Mostrando entradas con la etiqueta Ivan Morales. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Ivan Morales. Mostrar todas las entradas


autoría y dirección IVÁN MORALES
intérpretes ANNA ALARCÓN, ANDRÉS HERRERA, MIMA RIERA y XAVI SÁEZ
duración 1h 40min
fotografías SANDRA ROCA y ONA MILLÀ
producción LOS MONTOYA
SALA BECKETT

Iván Morales es uno de los nombres clave de la dirección y dramaturgia catalana actual. Una manera de entender el teatro diferente. Hacía tiempo que como dramaturgo teníamos ganas de que ver algo más allá de su mítico/clásico Sé de un lugar. El tiempo de espera ha concluido. Que nadie se espere una segunda parte ni nada parecido, menos mal. Aunque, evidentemente, algunos rasgos made in Morales sí que están presentes.

Esmorza amb mi explica la historia entrecruzada de dos parejas. Natalia (Anna Alarcón) y Salva (Andrés Herrera) mantienen una relación esporádica mientras ella hace un documental sobre el desamor. Sergi (Xavi Sáez) y Carlota (Mima Riera) se quieren y quieren apostar por su relación. Los cuatros sólo buscan desayunar con alguien.




Delante de un punto de partida bastante común, la intriga aparece nada más poner un pie en la sala. La sala grande de la Beckett se convierte en un ruedo, una especie de círculo, con un minúsculo escenario central y una atmósfera que nos hace pensar que venimos a ver una de 'sang i fetge' más que una comedia romántica.

Con una presentación de personajes tan potente, el nudo, desarrollo de la trama inexplicablemente se vuelve monótono. Escenas excesivamente alargadas, ritmo descompasado, información a cuentagotas pero sin una intriga que nos haga tener ganas de abrir el melón.



Una de las escenas más interesantes la mantienen Xavi Sáez y Andrés Herrera. De hecho será éste último a quien Morales le ha regalado el mejor papel de la noche, quizás el más creíble, el más cercano, con el que el propio Andrés Herrera consigue en empatices más con una interpretación más naturalista.

Lo mejor del montaje es sin duda la escenografía y el diseño de luces creado por Marc Salicrú. Gracias a él y a pesar de los fallos de ritmo consiguen que el espectador no deje ni por un momento de prestar atención a escena. Es una de esas escenografías de las que no consigues escapar.



También en el apartado de puesta en escena, destaca el gestión del movimiento escénico de la primera parte del personaje de Natalia, obra de David Climent. Una manera muy realista, sin caer en una parte sensiblera de hacer ver al público los problemas de movilidad de una de las protagonistas.

Me hubiera gustado abandonar la sala llena de la misma niebla que envolvía a los personajes, pero mi neblina personal esta vez acabó (des)conectada de mí.

ESMORZA AMB MI

by on 19:06
autoría y dirección IVÁN MORALES intérpretes ANNA ALARCÓN, ANDRÉS HERRERA, MIMA RIERA y XAVI SÁEZ duración 1h 40min fotografías...
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , ,


de MARTIN MCDONAGH
traducción y adaptación de PAU GENER sobre la idea de IVAN MORALES
dirección IVAN MORALES
intérpretes POL LÓPEZ, MARTA MILLÀ, ORIOL PLA y XAVI SÁEZ
duración 1h 35min
fotografías DAVID RUANO
producción FOCUS
LA VILLARROEL

Entro en la sala con el pie cambiado, ya que pensaba que venía a ver un drama y minutos antes me entero que es una comedia. Gajes del oficio, no querer saber demasiado antes de verla para no ser contaminada. 

La calavera de Connemara nos translada a la Irlanda (oeste) verde, apática y alcohólica donde la vida es lo que pasa entre trago y trago. En el dossier de prensa, Ivan Morales la describe como una comedia negra de amor y huesos. Humor hay, a radaules, amor poco y huesos muchos, algunos todavía conservan su abrigo de piel.

Ivan Morales ha jugado con amplificar la comedia, tanto que a veces el espectador puede pensar que le están poniendo (excesivamente) en bandeja. Está claro que el protagonismo recae en los dos magos de la nueva generación cómica del país, Pol López y Oriol Pla.



Aunque los momentos más cómicos los protagoniza Mairtin Hanlon (Oriol Pla), ha llevado su personaje tan al límite que en muchos casos ha superado la delgada línea roja del histrionismo. Hay algo de su interpretación que chirría, sus momentos de "garrulo" por ejemplo son cansinos y repetitivos.

Todo lo contrario que Mick Dowd (Pol López) que ha sabido jugar con la justa medida de sus movimientos y gestualidad. Los momentos donde podía estar más pasado de vueltas, como por ejemplo en sus estados de ebriedad nos regala una interpretación contenida y llena de matices pero sin sobrepasar ninguna línea.



Justamente es Mick Dowd quien nos regala los mejores momentos de la noche cuando aparece acompañado de Maryjohnny Rafferty (Marta Milà), una brillante secundaria, cuyas apariciones en escena son como un soplo de aire nuevo entre tanta miseria humana. Completa el reparto Thomas Hanlon (Xavi Sáez) un detective que aspira a triunfar.

El diseño de movimiento de David Climent (Los Corderos) es una pieza clave en la obra, sobre todo en un momento mágico protagonizado por el Nothing compares to you de Sinead O'Connor. Sin duda el momento más mágico y quizás, el que dentro de un tiempo recordaremos de la obra.



Otro de los puntos fuerte es la escenografía firmada por Marc Salicrú, que por fin ha salido de su espiral de burbujas y esta vez nos sumerge en la campiña irlandesa con una puesta en escena magnífica.

La  trama de La calavera de Connemara no da para mucho, pero Ivan Morales, con algún que otro pero, ha sabido conseguir sacar oro entre tanto calcio. Eso sí, es una oportunidad, esperemos que no única, para ver a un reparto magnífico en escena.

PS. Un último apunte en forma de deseo. Durante buena parte de la obra estaba pensando lo genial que sería una obra sin texto protagonizada por Pol López y Oriol Pla. Como se ha demostrado en La Calavera de Connemara, el texto es secundario, su magia se puede sentir en mute. 
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , , , ,

LOS CUERPOS. Danza. Cortez-Fontán. Argentina. 50min

Una historia de amor. Dos hombres, dos cuerpos que se buscan, que trasmiten su individualidad, que se unen en colectivo, que se buscan frenéticamente. Se encuentran, se funden, surge la pasión, esa fuerza que todo lo puede, hasta llegar al odio, a una violencia física brutal, que poco a poco nos devuelve al espacio de lo tierno.

Ramiro Cortez y Federico Fontan han arrasado en Tàrrega con su gran componente físico. Una danza complicada, no estamos acostumbrados a ella pero que impacta que deja un rastro optimista entorno a la figura del ser humano.

La iluminación ayuda a subrayar los momentos donde la intimidad se hace presente y parece que no existieran unos ojos que los miran. Y aunque para la Fira de Tàrrega se ha optado por un escenario a nivel del suelo, donde los cuerpos se empequeñecen (dependiendo de la distancia en donde te sitúes), quedan por debajo de la mirada; el espectáculo ganaría en fuerza si estuvieran con escenografía alzada y fuera el espectador quien tuviera que levantar la mirada. A pesar de ello, Los Cuerpos es un montaje de aquellos que merece mucho la pena ver por su singularidad y de los que todo el mundo habla.


MOST OF ALL, YOU'VE GOT TO HIDE IT FROM THE CHICKS. Performance. Carla Rovira. Cataluña. 60min

Este es uno de los espectáculos que tienes que hacer cualquier cosa por entrar, aunque las entradas se hayan agotado y te tengas que esconder detrás de una cortina. Maravilloso, para grandes, para pequeños, de aquellos que vas a tardar en olvidar y por desgracia de aquellos también que vas a tardar en volver uno que se le parezca o esté a su nivel. ¡Qué disfrute!

Carla Rovira monta una granja de pollos que se rebelan contra sus padres, contra los dictámenes que estos les quieren marcar porque "dicen que son adecuados a su edad". Nos explicarán qué es el teatro para ellos, qué les mueve, qué temas le interesan y que aunque les intentemos esconder las cosas se dan cuenta de todo, todo lo saben y sienten igual las cosas que los adultos, a ellos también les duele.

Maravillosa performance tanto la parte de calle como la de sala, donde te tienes que dejar llevar, no cerrarte a las propuestas y vivir el teatro como si fueras un pollito pequeño. Ávidos de nuevas aventuras y experiencias, dejarte sumergir en un mundo de posibilidades infinitas, aptas para todos los públicos interesados a ser llevados a otro lugar, donde las cosas son distintas y la palabra compartir se vuelve protagonista.

Desde la perfomance inicial con baile incluido al más estilo Maria Isabel con su "Antes muerta que sencilla", pasando por una etapa de desarrollo y conclusión que recuerda vagamente al "Rebelión en la granja" de George Orwell. En esta granja los pollos son pequeños pero tienen las ideas bien claras y saben cómo hacerlas realidad.

Irreverencia, sentido del humor, ganas infinitas de provocar pero sin olvidarnos de que la vida está para jugar y para divertirse porque si no se vuelve muy aburrida. Hemos tenido miedo de lo que nos pudiera pasar en manos de 4 pollos, pero no nos podíamos mover de nuestro sitio ante la avalancha de creatividad y buenas vibraciones que recibíamos. ¡Yo también quiero ser pollo!



WASTED. Teatro. Íntims Produccions (Ivan Morales). Catalunya. 80min

Seré sincera fue leer el nombre de Ivan Morales en el programa y lanzarme de cabeza, era imprescindible. A veces, tanta precipitación puede salir rana, pero no es el caso, ni de lejos. Para los que hayan visto Litus de Marta Buchaca el tema de la obra les resultará familiar, pero los elementos que lo acompañan son tan potentes, que el tema es lo de menos. 

Tres amigos se reúnen para pasar una noche de fiesta y rememorar a un cuarto amigo que se murió y del que todos ellos estaban muy unido por uno u otro motivo. La pérdida les dejó un gran vacío y ha supuesto para ellos que no hayan podido entrar en la edad adulta y en el fondo sigan viviendo una adolescencia eterna. Drogas, alcohol, infidelidades es la carga de una mochila que luchan por dejar atrás.

Todo pasa en una sola noche, un viaje lleno de curvas hacia la vida de estos personajes. Con Wasted, la compañía de Lleida Íntims Produccions consolida su prometedor inicio con El Lloc, del que han pasado dos años y se nota el crecimiento interpretativo de todos los actores, al mismo tiempo que la mano de Iván Morales. Éste ha sacado su mejor artillería, los fans reconocerán "el toque made in Morales" del montaje: disposición del espacio, iluminación, espacio sonoro... todo medido, todo preparado para que el público vaya maravillándose y el montaje sea de aquellos que poco a poco te va entrando a dentro para al final explotar.

Cabe apuntar la maravillosa colaboración de Los Corderos en el movimiento, tan preciso en un espacio escenográfico tan reducido, y que además en los momentos de explosión dramática consiguen electrizarte para hacerte vivir aquello que los protagonistas están sintiendo. Vibrante.

El espacio es tan especial como difícil de trasladar fuera de Fira Tàrrega. Una especie de garaje con el techo muy bajo, una sensación de claustrofobia que te hace presagiar que entras en una especie de club secreto, humedad, tierra y oscuridad ponen el resto para que la experiencia sea única e irrepetible. Larga vida a Wasted, y aunque la experiencia será completamente diferente en la adaptación a sala, seguro que más de uno quiere seguir explotando. Bravo.    



ETM: The Initial Approach. Danza. Michelle Dorrance. 60min

Las recomendaciones decían que tanto si te gustaba el claqué como si lo odiabas tenías que ver el espectáculo. Platea llena y expectante por ver el que iba a suceder en el escenario. El show comienza y la sorpresa mayúscula con él. Bailarines de primera división que mezclan, el chaqué con instrumentos de percusión, la música en directo, la danza urbana, el body percussion e incluso uno de ellos nos fascina con su voz. 

 Si bien es vierto que es un espectáculo con un carácter muy comercial, sin una dramaturgia presente en otras danzas contemporáneas como el hip-hop, ETM: The Initial Approach nos muestran en un amplio abanico de ejercicios puntuales su maestría dancística.

 El montaje tiene un gran pero que es la iluminación, escasa y muy simple que no ayuda nada al espectáculo, com un diseño de luces mejor se hubiera completado la espectacularidad de los pasos.

 Espectáculo completo donde los haya, apto para todos los públicos y un buen inicio en el tap dance actual para aquellos que se quedaron en la época de Shirley Temple. El claqué tiene una gran tradición en Estados Unidos y aquí sólo nos llegan espectáculos de manera residual, esperemos que esta sea la primera piedra de una nueva y esperada "moda".
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , , ,

Fuente: Elisa Díez (Butaques i Somnis) 

Benditos los ojos que alguna sala se atreve a programar a Sarah Kane. Sigo sin poder creerme que este septiembre podamos hacer una aproximación a su figura. Psicosi de les 4.48 explora la región de la mente que la mayoría de los seres humanos desearía no tener que visitar nunca, pero de la que muchas personas no pueden escapar. Es un territorio habitado por voces. El hecho de que la obra fuera escrita cuando Sarah Kane sufría una depresión profunda, una circunstancia más destructiva que creativa, demuestra el acto de generosidad de la autora.

Y aunque el suicidio es siempre un interrogante, el suicidio de una escritora plantea una pregunta que los vivos buscamos responder. Que la muerte de Sarah Kane planee sobre toda su obra no es nada nuevo, puede hacer que el lector/espectador vaya buscando un diagnóstico, para escuchar los gritos sordos que buscan ayuda. El reto de los espectadores, de la que es la última obra de la autora, es dejar de buscarla entre las palabras de su texto sino dejar que éste te transporte hasta su propia realidad, lo que provocará en el público el reconocimiento del miedo que sienten y los impulsos que les mueven en relación a un acto autodestructivo que a menudo preferimos ignorar.

Además de la obra protagonizada por Anna Alarcón y dirigida Moisès Maicas con ayuda de Iván Morales, La Seca ha organizado un conjunto de actividades, todos los miércoles, en paralelo a la obra para profundizar en la figura de Sarah Kane.


09.09.15 

19.00 h - Sala Palau i Fabre

Mesa redonda alrededor de la obra y figura de Sarah Kane

Con Ramon Simó, Andreu Gomila y Xavier Albertí. Presentación de la edición de Lleonard Muntaner Editor de la versión catalana de Psicosi de les 4.48, con traducción de Anna Soler Horta y prólogo de Andreu Gomila. 


16.09.15

19.00 h. - Sala Joan Brossa

Lectura dramatizada de Rebentats (Blasted), de Sarah Kane, con traducción d’Ester Roma Calle

Con Mingo Ràfols, Bàrbara Roig y Miquel Sitjar. Dirección: Ester Roma Calle. 



23.09.15

Sala Joan Brossa

Después de la función, coloquio.

Con la actriz Anna Alarcón, el director Moisès Maicas y el equipo artístico del espectáculo Psicosi de les 4.48. 



30.09.15

19.00 h - Sala Joan Brossa

Oh Kane... my Sarah Kane | Escenario Abierto

Creadores vinculados al mundo del teatro, lectores y espectadores de obras de Sarah Kane intervendrán para compartir con los asistentes su visión de los textos de Sarah Kane.


PSICOSI DE LES 4.48. La Seca. Del 9 de septiembre al 4 de octubre. 
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , , ,


Fuente: Alberto Ojeda (elcultural.com)

El Festival de Almada levanta este verano su 32ª edición. Su cosmopolita programación, jalonada por producciones rumanas, italianas, mexicanas..., arranca este sábado con un potente reclamo: King Size, montaje orquestado por Cristoph Marthaler. El director suizo, gurú de la escena europea, funde de nuevo la música (una curiosa combinación de piezas de Schumann, Mozart y Wagner escanciadas con canciones de bandas como The Jacksons Five y The Kinks) y el teatro de texto. 

La presencia española es muy numerosa. No en vano, nuestro país tiene el rango de invitado especial este año. Así, de entre los 27 espectáculos que se representarán hasta el próximo 18 de julio, encontramos algunos manufacturados en España, como el ganador del último premio Max a Mejor Espectáculo Revelación: Los nadadores nocturnos, de José Manuel Mora, buen exponente del teatro experimental hecho dentro de nuestras fronteras. 

También recala en esta ciudad confrontada con Lisboa a través del estuario del Tajo Kafka enamorado (texto de Luis Araujo y puesta en escena firmada por José Pascual), que tan fuerte impacto causó en el María Guerrero a lo largo de dos temporadas. Y La tempestad de Marta Pazos y su compañía Voadora, que dota a la última perla de la dramaturgia shakespeariana de un aire performativo. Completan la 'legación' española, apoyada por AC/E, Última transmisión, de Quique y Yeray Bazo; Sé de un lugar, de Iván Morales; y Mi piedra Rosetta, de José Ramón Fernández. 

"Empezamos el año pasado con la invitación a un país, para que nos presentase su 'novísimo teatro'. Tuvimos seis obras argentinas. Con la invitación a España procuramos combatir un cierto prejuicio", advierte a El Cultural, Rodrigo Francisco. El director del festival refiere el dicho popular portugués: "De Castilla, ni buenos vientos, ni buenos casamientos". Lapidaria sentencia contra el vecino, que también ha descuidado históricamente la labor agrietar esos clichés que nos han mantenido de espaldas. "Creo que nos corresponde a nosotros, hombres de cultura, dinamitar esos falsos mitos nacionalistas tan antiguos". 

Rodrigo Francisco tomó las riendas de la dirección del festival en 2008, tras el fallecimiento de su fundador Joaquim Benite. Recuerda que todo empezó como una muestra de teatro de aficionados en el centro histórico de la ciudad. "Esa muestra era el resultado del trabajo de animación cultural desarrollado por nuestra compañía (que es la que organiza el evento) a lo largo del año. En los 90, con la inclusión de los teatros de Lisboa y una mayor inversión del ministerio de Cultura liderado por Manuel Carrilho, el festival se internacionaliza y se transforma en una cita de referencia en la escena europea", explica Francisco. En 2006, con la inauguración de un nuevo teatro municipal, Almada consigue disponer de espacio a la altura de sus amplias miras. 

En este teatro, que lleva el nombre de Joaquim Benite, se montará la versión de Hamlet de Luis Miguel Cintra, histórico de las tablas lusas, con la escenografía de la artista Cristina Reis y la traducción de la poeta Sophia de Mello Bryner Andresen. Rodrigo Francisco reclama atención específica sobre este trabajo, urdido en colaboración entre las compañías Cornucopia y la del propio festival, que en los últimos ha notado el impío sablazo de la crisis. "La subvención del Estado que recibíamos ha caído a niveles de 1997. Este retroceso tendrá consecuencias indelebles en esta y en las generaciones futuras. Los gobiernos que se han sucedido en el poder, en los últimos años, no han sido capaces de crear una política cultura para el país, dejando a los municipios la responsabilidad de la alimentación cultural de los ciudadanos, prevista en nuestra constitución. En Almada, la cultura sí es una prioridad para sus gobernantes. Pero por desgracia, esto no es una realidad en todo Portugal". 
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , ,
Fuente: Elisa Díez (Butaques i Somnis) | 
Fotos: Felipe Mena

Como aquel que dice hemos acabado la temporada teatral, queda el Grec pero por lo demás ya está todo el pescado vendido. Muchos altibajos en la programación, que desgranaré en el último artículo de la temporada, pero una gran sorpresa que me ha hecho fan de una especie de teatro “seriado”, el ciclo “Tot pels diners” de la productora La Brutal y el Teatre Lliure. Después de ver L’onzena plaga se me queda un vacío, no me puedo creer que no vaya a volver a ver a Dylan Bravo. ¿Ya está? ¿No hay nada más que contar? Después de los tres capítulos: Mammon, Cleopatra y L’onzena plaga necesito una segunda temporada!

Por falta de tiempo no he escrito ninguna de sus críticas, pero aprovechando la maratón del sábado 20 y el domingo 21 de junio he optado por hacer un artículo conjunto. El ciclo empezó fuerte, por todo lo alto con fuegos artificiales incluidos. La manera de hacer teatro del dúo Nao Albet & Marcel Borràs es hacer saltar por los aires todo lo previamente establecido, innovar, prueba y acierto. Living Las Vegas, sexo, drogas y rock&roll. Dinero ganado, dinero perdido. Dylan Bravo es la figura que les guía por un submundo donde es mejor salir de vez en cuando a ver la luz del día. Para ver Mammon y disfrutar de su esperpento tienes que dejarte llevar, no poner trabas a lo que están a punto de presenciar tus ojos. Quizás me equivoco pero creo que es lo mejor que he visto hasta la fecha de Albet/Borràs. Un subidón que te deja KO y que te dura días. Natural y sin efectos secundarios adversos.

Y sin prisa pero sin pausa, nos sumergimos en Cleopatra, una pieza más costumbrista. Volvemos a Barcelona, pero a la ciudad real no a la de los turistas, donde Dylan Bravo lucha por sobrevivir y se enamora mientras comparte piso con una prostituta y su hija. Lo mejor de cada casa en la suya y los problemas que no le dejan de perseguirle. En un ambiente más relajado donde afloran los sentimientos, la pieza de Iván Morales nos devuelve a una Barcelona donde las personas que han sufrido buscan una segunda oportunidad. 

El último capítulo de la saga, hasta ahora (no me resigno a pensar que esto tiene que continuar, que no puede acabar así), es L’onzena plaga de Victoria Szpunberg, con las ratas como metáfora desentrañará las miserias humanas que pasan del dinero a sumergirse en el YO. Como las posesiones materiales no son tan importantes al final si se pierde la esencia humana por el camino. Increíble puesta en escena que acentúa los dardos de la dramaturgia. No sé si a todos los espectadores les habrá pasado igual, pero al visualizar situaciones cotidianas, los dardos fueron haciendo diana. Es una lástima que Dylan Bravo se quede en una simple anécdota en la pieza final.

Aunque recordaremos ‘tot pels diners’ por Dylan Bravo, hay otra actriz de la Kompanyia que ha tenido un papel destacado en dos de las piezas (Mammon y L’onzena plaga) y cuya interpretación ha eclipsado en buena medida la de sus compañeros, Mima Riera. Quizás la más tímida de todo el elenco de la Kompanyia pero que el ciclo ha subido en un pedestal. En Mammon enamora y en L’onzena plaga está magistral de principio a fin.

Y mientras aún saboreamos a Dylan, en marzo Molière y Don Joan serán pasto de la llama de La Brutal y David Selvas al TNC. Yuhu!
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , , , ,
Font: Laura Serra (ara.cat)
La companyia La Brutal, que codirigeixen David Selvas i Julio Manrique, ha fet un Occupy Espai Lliure. Durant els pròxims tres mesos, tres espectacles de la seva factoria ocuparan la sala petita de Montjuïc. Es tracta d’un projecte insòlit, no només perquè Tot pels diners és un tríptic que aborda una mateixa temàtica des de tres mirades diferents -i això ja implica que s’han produït de cop tres espectacles de nova creació amb textos de dramaturgs catalans-, sinó perquè és una companyia privada la que ha projectat tot el cicle sencer que després acull i coprodueix un teatre públic. Nous temps, noves fórmules. 
La voluntat de trencar inèrcies i connectar amb nous temes i públics són precisament els puntals filosòfics de La Brutal. “Volem parlar del que està passant a la societat, de coses que ens toquen, i donar joc a veus que ens agraden i interessen. Volem teixir complicitats amb els públics que estan mirant les sèries de la HBO i els fa mandra anar al teatre, amb els quals ens sentim identificats”, explicava ahir Selvas. 
A Tot pels diners La Brutal han fet la funció de comissaris d’exposició. Van buscar un tema actual i provocador (els diners en relació amb l’art, amb l’estructura social i les relacions personals), van optar per llenguatges i formats diferents però sempre contemporanis (i d’aquí l’elecció dels tres autors a qui van encarregar les peces) i van imaginar maneres per fer que el públic visqui “una experiència” total: per això hi haurà videoinstal·lacions de Mürfila, activitats paral·leles i fins i tot estudien programar el tríptic sencer, com si fos una temporada sencera de House of cards (el Lliure ha creat un abonament especial de 12 euros per espectacle). 
Les obres són del tot independents en estètiques i arguments, però comparteixen un nexe temàtic, una caixa escenogràfica i un personatge que les creua totes tres, interpretat per l’actor Manel Sans. La resta d’actors són diferents en nombre i noms a cada peça. “Ell és com Batman, que a la història ha tingut diferents dibuixants però al final és el mateix personatge amb els mateixos poders”, deia Marcel Borràs. “Per a mi és un personatge que encarna la cultura del pelotazo però des del punt de vista del perdedor”, afegia Iván Morales. 
Una paràbola de la guerra a Síria
El tàndem creatiu de Marcel Borràs i Nao Albet encetarà el cicle amb Mammón -del 10 al 26 d’abril-, un títol que prové, diuen, d’“un mite fenici que significa riquesa i prosperitat”. En la història que Borràs assegura que li va explicar un arqueòleg quan va visitar Síria el 2011, Mammón és una divinitat que descendeix del cel i acaba portant pel pedregar tot el poble d’una vall que estava plena de riqueses naturals sense explotar i on no hi havia ni rastre d’odis, enveges i mals pensaments entre els habitants. “El mite té forts paral·lelismes amb la situació del país i es pot extrapolar a la condició de l’home en relació amb els diners, amb l’avarícia”, deia Albet. Alhora, a la ficció hi sumen la suposada creació d’una tragèdia teatral que té problemes de finançament. A Albet, Borràs i Sans els acompanyen en escena Javier Beltrán, Paula Blanco i Mima Riera. 
Dominar el món des del Poble-sec
Iván Morales també beu d’un mite antic, Cleòpatra -del 6 al 24 de maig a l’Espai Lliure-, per abordar diverses problemàtiques socials d’actualitat (la prostitució, la transformació de barris com el Poble-sec, el 15-M, la participació política) a través d’una història “de personatges que ens importen, perquè són els nostres veïns”, diu. Els interpreten Sans, Clàudia Benito i Anna Azcona. 
Rates per a un sistema podrit
A L’onzena plaga, de Victoria Szpunberg -del 4 al 21 de juny-, hi ha una veritable plaga de rates a casa d’una parella tan precària que no es poden ni separar per culpa dels diners, però les rates en el fons són símbol “d’una plaga sistèmica, invisible, que ho converteix tot en mercaderia”, diu l’autora. Els sis actors de la Kompanyia Lliure, Selvas i Sans viuran la “decadència de la burgesia, que s’ha d’acostumar a viure sense diners i a deixar activitats diàries com comprar”.
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , , , , , ,

CREACIÓN y DIRECCIÓN: IVAN MORALES
DRAMATURGIA y COACH: ANNA ALARCON
INTÉRPRETES: MARCEL BORRÀS, LAURA CABELLO, ÀLEX MONNER, ORIOL PLA i XAVI SÁEZ
DURACIÓN: 1h 40min
PRODUCCIÓN: GREC 2013 FESTIVAL DE BARCELONA, CCCB, BITÓ PRODUCCIONS, CAET y COMPANYIA PRISAMATA
TEATRE LLIURE (GRÀCIA)

Entré con miedo a el Lliure de Gràcia. Tenía demasiado presente el recuerdo de Sé de un lugar, los comentarios de amigos y conocidos nos habían sido demasiado halagüeños y algunos incluso me disuadían a no ir: "No es tu tipo de obra" (me encantaría saber cuál es mi tipo de obra). Pero pese a todo me decidí a entrar en una sala donde el 80% del público era adolescente. 

No habían pasado ni diez minutos y ya me había olvidado de Sé de un lugar, de que no era mi tipo de obra y me había dejado llevar por la trama y los personajes. ¡Y qué enganche! No sabia si estaba en el 2014 o a principios de los 90, la atmósfera me trasladaba de una época a otra. Referencias actuales pero teñidas de aquellos noventa del siglo pasado.

Héroes desdichados, sueños rotos, ansias por triunfar y cada personaje con una historia por contar, nada aburrida. Una Jam o un concierto. El público en gradas, pero presente, alusiones a no ser una pared, sino a involucrarse en la historia. Personajes dispares pero con coincidencias, historias de vida pero no necesariamente urdidas para atrapar a la jauría de adolescentes que poblaban la sala. Jo Mai habla de adolescencia pero va más allá, a los que ya la hemos pasado hace años, no nos es indiferente, nos toca y nos hace pensar en los "ninis" actuales.

Disposición a tres bandas del Lliure de Gràcia, escenario vacío en el medio, solamente los instrumentos, guitarras y batería  forman parte de una escenografía que no necesita muebles sino palabras y actores creíbles que las llenen. La banda comienza a tocar, Jo mai os diré cuál es mi tipo de obra porque Jo Mai lo sabré. Pero si sé, que he salido de Jo Mai hipnotizada, así que quizás esté en el buen camino. 

JO MAI

by on 19:21
CREACIÓN y DIRECCIÓN: IVAN MORALES DRAMATURGIA y COACH: ANNA ALARCON INTÉRPRETES: MARCEL BORRÀS, LAURA CABELLO, ÀLEX MONNER, ORIOL P...
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , , , , ,

Font: EFE via ara.cat
Àlex Monner i Oriol Pla protagonitzen dins el festival Grec l'espectacle 'Jo mai', un muntatge d'inspiració rockera en què "es deixen la pell" tocant guitarra i bateria després d'haver estat assajant a l'espai Adriantic, situat en una nau industrial de l'àrea barcelonina. Els dos actors comparteixen escenari amb Marcel Borràs, Laura Cabello i Xavier Sáez, algunes de les joves promeses de l'escena catalana, en un espectacle d'Iván Morales, l'autor de l'exitosa 'Sé de un lugar', que va néixer com "una improvisació", segons ha explicat a EFE el director teatral, i que apel·la al teatre "en el seu estat més primigeni i més tribal". 'Jo mai' es podrà veure al teatre del CCCB del 25 al 28 de juliol.
'Jo mai' aborda la història d'un grup de joves marginats que troben refugi en un bar abandonat. L'obra arrenca amb una peça molt "punke" en què Monner toca la guitarra elèctrica i Pla la bateria i guitarra acústica, un tema creat especialment per a l'espectacle.
Monner, Pla i Borràs encarnen tres amics de la infància que solien reunir-se al Bar Amparo. Se separen per circumstàncies de la vida, encara que es necessiten mútuament i tornen a retrobar-se en el mateix espai dos anys després. En aquest espai els actors mostren el despertar emocional d'uns nois i una noia que lluiten per trobar el seu lloc en el món i desfer-se d'unes arrels en què es confonen perillosament l'amor i la violència.
Els personatges han passat per moments difícils en la seva vida, ha explicat a Efe Àlex Monner (premi Gaudí per 'Els nens salvatges'), i lluiten per aixecar el bar on es refugiaven. Tots comparteixen el no ser estimats pels seus pares. L'obra parla "de la merda que portem a sobre i dels recursos per netejar-la", però la lectura "és positiva al final perquè tots troben la llum", ha afegit l'actor, conegut especialment pel seu paper de Lleó en la sèrie televisiva 'Polseres vermelles'. Són, afegeix Oriol Pla, "personatges ferits forçats a créixer", que cita un vers de Bob Marley que apareix a l'obra i que diu "tots et faran patir, només has de buscar la persona per qui val la pena el dolor...".
Amb el cigarret a la boca i suant la samarreta, Monner, Pla i la resta d'actors han assajat 'All the gates' i 'Jo mai', dues peces musicals creades per Heli Reguera.
Monner recrea a un personatge de 18 anys, els que té en l'actualitat, i Pla un de 20, també la seva edat real, que va patir un transtorn mental en el passat. Per això, l'actor ha investigant al voltant d'aquest trastorn mental no definit amb un col·lectiu del centre social de Torre Llobeta, a Barcelona.
'Jo mai' neix amb la perspectiva d'un llarg recorregut en l'escena catalana. Després del Grec, es representarà al CAER de Terrassa l 19 d'octubre, el 9 de novembre en el festival Temporada Alta de Girona i Salt, i el 2 de febrer de 2014 tornarà a Barcelona dins la programació del Teatre Lliure. 
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , ,

Font: Jordi Bordes (elpuntavui.cat)
El bon teatre es genera a partir d'un conflicte entre dos personatges. I esdevé art quan un tercer se l'escolta i interpreta les raons de cada ànima a l'escena. En aquesta edició del Festival Grec, que ha ajuntat un reguitzell de propostes teatrals de nous dramaturgs de casa (posant-los al costat de direccions contrastades a Catalunya i també propostes internacionals que li donen prestigi i aporten noves mirades transversals a l'escenari), l'engany és un dels ressorts més utilitzats com a motor de la trama. Són peces, generalment, desacomplexades que diuen i insinuen sense manies, desinhibides. Fem-ne un repàs:
Brickman Brando Bubble Boom narra una faula que dóna a conèixer el creador de les hipoteques modernes per a patrimoni (un nen pobre que aconsegueix reunir una gran fortuna al llarg de la seva vida) i el relaciona amb l'actor Marlon Brando (un artista popular, amb molt patrimoni propi però que cap se'l considera la seva llar). L'actor Diego Anido dobla Brando en alguns dels seus passatges de la filmografia, que cusen com si es tractés d'una peça dedicada al mític Brickman. Treball incessant de projecció a pantalla d'elements captats al moment. Minimalista, juganer, amb sensació d'espontaneïtat. Els Serrano no persegueixen el preciosisme, sinó que juguen a fer versemblant un conte. I expressen opinions a partir d'una poesia naïf. Un dubte a veus: és real aquest tal senyor Brickman (l'home totxo) de nom ben sospitós?
Ernesto Collado signa Montaldo. És un encantador de serps. Té la capacitat d'atrapar l'espectador explicant el que sigui. No ho fa només amb l'oralitat, sinó reforçant-se amb aparells i jocs que obliguen el públic a trobar punts de contacte amb l'escenari i el que proposa la companyia. En realitat, Montaldoparteix d'una història tan atractiva com increïble, una road movie singular. Juga a fer de biopic trencant totes les convencions. Tot el que presenta, finalment, és la cerca de l'investigador (ell mateix) i els seus fracassos. Abandona de seguida l'aventura d'aquella societat utòpica en la qual va voler participar aquest català, Ignasi Montaldo, que presenta Collado. L'actor se serveix d'elements màgics, que són els que fan treballar el cervell; de l'humor d'estar per casa; i també de la sorpresa. La seva desimboltura és el que permet mantenir atent el públic. El seu compromís, el que marca la seva voluntat artística. Potser en aquest treball ha triomfat la forma, però, al final, el punt de lluita ha quedat desdibuixat, convertit en una dansa mítica hipnòtica però allunyada del bategar del públic d'avui. I no és perquè no sigui temps de perseguir o creure utopies, sinó perquè el pobre Montaldo queda oblidat en una cuneta d'aquell Scalextric escènic.
La nau dels bojos és l'últim treball de La Calòrica. Aquesta formació, que només té quatre espectacles al seu repertori, ja és una veu que es fa sentir en la nova generació d'autors. L'equip d'Israel Solà i Joan Yago són un conjunt inquiet, juganer, que no es conforma amb una peça cridanera, sinó que també li busquen altres ressons. A Editto bulgaro van participar en format de lectura al Juliol a la Cuina. Després el van transformar en espectacle i els va resultar un treball brillant, de paròdia a Berlusconi sense una mofa massa despietada (que acaba donant un aire de víctima al personatge que es pretén criticar). El treball d'ara es pot veure avui i demà encara i va ser el guanyador del projecte escènic d'exalumnes de l'Institut del Teatre Adrià Gual. Ells situen els personatges del quadre homònim del Bosch en ple segle XXI. Davant l'abisme es pregunten “I ara, què hem de fer?” La resposta, o les reflexions dels joves de La Calòrica, a la Sala Pina Bausch.
Més desolació és la que imprimeix Lluís Danés a Wasteland: construeix com pot ser la vida en un abocador convertit en ciutat de desheretats. Es podrà veure encara avui i demà a la Sala Maria Aurèlia Capmany del Mercat de les Flors.
Jo, mai és el darrer treball d'Ivan Morales. Es presenta del 25 al 28 de juliol al teatre del CCCB. Una colla d'amics s'apleguen per tirar endavant un bar, mig abandonat, i transformar-lo en la família que no van tenir. És una peça de gènere negre amb tocs de realisme i una notable influència del fatalisme als temes de 3 minuts i 40 segons de rock and roll. Al costat d'aquesta estrena, una nova peça que és fruit de la col·laboració del festival amb els Premis Quim Masó. El text de Sandra Simó situa dos personatges en una tragèdia contemporània que és un cant (i un ball) al risc de viure. El títol és prou explícit Victoria Falls(Victòria cau). Es podrà veure a partir de la setmana vinent, del 25 al 27, a la Sala Pina Bausch del Mercat de les Flors.
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , , , ,

Fuente: EP vía lavanguardia.com

El dramaturgo Iván Morales, reconocido por el éxito de su espectáculo de pequeño formato Sé de un lugar, llevará al Festival Grec de Barcelona un espectáculo de "teatro a pelo" sobre rock and roll y un grupo de jóvenes desarraigados que encuentran en el Bar Amparo un espacio de encuentro.

Se trata de una "experiencia muy potente de proximidad" que se representará en el Teatro del Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) del 25 al 28 de julio a partir de un cuento de género negro sobre un grupo de jóvenes de 18 a 23 años que quieren formar en un bar de barrio abandonado la familia que nunca tuvieron.

La obra, que interpretan los actores Marcel Borràs, Laura Cabello, Àlex Monner, Oriol Pla y Xavier Sáez, transpira el "espíritu del rock and roll y el punk, de grita o muere" con una experiencia tridimensional física y emocional, ha señalado Morales en la presentación de la obra.

"Es teatro popular que apela al público joven, pero que habla de temas adultos porque estos chicos que pasan de la adolescencia a la edad adulta se enfrentan al amor, la muerte... y temas no ligeros", ha reseñado Morales, sin ganas de explicar los detalles de la historia que se entreteje con canciones de Sonic Youth, Bob Marley, Gorillaz, Kiko Veneno, Los Chorbos y otras propias.

Tras canciones populares que funcionan se esconde un trasfondo y una "inquietud cultural potente", ha destacado el director, que ha resaltado que en el escenario se representará música de gente que habla sobre aquellos a los que no se les ha dado voz.

En escena habrá dos guitarras eléctricas, un bajo, una guitarra acústica y una batería, y el público estará sentado alrededor, el "más arriesgado", se podrá sentar en primera fila con cojines, ha indicado Morales, que ha indicado que la capacidad de la obra -por la disposición de la escena- será de 120 personas.

Por su parte, el actor y director Ernesto Collado llevará también al Teatro del CCCB del 11 al 14 de julio el espectáculo Montaldo, que recrea el "fracaso" de un sueño colectivo y la utopía a través de un personaje histórico que formó parte de una expedición de seguidores de Étienne Cabet, que en el siglo XIX viajaron a EE.UU. para fundar una comunidad de socialistas utópicos.

Uno de ellos era el catalán Ignasi Montaldo, que él ficciona, a través de la figura de un chico mudo y tímido que se salvó del desastre de los fines de la expedición y, como dice la leyenda, se convirtió en el jefe de una tribu de indios.

"He querido coger la utopía como un marco histórico" como excusa para hablar de la tensión del individuo y el colectivo, ha señalado Collado, que permanecerá solo en escenario con música de Pony Bravo y las diapositivas del dibujante de cómics Dennis Tyfus.

"Todos queremos vivir como antes, pero llevamos un siglo de carrera frenética de individualismo, y mi pregunta es: ¿Se puede?", ha planteado el director del espectáculo, cansado de que etiqueten sus obras como experimentales.

La moraleja de todo esto es un "piensa menos, habla menos y baila más, escucha tu cuerpo y toca más", ha señalado Collado, quien se ha remontado al primer socialismo, al de la primera mitad del siglo XX por ser el puro con principios positivos.

La obra es mitad documental y mitad road tale y finalmente se convierte en una "epifanía personal maravillosa" en un intento performático, no académico, de desentrañar y comprender el corazón de la tensión existente entre el individuo y el colectivo, ha indicado.

Con estas obras, el Teatre del CCCB se suma al Festival Grec por primera vez con la programación de espectáculo, ha señalado el director del CCCB, Marçal Sintes, que ha celebrado que este escenario vuelve a ser utilizado después del ciclo 'Primera persona', a caballo entre las voces narrativas y las 'performances'
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , ,


Font: Jordi Camps i Linnel (elpuntavui.cat)
Iván Morales (1979) és actor, guionista –actualment escriu el nou film d'animació del tàndem Trueba-Mariscal– i autor i director teatral amb una obra debutant que s'ha convertit en tot un fenomen als escenaris de Barcelona i mereixedora del premi Butaca 2012 com a millor obra de petit format. Ara, poc més d'un any després d'haver-la representat per primer cop en gira a la seu d'aquest diari (a la Farinera Teixidor dins del festival Fora de Temporada), ofereix dues funcions de Sé de un lugar aquest dissabte al Teatre de Salt (18 i 21 h).
A la pregunta de com s'ho ha fet per assolir un èxit tan llampant, el jove dramaturg exposa amb eloqüència que sempre s'ha plantejat què voldria veure o li agradaria que li expliquessin en cas que fos un espectador més. Per això, en el seu cas, escriu coses que el toquen molt i de prop. “Prou pesat és escriure”, confessa, “doncs millor que sigui quelcom que valgui la pena”, riu Morales. Així, tot defugint tòpics del gènere a l'hora d'abordar el clàssic relat de conflicte de parella, ell ha preferit apostar per allò que pocs tracten: el tema de l'exparella i el desamorament (excel·lents en els seus papers, Anna Alarcón i Xavier Sáez).
Els crítics citen el teatre porteño de Buenos Aires com a principal influència en aquesta obra debutant (per la naturalitat i la proximitat amb el públic), però a Iván Morales no li fa res explicar quins són els seus referents, entre els quals hi ha el cinema de Cassavetes i, sobretot, Éric Rohmer (El trío en Mi bemol) a l'hora d'escriure els diàlegs i aprofundir en la psicologia dels personatges. Com en el cas del director i dramaturg francès “els meus personatges es banyen i lluiten contra les seves pròpies contradiccions”, afirma, i aclareix que, com el mestre, “sense intentar alliçonar ningú”. En aquest punt, remarca que la possible clau per connectar amb èxit amb el públic ha estat que l'obra no fa més que “parlar de tu, jo i els altres, amb tots els problemes aparentment domèstics i quotidians” amb els quals un es pot reflectir. La tesi de l'obra? “És possible estimar després de l'amor?”, es pregunta.
Un altre dels aspectes més comentats de l'obra és l'escenografia, mutant i lliure a cada representació. “El públic l'integrem a l'obra, per això a vegades hem arribat a fer l'obra d'esquena a la platea”, explica.
Comparant el teatre amb la música en directe, explica que a cada funció parteixen de zero i ho donen tot. També dissabte, en què director i repartiment oferiran un col·loqui amb el públic.
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , ,


Font: Belén Ginart (ara.cat)
Res d'estar-se còmodament asseguts a la butaca. Deixar-se temptar per les propostes de Pentateatre Atòmic vol dir estar disposats a moure's per gaudir d'una festa escènica. La iniciativa que va néixer el juliol del 2011 en un petit bar de l'Eixample ha fet un camí d'èxit que ha sorprès fins i tot els seus impulsors. Ara en presenten el tercer volum a la Nau Ivanow, fidels al mateix format i esperit: cinc obres de quinze minuts representades de manera simultània. Dividits en grups, els espectadors segueixen diferents itineraris fins a completar el pentàgon i gaudeixen d'un banquet artístic indissociable de l'experiència de viure. Josep M. Riera i Marc González de la Varga són els impulsors, codirectors i autors de molts dels textos d'aquesta aventura amiga del risc i de l'experimentació, amb voluntat de remoure el panorama teatral.
DEL BAR AL TEATRE
El Pentateatre Atòmic s'inspira en la fórmula del microteatre, molt present en ciutats com Madrid i Buenos Aires però poc explorat a l'escena catalana. L'èxit de les primeres funcions al bar de l'Eixample va permetre el salt a l'Alexandra Teatre i, molts espectadors més tard, han fet una nova clau de volta per emplenar de teatre tota la Nau Ivanow. I és que en les seves obres l'espai assoleix la condició de personatge. A partir d'un patró inicial, els textos es cusen a mida del lloc on es representaran. La intimitat entre el públic i els intèrprets, la senzillesa de recursos i l'eclecticisme de l'equip artístic són els puntals de la proposta, que a més ofereix un compendi de gèneres: cada peça pertany a un de diferent.
I DE LA CUINA AL TERRAT
Després de passar pel bar de la Nau Ivanow, on seran rebuts amb cava i cervesa, els espectadors s'aniran repartint per degustar en diferent ordre tot el menú. A la cuina dels treballadors de la Nau hi veuran el drama Crisis, un sopar entre la propietària del teatre i l'encarregat de manteniment. La comèdia es titula El séptimo Chakra, protagonitzada per una malalta terminal i el guru que promet sanar-la. La nit dels petons, al terrat, és una peça de ciència-ficció sobre una màquina imperfecta per reviure els somnis. El Paco Donald és un soliloqui en una sala d'assajos on l'actor Paco Moreno (Rec, El cuerpo... ) reflexiona sobre el seu ofici. La peça que completa el quadre suposa una novetat per a Penteateatre: l'actor, guionista i dramaturg Iván Morales estrena la figura de l'autor convidat amb un documental polític en un espai mínim al fons del bar. "El Penteateatre és deficitari per definició. Però el defensem convençuts perquè a Barcelona hi falta molt risc", diu González.
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , ,