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DRAMATURGIA: GEMMA BELTRAN inspirada en los textos de KAFKA, LEWIS CARROLL, PIRANDELLO y CALDERON DE LA BARCA
DIRECCION: GEMMA BELTRAN
INTÈRPRETES: TONI VIÑALS, ROBERT GONZÁLEZ y ANNA ALBORCH
DURACIÓN: 60min
FOTOGRAFÍAS:  @Sergi_Garriga_Riu
PRODUCCIÓN: GREC 2017 FESTIVAL DE BARCELONA, LA COMPANYIA DEI FURBI y EL TEATRO LIBERO DE PALERM


Dei Furbi ha vuelto, tras su paso por el Grec 2017, presenta en temporada su Oklahoma, un espectáculo totalmente de creación propia. Tres actores en busca del casting de sus vidas que se realizará en el Teatro de Oklahoma, el maná de cualquier intérprete.

En la primera media hora, el espectáculo transcurre en la búsqueda de ese teatro y en las historias que los personajes van compartiendo. Allí es cuando se dan cita Carroll, Calderón, Kafka y Pirandello. Una suma excesivamente heterogénea que distrae al espectador del objetivo final, Oklahoma.

En los anteriores espectáculos de la compañía, como La Flauta mágica o Trilogía MozART la dramaturgia era un bastión muy importante y ya venía muy marcado con las piezas musicales. Pero en Oklahoma se ha picado muy alto, la amalgama de textos variados al principio de la pieza acrecienta un surrealismo excesivo que no acaba de encajar y la pieza pierde ritmo y cae en repeticiones del todo innecesarias.

Ramon Ivars y la misma Gemma Beltran han creado una puesta en escena maravillosa. Quien diría que con la desnudez que el espectador se encuentra nada más entrar por la puerta, que con muy poco se construye todo un mundo. Uno de los momentos más aplaudidos lo protagoniza Robert González convertido en Gregor Samsa y cantando una particular versión de 'La Pulga' de Sarita Montiel. Creo que se me quedará durante largo tiempo en la retina.



A la misma altura que la puesta en escena están las interpretaciones. Nadie duda de la calidad vocal de los intérpretes habituales de Dei Furbi, pero en Oklahoma a parte de cantar, también hay otras partes importantes como las de movimiento físico y una fuerte carga interpretativa con teatro de texto. Los tres actores solventan sin problemas las tres ramas interpretativas, lo cual otorga a la pieza una fuerza que en gran manera compensa las carencias y/o debilidades que se desprenden de la dramaturgia.

Dejaré la incógnita de si los actores pasan el casting del Teatro de Oklahoma o si siguen viviendo en la precariedad que critica una y otra vez la obra. Pero el montaje me ha dejado la espinita clavada de recuperar otros mundos por los que hace tiempo que no transito como los de La Metamorfosis o la gran Alicia. Lo mejor del teatro es que te despierte ganas de seguir aprendiendo. 

OKLAHOMA

by on 19:47
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Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Esta mañana se ha presentado la nueva temporada del Teatre Eòlia bajo la conmoción de lo ocurrido el día anterior a nivel político y social, la rueda de prensa no podía empezar de otra manera, que con una contundente condena y una declaración de intenciones por parte de Rosa Galindo, directora artística del espacio: "Aunque no existiera libertad de expresión, seguiríamos haciendo teatro, político, comprometido y con humor".

Antes de dar el turno a las compañías se reafirmó en el espíritu que desde su apertura ha caracterizado a la sala del Eixample: "Seguimos apostando por intérpretes emergentes, salidos o alumnos de nuestra escuela, o también de otras escuelas de interpretación de la ciudad". Su línea de programación sigue apostando por el Teatro Necesario, aquel que engloba memoria, identidad, hechos silenciados, personas excluidas...

La temporada se abrirá el próximo fin de semana con la primera de las dos propuestas englobadas en la Mostra de Creadors/Intèrprets Emergents:

  • Un i un, no siempre son dos (Del 28 de septiembre al 1 de octubre de 2017). El trabajo de fin de carrera de Minerva Prat que ella misma define como "Creación propia, personal y emocional" y que nos habla del proceso de adaptación a la vida después de una ruptura sentimental de una pareja después de años de convivencia.

  • Entre. (Del 5 al 8 de octubre de 2017) donde el Col·lectiu Atemporal se inspira en el mito griego de Ícaro y lo traslada al paso de joven a adulto de Arnau. Aunque la vida te haga caer mil y una veces, es hora de volar.

Esta temporada, el Eòlia también busca sacar a la luz algunas obras poco o nada representadas, es el caso de El Cid de Pierre Corneille (que junto a Molière y a Racine son el tridente del neoclasicismo francés). Una pieza, dirigida por Josep Maria Vidal, en alejandrinos aparejados que supondrá el estreno de la nueva Jove Companyia de Teatre de Vers de Barcelona.

Del 25 al 29 de octubre es el turno de Federico García Lorca y La casa de Bernarda Alba de la Compañía Antzoki Teatteri. Un texto que desde ayer es más vigente que nunca, Bernarda representa como nadie la autoridad represora.



La primera semana de noviembre (Del 1 al 5) se podrá ver Invasió Subtil, un espectáculo que lleva dos temporadas de éxito en las mañanas para escuelas e institutos del Poliorama y que el Eòlia busca que llegue a un público más amplio de todas las edades. Paco Mir ha dramatizado 9 cuentos de Pere Calders, sus tres protagonistas interpretan un total de 33 personajes. Toda una tour de force!



Pero no sólo de teatro de texto vive el hombre, la Impro también estará presente en la nueva temporada del Eòlia con T.I.C.S (Secret Technology Improvisation Company) el 11 y el 12 de noviembre de la compañía Discret Impro. Un espectáculo que busca dignificar la Impro como género teatral, introduciendo al concepto de Impro las nuevas tecnologías, el público decidirá. Un dato más bien relevante: en la sala no hay cobertura.



Andrea Monje y Pablo Ley presentan 90 minutos, una versión de Alícia en el país de las maravillas (del 16 al 26 de noviembre de 2017). El mismo Ley hace doblete en las mismas fechas con el texto de Edgar Allan Poe, L'esfondrament de la casa Usher. De ambos afirma que les gusta investigar "crear cosas extrañas" y sobre todo tiene la necesidad de "abrir puertas a la nueva generación".



En la frontera entre noviembre y diciembre se presenta el primer espectáculo englobado dentro de ese Teatro Necesario, Khalid. L'heroi cosmològic (del 29 de noviembre al 2 de diciembre). Un trabajo de final de carrera que nos habla de la Guerra de Siria desde dentro.

Una de las reposiciones es Cinco Tonos de color azul que hace dos temporadas nació en La Seca Espai Brossa, más tarde recaló en la Sala Atrium y del 14 al 16 de diciembre lo acoge Eòlia dentro del Teatro Necesario. Un análisis del proceso de duelo dirigido por Paula Ribó.

Personalmente, uno de los espectáculos que más me llama la atención es Planeta Pària (del 14 al 25 de febrero), que ya se pudo ver la temporada pasada en tres funciones llenas a rebosar y que sabiamente se ha decidido recuperar.  La dirección y dramaturgia de Carla Torres nos vuelve a trasladar a la sci-fi, a un planeta donde no todo el mundo tiene su lugar garantizado, quienes no lo tienen, entre ellos los actores, tienen que concursar en un reality para conseguirlo. Según la propia Carla al escribir sus obras: "siempre me pongo en lo peor y luego vienen éstos y me dejan en rídiculo".

Coincidiendo con el Dia de la Mujer Trabajadora (¿?) llega Les associades al club dels ÚTERS PENEDITS (del 8 al 11 de marzo) también dentro del Teatro Necesario, un texto de la socióloga Corinne Maier. Todo un alegato feminista de una mujer que reflexiona de los pros y cons de haber tenido un hijo, mientras espera que su vástago salga de clase.


El último espectáculo de la temporada regular, al menos de momento es El rey de Gurugú (del 4 al 15 de abril de 2018) con dramaturgia y dirección de Ferran Joanmiquel. El texto que forma parte de la trilogía que componen La Crida y La Filla de Chagal nos traslada a la frontera Sur (Melilla) pero en vez de meterse en la piel de un inmigrante, nos encontraremos un perro. Mientras que el público seremos los inmigrantes, el perro será el encargado de explicarnos cómo será nuestra vida una vez saltada la valla. En este espectáculo ha colaborado el fotoperiodista Samuel Aranda con sus fotos.

ADEMÁS...

Además de la programación regular, Eòlia cuenta con dos ciclos ya consolidados en su programación:

  • #MondayMonday, un ciclo de conciertos teatralizados con las mejores voces del teatro musical de Catalunya. Esta temporada contará, fundamentalmente (siempre abiertos a sorpresas) a tres nombres: Carlos Gramaje (11 de diciembre de 2017), Toni Vinyals (12 de febrero de 2018) y Judith Tobella (5 de marzo del 2018). A final de temporada se celebrará el #BigMonday al Poliorama. Todos los intérpretes estarán acompañados por los finalistas de la Marató de Solistas MondayMonday.

  • #OperaGlam que busca acercar la ópera a nuevos públicos y que ha conseguido crear una cantera de artistas líricos muy jóvenes. En esta edición se busca sentir y indagar por aquellos trozos sueltos que todos escuchamos en las salas de espera de médicos diversos. Descifrar el hilo musical.

Y antes de cerrar la crónica, dos novedades a destacar:

  • Eòlia es la sala escogida por el Festival Mostra't, que organiza el Centre Cívic Parc Sandaru para mostrar la pieza ganadora (del 1 al 4 de marzo de 2018).

  • Vermut sense límits. Una muestra de piezas cortas basadas en la improvisación el 3 de diciembre, Día Internacional de las Personas con Discapacidad. Teatro como medio para mejorar la felicidad personal.

+ INFO AQUÍ
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TEXTO: JON FOSSE
TRADUCIÓN, DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: ESTER ROMA CALLE
INTÉRPRETES: RAMON BONVEHÍ y BÀRBARA ROIG
DURACIÓN: 60min
LA SECA ESPAI BROSSA

No es que nos hayamos saltado una estación de repente, pero el texto de Jon Fosse hace honor a su nombre, la nieve invade la escena y los personajes son contaminados por esa baja temperatura.

Con el recuerdo del calor, del verano; con el gusto todavía en los labios del día anterior con Peccatum, la entrada de aire fresco es como una bofetada. El espectador, a medio camino entre lo impasible y las ganas de descubrir qué esconden los personajes permanece más inerte que de costumbre sentado.

Un hombre y una mujer intercambian un diálogo entrecortado. Medias palabras, diálogo sinsentido, reproches entre frases inacabadas, ¿pero qué relación tienen? ¿Se acaban de conocer en el banco de un parque o ya tenían una relación anterior?

Un tercer protagonista, el silencio. A veces no dice nada, pero en este caso viene a reafirmar su papel en la incomunicación de los intérpretes. Un silencio, incómodo, excesivamente alargado (en la mayoría de casos) y presente. El espectador busca que la escena avance, pero el texto le niega una y otra vez esa posibilidad. La cuarta pared es férrea, no hay ni la más mínima posibilidad de derribarla, y el público lo nota. 


Las interpretaciones son contenidas, más en el caso de Ramon Bonvehí, que mantiene a raya cualquier síntoma de cercanía, su mirada y gestos rozan lo gélido. Mientras que su compañera Bàrbara Roig echa mano de naturalidad para presentarnos un personaje más complejo, con más capas que gira entre la soledad que comparten los dos, a la locura por cambiar la aparente rutina donde se han estancado.

El texto es críptico, la historia se explica por el personaje de ella, por sus miradas, por sus gestos, por sus acciones... El texto es lento, porque realmente si no fuera por tanto silencio, por tanta frase entrecortada no superaría la media hora. Pero la vida también es lenta, críptica y vivimos más de 60 minutos. A Hivern le cuesta arrancar, pero la belleza de los últimos 5 minutos es sublime. Al final a cualquier experiencia hay que sacarle el jugo.

HIVERN

by on 20:02
TEXTO: JON FOSSE TRADUCIÓN, DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: ESTER ROMA CALLE INTÉRPRETES: RAMON BONVEHÍ y BÀRBARA ROIG DURACIÓN: 60min ...
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DRAMATURGIA: TONI GOMILA
INTÉRPRETES: TONI GOMILA y CATALINA FLORIT
DURACIÓN: 50min
FOTO: MARIA BEL LLULL
PRODUCCIÓ: PRODUCCIONS DE FERRO
LA SECA ESPAI BROSSA


Toni Gomila ha tardado mucho en volver. Ha vuelto repetidas veces con Acorar, el éxito que todavía en la misma sala volvió a repetir la semana pasada. Pero había ganas de verlo en otro registro. Estaba vez también habla de carne, pero el "puerco" tiene dos piernas en lugar de dos patas.

Nos sumergimos en el mundo de las pornorondalles, una especie de fábulas verdes breves de monseñor Alcover, llenas de violencia, sexo, mujeres, hombres. Un dato curioso, que ocurrió durante mi sesión (y que a una le pone los pelos de punta) mientras se explican historias de violencia física o psíquica hacia las mujeres, los hombres ríen. El resto de la pieza es muy cómica, pero en ese punto la risa es peligrosa. 

El despiece de miembros es similar al porcino, pero aquí las partes escabrosas parece que se han eliminado, o al menos así lo decía monseñor. El que no se ha excluido es la sonoridad del mallorquín, que esta vez resulta igual de atractivo para los oídos y un poco más fácil de entender, lo cual se agradece.

Y se agradece también el juego con la lingüística: ay, las vocales neutras! o el juego de diferentes acentos, imperdible el momento de Adam i Eva. La comedia está servida y la risa no tiene lenguaje que le marque el ritmo.



La puesta en escena de Joan Miquel Artigues, Martí Gomila y Margalida Munar, no puede ser más simple, con el público en círculo entorno a un mini escenario donde un pequeño "altar" en forma circular se halla. Una ambientación mitad iglesia, mitad infierno por las luces rojas y el humo nos recibe. Que los espectadores estemos en círculos y a unos centímetros de la escena permite difuminar en un abrir y cerrar de ojos la cuarta pared.

La iluminación de Dani Noceda es uno de los puntos claves del montaje. Acentúa aquello que es necesario y sobre todo, en los momentos de escasa luz, convierte sus leves toques en experiencias sensoriales magníficas.


De sobra es conocida la maestría de las actuaciones de Toni Gomila, pero Peccatum nos tiene preparado una sorpresa, Catalina Florit. Una actriz nacida en Barcelona, pero cuya carrera se ha desarrollado entre Ses Illes y Alemania, hasta ahora casi desconocida para el público barcelonés. Seductora, juguetona, con sólo una mirada es capaz de convencer hasta el espectador más cerrado.

En esta ocasión hay un elemento tan importante como la interpretación, el movimiento físico. El juego no sería el mismo si se eliminará los movimientos que los actores ejecutan en escena, cómo la rondallas cobran vida, y ayudan a hacer más entendedor (si cabe) el texto. Una "pura" delicia.

PECCATUM

by on 17:39
DRAMATURGIA: TONI GOMILA INTÉRPRETES: TONI GOMILA y CATALINA FLORIT DURACIÓN: 50min FOTO: MARIA BEL LLULL PRODUCCIÓ: PRODUCC...
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DRAMATURGIA, DIRECCIÓN e INTERPRETACIÓN: ÁNGELA PALACIOS y CARLOS MARTÍN-PEÑASCO
PUESTA EN ESCENA, ESCENOGRAFÍA y VESTUARIO: LOS PROMETIDOS
DURACIÓN: 70min
LA BADABADOC

Una de las salas fetiche de la temporada pasada, La Badabadoc, acaba de inaugurar temporada con la historia de amor de Henry Miller y Anaïs Nin. Un culebrón de amor, odio, celos y egos. La desnudez como pieza del puzzle, en escena dos mini-camas con ruedas, unas luces y poco más. El peso de la historia cae en la dramaturgia. 

A medio camino entre la seriedad y el petardeo, la puesta en escena topa con una pieza básica de toda obra teatral, el actor no debería escribir y autodirigirse. Craso error que épocas de crisis está demasiado presente y en Sólo creo en el fuego es un ejemplo de ello, el yo me lo guiso yo me lo como pasa factura al montaje.

Los momentos petardos son los mejores, en una dramaturgia a la que le sobra intensidad a radaules. No sé si conscientes o no del problema, los mismos creadores se ríen de esa saturación intensa del drama por el drama. Si en lugar de optar por el tono dramático, una vez descubierto el truco de teatro dentro de teatro se hubiera optado por la opción de petardeo continuado, el montaje hubiera tomado la fuerza que le falta.


Las interpretaciones son irregulares. Le sienta mejor el papel a Ángela Palacios, ella los momentos intensos se los ahorra y gana puntos con una interpretación más natural y contenida, y para muestra su monólogo, sensualidad sin necesidad de ser llevada al límite. 

Por el contrario su compañero, Carlos Martín-Peñasco tiene de entrada un gran problema, fuera de los momentos intensos, el acento, que no sería un problema sino estuviera acompañado por algo más imperdonable, la falta absoluta de dicción. No llegaré nunca a entender que alguien que utilice la voz como herramienta de trabajo sea incapaz de trabajarla, modularla y ser capaz de transmitir. No son los espectadores quienes tienen que hacer el esfuerzo por entender al actor.

Realmente hace falta una visión externa que aporte coherencia al conjunto. Así como una multiplicación de lenguajes, al texto le vendría bien una aportación extra de otros lenguajes escénicos, como puede ser la danza. Le restaría intensidad y potenciaría la  parte visual. Es toda una lástima que nuevas compañías como es el caso de Los Prometidos, no se puedan permitir una asesoría que les haga poder levantar sus buenas ideas y llevarlas un paso más allá del workin' progress.

SÓLO CREO EN EL FUEGO

by on 18:24
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@La Fil·loxera Teatre

 DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: HELENA TORNERO 

INTÉRPRETES: IONA BALCELLS, LORENA HERNÁNDEZ y MARINA COLLADO 
DURACIÓN: 1h 20min
PRODUCCIÓ: LA FIL·LOXERA TEATRE
EL MALDÀ

La buena confitura viene en tarro pequeño. Siempre he sido partidaria de las escenografías vacías, donde sean los propios intérpretes quienes las llenen. Estiu de Helena Tornero es el último caso en darme la razón. Más minimalista la puesta en escena no puede ser. La palabra y la interpretación se bastan ellas solitas para conseguir transportarnos al mundo de las protagonistas.

No hay obra pequeña, Estiu nos hace viajar a la infancia de tres hermanas que fueron separadas en su niñez, Antonia, Laura y Maria, y a unos sucesos que todas ellas han pretendido olvidar, pero que ahora la hermana pequeña, Laura, les hace recordar con la supuesta excusa de escribir un libro.

La naturalidad recubre toda la obra pero si hay un punto donde se hace más visible es en el habla de sus protagonistas. Cada una de ellas utiliza un catalán diferente: Antònia, la hermana mayor habla lleidatà, Maria, la mediana, habla barcelonés y Laura, la pequeña lo hace en salat. Esta riqueza y diferencia lingüística pone, además un punto de comicidad en algunas partes de la pieza como en el momento de contar cuentos. 

Estiu tiene una dramaturgia irregular que pierde fuelle en la parte central de la pieza, con algunos momentos que se podrían dar forma con una poda en el texto. Pese a ello, la pieza está cuidada al detalle en su puesta en escena y esto ayuda a complementar momentos de digestión dramatúrgica más lenta.

Las interpretaciones mantienen el nivel a lo largo de todo el montaje con algunos puntos de hilaridad. Pero la naturalidad, la manera de decir el texto, a una velocidad más que considerable en algunos momentos, y la manera de estar en el escenario, otorgan a una, hasta ahora bastante desconocida, Iona Balcells un prometedor futuro escénico.

Últimos días de Estiu en el Maldà, un pequeño gran espectáculo donde los secretos tarde o temprano se acabarán revelando, al menos hasta el 16 de septiembre.

ESTIU

by on 18:40
@La Fil·loxera Teatre DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: HELENA TORNERO  INTÉRPRETES: IONA BALCELLS, LORENA HERNÁNDEZ y MARINA COLLADO  ...
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@Elisa Díez

Por Elisa Díez (Butaques i Somnis) | Fotos: Teatre Akadèmia

Después de la repentina despedida de Mercè Managuerra el pasado mes de abril, Guido Torlonia recoge la dirección artística del Teatre Akadèmia y presenta la temporada 17-18, una temporada de transición, mezcla de las dos direcciones artísticas.

Bajo el lema de uno de los espectáculos Sin fronteras, Guido Torlonia pretende que el Akadèmia se abra al mundo y su marca sea conocida internacionalmente. Formado en el Piccolo Teatro, Guido coge prestada la inscripción del teatro profesional más pequeño de Italia, el Teatro de la Concordia: "la civilización no se mide por metro cuadrado ni tampoco por sus metros cúbicos". Una frase que entiende el teatro como fundamento de la cultura sin límites y barreras. Toda una primera declaración de intenciones que choca con los tiempos que corren.

Sin embargo tendremos que esperar a saber quién tomará el mando de Guido, la mecenas del Akadèmia, Elsa Peretti, por boca de su portavoz, ha lanzado una llamada a la nueva generación teatral de jóvenes para que se postulen para dirigir el Teatro Akadèmia y se acabe, así el periodo de transición.

La temporada 17-18 estará dedicada al gran maestro de la escena Giorgio Strehler. Que según palabras de Carme Elias, "siempre ha sido un referente, desde la época de Fabio Puigserver. Hoy en día, sigue siendo el espejo donde mirarnos". El Akadèmia sigue apostando por el relevo generacional y por mezcla generaciones, mezclando los clásicos, con nuevas dramaturgias y explorando nuevos lenguajes.

Subimos el telón...


  • OKLAHOMA (Del 20/09 al 15/10). La nueva propuesta de la compañía Dei Furbi que ya se estrenó bajo el paraguas del Grec 2017 y que toma la versión más clásica del mundo como un teatro. Oklahoma es el último capítulo de la obra póstuma de Kafka y será su presencia una de las centrales de la obra, pero también encontraremos textos de Lewis Caroll, Luigi Pirandello o Calderon de la Barca. Todo un patchwork escénico que según su directora, Gemma Beltran "tiene un punto abstracto" pero regado con el humor que acostumbra a destilar los espectáculos de Dei Furbi. 


  • YES, POTSER (Del 25/10 al 19/11). La compañía que ganó el Festival Mikro Teatre cuyo premio era estrenar una obra en la temporada siguiente presenta esta tragicomedia surrealista de Marguerite Duras que no enfrenta con nuestras miserias. Según su directora, Andrea Segura "es una crítica contra el imperialismo norteaméricano, que nunca pasa de moda". Estará protagonizada por Alícia González Laá, Anna Casas y Txabi Grass.


  • SIN FRONTERAS (Del 29/11 al 10/12) que es el resultado de creación del programa Workcenter Studio in Residence iniciado en marzo de 2016 y dirigido por Thomas Richards, sucesor de Jerezy Grotowski, una de las personalidades del teatro más influyentes del siglo pasado, que con sus teorías/método revolucionó el teatro contemporáneo. Nos trasladará al terremoto de Chile de 2010 donde un grupo de voluntarios de una ONG trata de ayudar a las víctimas del desastre. El montaje reflexiona sobre las fisuras que se obren en la sociedad y en los individuos que la componen después de una catástrofe natural, poniendo en evidencia la precaria estabilidad de nuestra civilización.

 

  • CARO MAESTRO! Recordant Strehler (Del 14 al 30/12). Cuando se cumplen 20 años de su muerte, el Teatre Akadèmia le hará un homenaje en forma de lectura dramatizada. Bajo la dirección del mismo Guido Torlonia, tres parejas de actores de primera línea leerán su obra: Carme Elias & Mario Gas (en catalán, del 14 al 17 de diciembre); Marisa Paredes & Mario Gas (en castellano, del 20 al 23 de diciembre) y Carlota Olcina & Pol López (en catalán, del 27 al 30 de diciembre).


  • YERMA (Del 10/01 al 04/02). El que fue, sin duda, uno de los éxitos de la temporada pasada, vuelve con el mismo equipo artístico pero con "más experiencia, para seguir creciendo, no para vender más entradas. Lorca respira de nuevo cada vez que pronuncias sus palabras", afirma su director Marc Chornet al frente de la compañía Projecte Ingenu.


  • ESPECTRES (Del 9/02 al 04/03). La companyia La Salamandra, residente en el Akadèmia, busca repetir el éxito de No èxit de la temporada pasada con este clásico contemporáneo de Henrik Ibsen. Protagonizada por Montse Guallar, Marc Garcia Coté, Víctor Pi, Pep Jové i María García Vera, Espectres es una vuelta de tuerca a las relaciones familiares con una nueva visión contemporánea como afirma su directora, Loredana Volpe. Además nos avanza una de las primeras líneas sobre las que está trabajando "estoy con la figura del sol de Olafur Eliasson, el sol que brilla y busca esa luz que le falta a los personajes noruegos, atrapados en una niebla".


  • LINK LINK CIRCUS (Del 14-25/03). La gran sorpresa de la temporada, el Teatre Akadèmia acogerá la estrena mundial de este texto escrito e interpretado por Isabella Rossellini y dirigido por el mismo Guido Torlonia. Un monólogo inspirado en el mundo animal y su relación con la especie humana, basado en datos científicos pero con una visión cómica (no hace falta más que ver el vídeo de presentación). Un espectáculo en italiano pero con sobretítulos. 


  • SIS ESCENES D'UN MATRIMONI (Del 4 al 29/04). Marta Gil por fin ha conseguido dirigir esta obra que lleva tras ella desde 2011. Una radiografía del mundo de la pareja protagonizada por Anna Sabater y Jacob Torres. La psicología de los personajes y el modo de describirla de Ingmar Bergman es la característica más notable de este clásico. Gil quiere apostar por "la contención emocional y la expresión de esta ceguera en el lenguaje corporal". Una nueva dramaturgia más personal y contemporánea.


  • AIR DE PRINTEMPS (Del 5/05 al 03/06). Si la temporada pasada se apostaba por las arias italianas (Aria di PRIMAVERA), ésta el viaje será hacia el teatro francés: El desig de capbussar-se, al voltant de Butes de Pascal Quignard (del 10-13/05); Allons François de la Patrie (del 17-27/05) y Réparer les vivants de CDN de Normandie-Rouen (del 31/05-3/06).


  • FESTIVAL DE MIKRO TEATRE (14-22/06). La segunda edición de este festival que esta temporada se celebrará en junio (la temporada pasada fue en septiembre). Doce mikros competirán por dos premios: 'Premio del público' que servirá para representar durante 3 días la pieza. 'Premio Teatre Akadèmia' (jurado profesional) que conseguirá una Residencia al Teatre Akadèmia.

+ INFORMACIÓ DEL TEATRE AKADÈMIA AQUÍ
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DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: ROC ESQUIUS
INTÉRPRETES: NÚRIA DEULOFEU y ISIDRE MONTSERRAT
DURACIÓN: 75min
FOTO: ROSER BLANCH
PRODUCCIÓN: DARA y el soporte de TEATRE TANTARANTANA
TEATRE TANTARANTANA

Una vez pasado el descanso vacacional, inicio la temporada teatral, un año más, en el Teatro Tantarantana, uno de los pocos que cuelga el cartel de "abierto por vacaciones". Hoy he venido a bailar Claqué o no. Qué mejor idea que comenzar la temporada con una comedia surrealista donde se pone en cuestión si es necesario sacar del armario las vocaciones frustradas y poner todo nuestro empeño en llevarlas a cabo.

 Nuestra protagonista tiene una carrera brillante como bioquímica que decide abandonar para dedicarse a su pasión, bailar claqué. Independientemente de que en un breve lapso de tiempo cualquiera pueda adivinar que no ha nacido para bailar claqué, ella le pone tanta pasión que acabas incluso por sentir lástima de tanto esfuerzo desperdiciado. A su lado, un reorientador laboral, o más bien una voz de la conciencia, surgido de la nada, que intenta convencerla que vuelva a su mundo de las ciencias para el que se ha formado y para el que realmente sirve.




Al inicio, la dramaturgia de Roc Esquius es directa, incisiva, muy divertida, loca, atrevida, y juega constantemente con el espectador... pero mantener el ritmo del inicio durante todo el tiempo es una tarea muy complicada. Un poco más allá de la mitad de la obra se mete en un cul de sac que le hace perder la potencia del inicio, volverse en exceso melodramática, pero que con más o menos traza consigue remontar en el último cuarto de hora.

Interpretativamente la obra ha encontrado el tándem perfecto. Núria Deulofeu destila tanta pasión por lo que hace como su personaje por bailar claqué, eso sí, afortunadamente, sale mucho mejor parada que él. Deulofeu despliega un sinfín de gestos que ayudan a enfatizar los momentos de comedia de la obra. A su lado Isidre Montserrat borda un personaje odioso de principio a fin. Por mucho que disfrutes de los juegos con el lenguaje y sus metáforas, como es mi caso, este orientador laboral acabaría por sacar de sus casillas a más de uno. 

El montaje nos traslada a Barcelona, con homenaje incluido en forma de baldosas de Paseo de Gracia (en una platea encima del escenario a dos bandas), pero la verdad es que fuera de la anécdota puede pasar en cualquier sitio. Porque de personas con vocaciones frustradas las hay por doquier y como se dice durante la obra no tiene el mismo significado "quería querer" que "quería ser". Pero mejor no te pares a pensar cuál es la diferencia y corre al Tantarantana que la Compañía Dara la tiene muy clara y hasta el 17 de septiembre la explica a quién esté dispuesto a escucharla. 

CLAQUÉ O NO

by on 13:07
DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: ROC ESQUIUS INTÉRPRETES: NÚRIA DEULOFEU y ISIDRE MONTSERRAT DURACIÓN: 75min FOTO: ROSER BLANCH PRODUCC...
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Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Escena Poblenou ya calienta motores y anuncia los primeros nombres de la edición 2017 que se celebrará del 19 al 22 de octubre, como siempre con una programación centrada en las artes escénicas contemporáneas, implicadas en el territorio y la realidad social actual. En esta implicación se vértebra en su apuesta por la creación con tres convocatorias: Embrions, Escena +Dones y Projecte Territori.

La programación de esta edición se estructura entorno a 8 proyectos: 

*Escena +Dones, que busca reconocer y visibilidad el trabajo de mujeres creadoras y directoras profesionales de la escena. 

*Embrions, con proyectos artísticos emergentes todavía en proceso de creación.

*Becas y residencias de creación artística.

*Projecte Territori, que tiene por objetivo potenciar vínculos artísticos y comunitarios con el barrio a través de la escena.

*Projecte Comunitat, un altavoz de proyectos que hablan de la realidad social actual.

*Educación y jóvenes, un compromiso con la educación.

*Diálogo y reflexión, sobre la cultura, el arte, el activismo y la sociedad.

*Internacional, abriendo caminos, construyendo puentes para dar visibilidad de las diferentes propuestas del Festival a nivel internacional.


De los 61 proyectos se han escogido 4 que formarán parte del Proyecte Embrions en esta edición, ideas que en un futuro se convertirán en proyectos escénicos o no. Los artistas presentarán su idea al público formado por representantes de centros de creación, productores y programadores en búsqueda de un persona/entidad que les acompañe en su viaje.

Los Embrions de este año son:

*Saunterer de Colectivo Ameno es una performance basada en la filosofía de Santiago López Petit y en los Pressentiments de Espai en Blanc, un gesto radical de alguien que buscar hacer de su voler viure un desafío colectivo.

*Likes de Núria Guiu es la primera versión de un proyecto de danza que toma como base el método de investigación antropológica. Los likes son los nuevos símbolos de prestigio social, así como un barómetro de éxito para muchas empresas, organizaciones, celebridades e individuos. ¿Quién, cómo y en función de qué opera este barómetro? Esta pieza cuestiona la manera en qué leemos, entendemos, aprobamos o desaprobamos al otro.

*Envà de Amer i Àfrica circ cia nos propone una pieza con 250kg de paja y 125kg de masa humana, donde dos personas divagan sobre las peculiaridades de las relaciones humanas a través del movimiento, los equilibrios, el humor y la composición del espacio.

*Bajo por las escaleras para no encontrarme al vecino en el ascensor de Montón de paja & trigo - Javier Guerrero, una pieza que plantea cuestiones como la responsabilidad, el compromiso, la cultura como cosa que nos pertenece y saber que somos individuos activos, que podemos hacer mucho más de lo que hacemos y de lo que las instituciones dictaminan.



Además la edición de este año ha programado los dos espectáculos que se presentaron como Embrions en 2016: 

*Un leñador no es un diseñador de Joan Estrader que se define a través de la negación: no es una obra teatral, no es una conferencia, no es un monólogo, no es una exposición, pero tiene un poco de cada uno de ellos. Juegos de palabras delirantes, ironía aguda y una habilidad innata para generar situaciones cómicas que se enfocan, en esta ocasión, en el mundo del diseño, la creatividad, la forma y función de los objetos y de la estética que los rodea. 

*AÜC: El so de les esquerdes de Les Impuxibles y Carla Rovira. Una obra que denuncia el lamento silenciado en nuestra cotidianidad de la violencia sexual, invisibilizada por desconocimiento, convivencia o horror. Un montaje que invita a compartir para reconocer, para cambiar y para perder el miedo.



De los 58 proyectos presentados a la convocatoria de Projecte Escena +Dones el proyecto Sessions Remotes de Mònica Muntaner fue el finalista. Una propuesta escénica que se basa en un collage hecho de movimientos, personas, gestos, voces, caras, cuerpos y presencias que provoca una serie de preguntas entorno al hecho de bailar como manifestación cultural y colectiva, pero también como una experiencia íntima de búsqueda de los propios límites y como acto de resistencia.

Esta acción - instalación intervendrá en uno de los espacios del Centre Can Felipa y contará con la participación de la gente del barrio de Poblenou, que ampliará la colección de una serie de imágenes y entrevistas grabadas a personas de edades y profesiones variadas que se someterán a la experiencia de bailar en solitario durante un tiempo determinado.



Por último, de entre las 18 propuestas presentadas en la convocatoria de Projecte Art i Territori, realizado conjuntamente con el Centre Cívic Can Felipa ha sido seleccionada 22A de Silere. Un proyecto que plantea, mediante un recorrido en vehículos no motorizados, qué impacto sobre el barrio tiene el proyecto de transformación urbanística del 22@. Una reflexión sobre de qué manera modifica el barrio y afecta a sus actividades cotidianas, a sus habitantes, al mercado inmobiliario y a su incremento de precios.

+ INFO DEL FESTIVAL DE POBLENOU AQUÍ
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