Butaques i somnis

CREACIÓN e INTERPRETACIÓN: GROUPE ACROBATIQUE DE TANGER (NAJWA AARRAS, MOHAMED TAKEL, AMAL HAMMICH, MOHAMMED HAMMICH, MUSTAPHA AÏT OUARAKMANE, ADEL CHÂABAN, MOHAMMED ACHRAF CHÂABAN, MHAND HAMDAN, ABDELAZIZ EL HADDAD, SAMIR LÂAROUSSI, YOUNES YEMLAHI, OUAHIB HAMMICH, HAMZA NACERI y HAMMAD BENJKIRI)

COLABORACIONES ARTÍSTICAS y ACROBÁTICAS: ABDELIAZIDE SENHADJI, AIRELLE CAEN y NORDINE ALLAL

COLABORACIÓN EN ACROBACIAS MARROQUINAS: MOHAMMED HAMMICH (PADRE)

COMPOSICIÓN MUSICAL: XAVIER COLLET

DURACIÓN: 60min

FOTO: RICHARD HAUGHTON

PRODUCCIÓN: ASOCIACIÓN HALKA (PARÍS) y SCÈNES DU MAROC (TANGER-MAROC)

AMFITEATRE GREC (GREC 2017)

No hay edición del Festival Grec que se precie sin una sesión de circo en el Anfiteatro. Preparados para saltos y acrobacias de todo tipo, la sorpresa es mayúscula con la inmersión acelerada en la cultura árabe. No sólo de circo vive el hombre, el Groupe Acrobatique de Tanger despliega música, teatro de gesto, circo y danza en menos de una hora, y evidentemente se mete al público en el bolsillo sin mediar una palabra.

Humor, mucho humor con el que está regado todas sus intervenciones, hacen magia de lo imposible, qué persona ‘normal’ es capaz de sostener seis hombres, “ni seis niños” escuché a uno decir al salida. Acostumbrados a ensayar en la arena, en el Anfiteatro les esperaba linoleo, pero no es problema, porque pronto lo adecuan a su lugar natural, en una escena preciosa.

Suma de culturas, como el momento de taconeo, acompañado por una música árabe. Dos mujeres entre tanto hombre. A veces como directoras de escena, otras, la mayoría, con un papel secundario. En las grandes acrobacias los protagonistas son ellos, quizás no puedan aguantar el peso de seis hombres, pero se echa en falta un poco más de protagonismo femenino, para no acabar cayendo en el tópico una vez más que la cultura árabe menosprecia a las mujeres.

Para el tramo final se reservan las acrobacias más espectaculares, como los castillos humanos que parecen imposibles, los saltos que hacen pensar con qué material estarán fabricados estos seres. Falta eso sí, en algunas actuaciones un movimiento más orgánico, no dejar al espectador ver la antesala del número, esa preparación de manos previa que te hace presagiar qué puede ocurrir de inmediato.

Si algo nos ha enseñado el Groupe Acrobatique de Tanger con Halka es a apreciar la cultura, que en la mayoría de ocasiones, como en este caso no es pura sino que es la suma de aquellos que han ido dejando su huella. Qué grande es el mundo, señores!

HALKA

by Elisa Díez on 13:45

CREACIÓN e INTERPRETACIÓN: GROUPE ACROBATIQUE DE TANGER (NAJWA AARRAS, MOHAMED TAKEL, AMAL HAMMICH, MOHAMMED HAMMICH, MUSTAPHA AÏT O...

IDEA ORIGINAL y DIRECCIÓN: MIQUEL G. FONT

DRAMATURGIA: MARC CHORNET

COREOGRAFÍA y COMPOSICIÓN MUSICAL: MIGUEL G. FONT

INTÉRPRETES: GEORGINA AVILÉS SARRIAS, EMMANUEL DOBBY, MAYA GÓMEZ, JUSTYNA KALBARCZYK, JORI KERREMANS, NIMROD POLES, TIMEN STEMERDING y LAIA VANCELLS PI

ACTOR INVITADO: JAUME MADAULA

INTERPRETACIÓN MUSICAL: COR CIUTAT DE MATARÓ

DURACIÓN: 80min

FOTO: ALFRED MAUVE

PRODUCCIÓN: GREC 2017 FESTIVAL DE BARCELONA y HABEMUS CORPUS

MERCAT DE LES FLORS (MAC, GREC 2017)

Ocho personajes acaban de morir, se encuentran en el limbo con la incertidumbre de seguir el camino que les marca la muerte o dar vuelta atrás. Basada en hechos reales, según afirma su creador Miquel G. Font, la pieza es una mezcla de lenguajes, movimiento, danza, música y audiovisual.

Contando con la dramaturgia de Marc Chornet, era de esperar que ésta estuviera mejor estructurada que la que encontramos. Cuatro partes bien diferenciadas: el inicio con un corto que nos explica como han llegado hasta allí, el despertar del sueño, el descubrimiento de su nueva realidad y la transición o no hacia la nueva realidad.

El espectáculo tiene un gran problema, aún partiendo de una buena idea, la ejecución del tiempo lastra cualquier posibilidad de disfrute. Tanto las escenas de descubrimiento de la nueva realidad como la de transición hacia ella están excesivamente alargadas. Movimientos repetitivos, una repetición extenuante que se traslada también al espacio sonoro. La música acompaña a la perfección a todo este conjunto de repeticiones sin fin y lo que al principio resulta hasta molesto después se convierte en un elemento más, que si no te fijas ni lo escuchas.

Con algunos momentos de danza en su sentido más clásico, Aire se centra sobre todo en el movimiento orgánico de los cuerpos de los protagonistas. Y quizás hubiera sido la parte que resultara más interesante de todo el montaje, pero es ahí donde reside el cúmulo de repeticiones. Sin duda la parte coreografiada de todos los personajes al unísono saca al espectador del ensimismamiento y le mete por un instante de nuevo en la pieza.

En la parte final destaca la incorporación del Coro Ciutat de Mataró que cierra la pieza de forma impactante a modo de requiem. Quizás los minutos finales, una vez acabada la dura y pesada cuenta atrás (cronometrada) sea lo más interesante de la obra, aunque por sí sola no sea suficiente para salvar el espectáculo del abismo.

AIRE

by Elisa Díez on 12:10

I DEA ORIGINAL y DIRECCIÓN: MIQUEL G. FONT DRAMATURGIA: MARC CHORNET COREOGRAFÍA y COMPOSICIÓN MUSICAL: MIGUEL G. FONT INTÉRPR...

AUTORIA: JORDI GALCERÁN

DIRECCIÓN: SERGI BELBEL

INTERPRETACIÓN: DAVID BAGÉS y MIMA RIERA

DURACIÓN: 105min

FOTOGRAFIA: IVAN MORENO

PRODUCCIÓN: BITÒ

LA VILLARROEL (GREC 2017)

Hace más o menos una década cuando el boom de la dramaturgia catalana estalló (más de diez años después de que se escribiera Paraules Encadenades) preguntándole a sus protagonista por si escribían sus textos con el afán de que perduraran, la respuesta general era un ‘no’ rotundo. Eran textos para el consumo de hoy, actual, que si cuando pasen veinte años alguien los sacaba del cajón, quizás no entendería nada.

En mayor o menor medida es lo que le pasa a Paraules Encadenades, veintitrés años después hay muchas cosas que chirrían en nuestros oídos, y si eres mujer más. Mientras veía la obra me preguntaba qué sentido tenía haberla recuperado del fondo del cajón, si no hay textos en el mundo para recuperar, de autores catalanes o extranjeros, y no fui capaz de darme respuesta.

Quizás a mediados de los noventa, cuando fue escrito y estrenado, el discurso machista, misógino y homófobo que desprende el texto no se concibiera como tal, y los oídos de los espectadores de entonces no estuvieran acostumbrados a escuchar las ‘lindezas’ que salen por boca de los protagonistas, sin excepción de género. Pero en el 2017 produce cuanto menos un sentimiento de repulsa y asco.

Lo que sí ha perdurado en el tiempo es el dibujo de la personalidad del psicópata, los libros no engañan y Jordi Galceran siguió en su momento la teoría palabra por palabra: obsesión con la figura de la madre, creerse una persona normal que ha enloquecido momentáneamente a partir de un determinado suceso en la vida… Pero, incluso en este punto el paso del tiempo también ha hecho mella. El paso del tiempo y la cantidad de series de televisión protagonizadas por psicópatas que hemos visto, quien más quien menos, en las últimas dos décadas.

Gracias a las grandes interpretaciones de Mima Riera, por la que hemos sufrido durante todo el espectáculo y David Bagés, que ya no es la primera vez que borda el personaje de malo malísimo, el espectáculo tiene un bote salvavidas en el que guarecerse del vendaval. La puesta en escena con la escenografía de Max Graenzel, el diseño de iluminación de Kiko Planas nos regala una atmósfera de absoluto thriller. Al igual que el espectacular diseño sonoro de Jordi Bonet, que helará la sangre a más de uno.

Sin haber visto el espectáculo de estreno hace veinte años, tuve la curiosidad de leer el texto hace algunos años y siempre había imaginado que si se volvía a representar habría que modificar algunos aspectos en la dramaturgia. No ha sido el caso, simplemente se ha añadido un par de frases sobre la independencia de Catalunya, de lo más superfluo. Si se hubieran invertido los mismos recursos que se han utilizado en la puesta en escena en la adecuación de la dramaturgia al 2017 estaríamos hablando, probablemente, de uno de los mejores montajes del Grec 2017, pero viendo el resultado final se tendrá que conformar con el aprobado.

PARAULES ENCADENADES

by Elisa Díez on 13:16

AUTORIA: JORDI GALCERÁN DIRECCIÓN: SERGI BELBEL INTERPRETACIÓN: DAVID BAGÉS y MIMA RIERA DURACIÓN: 105min FOTOGRAFIA: IVAN MO...

DIRECCIÓN: JOAN ARQUÉ y JOAN RAMON GRAELL

INTERPRETACIÓN: DEBORAH COBOS, JORDI SERRA i BALERI, TOMEU AMER GALMÉS, GRISELDA JUNCÀ, BLAI JUANET SANAGUSTÍN y MARC SASTRE

COMPOSICIÓN e INTERPRETACIÓN MUSICAL: MARC SASTRE y BLAI JUANET SANAGUSTÍN

DURACIÓN: 60min

FOTO: CARLES CALERO

PRODUCCIÓN: ATENEU POPULAR 9 BARRIS

MERCAT DE LES FLORS (OM, GREC 2017)

Invisibles es un espectáculo que habla de las huidas, ya sean obligadas por motivos de guerra, hambre, por miedo o por otro tipos de problemas. ¿Quién no ha huido alguna vez de algo? Está huida se ve representada en formato de circo. Este es uno de los montajes familiares que propone el Festival Grec de este año.

La música en directo, en su gran mayoría, se agradece desde el principio. Incluso cuando el número requiere una gran concentración, la música se convierte en silencio, apreciado desde platea como un síntoma inequívoco de tensión. También destaca el acertado diseño de iluminación de Adrià Pinar, que consigue dar al resultado un toque de magia y de calidez, como si estuviéramos en casa.

Como ya viene siendo tradicional en el circo contemporáneo, los equilibrios funcionan sobre cuerdas, sobre la rueda de metal, sobre las escaleras y sobre el trapecio. Todo ello consigue los aplausos del público, pero quizás el mejor número, y a la vez el más aplaudido, es el de la trapecista. La compañía, en su búsqueda por llegar al corazón del espectador, ha buscado un circo muy teatralizado y eso se nota en el ‘trato’ con el público.

Los artistas no buscan las perfección, dominan la técnica, pero ya lo expresan en el programa de mano, prefieren mostrarnos su capacidad pero sobre todo su corazón, antes que buscar la perfección, excusa o no, la verdad es que no hay perfección ni gran espectacularidad de compañías internacionales, pero el espectáculo se sirve de pequeños detalles y se meten el público, grande y pequeño en el bolsillo enseguida.

INVISIBLES

by Elisa Díez on 17:39

DIRECCIÓN: JOAN ARQUÉ y JOAN RAMON GRAELL INTERPRETACIÓN: DEBORAH COBOS, JORDI SERRA i BALERI, TOMEU AMER GALMÉS, GRISELDA JUNCÀ, B...

COREOGRAFÍA y DRAMATURGIA: HILLEL KOGAN

INTERPRETACIÓN: ADI BOUTROUS y HILLEL KOGAN

MÚSICA: KAZEM ALSAHER y WOLFGANG AMADEUS MOZART

DURACIÓN: 55min

FOTOGRAFIA: GADI DAGON

PRODUCCIÓN: DDD

MERCAT DE LES FLORS (PB, GREC 2017)

Que poco acostumbrados estamos a la autocrítica y la mayor parte de las veces que se producen queda reflejada de una manera pomposa, que es como pensar que no sabemos para qué se ha llevado a cabo. Hillel Kogan no sólo se atreve a criticar la denominada ‘Alianza de Civilizaciones’, la mirada hacia el otro, el ser diferente, sino que ataca los cimientos de la danza, en una especie de ‘postureo’ simbólico del artista versus su arte.

Los espectadores realmente asistimos a lo que sería un ensayo, el inicio de la preparación de un supuesto espectáculo que se representará próximamente en un lugar del desierto, en un festival creado para la ocasión, una especie de maratón creativo de tres días de duración. Y, aunque a ‘su protagonista’ no sea amigo del texto en los montajes de danza, sino de expresar sentimientos, emociones y vida a través del cuerpo, nuestra experiencia como espectadores es haber asistido a una conferencia sobre y con danza, pero sobre todo con mucho humor.

Un judío y árabe, que no musulmán, son los protagonista de esta unión que no hay muro que los separe. Un intento por destruir los símbolos del conflicto y de ir más allá. Una crítica, desde el humor, de cómo la tolerancia no siempre se resuelve en el respecto al otro. Cómo desde una idea propia de cómo mover el cuerpo para describirse es todo un conflicto dependiendo de los ojos con los que se mire.

Un tópico seguido de otro irá pasando por nuestros ojos para que con un simple discurso o movimiento seamos capaces de visualizar que nuestro supuesto respeto hacia el otro, hacia lo que desconocemos, queda resquebrajado. El como el humo de la última escena, se diluye, lo nubla todo. Todo menos el humor, la pieza clave de este montaje. Gracias a él, las palabras, las ideas entran en nuestras cabezas sin que prácticamente nos enteremos. El humor deja poso, una realidad absolutamente demoledora.

WE LOVE ARABS

by Elisa Díez on 17:36

COREOGRAFÍA y DRAMATURGIA: HILLEL KOGAN INTERPRETACIÓN: ADI BOUTROUS y HILLEL KOGAN MÚSICA: KAZEM ALSAHER y WOLFGANG AMADEUS MOZ...

AUTORIA: STEFAN ZWEIG

VERSIÓN y ADAPTACIÓN: SIMON MCBURNEY, JAMES YEATMAN, MAJA ZADE y los miembros de la compañía

DIRECCIÓN: SIMON MCBURNEY

INTERPRETACIÓN: ROBERT BEYER, MARIE BURCHARD, JOHANES FLASCHBERGER, CHRISTOPH GAWENDA, MORITZ GOTTWALD, LAURENZ LAUFENBERG y EVA MECKBACH

DURACIÓN: 120min

FOTO: GIANMARCO BRESADOLA

PRODUCCIÓN: COMPLICITÉ y SCHAUBÜHNE

TEATRE LLIURE (GREC 2017)

Complicité y Schaubühne adaptan la novela del escritor austríaco Stefan Zweig, un explorador del alma humana y uno de los escritores imprescindibles del siglo XX. La impaciencia del corazón escrita en 1939 nos presenta una descripción de los primeros años del siglo XX y se cuestiona la naturaleza de la compasión y cómo es de difícil hacerse cargo del dolor de otra persona. El problema recae cuando la adaptación se ajusta tanto al original que no es capaz de pulir la densidad extrema de un texto. Dos horas de poética dialéctica de manera interrumpida, en la que el espectador más ducho en la materia podrá digerir sin problema, pero uno que no esté tan cercano al estilo de Zweig le costará de encajar.

Complicité vuelve a combinar lenguajes en la puesta en escena como ya hizo en The Master and Margarida (Grec 2012). Vídeo, teatro, diálogo y narración se dan la mano esta ocasión. Aunque los que esperábamos la espectacularidad del 2012 nos hemos tenido que conformar con una limitada exposición de efectos lumínicos de segunda y unos más destacables efectos sonoros que ayudan a recalcar algunas escenas, o a dejar de fijar la vista constantemente en los sobretítulos.

Otro de los momentos que más chocan es al inicio, el estatismo de los personajes invade la escena. Lo que se supone que es una fiesta se convierte por arte de magia en una especie de lectura dramatizada, con los actores detrás de unos atriles. La parte narrativa centra en exceso la escena y hasta bien llegado el final no serán los diálogos los que cobren protagonismo, convirtiendo la acción en tedio.

La compañía berlinesa Schaubühne, colectivo teatral dirigido por Thomas Ostermeier es la encargada de interpretar la pieza. No es la primera vez que que el teatro alemán nos muestra su frialdad interpretativa (comparada con la mediterránea), el naturalismo llevado al extremo, tanto que a veces se convierte en exagerado, cruza la línea entre la naturalidad y la sobreactuación.

Beware of pity es la demostración de que algunas novelas fueron escritas para ser leídas y no representadas. Y si alguien se atreve a adaptarlas a la escena, debe ser consciente de sacar su esencia. La fuerza del teatro no está, normalmente, en la narración sino en la construcción de los diálogos y su posterior puesta en escena. Beware of pity está construida para que admiremos las palabras de Zweig, que ya residen en cualquier biblioteca, pero no cuadran demasiado con el ritmo tedioso de una puesta en escena fallida.

BEWARE OF PITY

by Elisa Díez on 13:38

AUTORIA: STEFAN ZWEIG VERSIÓN y ADAPTACIÓN: SIMON MCBURNEY, JAMES YEATMAN, MAJA ZADE y los miembros de la compañía DIRECCIÓN: SI...

HALKA

AIRE

PARAULES ENCADENADES

INVISIBLES

WE LOVE ARABS

BEWARE OF PITY

DETRÁS DEL TELÓN

Follow Me

Los + populares

Archivo

Seguidores

BUSCA + ENTRADAS

NEWSLETTER

Recibe mis posts por email:

VISITAS