), entre el lorquiano Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías y el concepto de Walter Benjamin: “Todo documento de cultura lo es a la vez de barbarie”. Derivaría en la concesión a Galván del Premio Nacional de Danza a la creación 2005.
Enorme repercusión alcanza La edad de oro (2005), donde logra encarnar las falsetas de una guitarra y deja de espontánea propina el trastoque de papeles, con él de cantaor, el llorado Fernando Terremoto al toque y Alfredo Lagos bailando por Galván. Su versión deportiva aparece en el ciclo La lucha libre vuelve al Price (2010), cuando, teniendo por árbitro al ingenioso hidalgo José Luis Ortiz Nuevo, lumbrera de nuestra cultura, junto a la sorprendente guitarra de Emilio Caracafé, pura fibra, regaló un memorable combate de boxeo flamenco. Por una chispa se le escapó de púgil contrincante Enrique Morente, que se mostró dispuesto a entrenar; pero el hombre dispone… Ese año 2010 revivió a Vicente Escudero en una excepcional y única representación de ¿La guerra ha terminado?, en el Museo Reina Sofíadonde intervinieron además Rocío Molina, Proyecto Lorca, David y Alfredo Lagos, amén de la joven hermana, Pastora Galván, para quien, con G. Romero, había elaborado La francesa (2006), que constituiría otra revelación, colocando a Pastora entre lo más sugestivo del escalafón. En 2011 fue el agárrense que viene La Curva, con un piano soberbio —Sylvie Courvoisier—, una voz atonal —Inés Bacán—, el apoyo acompasado de Bobote, y Vicente Escudero en el sentido. Queda mucho y va faltando espacio.
La heterodoxia de Galván radica en la decantación de los rasgos más arcaicos, perdidos, del baile flamenco, por lo que no cabe ser más puro, si cabe el término. Sí es, desde luego, vanguardia absoluta. Su particular forma de actuar nada tiene de pose; funciona a golpe de genio, y como estos le vienen de seguido, nada de lo hecho hace un minuto puede que le valga ahora. Y hete aquí, tras el bloqueo, reiniciando el equipo, el equipo completo. Los genios son así. Sabe rodearse, pero la obra de Israel Galván lleva firma legible; rara avis este flamenco que actúa motu proprio.
El influjo mal digerido de Galván ha conseguido hacer normal lo que disparate es. Los espectadores asienten, dando por comprendido lo incomprensible o insensato, confundiendo churros con marinos (sic); lo que se cree galvánico se ha convertido en el mainstream. Por contra, la obra de Galván tiene pies —magníficos—, cabeza —bien amueblada— y sentimientos profundos que expresar; Israel Galván tiene sentido, pleno sentido flamenco.
Vicente Escudero, celebrado en el planeta como el mejor de los bailarines, en España se ninguneó con la indolencia esperada. A su epígono inesperado al menos le abren nuestro Real, a Lo Real galvánico.

Rebelde sin pausa

by on 16:39
Fuente: José Manuel Gamboa (elpais.com) Israel Galván de los Reyes  (Sevilla, 1973), hijo de los bailaores José Galván y Eugenia de l...
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Fuente: EFE vía abc.es
El Teatro Olympia de Valencia abrirá el próximo 14 de diciembre la gira española 2012-2013 del musical Shrek, de la productora Theatre Properties, basado en la oscarizada película de DreamWorks, tras el éxito de su estreno en Madrid y después de su periplo por Latinoamérica.
Se trata de un espectáculo familiar, de gran formato, con "un nivel artístico y de producción importante", ha manifestado hoy el director artístico del espectáculo, Tomás Padilla, durante la presentación del musical en rueda de prensa.
Sobre el escenario actuará una veintena de artistas, entre actores y bailarines, que forman parte del cuerpo de baile dirigido por el coreógrafo Lamberto García, que obtuvo en 2011 el premio Broadway World Spain a la mejor coreografía por su trabajo en este montaje.
La escenografía ha sido diseñada por Tomás Padilla, con la supervisión de Miguel Massip, y presenta más de 25 decorados para las 18 escenas que componen el espectáculo.
El montaje es "complejo" técnicamente, según el director artístico, con elementos fabricados artesanalmente como el personaje de la "dragona", uno de los más espectaculares y movido por cinco personas, que será adaptado por sus grandes dimensiones al escenario, de menor tamaño, de la sala valenciana.

Tres horas de preparación

Junto a Padilla han comparecido en la rueda de prensa dos de los actores principales del musical, Silvia Villaú, en el personaje de la princesa Fiona, y el actor valenciano Luis Amando, que representa a Lord Farquaad y suple en algunas funciones al actor Enrique Sequero en su papel de Shrek.
Para Amando uno de los aspectos más "complicados" de sus personajes es el maquillaje y vestuario para su caracterización de Shrek, para el que necesita tres horas de preparación y "controlar la energía" sobre el escenario por el calor que desprende.
La máscara, realizada en espuma de látex y que permite una gestualidad natural, con la que se recrea al personaje del ogro ha sido realizada por Antonio Naranjo y Pablo Perona, que han trabajado en películas como El laberinto del Fauno o La piel que habito.

Voces en directo

Todas las voces son en directo y todas las canciones, adaptadas al libreto original, "dicen algo o avanzan algún aspecto de la historia", ha señalado Silvia Villaú.
El musical combina coreografías de claqué, jazz moderno y toques de funky, y el vestuario, inspirado en la película original, ha sido diseñado por Isabel Lahera con experiencia en producciones teatrales como "Don Gil de Alcalá", "La chulapona" y "Don Giovanni".
La venta de entradas para asistir a Shrek, El Musical, que estará en cartel en la sala valenciana hasta el 6 de enero, ya se ha abierto, y hay descuentos del 20 % para grupos y packs familiares de 4 personas o más, del 30 % para grupos de escolares, y del 50 % para menores de 4 años.
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Fuente: J.B. (abc.es)

El dramaturgo José Ramón Fernández, premio Nacional de Literatura Dramática en 2011, estrenará el domingo (Día Internacional de las Personas con Discapacidad), en el Auditorio Padre Soler de la Universidad Carlos III de Leganés, su obra Mi piedra Rosetta. La interpreta la compañía Palmyra Teatro, constituida por algunos actores con dificultades motrices y sensoriales. Cuenta con dirección de David Ojeda, coreografía de Patricia Ruz y música original de Carlos Ramos, e integran el reparto Jesús Barranco, Patricia Ruz, Tomi Ojeda y Christian Gordo.

Palmyra Teatro propuso al dramaturgo hace dos años que escribiera una obra inspirándose en los actores Jesús Barranco, Patricia Ruz, Tomi Ojeda y Christian Gordo, más un violonchelista (Iris Jugo). "Por supuesto -dice-, decidí que jugasen sus característicasespeciales como intérpretes: Patricia es coreógrafa; Tomi se mueve en una silla de ruedas; Christian es sordo. Y los tres son bailarines. En España, en muchos aspectos, las personas con una dificultad motriz o sensorial no existen, no son visibles. Mi obligación como dramaturgo es mirar eso y hacer que otros miren eso". Los personajes comparten con los actores la misma discapacidad.
También la representación será especial por otro motivo. Con esta obra, la compañía inicia un proyecto social y escénico para atender "a la diversidad de capacidades tanto desde la creación como en la recepción de sus montajes escénicos". "De esta manera -explican- las funciones de Mi piedra Rosetta cuentan con todas las herramientas de accesibilidad para que personas ciegas y sordas puedan disfrutar de la poética de José Ramón Fernández y del colectivo, algo que continúa siendo un reto novedoso en la escena de nuestro país".

Herramientas

"Veo en la televisión a Wolfgang Schäuble, ministro alemán de Finanzas, hablando en el Bundestag -señala el autor-. Me doy cuenta de que el señor Schäuble no podría hablar desde la tribuna del Congreso de los Diputados de mi país, porque el señor Schäuble se mueve con una silla de ruedas. No se puede acceder a la tribuna que representa la voz de mi pueblo si se camina en silla de ruedas. Es una anécdota, pero es algo más".
Cuenta la compañía que en la función estarán disponibles varias herramientas, como el bucle magnético (para personas con audífonos) y el subtitulado y audiodescripción (mediante herramienta UC3MTtitling, desarrollada por la Universidad Carlos III). Además, una hora antes del espectáculo, se realizará en el escenario una visita guiada para favorecer a las personas con discapacidad visual una mayor integración en la obra.

Teatro accesible

by on 16:28
Fuente: J.B. (abc.es) El dramaturgo José Ramón Fernández, premio Nacional de Literatura Dramática en 2011, estrenará el domingo (Día...
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