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creación, interpretación y dirección DAVEL PUENTE
duración 55min
fotografías LUX NIEVE
producción COMPAÑÍA DONDAVEL
LA BADABADOC

Tras cuatro años de investigación la compañía Dondavel nos presenta Le Fumiste, un viaje a través de la memoria lleno de magia, humor y poesía. Un espectáculo apto para toda la familia donde el intérprete nos hace viajar a su infancia, nos presenta a su familia y nos descubre sus sueños. 

Su propuesta teatral se basa en el teatro de objetos, el teatro gestual y algunos simples trucos de magia. Por el nombre, esperaba encontrarme la sala llena de humo nada más entrar, y quizás hubiera sido un buen inicio, ya que los diez primeros minutos del espectáculo es donde más se resiente.

Una vez superados, la magia y la melancolía se apoderan de la sala y el público queda atrapado hasta el final. Grandes y pequeños entran en una especie de hipnosis y se dejan convencer por lo que les va mostrando el maestro de ceremonias, Davel Puente. La imaginación es poderosa y ya no vemos ni jarrones ni tarros cuando estos cobran vida y se convierten en los personajes humanos del cuento.



Le Fumiste demuestra que las cosas simples con las que más gustan. Da igual la edad del espectador, la magia y los malabares les atrapan por igual. Es un espectáculo lleno de sensibilidad y melancolía. Todo un homenaje a la importancia de los abuelos en la infancia, y, por ende, en nuestra vida.

La intimidad de la sala Badabadoc es el lugar ideal para crear la atmósfera más idónea para que se desarrolle la magia de Le Fumiste. Pavel Puente nos ha dejado embelesados durante casi una hora y nos ha hecho partícipes de todo su universo mágico. Todo un placer.  

LE FUMISTE

by on 18:44
creación, interpretación y dirección DAVEL PUENTE duración 55min fotografías LUX NIEVE producción COMPAÑÍA DONDAVEL LA BADABADOC...
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de 1927
dirección y texto SUZANNE ANDRADE
dramaturgia BEN FRANCOMBE
film, animación y diseño PAUL BARRITT
intérpretes GENEVIENE DUNNE, NATHAN GREGORY, PHILIPPA HAMBLY, ROWENA LENNON y FELICITY SPARKS
música LILIAN HENLEY
duración 1h30min
producción 1927
EL CANAL (TEMPORADA ALTA 2017)

Siendo una lover del teatro británico no podía perderme Golem, toda una síntesis de animación artesanal, música en vivo y teatro que nos introduce en una distopía satírica sobre si controlamos o no las nuevas tecnologías.

Si bien está claro que el montaje deja entrever sus cartas pronto y, a finales del 2017, no nos asombra el discurso que propone basado en la novedad fácil y pasajera que introducen las nuevas tecnologías que sabemos que dura un suspiro, y pese a todo nos atrapan hasta el punto de no saber prescindir de ellas.



1927 es una de las compañías británicas más innovadoras y Golem es una muestra de ella. El uso de la imagen es espectacular y la composición entre imagen, música, texto, voz nos recuerda, y es todo un homenaje, al mundo del cómic y del audiovisual de los años 80.

A nivel interpretativo, es sabido que los actores ingleses forman parte de otro universo. Multidisciplinariedad por vena, cantan, bailan, actúan  son mimos, clowns... todo un despliegue de maestría teatral en noventa minutos. 



El punto satírico, tan presente durante todo el montaje, toca su punto álgido en el momento de las parejas, y a pesar de algunos momentos repetitivos, sale vencedor. De la misma manera que ciertos guiños al espectador medio, que muchas veces se debate entre la diatriba entre lo mainstream (U2) y lo underground (el punk).

Golem es un montaje para espectadores con un punto entre medio y alto de frikismo. Aquellos que nos les importe verle las costuras al montaje, que aquí al fin y al cabo no es ni relevante, y simplemente buscan que un espectáculo le entre por los ojos. Si detrás de tanta luminaria escénica además hay un mensaje pues ya te das con un canto en los dientes y te 'partes' las manos aplaudiendo. ¡Qué menos!

GOLEM

by on 18:51
de 1927 dirección y texto SUZANNE ANDRADE dramaturgia BEN FRANCOMBE film, animación y diseño PAUL BARRITT intérpretes GENEVIENE...
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de CIA. MAI ROJAS y LOS ESCULTORES DEL AIRE
dirección e interpretación MAI ROJAS
voz en off IGNASI CAMPANY y PAUL FOX
música CHAPLIN, ARVO PART, KEIKO ABE, ERIC SERRA, KRONOS QUARTET y DRUMS OF AFRICA
duración 50min
fotografías DAVID BERRIO
producción ME ENTERTAINMENT AND ARTS
TEATRE TANTARANTANA

 Después de la experiencia de la temporada pasada con Game Over en la sala Badabadoc fue leer el nombre de la Cia Mai Rojas e ir de cabeza al teatro Tantarantana. Esta vez, pero, la compañía se ha reducido sólo a su creador principal, Mai Rojas.

 La Leyenda del fauno y el viaje es uno de los primeros espectáculos de la compañía y eso se nota. Un pintor es seducido por la idea de crear un cuadro que cobre vida. Construido a partir de su personaje del fauno es un montaje totalmente multidisciplinar: voz, música, danza, clown y proyecciones.

 Pero tanta multidisciplina aleja al espectador del todo, en una clara falta de coherencia. Entre sus múltiples peros está el uso indiscriminado de la voz en off, a falta de cohesión entre los escasos momentos de danza y clown, se opta por la narración descriptiva de lo que deberíamos ver con nuestros propios ojos más que oír.


Tampoco le juega a favor la cámara negra del Tantarantana, donde el diseño de iluminación de Sergio García queda reducido a la mínima expresión. Independientemente del color de las luces, que nunca llega a ser el correcto, más que iluminar crean unas molestas sombras que no ayudan a definir la escena.

 Con menos de una hora de duración, el espectáculo está falto de ritmo, de impacto visual y de un discurso que cohesione todas sus partes más allá de los cuatro tópicos sobre el mundo pictórico que aparecen proyectados en la pared del fondo en forma de frases de ilustres pintores como Picasso.
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creación colectiva de JOSÉ Y SUS HERMANAS
textos de SÍLVIA FERRANDO, EL CONDE DE TORREFIEL, FEDERICO GRACÍA LORCA, JEAN ANOUILH, SÉNECA y ANGÉLICA LIDELL
dramaturgia y dirección SÍLVIA FERRANDO
intérpretes FRANCESC CUÉLLAR, ALEJANDRO CURIEL, MARTA DÍEZ, CARME GONZÁLEZ, CAROLINA MANERO, GEMMA POLO y GLÒRIA RIBERA
duración 75min
producción PROGRAMA TALENT IT (INSTITUT DEL TEATRE DE BARCELONA)
TANTARANTANA

Hasta hace un par de meses, la transición nos quedaba lejos, a algunos muy lejos. Para otros era aquella época que aparecía al final de los libros de texto desde la ESO a Bachillerato que no se daba porque nunca daba tiempo. Pero eso ha cambiado, y más después de ver cómo un grupo de jóvenes veinteañeros la tienen mucho más presente de lo que podríamos imaginar. 

La compañía, José y sus hermanas, surgida del Institut del Teatre, nos dan un repaso en poco más de una hora. No hay manual de historia que lo supere. A través de una ardua investigación nos presentan cómo ven ellos esta época que debiera estar cerrada, y superada, pero que esta más viva que nunca. La dramaturgia se estructura en 3 cuadros donde se trata indistintamente el franquismo, la Guerra Civil, la transición y la democracia.

Un repaso por el fascismo en Europa, por la Guerra Civil española, por el Franquismo, por los 200 mil desaparecidos que siguen en las cunetas de toda la Península, el capitalismo, el gusto por las obras magnánimas (del mismo edificio del Institut del Teatre al Valle de los Caídos), Federico García Lorca... Los bancos regalan sandwicheras y chorizos es una bala tras otra a la sinrazón española de esconder la mierda debajo de la alfombra.



La puesta en escena es simple pero efectiva. Con un estilo que bebe de compañías de la escena de nuevas escenas como el mismo El Conde de Torrefiel, el espectáculo consigue en determinados momentos integrar al público mientras que en otros juega con la poética y realizan todo un ejercicio de emociones y de tocar la fibra. El segundo cuadro es para enmarcar, preciosista hasta decir basta y entre las palabras de Lorca y "la sangre derramada por los cuerpos", la fibra, la piel, y, sobre todo, los pelos de punta. 

El público tiene que estar dispuesto a ser increpado, a formar parte de esa historia, quizás por segunda vez o por vez primera. Ya que en la platea se ven caras de todas las generaciones, cosa poco habitual hoy en día y que es todo un gustazo. La visión crítica del montaje es amplia y se puede decir que no deja títere con cabeza. Todo un ejercicio de memoria histórica desde un ángulo que nunca lo habíamos mirado.

La naturalidad con la que se relatan los hechos queda también reflejada en las interpretaciones. Lejos de ser personajes, son simples jóvenes de los que te podrías encontrar en la calle, en la universidad o en un manifestación exigiendo explicaciones del porqué de tanto silencio, de todas aquellas preguntas que aún hoy en día siguen sin respuestas.



Sílvia Ferrando ha logrado entretejer de manera brillante la amalgama de textos y nadie diría que Séneca y Angélica Lidell pudieran encajar de la misma manera en un espectáculo. Salvo eruditos en la materia, fuera de reconocer a Federico García Lorca, muy presente y muy significativa su aparición, el resto son consignas, dardos, preguntas, balas, que en una cierta medida todos a lo largo de nuestras vidas nos hemos hecho o haremos con respecto a los últimos 80 años de historia. 

Los bancos regalan sandwicheras y chorizos es un montaje lleno de sorpresas con un ritmo vertiginoso, donde en 75 minutos se repasan 80 años de vida y de historia. Una buena oportunidad para que los jóvenes (y no tan jóvenes) descubran una época de nuestra historia por boca de aquellos que tampoco la vivieron pero que la explican mejor que algunos que sí que la vivieron y callan, aumentando el silencio. José y sus hermanas rompen el silencio y de qué manera. El primer imperdible de la temporada. ¡Bravo! 
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Por Elisa Díez (Butaques i Somnis) 
Fotos: Vicente R.

Iron Skulls inaugura la temporada del Espai Dansat (el espacio de danza del SAT! Teatre). El colectivo vuelve a apostar por seguir desarrollando su lenguaje de movimiento ecléctico y divergente, interesándose por la energía negativa y la herencia Mediterránea.

Ideado con motivo del 4º aniversario de la muerte de Cervantes (1616), No sin mis huesos se centra en el contexto sociocultural del autor y la gran diversidad de culturas que le influenciaron como escritor y soldado. Cervantes es un ejemplo de la transformación de la energía negativa en arte debido a su incapaz como soldado de luchar, energía que dedicó a la literatura.



No sin mis huesos revive el pasado de nuestra civilización a través de la danza sufí, la Haya Nagila y la danza tradicional española, lo que nos permite ver el legado que han dejado culturas como la cristiana, la árabe y la judía en el Mediterráneo. Pero, como es habitual en Iron Skulls, también están presentes danzas urbanas, el contact y el butoh fusionándose en este viaje al pasado que nos permitirá interpretar el presente. La danza se convierte en un elemento conciliador, nexo y defensor de ideales.

No sin mis huesos. Cia. Iron Skulls.
20 y 21 de octubre. 20:30h.
SAT! Teatre.
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Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

El Festival IF cumple tres años y con su oferta ya consolidada en la ciudad de Barcelona, da un paso más y este año se expande a Santa Coloma de Gramanet. Su propuesta por dar a conocer la concepción contemporánea del teatro de objetos, títeres y propuestas visuales ha conseguido hacerse un hueco en el panorama de las artes escénicas de Barcelona.

Con un presupuesto sobre los 40.000€, la tercera edición del IF se celebrará entre el 9 y el 19 de noviembre en el Arts Santa Mònica, en el Institut del Teatre, en la Sala Hiroshima, en el Hangar y en diversos espacios de Santa Coloma de Gramanet.

Si hay una característica que define al Festival IF es que es bianual. En los años pares se presentan working progress a los que se realiza un acompañamiento artístico y en los años impares, como este 2017, se muestran los proyectos ya acabados.

"El Festival IF busca un diálogo entre la tradición y la contemporaneidad", afirma Toni Rumbau, creador del festival.

El festival ha traspasado fronteras y se han establecido intercambios con países como Italia, Festival Incanti de Torí y Francia, Festival MIMA de Mirepoix. Al igual que otros centros de producción nacionales han acogido propuestas como el Festival TNT, el Teatre Principal de Palma o el Centre d'ary la Panera de Lleida.

En esta edición se podrán ver diez propuestas, cinco de las cuales forman parte de las residencias del festival.

RESIDENCIAS




BeAnotherLab: Library of Ourselves
Del 10 al 12 de noviembre (11h-21h) en el Arts Santa Mònica
Del 16 al 18 de noviembre en la Biblioteca Central de Santa Coloma

Experiencia inversiva que permite al público experimentar en primera persona las historias personales de la comunidad de inmigrantes de Barcelona mediante la combinación de técnicas de realidad virtual, las ciencias cognitivas y la performance.



Enric Farrés: Res és meu
11 de noviembre (20.30h) - Hangar

Partiendo de los soportes museográficos diseñados en 1968 por Lina Bo Bardi, Enric Farrés coge la idea de vaciar de sentido las posibilidades narrativas de los soportes expositivos, que siempre han tenido un papel marginal en el arte.

No tengo ni idea de teatro, he tenido que realizar consultas a amigos como Pol López o el colectivo que forma El Conde de Torrefiel porque con el teatro que veo no me siento identificado. De esta distancia surge 'Res és meu'


David Espinosa: El Tríptic
Del 10 al 12 de noviembre (11h-21h) en el Arts Santa Mònica
Del 17 al 19 de noviembre a Can Ssteré- Centre d'Art Contemporani (Santa Coloma)

David Espinosa busca crear juguetes para adultos, un juego entre forma, luz y sonido. Tres dispositivos componen El Tríptic, explorando las posibilidades performativas de la escultura y entregando al público el control de la acción: Bwana Devil, pieza blanca basada en los grandes éxitos del cine; Oro feo, pieza dorada que explora la relación entre la imagen y el sonido a partir de grandes éxitos de la ópera y el rock; Odile y Schelkúnchik, pieza negra que explora la relación entre la imagen y el movimiento a partir de los grandes éxitos del ballet clásico y la danza contemporánea.



Xesca Salvà: Cases
Del 10 al 12 de noviembre (11h-21h) en el Arts Santa Mònica
Del 17 al 19 de noviembre (17h-20h) en el Teatre Josep Maria de Sagarra (Santa Coloma)

Tres maquetas de casas, dos espectadores por maqueta, tres experiencias diferentes de 15 minutos. Los espectadores llevarán auriculares donde sentirán una mezcla de historias de instrucciones para que hagan las acciones y manipulen los objetos.

Es una reflexión sobre la memoria de los objetos y sobre el espacio como edificación audible y del sonido como arquitectura sonora que construye espacios emocionales. La acción se acaba convirtiendo en un 'intersticio social', un espacio de relaciones humanas con la diversidad de posibilidades de intercambio donde la gente se tiene que relacionar con la obra y con todo lo que ofrece.



Federica Porello: We Wood
10 de noviembre (18h) en el Institut del Teatre

Es el único espectáculo que sigue en working progress hasta el verano del 2018, pero en el IF explicarán su método de trabajo y enseñarán parte de su working progress. La compañía trabaja con objetos sin historia, neutros, básicamente maderas sin nada que las caracteriza, y como éstas se mezclan con los cuerpos, la danza/movimiento y los objetos/maderas. 

Busco un diálogo entre la danza y los objetos. Y también establecer una narrativa a partir de la experiencia y de los objetos.


OTROS ESPECTÁCULOS

Los dos espectáculos siguientes forman parte de la jornada inaugural del festival, el 9 de noviembre a partir de las 19h en el Arts Santa Mònica.

Si se diera un cuerpo al bullicio.
Constanza Brncic y Nuno Rebelo
9 de noviembre (20h) en el Arts Santa Mònica

La pieza explora la relación entre movimiento y producción de sonido, trabajando a partir del desarrollo de estructuras que generan diversas composiciones fluctuantes entre el azar y lo necesario. Los intérpretes utilizan diversos objetos i instrumentos que, amplificados, producen un espacio sonoro y al mismo tiempo hacen aparecer imágenes y acciones. Una pieza a medio camino entre el concierto y la performance.

Luminic.
Besllum y Octavi Rumbau
9 de noviembre (20h) en el Arts Santa Mònica

A partir de un trabajo de investigación sobre luces y sombras se crea un espectáculo de manipulación dramática a tiempo real que rememora los inicios del cine. La exploración sonora de Octavi Rumbau, basada en la originalidad y en el juego con la percepción del tiempo y sus paradojas, facilita que la propuesta sea un calidoscopio de posibilidades en una dramaturgia infinita.

Tres últimas propuestas:


  • Veus de Txernòbil de Companyia Potcuia (10 de noviembre, 18h, Institut del Teatre): Alumnos del itinerario visual del Instituto del Teatro presentan esta propuesta que da voz a historias reales de los protagonistas que vivieron los hechos acaecidos en la central de Chernobyl en 1986.

  • Duel d'Orlando i Rinaldo per amor de la bella Angèlica de Companyia Opera dei Pupi Brigliadoro (Palermo, Sicilia) (17 de noviembre, 21h, Teatre Josep Maria de Sagarra, Santa Coloma): El teatro Pupi de gran tradición en Italia se representa en contadas ocasiones en Barcelona/Catalunya y desde 2011 es patrimonio inmaterial de la humanidad. En este caso los dos protagonistas son los héroes de la conocida Historia de los Paladinos de Francia, un conjunto de temas e historias medievales centradas en la corte de Carlomagno y sus caballeros.

  • El traje del emperador de Siesta Teatro (Andalucía) (19 de noviembre en doble función, 11h y 13h, Teatre Josep Maria de Sagarra, Santa Coloma): Basado en el cuento del Conde Lucanor, en una versión d'Andersen, esta fábula de aquel que crea nada pero que los que están a su alrededor avalan como si hubiera creado la octava maravilla. Según palabras de su creador, Luis Zornoza Boy, un espectáculo sobre el 'borreguismo humano'.

Y por últimos el Festival IF también presenta dos laboratorios de creación:

  • Em falten dits. Laboratorio de creación de Xavier Bobés. Un laboratorio de manipulación de objetos en el Teatre Josep Maria de Sagarra de Santa Coloma de Gramanet sobre la idea del tiempo. (18 de noviembre a las 19h)

  • Wreck. Llistat d'experiències extintes. Workshop con Pietro Marullo. (16 de noviembre 20.30h, Sala Hirohima) Un ejercicio interdisciplinario que incorpora el movimiento, el sonido y las artes visuales. Un gran objeto negro en escena que actúa con un gran poder evocador, se traga y escupe seres humanos, cuerpos desnudos, tal y como lo hubiera hecho Leviatán, un monstruo legendario submarino o sin bajar a las profundidades, una gran metáfora del capitalismo.

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Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

La Sala Hiroshima nació para dar un significado distinto a las salas de danza de Barcelona, para crear un espacio que no existía más que en alguna sala off del off. Instalada a escasos metros del Paral·lel en dos temporadas se ha convertido en cita obligada de los amantes del género, dispuestos a verse sorprendidos por una programación ecléctica y con amplio carácter internacional.

Gastón Core, director artístico de la sala, comienza la presentación de temporada confiado en que su proyecto funciona:

He dejado de contar años, he decidido que cuando un proyecto llega a la tercera temporada es porque ya está consolidado.

Las cifras le dan la razón, en los dos años y medio de andadura han logrado conseguir la mágica cifra de 20.000 espectadores con una ocupación media del 60%, 330 funciones y 145 compañías/artistas. Además se han realizado más de 2.600 visitas profesionales (encuentros, sesiones de trabajo, showcases, foros especializados, etc.)

Toda la razón del mundo, ir a la Sala Hiroshima es como una especie de peregrinaje que muchos ya hacen semanalmente y, en muchas ocasiones, con los ojos cerrados, bien porque van a ver un artista en concreto, conocido, bien porque se dejan sorprender con uno de las decenas de propuestas de nombres desconocidos, habitualmente de la escena internacional.



El eje temático de esta temporada es la identidad colectiva, desde las tradiciones populares catalanas y del Mediterráneo, investigadas por Aina Alegre, pasando por la samba del carnaval del brasileño Reinaldo Ribeiro a una investigación sobre los fenómenos de masas que generan las redes sociales de Núria Guiu.

En esta nueva temporada se ha querido ir más allá. Una vez consolidada la oferta internacional se busca poner el focus en la creación local para lo que se establecerán acompañamientos artísticos y/o residencias artísticas. En esta temporada serán: Lautaro Reyes, Eulàlia Berguedà, Núria Guiu, Kotomi Nishiwaki, Aina Alegre y Reinaldo Ribeiro.

Además también se quiere hacer hincapié en la búsqueda de nuevos públicos, pero tal y como afirma Gastón Core, "no se trata de inventar la rueda, sino de establecer nuevas herramientas de promoción". Deja en el aire qué está preparando en este aspecto. Tendremos que esperar para descubrirlo.


"The longest festival of the year"

Éste es el eslogan bajo el cual se presenta la  programación de la cuarta temporada  y cuyo contenido es imposible de resumir (19 propuestas locales + 18 propuestas internacionales), por eso he optado por escoger algunas propuestas que, así de entrada, se podrían convertir en lo que comúnmente se conocen como imperdibles:



  • MIÉRCOLES 18 DE OCTUBRE. Esta temporada se inauguran los programas dobles. Uno de ellos será el protagonizado por las piezas de Albert Quesada, Solo Bach & Glenn que invita al espectador a percibir y escuchar las obras clásicas desde un punto de vista coreográfico. Comparte sesión con la joven coreógrafa brasileña Aline Corrêa, Resistência, que investiga la resistencia del cuerpo a través de las diferentes maneras de caer y de cómo su cuerpo impacta contra la tierra.



  • DEL 20 AL 30 DE DICIEMBRE: L'última cena / The last supper de Atresbandes. Una performance donde los espectadores serán los invitados a sentarse en la mesa con los intérpretes. Juntos revisarán las últimas palabras de héroes, estrellas y condenados a muerte a través de los trece "últimos menús".


  • DEL 19 AL 21 DE ENERO: Eulàlia Berguedà presenta Nixie (Deep Inside) dentro del programa INEXCHANGE que propone intercambios de residencia para piezas en creación. La coreógrafa presenta en este solo un viaje submarino lleno de referentes femeninos (desde la sirena hasta la diva) que contrapone a la voz masculina de la superficie.


  • SÁBADO 3 Y DOMINGO 4 DE FEBRERO: Albert Arribas y Sílvia Delagneu presentan Orationibus #SR, obra incasificable donde los dos jóvenes directores se enfrentan al mundo de la lírica, el cabaret y la performance.


  • SÁBADO 17 Y DOMINGO 18 DE FEBRERO: La protagonista de la imagen de la temporada (foto que encabeza toda la crónica), Núria Guiu presenta Likes donde analiza dos de los fenómenos más populares de Youtube: el cover dance y los tutoriales y vídeos sobre las diferentes técnicas de yoga. Desde una perspectiva sociofntropológica, la artista aborda un discursos sobre el valor social de un like en nuestras sociedades digitales.


  • VIERNES 9 Y SÁBADO 10 DE MARZO: La quebequesa Daina Ashbee presenta Pour una oda al cuerpo femenino y su naturaleza que lleva implícita una denuncia sobre su posición en el mundo. De una plasticidad absoluta, la pieza sorprende por el trato del espacio y por la maravillosa intérprete que se sitúa en un territorio expresivo desconcertante, misterioso, interpelando la mirada del espectador con la mirada, la desnudez y la precisión de movimientos.


  • DEL 23 AL 25 DE MARZO llega una de las piezas más esperadas, Canibalismo de Lautaro Reyes (chileno afincado en Catalunya). Pieza para cuatro intérpretes, el coreógrafo trabaja el movimiento como un mecanismo capaz de generar estados mentales. Lautaro establece un diálogo coreógrafo con el espectador a través de herramientas sencillas como la repetición, el canon y la variación, construyendo un marco de exposición formal.


  • VIERNES 22 Y SÁBADO 23 JUNIO. El colofón de final de temporada tiene como protagonistas a Leslie Mannès & Amaranta Velarde + Alba Corral con Atomic 3001 + Mix en scène. Un proyecto que nace del intercambio de artistas en residencia de la temporada (Bélgica- Catalunya). Una nueva visita sobre la pieza de Amaranta Velarde y Alba Corral que ya habían presentado a la sala y, que en esta ocasión se les suma la de la artista valona Leslie Mannès, un ritual futurista que lleva a la artista a una alienación física hasta el punto de convertirla en una máquina de hablar.

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Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Gracias a un encargo de Recomana.cat, este año he descubierto y flipado con la enorme programación de artes de calle que ha programado el Ayuntamiento de Barcelona para estas fiestas de la Mercè. La primera crónica la he publicado esta mañana con las impresiones generales de la tarde de ayer (ver + AQUÍ), pero me gustaría desarrollar un poco más cada espectáculo.

Nada amiga de las aglomeraciones que se forman en Barcelona día sí día también y poco conocedora del Parc de la Ciutadella fui previsora y mi tarde empezó pronto y la verdad es que se notó, porque a partir de las seis de la tarde, todo era un baño de masas y un zigzaguear gente por todos los espacios.


Seis espectáculos en 5 horas (algunos de corta duración) pero la tarde estuvo bastante bien aprovechada:


  • LA VIE EN ROSE. CIA MAR GÓMEZ. El nuevo espectáculo de calle de la compañía es una historia "divertida" de amor, que como en la mayoría de casos empieza con un cuento de hadas, teñido de rosa y acaba como el rosario de la aurora. Una vez más se mezcla la danza con el clown para crear un espectáculo que tira de comedia hasta cuando las cosas abandonan lo idílico. La puesta en escena está marcada por los movimientos cinematográficos. Los espectadores parecen sentados delante de un cinematógrafo de los inicios del cine mudo y vemos a los intérpretes con movimientos perfectamente estudiados para asemejarse a los que se podían ver entonces. Con una escenografía, aparentemente sencilla al tratarse de un espectáculo de calle, pero en la que se esconden numerosos secretos. Un público muy familiar y aunque el espectáculo pueda tener muchas capas, tras un comienzo muy marcado por el clown los más pequeños no acaban de entender el sentido de todo junto y se van aburriendo. Mientras tanto los mayores siguen y conectan con la trama. Maravillosa la selección musical que va desde el tema que da título al espectáculo, pasando por 'New York New York' o algún tema navideño en inglés conocido por todos. Según nos ha explicado previamente el showman que ha introducido la obra es el estreno del espectáculo, queda por pulir algunos aspectos de ritmo pero La vie en rose es un montaje 100% Mar Gómez. Aplausos.


  • MULÏER. MADUIXA TEATRE. Es uno de esos montajes que vas persiguiendo y una vez y otra no consigues adaptar tu agenda para verlos. Pero ayer por fin pude disfrutar con él. Sólo de pensar lo que viví en sus 30 minutos de duración se me ponen los pelos de punta. He de confesar que el tema del maltrato hacia la mujer, acostumbra a tener una reacción de piel en mi ser, como es el caso. Mulïer es una espectáculo que todo el mundo debería ver. 30 minutos angustiosos de una calidad dramaturgia bestial, un grito de desesperación compartido entre intérpretes y público. No cabía ni un alma en el Passeig Lluís Companys porque estábamos a punto de presenciar esta maravilla. Con el corazón en un puño, cada espectador vive la angustia, los sentimientos de indefensión, de empequeñecimiento del inicio y cómo poco a poco el empoderamiento se apodera de su ser y se acaban convirtiendo en leonas que consiguen derrotar el miedo y mirar cara a cara a la vida. Su sabana es suya, su mirada es feroz. La característica fundamental del espectáculo es que sus intérpretes están subidas en zancos y la danza/movimiento se hace desde aquella altura. Nunca pensé que se podrían realizar tantos movimientos desde unos zancos. Realmente es brillante visualmente. Imprescindible. Con lágrimas en los ojos, BRAVO!



  • I CAN'T BREATH. PROTOCOL DANCE COMPANY. Aunque en el vídeo introductorio no esté, pude atisbar la totalidad del espectáculo. La immensa cantidad de público que abarrotaba este espacio, me hizo imposible una grabación en condiciones. Lo que pude ver de esta pieza de dos intérpretes, no me conmovió en exceso. Exceso de frío y movimientos bastante mecanizados. Una clara falta de naturalidad que no pareció entusiasmar tampoco al público que no les brindó un sonoro aplauso. I can't breath es una mezcla de danzas urbanas que se caracteriza porque los bailarines bailan sin música. El público estaba esperando la siguiente pieza y se notó.

  • SPRING. SHARON LAVI. Nos dejó con la miel en los labios por lo corto que se nos hizo su actuación. No llegó ni a diez minutos. La multitud de gente no me permitió más que intuir sus pies y verlo la mayor parte del tiempo de cintura para arriba, ya que la altura del escenario no era la adecuada. Sharon Lavi es un tap dancer, afincado en Barcelona, y la pieza cuenta con la música de 'La primavera' de Vivaldi. Sólo fue un avance de esta estación, y de lo que se verá próximamente con el resto de las estaciones de Vivaldi en un formato esperemos que más despejado de cabezas.



  • 7x7. NORRDANS. Siguiendo el consejo del crítico y experto en danza, Jordi Sora (Escena de la memoria) marco como imprescindible esta pieza. Y no falló, diana. Una danza enérgica con un ritmo trepidante que me deja boquiabierta. El objetivo de esta compañía sueca es acercar la danza a todos los públicos y la verdad es que el objetivo está conseguido a tenor por la acumulación de público que consiguieron congregar. Su estilo mezcla la danza contemporánea y la danza urbana. Uno de sus fuertes es la música en directo que toca estilos clásicos con otros más contemporáneos. Un espectáculo que desprende buen rollismo y que pone las pilas al más aburrido.



  • TOPA. KUKAI DANTZA & BRODAS BROS. Y para conservar el buen rollismo, decido acabar la tarde con más danza urbana. Topa en el Passeig Lluís Companys congrega de nuevo una multitud que se "pelea" por conseguir el mejor sitio para ver el espectáculo. La compañía vasca se ha unido para este espectáculo a Brodas Bros. para concebir un espectáculo que mezclara la danza tradicional vasca con las danzas urbanas de las que son especialistas los Brodas. El resultado es que las segundas les comen el pastel a las primeras. Hay un claro dominio de los ritmos callejeros. El encuentro de cuatro jóvenes en la calle que se unen y empiezan a bailar. Tan simple como que esa es la base. El resultado, energía por un tubo en este espectáculo de menos de media hora de duración. 
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Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Esta mañana se ha presentado la nueva temporada del Teatre Eòlia bajo la conmoción de lo ocurrido el día anterior a nivel político y social, la rueda de prensa no podía empezar de otra manera, que con una contundente condena y una declaración de intenciones por parte de Rosa Galindo, directora artística del espacio: "Aunque no existiera libertad de expresión, seguiríamos haciendo teatro, político, comprometido y con humor".

Antes de dar el turno a las compañías se reafirmó en el espíritu que desde su apertura ha caracterizado a la sala del Eixample: "Seguimos apostando por intérpretes emergentes, salidos o alumnos de nuestra escuela, o también de otras escuelas de interpretación de la ciudad". Su línea de programación sigue apostando por el Teatro Necesario, aquel que engloba memoria, identidad, hechos silenciados, personas excluidas...

La temporada se abrirá el próximo fin de semana con la primera de las dos propuestas englobadas en la Mostra de Creadors/Intèrprets Emergents:

  • Un i un, no siempre son dos (Del 28 de septiembre al 1 de octubre de 2017). El trabajo de fin de carrera de Minerva Prat que ella misma define como "Creación propia, personal y emocional" y que nos habla del proceso de adaptación a la vida después de una ruptura sentimental de una pareja después de años de convivencia.

  • Entre. (Del 5 al 8 de octubre de 2017) donde el Col·lectiu Atemporal se inspira en el mito griego de Ícaro y lo traslada al paso de joven a adulto de Arnau. Aunque la vida te haga caer mil y una veces, es hora de volar.

Esta temporada, el Eòlia también busca sacar a la luz algunas obras poco o nada representadas, es el caso de El Cid de Pierre Corneille (que junto a Molière y a Racine son el tridente del neoclasicismo francés). Una pieza, dirigida por Josep Maria Vidal, en alejandrinos aparejados que supondrá el estreno de la nueva Jove Companyia de Teatre de Vers de Barcelona.

Del 25 al 29 de octubre es el turno de Federico García Lorca y La casa de Bernarda Alba de la Compañía Antzoki Teatteri. Un texto que desde ayer es más vigente que nunca, Bernarda representa como nadie la autoridad represora.



La primera semana de noviembre (Del 1 al 5) se podrá ver Invasió Subtil, un espectáculo que lleva dos temporadas de éxito en las mañanas para escuelas e institutos del Poliorama y que el Eòlia busca que llegue a un público más amplio de todas las edades. Paco Mir ha dramatizado 9 cuentos de Pere Calders, sus tres protagonistas interpretan un total de 33 personajes. Toda una tour de force!



Pero no sólo de teatro de texto vive el hombre, la Impro también estará presente en la nueva temporada del Eòlia con T.I.C.S (Secret Technology Improvisation Company) el 11 y el 12 de noviembre de la compañía Discret Impro. Un espectáculo que busca dignificar la Impro como género teatral, introduciendo al concepto de Impro las nuevas tecnologías, el público decidirá. Un dato más bien relevante: en la sala no hay cobertura.



Andrea Monje y Pablo Ley presentan 90 minutos, una versión de Alícia en el país de las maravillas (del 16 al 26 de noviembre de 2017). El mismo Ley hace doblete en las mismas fechas con el texto de Edgar Allan Poe, L'esfondrament de la casa Usher. De ambos afirma que les gusta investigar "crear cosas extrañas" y sobre todo tiene la necesidad de "abrir puertas a la nueva generación".



En la frontera entre noviembre y diciembre se presenta el primer espectáculo englobado dentro de ese Teatro Necesario, Khalid. L'heroi cosmològic (del 29 de noviembre al 2 de diciembre). Un trabajo de final de carrera que nos habla de la Guerra de Siria desde dentro.

Una de las reposiciones es Cinco Tonos de color azul que hace dos temporadas nació en La Seca Espai Brossa, más tarde recaló en la Sala Atrium y del 14 al 16 de diciembre lo acoge Eòlia dentro del Teatro Necesario. Un análisis del proceso de duelo dirigido por Paula Ribó.

Personalmente, uno de los espectáculos que más me llama la atención es Planeta Pària (del 14 al 25 de febrero), que ya se pudo ver la temporada pasada en tres funciones llenas a rebosar y que sabiamente se ha decidido recuperar.  La dirección y dramaturgia de Carla Torres nos vuelve a trasladar a la sci-fi, a un planeta donde no todo el mundo tiene su lugar garantizado, quienes no lo tienen, entre ellos los actores, tienen que concursar en un reality para conseguirlo. Según la propia Carla al escribir sus obras: "siempre me pongo en lo peor y luego vienen éstos y me dejan en rídiculo".

Coincidiendo con el Dia de la Mujer Trabajadora (¿?) llega Les associades al club dels ÚTERS PENEDITS (del 8 al 11 de marzo) también dentro del Teatro Necesario, un texto de la socióloga Corinne Maier. Todo un alegato feminista de una mujer que reflexiona de los pros y cons de haber tenido un hijo, mientras espera que su vástago salga de clase.


El último espectáculo de la temporada regular, al menos de momento es El rey de Gurugú (del 4 al 15 de abril de 2018) con dramaturgia y dirección de Ferran Joanmiquel. El texto que forma parte de la trilogía que componen La Crida y La Filla de Chagal nos traslada a la frontera Sur (Melilla) pero en vez de meterse en la piel de un inmigrante, nos encontraremos un perro. Mientras que el público seremos los inmigrantes, el perro será el encargado de explicarnos cómo será nuestra vida una vez saltada la valla. En este espectáculo ha colaborado el fotoperiodista Samuel Aranda con sus fotos.

ADEMÁS...

Además de la programación regular, Eòlia cuenta con dos ciclos ya consolidados en su programación:

  • #MondayMonday, un ciclo de conciertos teatralizados con las mejores voces del teatro musical de Catalunya. Esta temporada contará, fundamentalmente (siempre abiertos a sorpresas) a tres nombres: Carlos Gramaje (11 de diciembre de 2017), Toni Vinyals (12 de febrero de 2018) y Judith Tobella (5 de marzo del 2018). A final de temporada se celebrará el #BigMonday al Poliorama. Todos los intérpretes estarán acompañados por los finalistas de la Marató de Solistas MondayMonday.

  • #OperaGlam que busca acercar la ópera a nuevos públicos y que ha conseguido crear una cantera de artistas líricos muy jóvenes. En esta edición se busca sentir y indagar por aquellos trozos sueltos que todos escuchamos en las salas de espera de médicos diversos. Descifrar el hilo musical.

Y antes de cerrar la crónica, dos novedades a destacar:

  • Eòlia es la sala escogida por el Festival Mostra't, que organiza el Centre Cívic Parc Sandaru para mostrar la pieza ganadora (del 1 al 4 de marzo de 2018).

  • Vermut sense límits. Una muestra de piezas cortas basadas en la improvisación el 3 de diciembre, Día Internacional de las Personas con Discapacidad. Teatro como medio para mejorar la felicidad personal.

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