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dramaturgia PAULA RIBÓ
dirección PAUL BERRONDO
pequeños fragmentos de texto de MARTA AGUILAR, ALAIN BADIOU, ANDRÉ GORZ, MAR PAWLOWSKY
intérpretes MARTA AGUILAR y MAR PAWLOWSKY
duración 65min
fotografías ALBA CROS
producción EL EJE
ÀTIC 22 (TANTARANTANA)

Tengo frío mucho frío, y no sólo por el evidente que hace en la sala. Que el amor te deje helado no es buena señal. Me quiero cabrear, quiero sentir, quiero empatizar con los personajes pero hay algo que no me permite hacerlo. Y no, no es que sea una historia de lesbianas, porque precisamente por eso tendría más sentido hacerlo. Pero siento más bien indiferencia.

No puedo analizar el espectáculo desde fuera, desde fuera del colectivo, no lo puedo mirar con ojos de heterosexual porque no son mis ojos, y quizás ese ha sido el fallo. Cuando estás dentro hay historias que ya has vivido, que ya te han contado o que incluso has visto con tus propios ojos (de ficción o verdaderos) y Amor no explica más que una historia normal, como hay miles. No ofrecer nada nuevo, es el mismo "bollo drama" de siempre. E incluso diría más, si cambias a uno de los personajes de sexo sería la típica historia de amor de dos personas que se enamoran y poco a poco van creciendo de manera separada.

Paula Ribó opta por ofrecernos la historia al revés, para así hacernos ver un final feliz impostado, para creer que la historia pudo haberse escrito de otra manera. Un final agridulce porque el espectador sabe que las historias felices no acaban cómo empezaron sino de la manera cómo crecieron. Aunque en realidad es ese continuo ir y venir de flashbacks los que hacen que una historia con poca chicha tenga algo de interés.



El frío de la sala y de la historia también se refleja en las interpretaciones, hace falta una química brutal que traspase el escenario para que los sentimientos se vean naturales, y desgraciadamente no la hay. El chute de melodrama es excesivo para un escenario tan pequeño y la falta de intimidad es palpable en un escenario tan cercano como el del Àtic22.

Y si bien es cierto que es necesario visibilizar el amor LGTBQI, no creo que sea conveniente hacerlo a cualquier precio. Con la cultura audiovisual que tenemos a nuestras espaldas, es necesario que se nos muestre ese algo más, que nos atrape en la historia, que lo simple funcione con toda su complejidad y no que la complejidad se vuelva simple.

AMOR

by on 20:27
dramaturgia PAULA RIBÓ dirección PAUL BERRONDO pequeños fragmentos de texto de MARTA AGUILAR, ALAIN BADIOU, ANDRÉ GORZ, MAR PAWLOWSK...

autor JOHN O'DONOVAN
adaptación ALBERTO DÍAZ y GEMMA BELTRAN ANIENTO
traducción GEMMA BELTRAN ANIENTO
dirección ALBERTO DÍAZ
intérpretes MARC BALAGUER y PAU ESCOBAR
duración 75min
fotografías JUDITH GÓMEZ, XAVI GARCÍA, JOEL HOWELS y CARMEN GARCÍA
ÀTIC22

No hace ni un mes que Twitter estaba colapsado de historias personales de vivencias LGTBI+ bajo la etiqueta de #MeQueer. Aquellos niños y adolescentes que fuimos y que no teníamos ejemplos conocidos en los que sentirnos identificados sobre lo que nos pasaba no era una enfermedad contagiosa que tuviera que ser eliminada. Todo esto me pasaba por la cabeza mientras veía este montaje, ¡qué suerte tienen los adolescentes que ayer llenaban la terraza del Tantaratana con una historia que empatice con sus vidas!

Una noche de San Juan en una ciudad pequeña, mientras esperan a que comience la fiesta los dos protagonistas tienen (aparentemente) todo lo que necesitan: alcohol, pasta, drogas y el uno al otro, pero están atrapados en la terraza de un edificio porque les persigue la policía, mientras esperan comienzan a salir las verdades.



Si tinguéssim més coca... es una comedia romántica agridulce. Por más coca que se tomen, nuestros protagonistas son unos perdedores porque son incapaces de enfrentarse a un mundo que no para de darles la espalda. Con un cierto toque de road-movie, el montaje tiene giros de ternura que dejan entrever la verdadera naturaleza de ambos protagonistas. La supuesta careta de "malotes" vitales deja paso a una humanidad que sorprende. 

Tanto Marc Balaguer como Pau Escobar transitan con gran acierto por estos personajes que se van rompiendo y destapando su verdadera cara a lo largo del espectáculo pero me quedo con la interpretación completamente desde las entrañas de Marc Balaguer, quizás el que más fachada externa de "malote" tiene, en un primer momento, y que se "desnuda" en una sorpresiva ternura provocada por un profundo sentimiento de soledad y dolor.



Si tinguéssim més coca... nació para representarse en el proyecto Terrats en cultura, que como su propio nombre indica son montajes que se representan en terrazas, patios... de diferentes barrios de Barcelona. Por eso la terraza, en el último piso del Teatre Tantarantana, le sienta como un guante al montaje. Alberto Díaz ha sabido encontrar la manera de trasladar la acción al pequeño espacio compartido entre escenario y mini platea. La verdad es que no hay sensación alguna de angustia más allá de lo que se describe en el texto. Sin duda, la acción fluye acompañada de un público ávido por disfrutar de una buena historia. Y el resultado se nota en los aplausos que denotan un amor por lo que acabamos de ver, un amor por las pequeñas grandes historias, siempre tan necesarias.


autoría STEFANO MASSINI
traducción CARLES FERNÁNDEZ GIUA
dirección ROBERTO ROMEI
intérprete SANDRA MONCLÚS
duración 65min
fotografías AITOR RODERO
producción GREC 2018 FESTIVAL DE BARCELONA, TANTARANTANA TEATRE y ARSÈNIC CREACIÓN SL.
TEATRE TANTARANTANA (GREC 2018)

Gracias a la edición de este año de Factoria Grec nos pudimos colar en el segundo día de ensayo, cuando todo estaba por hacer y todo era preguntas, dudas y un mundo por descubrir. Ahora es hora de ver en qué se convirtieron aquellos problemas de la sala de ensayo.

El texto de Stefano Massini es un monólogo que nos habla de las situaciones de abuso de poder a nivel laboral, de cómo el capitalismo sólo busca favorecer la producción sin importarle lo más mínimo la situación del trabajado. Cómo por unos euros de más nos convertimos en máquinas sin ningún tipo de sentimiento y nos arrastramos hasta límites de ninguna manera aceptables.



Roberto Romei situa al público en primer plano, con una disposición escenográfica en forma de cuadrado con el público alrededor de la escena. Minimalismo escénico llevado a su máxima expresión. Una especie de ring de boxeo pero sin redes y donde las bofetadas siempre van en una misma dirección, hacia el público.

Los espectadores de Shenzhen significa infern tienen un papel clave, quizás menor al que me hubiera gustado, pero sus reacciones y respiraciones aportan un plus a cada función. La dirección ha apostado por convertir al público en presente silente, dar todo el protagonismo a la actriz y dejar que las reacciones de los espectadores sean silenciosas. Quizás una apuesta más arriesgada con una participación más activa del público en el juego escénico que plantea Massini hubiera hecho irrespirable la escena, de aquella que te atrapa y no te deja escapar.



Eso sí, recibir la mirada directa de Sandra Monclús a escasos centímetros te impacta, te noquea, pero te causa un efecto de no poder dejar de mirarla, de análisis de gestos, miradas y movimientos para saber cuál será el siguiente paso de este juego. Su interpretación está perfectamente medida y trabajada para un público que se acepte el reto, pero ¿y si hay algún rebelde en la sala? 

Delante de una obra donde tanto gestos como movimiento impacta tanto o más que el discurso, la opción de potenciar ciertas escenas con un espacio sonoro, diseñado por Jordi Collet, deja un cierto tiempo de relax al espectador. Como si las puñaladas se tomaran un descanso y estuviéramos cogiendo fuerzas para el siguiente embate. 



PS. Lo único que no me ha gustado de manera tajante y me gustaría dejar constancia es que al mirar la ficha artística, todos y cada uno de sus miembros salvo Sandra Monclús y la alumna en prácticas sea hombres. Para hacérselo mirar.


versión cañera inspirada en Quién teme a Virginia Woolf de Edward Albee
dirección y adaptación MARC RIBERA
intérpretes ERIC BALBÀS, MARIA HERNANDEZ, MAR PAWLOWSKY y JORDI SAMPER
duración 75min
fotografías AITOR RODERO
producción EL EJE y TEATRE TANTARANTANA
TEATRE TANTARANTANA

Por razones incomprensibles se ha convertido en la obra más polémica del momento. La foto del cartel donde se mostraba un culo fue censura por Facebook y la página del teatro fue suspendida temporalmente sin aviso previo. Sensibles como somos ante la censura cada vez más incipiente en nuestro país, la comunidad teatral catalana se movilizó en masa y en una semana se consiguió zanjar la polémica. Justo a tiempo para el estreno de la obra.

Precedida por la polémica, Masticar Hielo llega para crear más. Desde el mensaje de aviso para que los espectadoras apaguen el móvil, sí así en femenino (cosa que molestó de sobremanera al espectador que tenía a mi lado) hasta el mismo aviso que no piensan censurar ni una coma.



Alto voltaje desde el primer minuto. La pacífica sala de estar llena de cuadros de diferentes estéticas pronto se ve alterada por la presencia de dos individuos, la Martha (Mar Pawlowsky) y el George (Eric Balbàs) que entran en escena con la mecha al límite de estallido. Llegan de una exposición de arte de una de las galerías más reconocidas a nivel mundial, propiedad del padre de ella. Los reproches y los litros de alcohol inundarán la escena durante todo el montaje. 

A la fiesta pasada de decibelios son invitados Nuna (Maria Hernandez) y Nick (Jordi Samper), una artista y la su pareja y manager que llegarán para avivar el fuego. Es entonces cuando todo se descontrol y los reproches van en todas las direcciones sin importar nada más que quién la dice más bestia.

Si en la versión de Albee se cuestionaba el mundo académico/universitario, aquí se cuestiona el mundo artístico pero sobre todo la vida de la clase alta y cómo no todo lo puede llenar el dinero. Unas vidas vacías donde el alcohol intenta tapa el hastío existencial sin realmente conseguirlo.



A pesar de que es una obra bastante coral, el centro de la diana se lo lleva una sensacional Mar Pawlowsky, que cumple uno por uno las características que requiere un personaje como este: estridente, con una verborrea imparable, verdulera, al más puro estilo del programa Sálvame o similares. 

Pero el resto de personajes no se quedan atrás en esta guerra donde el más destroyer "gana". También es destacable las dos (o más caras) que esconden los personajes, especialmente en el caso de Nuna y Nick, ya que Martha y George se lo lanzan todo a la cara, sin que quede nada en el tintero, aparentemente.

La dirección de Marc Ribera ha optado por no dar tregua al espectador y aquí se tiran más petardos que en la noche de San Juan. Realmente el espectador queda exhausto de tanta potencia, de tanto grito, de tanto reproche y sale a la calle anestesiado pensando que sólo es ficción... o no.

MASTICAR HIELO

by on 19:37
versión cañera inspirada en Quién teme a Virginia Woolf de Edward Albee dirección y adaptación MARC RIBERA intérpretes ERIC BALBÀS,...

dramaturgia y dirección LAURA MIHON
intérpretes ADRIÀ OLAY y PAU SASTRE
duración 70min
fotografías AITOR RODERO
producción COL·LECTIU LA SANTA y TEATRE TANTARANTANA
TEATRE TANTARANTANA

El blog vuelve a estar activo después de unas semanas de parón por acumulación de historias varias. Una de las críticas que tenía pendiente era ésta. L'hora blava es uno de los mejores espectáculos que ví en marzo y que está en la última funciones, si no quieres seguir leyendo (y aunque sea empezar la casa por el tejado), simplemente corre a por una entrada.

L'hora blava es uno de esos espectáculos que con poco más que los tres elementos principales de cualquier montaje: dramaturgia, interpretación y dirección se puede conseguir un montaje de 10. Con un inicio de lo más sugerente, pocas obras se atreven a tener en vilo al público durante sus primeros minutos de función sin una sola palabra, sólo con un impresionante espacio sonoro diseñado por Cesc X. Mor. Definitivamente el tercer personaje de la obra.



La tensión y por consecuente angustia que provoca el último montaje del Col·lectiu La Santa es la que convierte a esta obra en una especie de road-movie/thriller con una dramaturgia y un ritmo que convierte su narrativa en pariente cercano con la más actual de algunas ficciones televisivas. 

Laura Mihon conjuga a la perfección dramaturgia y dirección para mantener al público atrapado en sus butacas y casi sin pestañear esperando el siguiente movimiento.



El enigma acompaña a los personajes que desgranan sus historias con cuentagotas. El espectador descubre más por sus silencios que por sus palabras. El espacio escénico de Daniel Ruiz y Kaka Gouvea y el diseño de iluminación de Laia García y Joan Rey ahondan en la parte misteriosa.

El trabajo de Adrià Olay y Pau Sastre es sensacional desde el primer minuto. El público respira con ellos, se siente cómplice de sus anhelos, de su impotencia, de sus frustraciones, de sus esperanzas...



No hay duda que el Col·lectiu La Santa sabe reinventarse en cada montaje. Una de esas compañías que no se conforman, de las que nunca sabes que esperar, pero que sorprenden, que innovan y que no se conforman a repetir copias de éxitos pasados. Repito, última semana, imperdible!

L'HORA BLAVA

by on 13:03
dramaturgia y dirección LAURA MIHON intérpretes ADRIÀ OLAY y PAU SASTRE duración 70min fotografías AITOR RODERO producción COL·L...

COMPANYIA EL MARTELL
dirección y dramaturgia LAIA ALSINA FERRER
intérpretes ANDREA ARTERO, CRISTINA ARENAS, MARTÍ SALVAT y TONI GUILLEMAT
duración 75min
fotografías AITOR RODERO
producción TEATRE TANTARANTANA y CIA EL MARTELL
TEATRE TANTARANTANA

Nos vamos de viaje a la infancia. Que las fotos promocionales estuvieran llenas de golosinas ya aventuraba este retorno. La Companyia El Martell nos devuelve a nuestra época de aulas, de castigos sin patio, de amigos inseparables con espectáculo que deja huella en la generación de los 80's-90's.

Cuatro personajes, dos chicas y dos chicos, como bien nos puntualizaría la Cristina si estuviera presente, nos devuelven aquellos tiempos donde el azúcar no estaba prohibido, todo se veía de color de rosa y lo peor que te podía pasar es que te castigaran sin patio, ¿o no?



Durante uno de estos castigos es cuando sucede la trama de esta comedia. La profesora de música, la Dolo, les ha dejado sin patio, pero no por ello la diversión desaparece. Delante de nuestras retinas jugaremos al pilla-pilla, a los tacos, cambiaremos cromos y cartas perfumadas y volveremos a soñar que somos las Spice Girls y haremos coreos con Wannabe

Los cuatro personajes son claramente identificables con algunos de nuestros amigos o "enemigos" de la infancia, e incluso se puede dar la sorpresa de ver un espejo en la mirada, palabras y acciones de alguno de ellos. Bien es cierto que dejamos de ver la edad real de Andrea Artero, Cristina Arenas, Martí Salvat y Toni Guillemat para ver personajes, la naturalidad de sus interpretaciones es aplastante.



Escenográficamente domina la desnudez. Carlota Masvidal y Gala Garrida apuestan por recrear una escena mitad clase mitad patio. Paredes decoradas de arriba a abajo con redes y cuatro sillas verdes, las famosas sillas verdes. La puesta en escena da mucha importancia a la potente iluminación de Ruben Taltavull que incide en intensificar los momentos más emotivos que de juego.

Un juego que se refuerza con uno de los elementos más característicos de la Companyia El Martell, la unión de teatro de texto y teatro físico, de movimiento. Una vez más, y sobre todo en la primera parte de la obra, muchas de las acciones son acompañadas de un elemento importante de teatro físico.



El mar no hi cap en una capsa de sabates tiene una ausencia destacada, el espacio sonoro. Nuestra infancia está repleta de canciones, de sonidos que se quedan fuera de este viaje de manera ciertamente inexplicable. La generación que pasó del mono al stereo de repente se queda en mute. Y no es que el montaje no lo requiera, más bien al contrario, algunos cambios de escena e incluso en algunas escenas concretas ayudaría a intensificar los actos, las palabras.  

Y antes de irme con la música a otra parte, salí de la sala con ganas de jugar, de volver a aquella época, de sacar la niña que llevo dentro, al menos por unas horas. ¡Ay, qué bonito es soñar!


dramaturgia MARIA PORRAS
adaptación COMPANYIA ÉSGRATA
dirección EDUARD TUDELA
intérpretes LAIA ALBERCH, GEORGINA LATRE y JAVIER LÓPEZ
duración 60min
fotografías INGRID RIBAS
producción TEATRE TANTARANTANA
ÀTIC22 (TEATRE TANTARANTANA)

Comienzo el 2018 subiendo al Àtic22, un espacio que hacía tiempo que no pisaba. Sobre el papel este Punt de Fuga o la moral de l'herbicida parecía otra vuelta de tuerca más al concepto de aniquilar la humanidad. Y, en realidad, lo es, ¿pero a qué precio?

Por meternos en situación, venimos de un 2017 marcado por series como The Handsmaid's Tale (El cuento de la criada) o Westworld. Ya tenemos bien aprendido que algunos sueñan o imaginan que un mundo sin seres inútiles es posible. Por eso cuando lees en el programa de mano, las palabras: fin de la civilización, errores, o libertad de acto; piensas a ver qué hay de nuevo.



Y efectivamente todo esta inventado, contado o casi, porque a pesar de todo los ojos del público joven ya han visto más ficción de lo que algunos dramaturgos creen. El inicio del montaje es estimulante, la mezcla de las proyecciones de video con una escena inmóvil crea el deseo en el espectador de querer saber más. 

El problema llega después de la parte proyectada. Es entonces cuando después de un inicio que quiere huir del teatro convencional, se cae en un forzado teatro de texto. Un texto, que entra con calzador en la mayoría de situaciones, y que sobra más que aportar alguna cosa.

El montaje pretende encajar un surrealismo o ficción pasada de vueltas con una realidad cercana gracias al texto. Las transiciones pretende romper, desencajar al espectador, sacarle de su sueño, pero realmente añaden leña a un fuego extinto.



Delante del desconcierto del montaje, las interpretaciones sufren y la dirección de Eduard Tudela no las ayuda a encaminarse. Dentro del histerismo indescriptible del personaje de Georgina Latre y de la falta de convicción de Javier López, encontramos una Laia Alberch que retrata con algo más de precisión y serenidad el alucine de obra que tenemos delante.

Mentiría si afirmara que me he creído algo de lo que he visto. Ante una dramaturgia dispersa, que busca encerrar demasiados conceptos pero no desarrolla ninguno de ellos, el espectador sólo ve fotogramas indistintos delante de sus ojos sin orden ni concierto. Primer des-propósito del año: siempre nos quedarán las series.


autor REMI DE VOS
traducción MÒNICA BOFILL y RAMON MINOVES
adaptación MÒNICA BOFILL y RICARD SOLER
dirección RICARD SOLER i MALLOL
intérpretes LARA SALVADOR, ENRIC CAMBRAY y ARMAND VILLÉN
duración 70min
fotografías AITOR RODERO
producción OBSKENÉ
TEATRE TANTARANTANA

No hay duda que Obskené es una de las compañías más eclécticas del panorama teatral catalán. Caminan entre géneros como pez en el agua, y esta Navidad llegan con un cuento a medio camino entre la realidad y el teatro del absurdo que no deja a nadie indiferente.

Alpenstock nos mete de lleno en la peculiar y tranquila vida de Greta y Fritz, un matrimonio que cumpliría todos los cánones y que simplemente se dedican a trabajar (él) y a ver la vida pasar, hasta que un buen día un extraño se cuela en su casa y cambia su apacible transcurrir para siempre.



Una buena dosis de humor negro, elementos del cine de animación, una caracterización y ambientación que no obvia el mundo en rosa son los principales elementos de esta farsa que nos invita a pensar, mientras reímos casi sin parar, en la tolerancia, en la hipocresía de la sociedad del bienestar hasta llegar a qué seríamos capaces de hacer por mantenerla.

Además de la crítica al sistema político y de valores, emerge una clara crítica de la figura clásica y conservadora de la mujer como un objeto más del mobiliario de la casa. Como en otras ocasiones observamos como el marido trata la mujer, pero aquí el punto de "inflexión" es la diferencia de trato de Greta hacia sí misma en presencia de su marido ("Soy una mujer simple") y la que afortunadamente tiene cuando éste no está presente (de querer salir a comerse el mundo).



Sorprendente y sensacional escenografía de Adrià Pinar y Víctor Peralta, toda una alegoría del mundo escenario que estamos viviendo, del cartón piedra, de búsqueda de la apariencia más que otra cosa. Un mundo rosa que nos invade nada más entrar en la sala, y que se complementa nada más alzarse el telón. 

La atmósfera de Alpenstock rezuma hipocresía en cada réplica y que no deja títere con cabeza. Sus paredes son impolutas, por la obsesión de esta familia por la limpieza (otra metáfora más), y son europeas, con una clara referencia demoledora a la Unión Europea, que lo que no puede limpiar lo tapa. 



Las interpretaciones están muy cuidadas, ya que podrían haberse "salido de madre" y descuadrar el resultado final. Aunque para ser justos el punto de inflexión lo protagoniza la figura del extranjero, un excelente Enric Cambray, al que se le notan los años de tablas y que es capaz de despertar la risa del público, a pesar de que su personaje a veces se vuelva repetitivo. Cambray despliega un magistral repertorio de gestos que convierten a su personaje en toda una pequeña bomba interpretativa.

Alpenstock es el complemento ideal para preparar el alma para los empachos navideños. Y, estoy segura, que también los limpiará a la perfección en la postfunción gastronómica más salvaje del año. Como ya es sabido, la risa siempre es el mejor antídoto, y aquí la regalan a radaules.


ALPENSTOCK

by on 19:37
autor REMI DE VOS traducción MÒNICA BOFILL y RAMON MINOVES adaptación MÒNICA BOFILL y RICARD SOLER dirección RICARD SOLER i MALLO...


de CIA. MAI ROJAS y LOS ESCULTORES DEL AIRE
dirección e interpretación MAI ROJAS
voz en off IGNASI CAMPANY y PAUL FOX
música CHAPLIN, ARVO PART, KEIKO ABE, ERIC SERRA, KRONOS QUARTET y DRUMS OF AFRICA
duración 50min
fotografías DAVID BERRIO
producción ME ENTERTAINMENT AND ARTS
TEATRE TANTARANTANA

Después de la experiencia de la temporada pasada con Game Over en la sala Badabadoc fue leer el nombre de la Cia Mai Rojas e ir de cabeza al teatro Tantarantana. Esta vez, pero, la compañía se ha reducido sólo a su creador principal, Mai Rojas.

La Leyenda del fauno y el viaje es uno de los primeros espectáculos de la compañía y eso se nota. Un pintor es seducido por la idea de crear un cuadro que cobre vida. Construido a partir de su personaje del fauno es un montaje totalmente multidisciplinar: voz, música, danza, clown y proyecciones.

Pero tanta multidisciplina aleja al espectador del todo, en una clara falta de coherencia. Entre sus múltiples peros está el uso indiscriminado de la voz en off, a falta de cohesión entre los escasos momentos de danza y clown, se opta por la narración descriptiva de lo que deberíamos ver con nuestros propios ojos más que oír.




Tampoco le juega a favor la cámara negra del Tantarantana, donde el diseño de iluminación de Sergio García queda reducido a la mínima expresión. Independientemente del color de las luces, que nunca llega a ser el correcto, más que iluminar crean unas molestas sombras que no ayudan a definir la escena.

Con menos de una hora de duración, el espectáculo está falto de ritmo, de impacto visual y de un discurso que cohesione todas sus partes más allá de los cuatro tópicos sobre el mundo pictórico que aparecen proyectados en la pared del fondo en forma de frases de ilustres pintores como Picasso.


creación colectiva de JOSÉ Y SUS HERMANAS
textos de SÍLVIA FERRANDO, EL CONDE DE TORREFIEL, FEDERICO GRACÍA LORCA, JEAN ANOUILH, SÉNECA y ANGÉLICA LIDELL
dramaturgia y dirección SÍLVIA FERRANDO
intérpretes FRANCESC CUÉLLAR, ALEJANDRO CURIEL, MARTA DÍEZ, CARME GONZÁLEZ, CAROLINA MANERO, GEMMA POLO y GLÒRIA RIBERA
duración 75min
producción PROGRAMA TALENT IT (INSTITUT DEL TEATRE DE BARCELONA)
TANTARANTANA

Hasta hace un par de meses, la transición nos quedaba lejos, a algunos muy lejos. Para otros era aquella época que aparecía al final de los libros de texto desde la ESO a Bachillerato que no se daba porque nunca daba tiempo. Pero eso ha cambiado, y más después de ver cómo un grupo de jóvenes veinteañeros la tienen mucho más presente de lo que podríamos imaginar. 

La compañía, José y sus hermanas, surgida del Institut del Teatre, nos dan un repaso en poco más de una hora. No hay manual de historia que lo supere. A través de una ardua investigación nos presentan cómo ven ellos esta época que debiera estar cerrada, y superada, pero que esta más viva que nunca. La dramaturgia se estructura en 3 cuadros donde se trata indistintamente el franquismo, la Guerra Civil, la transición y la democracia.

Un repaso por el fascismo en Europa, por la Guerra Civil española, por el Franquismo, por los 200 mil desaparecidos que siguen en las cunetas de toda la Península, el capitalismo, el gusto por las obras magnánimas (del mismo edificio del Institut del Teatre al Valle de los Caídos), Federico García Lorca... Los bancos regalan sandwicheras y chorizos es una bala tras otra a la sinrazón española de esconder la mierda debajo de la alfombra.



La puesta en escena es simple pero efectiva. Con un estilo que bebe de compañías de la escena de nuevas escenas como el mismo El Conde de Torrefiel, el espectáculo consigue en determinados momentos integrar al público mientras que en otros juega con la poética y realizan todo un ejercicio de emociones y de tocar la fibra. El segundo cuadro es para enmarcar, preciosista hasta decir basta y entre las palabras de Lorca y "la sangre derramada por los cuerpos", la fibra, la piel, y, sobre todo, los pelos de punta

El público tiene que estar dispuesto a ser increpado, a formar parte de esa historia, quizás por segunda vez o por vez primera. Ya que en la platea se ven caras de todas las generaciones, cosa poco habitual hoy en día y que es todo un gustazo. La visión crítica del montaje es amplia y se puede decir que no deja títere con cabeza. Todo un ejercicio de memoria histórica desde un ángulo que nunca lo habíamos mirado.

La naturalidad con la que se relatan los hechos queda también reflejada en las interpretaciones. Lejos de ser personajes, son simples jóvenes de los que te podrías encontrar en la calle, en la universidad o en un manifestación exigiendo explicaciones del porqué de tanto silencio, de todas aquellas preguntas que aún hoy en día siguen sin respuestas.



Sílvia Ferrando ha logrado entretejer de manera brillante la amalgama de textos y nadie diría que Séneca y Angélica Lidell pudieran encajar de la misma manera en un espectáculo. Salvo eruditos en la materia, fuera de reconocer a Federico García Lorca, muy presente y muy significativa su aparición, el resto son consignas, dardos, preguntas, balas, que en una cierta medida todos a lo largo de nuestras vidas nos hemos hecho o haremos con respecto a los últimos 80 años de historia. 

Los bancos regalan sandwicheras y chorizos es un montaje lleno de sorpresas con un ritmo vertiginoso, donde en 75 minutos se repasan 80 años de vida y de historia. Una buena oportunidad para que los jóvenes (y no tan jóvenes) descubran una época de nuestra historia por boca de aquellos que tampoco la vivieron pero que la explican mejor que algunos que sí que la vivieron y callan, aumentando el silencio. José y sus hermanas rompen el silencio y de qué manera. El primer imperdible de la temporada. ¡Bravo! 



DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: ROC ESQUIUS
INTÉRPRETES: NÚRIA DEULOFEU y ISIDRE MONTSERRAT
DURACIÓN: 75min
FOTO: ROSER BLANCH
PRODUCCIÓN: DARA y el soporte de TEATRE TANTARANTANA
TEATRE TANTARANTANA

Una vez pasado el descanso vacacional, inicio la temporada teatral, un año más, en el Teatro Tantarantana, uno de los pocos que cuelga el cartel de "abierto por vacaciones". Hoy he venido a bailar Claqué o no. Qué mejor idea que comenzar la temporada con una comedia surrealista donde se pone en cuestión si es necesario sacar del armario las vocaciones frustradas y poner todo nuestro empeño en llevarlas a cabo.

Nuestra protagonista tiene una carrera brillante como bioquímica que decide abandonar para dedicarse a su pasión, bailar claqué. Independientemente de que en un breve lapso de tiempo cualquiera pueda adivinar que no ha nacido para bailar claqué, ella le pone tanta pasión que acabas incluso por sentir lástima de tanto esfuerzo desperdiciado. A su lado, un reorientador laboral, o más bien una voz de la conciencia, surgido de la nada, que intenta convencerla que vuelva a su mundo de las ciencias para el que se ha formado y para el que realmente sirve.




Al inicio, la dramaturgia de Roc Esquius es directa, incisiva, muy divertida, loca, atrevida, y juega constantemente con el espectador... pero mantener el ritmo del inicio durante todo el tiempo es una tarea muy complicada. Un poco más allá de la mitad de la obra se mete en un cul de sac que le hace perder la potencia del inicio, volverse en exceso melodramática, pero que con más o menos traza consigue remontar en el último cuarto de hora.

Interpretativamente la obra ha encontrado el tándem perfecto. Núria Deulofeu destila tanta pasión por lo que hace como su personaje por bailar claqué, eso sí, afortunadamente, sale mucho mejor parada que él. Deulofeu despliega un sinfín de gestos que ayudan a enfatizar los momentos de comedia de la obra. A su lado Isidre Montserrat borda un personaje odioso de principio a fin. Por mucho que disfrutes de los juegos con el lenguaje y sus metáforas, como es mi caso, este orientador laboral acabaría por sacar de sus casillas a más de uno. 

El montaje nos traslada a Barcelona, con homenaje incluido en forma de baldosas de Paseo de Gracia (en una platea encima del escenario a dos bandas), pero la verdad es que fuera de la anécdota puede pasar en cualquier sitio. Porque de personas con vocaciones frustradas las hay por doquier y como se dice durante la obra no tiene el mismo significado "quería querer" que "quería ser". Pero mejor no te pares a pensar cuál es la diferencia y corre al Tantarantana que la Compañía Dara la tiene muy clara y hasta el 17 de septiembre la explica a quién esté dispuesto a escucharla. 

CLAQUÉ O NO

by on 13:07
DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: ROC ESQUIUS INTÉRPRETES: NÚRIA DEULOFEU y ISIDRE MONTSERRAT DURACIÓN: 75min FOTO: ROSER BLANCH PRODUCC...




Por Elisa Díez (Butaques i Somnis) | Foto: Roser Blanch

La temporada teatral no ha acabado, o acaba de comenzar. Con la arena todavía en nuestros pies, es hora de alzar el telón. La primera en dar el pistoletazo de salida es la Companyia Dara en el Tantarantana con Claqué o no, una comedia sobre si es posible reinventarse profesionalmente cuando has dedicado buena parte de tu vida a una cosa que ya no te motiva.

La compañía es la última de la edición 16-17 de El Cicló y vuelve a apostar por la comedia en su nuevo montaje. Núria Deulofeu interpreta a una mujer con una carrera profesional brillante, una profesión que le va como anillo al dedo y en la que ha conseguido llegar muy lejos, pero lo quiere dejar. Ella lo que quiere es dedicarse profesionalmente a bailar claqué. Isidre Montserrat es un funcionario del gobierno que se encarga de que las personas se dediquen a aquello para lo que están preparadas. Entonces, los planes de la mujer se veran frustrados.

Después de triunfar con iME y posteriormente con Mars Joan, la companyia Dara con Roc Esquius como dramaturgo, busca que empecemos el curso escolar con buen ritmo y cuestionándonos si aquello a lo que nos dedicamos es realmente a lo que nos gustaría seguir dedicándonos. ¿Es posible comenzar de cero a los trenta, cuarenta, etc? ¿La sociedad está preparada para que lo hagamos?

"De toda tragedia, como sería cambiar tu futuro laboral, puede surgir una comedia", según afirma la compañía. Del 16 de agosto al 17 de septiembre, en el Tantarantana se bailará Claqué o no.



DRAMATURGIA: JOAN YAGO
DIRECCIÓN: ISRAEL SOLÀ
INTÈRPRETES: QUERALT CASASAYAS, XAVI FRANCÉS, AITOR GALISTEO-ROCHER y VANESSA SEGURA
DURACIÓN: 80min
FOTOGRAFIA: ANNA FÀBREGA
PRODUCCIÓN: TEATRE TANTARANTANA
TEATRE TANTARANTANA

Personalmente con La Calórica tengo una historia de encuentros y desencuentros, pero la promoción de Fairfly me despertó el interés en seguida, más aún sabiendo que habían abandonado su particular formato de esqueches para dar forma a una historia "convencional" (presentación, nudo y desenlace). Cuatro amigos buscan una idea revolucionaria para cambiar el mundo o, simplemente, para entretenerse después de que la empresa en la que trabajan acabe de anunciar un ERO. La idea, mejor no explicarla. El consejo ir con el estómago vacío.

Estilo made in La Calòrica, esta dramaturgia busca entretener, los 80 minutos te los pasas riendo, pero también al mismo tiempo reflexionando sobre cómo, sin ser conscientes, somos partícipes de un mundo en el que todo vale, y se dan por buenas muchas ideas que si nos paráramos a pensar un rato nos parecerían auténticas barbaridades. 

Los cuatro protagonistas de Fairfly representan cuatro perfiles que nos podemos encontrar hoy en día en cualquier empresa. La idealista, naïf y soñadora que quiere cambiar el mundo, la que tiene los pies en la tierra y que necesita hechos probados para dar el siguiente paso, el que tiene una idea en su vida y vive de las rentas para siempre y por último, el currante que sueña con que algún día será rico.

Con una dramatúrgia muy bien construïda y con una dirección que aporta un ritmo vertiginoso a la acción, las interpretaciones alcanzan un nivel de naturalidad impresionante. El hecho de, como espectador, estar dentro de la escena, ayuda a vivir de primera mano sus miedos, sus anhelos y sus victorias. 

Fairfly es una comedia que no te dejará parar de reír, una auténtica terapia de risas, pero con un regusto un tanto complicado de digerir, ya que esta vez lo que pasa en escena no se queda en escena, te acompañará mucho más allá de la salida.

FAIRFLY

by on 20:59
DRAMATURGIA: JOAN YAGO DIRECCIÓN: ISRAEL SOLÀ INTÈRPRETES: QUERALT CASASAYAS, XAVI FRANCÉS, AITOR GALISTEO-ROCHER y VANESSA ...