Mostrando entradas con la etiqueta Manel Barceló. Mostrar todas las entradas
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de JOSEP MARIA MIRÓ
dirección XAVIER ALBERTÍ
intérpretes MANEL BARCELÓ, CARME ELIAS, SARA ESPÍGUL, BORJA ESPINOSA, EDUARD FARELO, MARINA GATELL, ALÍCIA GONZÁLEZ LAÁ, MÍRIAM ISCLA, LAIA MANZANARES, MALCOLM McCARTHY
duración 1h 20 min + 20min de entreacto + 55 min
fotografía MAY ZIRCUS
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA
SALA GRAN (TNC)

No tendría que ser noticia, pero lo es, que una dramaturgo catalán (en masculino, voy a tirar cohetes cuando lo conjugue en femenino) estrene obra en la Sala Gran del teatro más importante del país. Ya por eso la sala debería estar abarrotada para en vez de ver el clásico de turno, admirar una obra contemporánea sobre un tema con el que desayunamos, comemos y nos vamos a dormir.

El todopoderoso miedo. A romper el orden establecido, a lo extranjero, a lo desconocido. Todo empieza con unas pintadas que amenazan a las mujeres de barrio, "Tornarem per violar a les vostres dones" (Volveremos para violar a vuestras mujeres). Todo al mismo tiempo que llega un (o dos) nuevo miembro a la comunidad, la Tau (Laia Manzanares), nieta de una de las vecinas.



Toda la acción pasa entorno a una comunidad de vecinos, donde unos empiezan a sospechar de los otros hasta el punto de querer cambiar todas y cada una de sus rutinas por culpa de este miedo atroz. Y, como siempre, las víctimas son las mujeres, y sus compañeros querrán decidir qué han de hacer, en una especie de paternalismo demodé, excesivamente cansino pero más actual que nunca. Al que se le une un racismo extremo de culpar los fallos propios siempre a los que vienen de fuera en vez de mirarse más el ombligo.



Temps salvatge es un montaje concebido bajo un suspense de hechos muy peculiar por lo que la parte técnica se iguala en importancia a la parte más artística. Con una escenografía imponente de Lluc Castells, una iluminación de Ignasi Camprodon que resalta aún más el clima de agobio constante al que se ve sometido el espectador y un diseño sonoro de Jordi Bonet que corta el aliento y consigue que no puedas apartar ni un segundo la vista de lo que pasa en escena. Brutal. Una combinación perfecta que hace "sufrir" y disfrutar al público al mismo tiempo.



La parte artística la comanda una encantadora y fascinante Laia Manzanares, de la que es imposible no caer rendida a sus pies. Desde el primer minuto su mirada inocente y sus inquietantes acciones atrapan al espectador que espera con ansia cada nueva aparición en escena. De entre los más veteranos destaca Míriam Iscla, que retrata a la perfección un mujer que se niega a dejarse llevar por el miedo y que opta por salvarse a base de coraje y agallas.

Josep Maria Miró es todo un especialista en desgranar los miedos, la estructura de Temps salvatge nos recuerda a una de sus obras más elogiadas y representadas, El principi d'Arquimedes donde la amenaza era un beso. Sea como fuere, Temps salvatge es una obra para ir a verla por muchos motivos, pero sin miedo. Al fin y al cabo todo es mentira, ¿o no?

TEMPS SALVATGE

by on 19:23
de JOSEP MARIA MIRÓ dirección XAVIER ALBERTÍ intérpretes MANEL BARCELÓ, CARME ELIAS, SARA ESPÍGUL, BORJA ESPINOSA, EDUARD FARELO, MA...


Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

La Nau Ivanow amplía su colaboración con la compañía Projecte Ingenu, que esta temporada pasada nos cautivó con su versión de Yerma de Lorca. Ambos son los promotores de Germinal, un certamen que busca potenciar el encuentro entre artistas y público con el objetivo de poner en valor el proceso de creación escénica desde el convencimiento que la vivencia creativa puede ser un motor de progreso y de intercambio artístico y vital.

Germinal quiere fomentar situaciones que sean el germen de futuras experiencias en ámbitos bien diferentes como: una mejor compresión del hecho escénico por parte del espectador, pasando por una voluntad de acercar lenguajes escénicos ajenos o incluso establecer sinergías artísticas capaces de ser sintetizados en espectáculos futuros.

En su primera edición que se celebrará este otoño 2017 contará con dos gérmenes:

Germen 1 con la Societat Doctor Alonso -Tomàs Aragay

Cal Gras - Avinyó (del 29 de septiembre al 2 de octubre por la mañana)
Nau Ivanow - Barcelona (3 de octubre)

Según la definición de la propia compañía, el Germen consistirá en:

Miraremos el espacio para descubrir que hace falta explicar.
Observaremos en silencio los signos que hace falta desvelar.
Posaremos el cuerpo, la voz y la palabra al servicio de los que hace falta decir.
Lo haremos relajadamente, como quien duerme la siesta bajo un árbol.
Evitaremos lo barroco, los discursos a priori y la autoría.
Huíremos de la semiótica para entrar en la poética.

Germen 2 - L'èpica de la sabata i l'espardenya con Manel Barceló

Konvent - Berga (del 28 de septembre- tarde al 30 setembre)
Nau Ivanow - Barcelona (2 i 3 de octubre)

Manel Barceló apuesta por contar historias directamente al público, que es lo que lleva haciendo toda su trayectoria profesional. Buscará un lenguaje, la única herramienta con la que contará, para llegar a la imaginación del espectador. La historia que explicarán sus actores será la de las bullangues del segle XIX a Barcelona, es épica y es tremenda, merece ser contada y cómo: con un zapato y una espardenya.

Más información AQUÍ


TEXTO: LARS NORÉN
TRADUCIÓN: JOAN CASAS y CAROLINA MORENO
DIRECCIÓN: MAGDA PUYO
INTÉRPRETES: NAO ALBET, MANEL BARCELÓ y MARIA RODRÍGUEZ
DURACIÓN: 1h 40min
FOTOGRAFIA: MAY ZIRCUS
PRODUCCIÓN: TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA y VELVET EVENTS
SALA PETITA (TNC)

Hay novelas que dejas a la mitad porque parecen pescadillas que se muerden la cola de la cantidad de veces que repiten la misma historia. Algo parecido le pasa a El coratge de matar, el 80% de la obra es un giro sobre el mismo eje que no nos lleva a ninguna parte, más allá del inicio de un más que notable aburrimiento. Y siento la expresión, no hay nada peor que aburrirse en una platea, al menos para mí. 

Al dramaturgo sueco Lars Norén le descubrí hace unas temporadas en el Versus Teatre, donde una jovencísima compañía representaba Kyla, un texto sobre la immigración, la juventud y la violencia que ponía los pelos de punta. Angustía, sensación de ahogo es lo que buscava en esta nueva obra del autor sueco, pero nada parecido es lo que encontré. 

El coratge de matar habla de las relaciones familiares, más concretamente las de un padre y su hijo. El padre, un sensacional Manel Barceló, que se ha quedado víudo, al que la pensión no le llega para vivir y que se intenta refugiar en un inexistente cariño por su hijo. A medio camino entre el victimismo llevado al extremo y una desesperació real, intenta en vano recuperar la relación con un hijo que no quiere saber nada de él. El hijo, Nao Albet correcto pero que no llega a estar a la altura del más que brillante Barceló, repite hasta la saciedad que los esfuerzos de su padre siempre serán en vano, no tiene ninguna intención ni necesidad de recuperar la unión paternofilial. Y aunque el combate de los dos es uno de los mejores y logrados momentos del montaje, después de más de una hora de repeticiones de los mismos argumentos, necesitamos algo más para no caer en un más que probable sopor.

La aparición de Radka, Maria Rodríguez, la abnegada pareja del hijo parece por unos minutos conseguir un break en la repetición dramatúrgica. Pero Lars Norén ha dibujado un personaje excesivamente plano, al que le falta voluntad para ser algo más que una simple estatua móvil, como las si las que pueblan la escenografía fueran pocas. Ni siquiera las escenas a solas entre el padre y Radka levantan un montaje que ya está herido de muerte.

Lo mejor sin duda, es la escenografía de Pep Duran, un enorme estudio de artista donde vive el hijo, lleno de estatuas, cuadros... Y la iluminación de Maria Domènech (aii) que le hace brillar. Pese a todo, a lo que no me ha acabado de convencer, es de agradecer que en el teatro público por excelencia dé voz y lugar a los nuevos dramaturgos internacionales. Esperemos que Lorén sea la primera piedra que haga perder el miedo a representar obras de la dramaturgia contemporánea norte-europea. Adelante.

EL CORATGE DE MATAR

by on 20:41
TEXTO: LARS NORÉN TRADUCIÓN: JOAN CASAS y CAROLINA MORENO DIRECCIÓN: MAGDA PUYO INTÉRPRETES: NAO ALBET, MANEL BARCELÓ y ...

DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: JORDI CASANOVAS
INTÉRPRETES: MARTA ANGELAT, DAVID BAGÉS, MANEL BARCELÓ, LLUÏSA CASTELL, GEORGINA LATRE, VICKY LUENGO, ÀUREA MÁRQUEZ, MARC RIUS, MANUEL VEIGA, DAVID VERT y ANNA YCOBALZETA
DURACIÓN: 2h 10min
FOTO: ALBERT ALEMANY
PRODUCCIÓN: ELS TEATRE AMICS
TEATRE LLIURE (MONTJUÏC)

De familias tenemos todos, mejores o peores, con las que nos llevamos mejor o peor, de esas que esconden los secretos debajo de la alfombra o de las que se lo gritan a la cara. Hay tantas tipos como familias existen. Jordi Casanovas cierra con Vilafranca su trilogía sobre la identidad catalana volviendo a sus orígenes, a su Vilafranca. 

Una historia de identidad catalana pero sobre todo de herencia, de la obvia monetariamente hablando, pero también de la herencia no tangible que recibimos queramos o no de nuestra familia, a la que no tenemos el derecho de escoger. Esta última conforma cómo somos y las decisiones que tomamos. 

Fotografía de una familia catalana (aunque bien puede ser de otro lugar) que se reúne para comer durante la Fiesta Mayor. Y, con las navidades tan cercanas, todos sabemos cómo puede acabar una reunión como ésta (no spoilers). Pero lo importante no es cómo acaba sino ir descubriendo los entresijos que se nos muestran desde el principio y que luego destapan la caja de los truenos. 

Magistral interpretación de Manel Barceló, el patriarca de la familia, la pieza clave de la reunión familiar, el pegamento para que las demás piezas de la familia sigan juntas. A su lado una brillante Marta Angelat, una madre que le sigue preocupando el que dirán por encima de la felicidad de los suyos. De entre los hijos, nueras, cuñados y demás, la figura de David Vert, cuyo papel de perdedor despierta una cierta ternura y un sorprendentemente divertido Marc Rius que ilumina el retrato con una dosis de naturalidad que despierta la carcajada del público.

Más de dos horas de duración, que pasan como si de un suspiro se tratara. Excepcional puesta en escena a dos bandas con pasarela central que permite vivir la historia casi desde dentro. Vilafranca es sin duda la parte de la trilogía mejor construida, donde historia y ritmo consiguen un equilibrio perfecto.

VILAFRANCA

by on 18:14
DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: JORDI CASANOVAS INTÉRPRETES: MARTA ANGELAT, DAVID BAGÉS, MANEL BARCELÓ, LLUÏSA CASTELL, GEORGINA LATRE, VICKY...

Fuente: Elisa Díez (Butaques i Somnis) | Foto: David Ruano

Todos hemos sido niños, algunos lo recordarán más cerca que otros, y este es para su dramaturgo, Ferran Joanmiquel, el espectáculo ideal para sacar el niño o niña que llevamos dentro.  Toni Casares, director de la Sala Beckett, afirma que es un texto difícil de catalogar navega entre el drama y la comedia. Y navegando nos encontramos al inicio del espectáculo, antes de que estalle la tragedia.

Blau pretende poner sobre la mesa nuestros miedos infantiles para mostrarnos como la no superación conlleva consecuencias en el futuro. Los tres personajes de la historia nos relataran ese viaje, ellos son los que lo sufrirán en escena y a los que veremos como tres inútiles cuando sus miedos condicionen su existencia.

Una de las dificultades añadidas a una historia bastante surrealista desde el inicio, es que como explica Berta Giraut: "Los personajes se hablan, pero no se encuentran, no se miran a los ojos en ningún momento". Para Manel Barceló este pequeño detalle comporta que la función sea más agotadora que lo habitual (teniendo en cuenta su duración, tan sólo 65 minutos).

No sólo es una obra complicada a nivel actoral, también como destaca su autor fue complicada escribirla: "Tardé seis meses en escribirla, porque no tenía escaleta, de ahora pasa esto, ahora pasa lo otro, no hay límites temporales, los personajes cambian, me tuve que dejar llevar por la obra, como lo tendrán que hacer los espectadores".

Para su director, Jordi Prat i Coll, Blau es una obra surrealista que compara con los cuadros de Dalí: "Sería absurdo plantearse si lo que viven los personajes es un sueño o no, para mi es teatro del teatro." Además Prat i Coll ha incluido un personaje que no estaba en la obra original de Ferran Joanmiquel, "B" interpretado por Pau Gómez, una especie de nexo de ayuda entre los personajes, que les da voz y cuerpo y que aporta lenguajes diferentes al espectáculo, movimiento con pinceladas de danza.

La puesta en escena a la italiana con los personajes mirando al público, que a su vez se encontrará con una cámara negra con extraños objetos, donde el surrealismo parece hacer un guiño a algunas películas de los años 80, aunque a algunos les puede retrotraer a series de sci-fi como Lost o Fringe.

Al ser un espectáculo con un alta carga de surrealismo todo el equipo afirma que a cada espectador le sugerirá una cosa diferente. Blau se estrena mañana miércoles 8 de abril y estará en cartel hasta el 30 de mayo. Paralelamente, la Sala Beckett también estrenará en Barcelona, anteriormente se había estrenado a Sala La Planeta de Girona, el último texto de Ferran Joanmiquel, La Crida, en dos únicas funciones: los sábados 2 y 9 de mayo a las 19h.

Fuente: EFE via lavanguardia.com 

El suicidio de un jubilado ante el Parlamento griego es el punto de partida de Bartolomé encadenado, una obra escrita para el festival Grec que recurre al mito de Prometeo para hablar de la angustia que provoca la crisis.

El texto de José Sanchís Sinisterra se representará en el anfiteatro al aire libre del Grec del 18 al 20 de julio, dirigida por Antonio Simón e interpretada por Lluís Soler, Manel Barceló y otros cinco actores. Sanchís Sinisterra ha creado un personaje de ficción, llamado Bartolomé e interpretado por Lluís Soler, que sitúa durante toda la obra encima de una especie de columna de ocho metros de altura, según ha explicado el director teatral.

Bartolomé está encadenado en esa columna, a punto de romperse, que forma parte de la estructura que sostiene un puente de una plaza construido por un arquitecto a quien se le acabaron los recursos para construirlo como es debido, por lo que "se le suelen caer los puentes". Desde esa altura habla Bartolomé, un antiguo economista, colaborador del Fondo Monetario Internacional (FMI), que desde esta plaza pública amenaza con suicidarse a las doce del mediodía, ha avanzado Antonio Simón.

El autor recurre "vagamente al mito de Prometeo", según ha explicado el actor, quien ha señalado que, aunque la obra comienza como una comedia, con "ecos" de "¡Ay, Carmela!" -también de Sanchís Sinisterra-, "evoluciona de la farsa hacia el drama y la tragedia". El autor propone reflexionar sobre la necesidad de "cultivar la fraternidad y que la tecnología mal utilizada acaba con la comunicación humana y fraternal".

El público descubrirá paulatinamente que la persona sin hogar que parece ser Bartolomé es, en realidad, "un economista torticero que hizo algunas cosas mal hechas", ha añadido Simón, que se suicida para "provocar una crisis de conciencia". Uno de los retos de la obra, según el director, es el coro de catorce actores, estudiantes graduados en el Institut del Teatre de Barcelona, que para poder trabajar en este espectáculo han trabajado durante un mes con tres formadores. El coro representa, ha explicado Simón, una "pandilla de indignados, en una sátira de la que nadie sale bien parado".

El actor protagonista, Lluís Soler, ha considerado que esta propuesta teatral es "un regalo" de un autor y "maestro que escribe a mano, con un bolígrafo y una libreta" y que el lugar en donde se representa, el anfiteatro al aire libre del Grec, es "un lugar mágico".

El antagonista de Prometeo es Hermes (Manel Barceló), un dios menor cuya aparición "provoca un punto de tensión ya que entre los dos personajes ha habido "afecto y traición".

A través de diversas proyecciones y apariciones de personajes, el espectador descubre que el jubilado sin techo que va a suicidarse es el antiguo economista. En una de estas escenas tiene lugar un encuentro inesperado entre una periodista estrella de la televisión y Bartolomé que permite descubrir que ambos son padre e hija y que el gran intelectual no fue un buen padre. Simón ha explicado que en este espectáculo se da nombre y apellidos a empresas que, según el autor, han actuado de forma poco ética y también hay críticas para los medios de comunicación.

La obra se ha escrito "a fuego lento", durante dos años, según Simón, y es un encargo del Grec que pidió al autor un texto contemporáneo basado en un texto griego, por iniciativa del director artístico del festival, Ramon Simó.
M'espera a la porta de casa seva, al barri del Born, amb la Mariel Soria, figurinista, dibuixant i la dona imprescindible amb qui forma un sòlid equip emocional i professional. De lluny, m'observen el Tubal i el Sisó, dos dels tres gats siamesos de la parella, mentre que l'afectuosa Tresquarts decideix arraulir-se'm a la falda per escoltar la conversa. Amb el primer monòleg, La tigressa i altres històries , de Dario Fo, Barceló va omplir teatres durant vint-i-cinc anys. Després va arribar Shylock ¸de Gareth Armstrong, pel qual va rebre el premi Ciutat de Barcelona de les arts escèniques. En aquest nou monòleg, Barceló dissecciona la maldat amb l'afilada llengua de Berkoff en una adaptació al català de l'escriptor Màrius Serra.


Tot just acabes de sortir d' Els baixos fons , de Gorki…
…i he agafat la parada del TNC per baixar a la sala Muntaner! [Riu.]
Per presentar-nos una colla de dolents de Shakespeare. Encara recordo aquell magnífic Shylock !
I ja han passat dotze anys! Shylock era com una versió millorada del meu primer monòleg, La tigressa i altres històries , perquè tenia molts més matisos i un gènere afegit que és el drama. Pensava: he pujat un graó més i ja està.
Però ve Ramon Simó i et proposa fer Els dolents .
I de seguida li vaig dir: t'ho faré com sigui, ara estic compromès però ho faré! En tenia moltes ganes perquè coneixia el text, però sobretot perquè era amb el Ramon, amb qui he treballat molt i que és un dels directors que més aprecio, admiro i estimo. Era com si m'hagués tocat la loteria per tercera vegada! [Riu.]
Els personatges dolents són més atractius?
Les múltiples cares i arestes que pot tenir la maldat, en la bondat són més arrodonides. El principal problema és saber donar humanitat als dolents. Són persones normals i amables que després són uns cràpules, uns transgressors i uns cínics i que, en moments determinats, poden guanyar-se la simpatia del públic. Amb Ricard III la gent riu de tan mala bèstia que arriba a ser. Des de la maldat pots empatitzar amb el públic i és genial. I Ricard II és un cretí al principi i al final, però entremig fa uns discursos preciosos.
El teu dolent preferit?
Macbeth és impressionant, però el meu preferit és Ricard III. Penso en ell durant tota l'obra. És brutal com Shakespeare arriba a conèixer l'interior d'un fill de puta tan potent, com el fa créixer, la retòrica que utilitza! I com te'l fa simpàtic perquè, al capdavall, s'està carregant la mateixa classe dominant, els que tenen poder i són capaços de trair-se i matar-se. Hamlet es un bombó, el que passa és que, com diu Berkoff, sóc massa vell per fer de Hamlet.
És que fa més de trenta anys que actues!
I això que vaig començar tard. Tenia totes les pors perquè no hi havia antecedents teatrals a casa meva, no m'havien dut mai al teatre. Vaig aficionar-me a la interpretació veient pel·lícules de doble sessió al barri. Volia fer allò! Vivia al Poble-sec i al Paral·lel, de petit, i quan descobria un teatre amb les portes obertes hi entrava i em semblava que era un monstre adormit que respirava en silenci. Aquella quietud era màgica.
Ho vas dir de seguida a casa?
Mai trobava el moment de donar el disgust als pares. Als setze anys vaig dir: "Jo vull fer teatre!" Però calia entrar un sou més i em van posar a treballar a Fecsa, amb el pare.
Treballaves però seguies estudiant.
Per mi, la formació era sobretot per posar a prova la vocació. Si era capaç de sentir que aquesta necessitat seguia sent important, si aprenent l'ofici no em sentia buit, si no em cansava, voldria dir que era el que volia fer de veritat.
I quan vas fer el salt al buit?
Quan va morir Franco en aquest país es van obrir moltes portes emocionals i vaig pensar: només tens una vida i el teu futur és teu i de ningú més. Als 25 anys, després d'haver fet un munt de cursos de cant, dansa, equitació, expressió corporal... en Pep Bou em va dir: "Manel, t'hi has de dedicar, has de ser actor!"
I des d'aleshores, no has parat!
En el moment que em vaig decidir i m'hi vaig posar, em va venir tot de cara. Ara bé, el món de la interpretació no l'acabes mai, és inabastable i com més curiositat tinguis mes vetes trobaràs per anar seguint.
Per cert, no has pensat mai a dirigir?
Abans m'agradaria més fer pedagogia que no pas dirigir. Els actors tenim la nostra manera de funcionar i quan un actor es posa a dirigir poden passar dues coses: que dirigeixi segons ell ho faria, amb la qual cosa només vol que l'imitin, que no és gens interessant, i l'altra és que sàpiga donar a l'actor l'oportunitat de ser l'instrument útil i creatiu que és. El director ha de provocar en l'actor un estat de creació.
Font: Elisenda Roca (www.ara.cat)
La correcció política i flegma britànica Steven Berkoff l'ataca amb la mala bava més roent. Per això és temut pels gurus de Shakespeare, per la crítica (el dissortat del Daily Telegraph s'endú la palma) i pels mateixos col·legues d'escenari, molt creguts de la jerarquia i l'estatus en els repartiments. Els dolents (Shakesperare's Villains) és una producció de la Sala Muntaner que fa temporada des d'avui i fins al 8 d'abril. Ja té garantida una àmplia gira per Catalunya i l'Estat espanyol. La peça, estrenada al Temporada Alta, s'ha retocat fins a deixar una comèdia de 100 minuts.
Manuel Barceló adopta la inqüestionable correcció d'un actor britànic per executar aquesta mena de conferència interpretativa que va idear i interpretar durant molts anys el mateix Berkoff. El director Ramon Simó compta amb uns 80 personatges, els que apareixen en aquest monòleg, tots sota la mateixa pell d'en Barceló. Simó ha tornat a confiar en Màrius Serra (també havia signat la traducció d'Arcadia de Stoppard) per fer la traducció d'un text que alterna la mirada, gens generosa i prou punyent, de Berkoff amb els versos originals de Shakespeare. L'autor, tot i ser implacable amb Shakespeare, en realitat li fa un tribut, alhora que converteix la peça en un homenatge a la interpretació i al pes de la paraula en escena. Hi ha un corrent d'estudiosos de Shakespeare que sostenen que si encara és vigent és gràcies al retrat dels personatges més malvats, com poden ser Ricard III o lady Macbeth. També, per Berkoff, Hamlet és dolent perquè opta per la revenja, quan podria haver-la evitat: “En poc temps es converteix en un assassí en sèrie”, resa el text. Simó veu en les obres de Shakespeare la voluntat d'argumentar els odis i “això els humanitza”. En aquest sentit, no tots els dolents són adorables per als intèrprets. El mateix Barceló es penedeix d'alguns personatges de telesèrie, que ha hagut d'assumir, que superen i molt el grau de violència.

Aquest és el tercer monòleg per a adults (en el vessant familiar també ha ofert Els contes del sr. Nil, al Romea, el 2006) que presenta Barceló. “M'ha tocat per tercer cop la loteria”, diu satisfet, convençut que cada text, des del compromès de Dario Fo (La tigressa i altres històries) fins a Els dolents d'un incorregible i sarcàstic Berkoff, no es limiten a ser un exercici de virtuosisme interpretatiu. Entre les seves línies batega un motiu de denúncia, de rebel·lió. Simó confia que “conjurar la maldat en escena” ha de sevir per no veure s'hi temptat en la vida real. I és que, com comenta el director que també està ultimant el cartell del seu primer Grec, tothom té una certa propensió a la maldat: “el problema és que La vida dóna moltes oportunitats i molts cops un no s'està de ser dolent.” L'actor britànic que presenta l'espectacle (segons Màrius Serra, ell sol forma la companyia estable Manel Barceló) acaba generant una empatia amb els espectadors, tot i que, segons l'actor, Berkoff “és un Ricard III en potència”.

Font: Jordi Bordes (www.elpuntavui.cat)

Antiflegma britànica

by on 14:47
La correcció política i flegma britànica Steven Berkoff l'ataca amb la mala bava més roent. Per això és temut pels gurus de Shakespea...

TEXT: MAXIM GORKI
DRAMATÚRGIA: ALBERT TOLA i CARME PORTACELI
INTÈRPRETS: NAO ALBET, DAVID BAGÉS, MANEL BARCELÓ, MOHAMED EL BOUHABI, ROGER CASAMAJOR, LLUÏSA CASTELL, JORDI COLLET, DANIELA FREIXAS, GABRIELA FLORES, LINA LAMBERT, ALBERT PÉREZ i XAVIER RIPOLL
PRODUCCIÓ: TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA
SALA PETITA (TNC)

Portaceli ens convida a baixar a l'andana del metro en aquesta adaptació del clàssic de Gorki. En plena crisi, Els baixos fons ens parlem personatges que van veure com d'un dia perdien el seu estatus, la seva vida acomodada i es convertien en captaires i es dediquen a veure la vida passar des del seu lloc fixe de l'andana.

Aquesta adaptació toca la part psicològica de l'espectador, que en un moment o d'altre pot sentir-se identificat amb qualsevol dels 12 personatges. La posada en escena impressiona. La Sala Petita s'ha convertit en una andana de metro, amb escales als dos costats i d'estètica totalment realista. L'ambient queda sobrecarregat des del primer minut, no només per la tensió entre els protagonistes, que a vegades es passen amb els crits, sinó el joc de llums i moments de foscor, impedeix que l'espectador pugui apartar la mirada un sol minut del que passa a escena.

En el pla interpretatiu ens trobem a la companyia d'actors habituals en els muntatges de la Carme Portaceli on destaca el Manel Barceló i la Gabriela Flores, i entre els no habituals meravellosa interpretació de Lina Lambert i encertada de Nao Albet.

A l'adaptació del text li sobren els deu minuts finals, quan tot sembla tancat en la ment dels espectador, alguna cosa quedava per dir, que no aporta res sinó fa avorrir a l'espectador. Sense dubte que és el moment més idoni per retrobar-se amb aquest text i l'adaptació de la Carme Portaceli i l'Albert Tola no brilla, però convé recordar que ningú estem fora de perill. 

ELS BAIXOS FONS

by on 14:24
TEXT: MAXIM GORKI DRAMATÚRGIA: ALBERT TOLA i CARME PORTACELI INTÈRPRETS: NAO ALBET, DAVID BAGÉS, MANEL BARCELÓ, MOHAMED EL BOUHABI,...


La mirada de Carme Portaceli i el dramaturg Albert Tola és devastadorament esperançadora. No pot ser d'una altra manera. La directora és una convençuda que, malgrat totes les traves socials, econòmiques i de valors, l'ésser humà sempre busca la felicitat. En l'obra, es comprova que allò que Gorki va escriure a principi del segle XX, individus arraconats de la societat, es reprodueix avui, a les acaballes d'aquell mateix segle XX. Els baixos fons (1902) va ser el presagi d'una revolució, la del 1917, que va intentar retornar el poder al poble. Avui, ni tan sols s'albira un moviment contundent, decidit i radical, constata Portaceli. Tant per la directora com pel director artístic del TNC, Sergi Belbel, és “necessari” recuperar aquest muntatge des del teatre públic: donar veu i posar nom als desheretats. La posada en escena, situada en un passadís d'un metro (del 19 de gener al 26 de febrer a la Sala Petita), intenta evidenciar que tothom es pot trobar en aquest abisme, que la crisi de valors no ha fet més que incrementar-se en aquest segle de progrés i tecnologia.
La mateixa cruel jerarquia de la societat benestant es reprodueix en els baixos fons. Si n'hi ha que tenen la necessitat de refugiar-se en la dignitat de ser un home treballador que, simplement, els deutes l'han dut a dormir entre els indigents, n'hi ha d'altres que disposen d'aquells desgraciats per beneficiar-se. Fins i tot hi ha algun banquer (David Bages) que ha caigut en les trampes dels que han estat més voraços que ell. Es tracta d'“un director d'una sucursal, vaja”, il·lustra l'actor Manel Barceló. Ell, en canvi, interpreta el paper més pervers: el que s'aprofita dels desheretats amb una certa connivència amb el poder establert. Hi ha una corrupció que el protegeix per actuar impunement.
Si d'entrada l'adaptació s'allunyava molt del text de Gorki, cada cop s'hi ha anat acostant més. No calia distanciar-se'n perquè les rèpliques eren vàlides en la Barcelona postolímpica d'avui. Sí que posa un matís Albert Tola: avui els raonaments que han dut molts extreballadors membres de la classe mitjana, a la situació inestable actual són molt més ambigus.
En el text de Gorki, l'únic que tenia esperança era un avi. Portaceli ha volgut que sigui una dona, Sveta (Gabriela Flores), la que provoqui el canvi de paradigma entre aquell grup amorf, reivindicant que no es pot renunciar a l'esperança. La joventut d'Alioixka (Nao Albet) no evoca l'habitual esperança. Aquella és una societat trencada, amb trampes, i els seus membres no la poden fer funcionar. Tola ha incorporat algun text del lúcid Pier Paolo Pasolini, que aporta més buidor i desesperança a l'actitud dels joves.
Dani Nel·lo torna, com en la majoria de les produccions de Carme Portaceli. Companys de la FEI, Factoria Escènica Internacional. De fet, el gros del repartiment inclou els habituals d'aquestes produccions. La música il·lustra el somni, un altre antídot per superar la buidor d'aquells personatges. Aquell món desitjat ha de ser un motiu per viure. Nel·lo explicava ahir en la roda de premsa que tancava un cercle, recordant que el seu pare, Francesc Nel·lo, va dirigir el 1968 al Teatre de l'Aliança del Poble Nou la primera producció d'Els baixos fons a Catalunya, comptant amb la implicació d'un jove Fabià Puigserver.
Gorki era un dramaturg amb un discurs transgressor. Com Bertolt Brecht. no és agradable per a la societat benestant rebre crítiques des de l'escena. El treball de Portaceli amb els actors sempre busca la veritat, però superant els quadres realistes. Un dels al·licients d'Albert Tola per a l'adaptació de l'obra és imaginar-se que ell, en només sis mesos, podria ser un dels personatges que dibuixen l'escena. Efectivament, l'escenògraf Paco Azorín remarca que avui hi ha antiga classe mitjana, ben vestida, que dorm a les terminals dels aeroports, i que ha quedat sense casa.
Els baixos fons no apareixen els culpables de la crisi, que ha causat el daltabaix pel qual ara molts malviuen. Només s'hi expliquen les relacions entre ells, que arriben, viuen i, fins i tot, moren. Portaceli augura que mai no s'anomenen els culpables. Insinua això sí, que ara algun d'aquests és ministre d'Economia de l'estat. Belbel rebla el clau: els culpables seran, en dues setmanes, al pis de dalt: s'interpretaEl mercader de Venècia a la Sala Gran. Una casualitat buscada.
Font: www.elpuntavui.cat

El director Ramon Simó estrena mañana en la sala La Planeta de Girona, dentro del Festival Temporada Alta, la obra Els dolents (Shakespeare's villans), en la que el actor Manel Barceló disecciona la maldad humana a partir de un texto del dramaturgo inglés Steven Berkoff sobre los "malos" de Shakespeare.
En una entrevista con Efe, Simó, que está al frente del Festival Grec desde el pasado verano, ha explicado que Els dolents es "una comedia fantástica" en la que Berkoff, también reputado actor, aprovecha "para explicar al público cómo se cuelan los malos en nuestras vidas y cómo los admiramos y nos gustan".
El dramaturgo quiere jugar con Shakespeare, con respeto pero sin reverencias, y mostrar un catálogo de más de setenta personajes, "en el que tanto salen malparados los actores, como el público como algunos políticos".
Tras representarlo por medio mundo, el autor inglés ofreció la posibilidad de que otros actores lo pudieran interpretar, y en España será Manel Barceló el primero en estar tentado por diferentes malvados como Yago, Ricardo III, Shylock o Oberon.
Durante hora y media, el actor catalán se pondrá en la piel de estos personajes, "en una especie de catálogo incompleto de malos, entre los que habrá alguno de la actualidad", según avanza Ramon Simó.
El texto, en su versión catalana, es obra del escritor Màrius Serra, que según el director, ha sabido encontrar muy bien los diferentes registros de la obra, "tanto lo más vulgar como lo más elevado".
Además, ha efectuado una nueva traducción de todos los fragmentos que aparecen de las obras de Shakespeare en decasílabos.
Para Simó, el público podrá ver cómo los malvados dibujados por el dramaturgo inglés no caducan y cómo 500 años más tarde "perviven muy bien, porque están muy bien retratados".
Además, el público verá las debilidades y las calidades que esconden cada uno de ellos.
Els dolents se representará mañana en el Temporada Alta en una única representación y, posteriormente, se efectuarán algunas funciones en diferentes localidades catalanas hasta hacer temporada en la Sala Muntaner, entre el 7 de marzo y el 8 de abril de 2012.
Fuente: EFE vía www.lavanguardia.es

TEXTO: WILLIAM SHAKESPEARE
ADAPTACIÓN: MARC MARTÍNEZ y MARTÍ TORRAS
DIRECCIÓ: MARC MARTÍNEZ
INTÉRPRETES: CARLOTA OLCINA, MARCEL BORRÀS, NAO ALBET, BERNAT QUINTANA, POL LÓPEZ, CARLES MARTÍNEZ, AMPARO FERNÁNDEZ, MANEL BARCELÓ, MÍRIAM ALAMANY, IVAN MORALES, CARLES GILABERT, XAVI SÁEZ i LLUÍS CARTES (música)
PRODUCCIÓN: VANIA PRODUCCIONS i GREC 2011 FESTIVAL DE BARCELONA
TEATRO COLISSEUM


Todo buen festival de verano, necesita un Shakespeare y el Grec 2011 no podía ser menos. Entramos en el Teatro Coliseum a ver Julieta & Romeo, por aquello de que las mujeres primero. Marc Martínez necesitaba poner en su currículum que había dirigido un Shakespeare, ya saben por aquello que todo "buen" director ha de haber dirigido un Shakespeare, un Chéjov y un Ibsen durante su carrera. Pero las carreras son de fondo y empezar por el Rey del teatro no es lo más aconsejable.

Pero ya es tarde para consejos, la obra ha sido estrenada. Un imponente escenario casi vacío, sólo dos enormes andamiajes, que permiten que los actores aprovechen las tres horas de función para ejercitar sus cuerpos. La historia es conocida, por eso resulta chocante la pobre puesta en escena del montaje. Con obras donde la historia se explica por sí sola, se echa de menos una potente escenografía que convierta la adaptación en memorable. Los andamios dan juego pero no convencen, ¿dónde está Verona?, ¿dónde están los lujos de las dos familias más importantes de la ciudad? Sí, entre barrotes de acero.

Si falla la escenografía y la dramaturgia, ¿la interpretación puede salvar el montaje? En este caso, no. Un cartel con grandes nombres no siempre es sinónimo de éxito asegurado. Bingo! Pero quizás es la parte más delicada del montaje, donde la mayoría hace lo que puede con lo que le han dado. Algunos como Nao Albet destacan cada vez que aparecen en escena. La pareja protagonista Marcel Borràs y Carlota Olcina fallan en los momentos más álgidos de intensidad interpretativa, a los dos se les nota una deficiencia de experiencia y de tablas.

Se echa de menos un ajuste del texto, más allá de la adaptación, al montaje le sobra media hora larga. No era necesario todas las escenas de espadas, de sobra es conocida la rivalidad entre los Capuleto y los Montesco. No hay ningún la ley escrita que prohiba recortar texto de las obras de Shakespeare.

Leyes aparte, a Marc Martínez, esta vez, le ha venido grande el traje de dirigir un Shakespeare. Para escalar montañas, antes hay que saber qué elementos son necesarios en la subida. Quizás un Chejov o un Ibsen hubiese sido una primera toma de contacto ideal con las obras clásicas. Pero nunca lo sabremos, porque a todos nos gusta escalar las cumbres imposibles. Y se ha demostrado que de momento, para Marc Martínez Shakespeare es inalcanzable.

JULIETA & ROMEO

by on 14:55
TEXTO: WILLIAM SHAKESPEARE ADAPTACIÓN: MARC MARTÍNEZ y MARTÍ TORRAS DIRECCIÓ: MARC MARTÍNEZ INTÉRPRETES: CARLOTA OLCINA, MARCEL BOR...


TEXTO: EUGÈNE IONESCO
TRADUCCIÓN: JUAN V. MARTÍNEZ LUCIANO
DIRECCIÓN: JOAN MARÍA GUAL
INTÈRPRETS: MANEL BARCELÓ, ITZIAR MIRANDA, MAICA BARROSO
PRODUCCIÓN: TEATRO ESPAÑOL
TEATRE ROMEA


Ya decía Sócrates aquello de "Sólo sé que no sé nada", porque a veces es mejor carecer de conocimientos que morir en la sabiduría de lo inútil. Eugène Ionesco escribió su segunda obra dentro del teatro del absurdo, respetando las unidades de lugar, tiempo y acción, y llevando esta última a la delgada línea que separa la realidad de lo absurdo.

En un principio, la realidad se nos presenta en estado puro, una chica acude a casa de un profesor para que la prepare para su examen de doctorado. Con el paso de las lecciones, el histrionismo de la historia acabará ganando la batalla al realismo, hasta el desenlace final, demasiado evidente si se ha leído entre líneas desde los primeros compases de la farsa.

Manel Barceló construye un 'admirable' profesor, por el que al final de la función sólo se puede sentir lástima al ser una víctima más de su propia irrealidad. Itziar Miranda consigue que el público sienta y padezca su dolor, en la ignorancia de los que ven una realidad desdibujada. En el medio, Maica Barroso, la criada, es la que mueve los hilos de ambas marionetas.

La educación llevada al límite entre 'enseñar' y 'dominar', y cuando el fin justifica los medios, no hay cargos de conciencia ni prohibiciones que eviten determinados comportamientos extremos por parte de aquellos cuya función es educar y no la contraria.

No siempre el absurdo es humor, a veces la irrealidad conduce a pensar que aquéllo que no deseamos que ocurra termina ocurriendo, y por muy estirado que esté el hilo, siempre se acaba rompiendo. Sea para bien o para mal.

LA LECCIÓN

by on 13:30
TEXTO: EUGÈNE IONESCO TRADUCCIÓN: JUAN V. MARTÍNEZ LUCIANO DIRECCIÓN: JOAN MARÍA GUAL INTÈRPRETS: MANEL BARCELÓ, ITZIAR MIRANDA, ...


FITXA ARTÍSTICA
TEXT: WILLIAM SHAKESPEARE
TRADUCCIÓ: JOAN SELLENT
DIRECCIÓ: CARME PORTACELI
INTÈRPRETS: DAVID BAGÈS, MANEL BARCELÓ, GABRIELA FLORES, CARME GONZÀLEZ, ALBERT PÉREZ i DANI NEL·LO
PRODUCCIÓ: FEI i KOMBAT PRODUKCIONS
NAU IVANOW
Aquesta no és la història d’un rei al que destronen. Això només és la façana, Shakespeare parla del destronament del rei com concepte, d’un sistema totalitari on el rei mana per ordre de Déu. La violència, l’assassinat i la pressa de possessió d’un nou rei que farà el mateix que va fer el seu antecessor. Tot això passat per la mà de Carme Portaceli.
Ricard II en el segle XXI, amb l’incorporació de noves tecnologies, que es donen la mà amb les paraules escrites fa segles plenes de conspiració, intriga i sobre tot, traïció. Ricard II és la menys violenta de les peces de Shakespeare, és continguda, però manté moments de gran lirisme.
El gran Manel Barceló encapçala el repartiment, fent del mateix Ricard II, que en aquest muntatge ha perdut una força del seu i acostumat mestratge. Li manca força, decisió i empenta d’aquest rei, li manca credibilitat, i amb això la resta de paraules ja no fan falta. Li acompanya una correcta Gabriela Flores i un magistral David Bagès, que dóna vida a tres personatges ben diferenciats, però tots tres amb un toc de versatilitat que només li podria donar en Bagès. Però sense dubte el millor és Albert Pérez, que fa un gran Duc de York, de mirada penetrant i posada indiscutible de reialesa.
La història es desenvolupa en un garatge, la més baixa dels sentiments humans, en la part més baixa d’on conviuen. El lloc lúgubre i fosc acompanya als personatges en cada moviment, al mateix que el vestuari de Manel Soria, de cuir negre.
El muntatge, al més estil Portaceli, amb l’aportació de música i narració de Dani Nel·lo, pot sorprendre a l’espectador o deixar-lo indiferent, això només depèn de la força que aquest pensés que requeria la peça.

RICARD II

by on 15:54
FITXA ARTÍSTICA TEXT: WILLIAM SHAKESPEARE TRADUCCIÓ: JOAN SELLENT DIRECCIÓ: CARME PORTACELI INTÈRPRETS: DAVID BAGÈS, MANEL BA...