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Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Estamos viviendo unos momentos que hasta el humor da miedo pero Gastón Core ha decidido apostar por él para presentar la nueva temporada de la Sala Hiroshima. Disfrazado de dinosaurio se ha presentado delante de los periodistas. Toda una crítica al sistema cultural en el que parece asentado Barcelona, y que el director de la sala insiste en que se está cargando la posibilidad de disidencia de las propuestas que disienten de salirse de los cánones establecidos.

La Sala Hiroshima seguirá apostando por la calidad y por descubrirnos nuevos nombres de danza y creaciones híbridas de fuera de nuestras fronteras. De las 15 propuestas que componen la temporada, la mitad es internacional y 9 de ellas están dirigidas por mujeres. Además se vuelven a abrir la sala a las residencias artísticas, a los encuentros con artistas (Meet the Artist) al igual que talleres y workshops y a dos producciones propias, una de ellas una coproducción internacional, surgida de su apuesta por tener dos artistas asociadas.

No enumeraré todos los espectáculos de la temporada que ya están en la web, pero sí de los nombres de los artistas que conforman su programación (algunos ya viejos conocidos de la sala): Oona Doherty, Núria Guiu, Sònia Gómez + David Climent + Pere Jou, Federica Porello, Pol Jiménez, Sol Escobar, Christos Papadopoulos / Leon and Wolf Dance Company, Chiara Versani, Teatro Praga, Aina Alegre, Raquel Gualtero, Clara Furey + Peter Jasko, Albert Arribas + Francesc Cuéllar y Arno Schuitemaker.



Una de las maneras de tener más presencia es contar con fuertes colaboradores, y en esta temporada se vuelve a apostar por la Casa Grande de la Danza, el Mercat de les Flors de cuya colaboración, la Sala Hiroshima puede abrir la temporada con Hope Hunt & The Ascension into Lazarus de la joven coreógrafa de Irlanda del Norte Oona Doherty que ha sorprendido en festivales de media Europa a crítica y público. Doherty evoca el estereotipo de hombre joven de los barrios deprimidos de Irlanda del Norte.

Los principales ejes temáticos de la temporada 2018-19 siguen siendo las perspectivas de género con piezas como La Oscilante de Pol Jiménez que cuestiona y desdibuja los límites de los roles mujer-hombre en la danza folklórica española. También se celebrará la diferencia con propuestas como la de Aina Alegre o la de Chiara Bersani y la nostalgia estará muy presente en Before de los portugueses Teatro Praga.




Las artistas asociadas de esta temporada son Núria Guiu, que la Sala Hiroshima producirá su nueva propuesta, Espiritual Boyfriends, y se reprogramará su éxito Likes y Aina Alegre que estrenará La nuit nos autres que estará corproduida con la Dansa. Quinzena Metropolitana.



Otras de las colaboraciones importantes de la Sala Hiroshima son el Festival Salmon y Graner centre de creación, gracias a la cual se presentará Gentle unicorn de la italiana Chiara Bersani, un solo sobre la figura del unicornio desde su propia fisicalidad. Además volverá a participar en el festival IF Barcelona - Dramatúrgies de l'objecte y estrenará WeWood de Federica Porello que investiga sobre la danza y los objetos.



Además se presentarán dos artistas seleccionados por la plataforma europea Aerowaves en colaboración con el Mercat de les Flors, una de ellas es la ya mencionada Oona Doherty y el otro es el estreno a España de Opus de Christos Papadopoulos con la colaboración especial del ESMUC. Una pieza para cuatro intérpretes y una orquesta de cámara que parte del estudio de la estricta estructura y complejidad de la composición musical clásica.

Pero no todo es danza en la Sala Hiroshima, esta temporada la propuesta teatral es Before de Teatro Praga, una pequeña obra de la dramaturgia portuguesa que trata con ironía y humor el sentimiento de saudade, el anhelo de vuelta a un tiempo pasado, frente a un presente doloroso, que se percibe como glorioso. Una enfermedad que diagnostica siempre el final de una etapa.

Después de este pequeño recorrido por la programación, que si vais a la web es mucho más extensa, me pregunto, ¿quién es el dinosaurio ahora?
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Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

La Sala Hiroshima nació para dar un significado distinto a las salas de danza de Barcelona, para crear un espacio que no existía más que en alguna sala off del off. Instalada a escasos metros del Paral·lel en dos temporadas se ha convertido en cita obligada de los amantes del género, dispuestos a verse sorprendidos por una programación ecléctica y con amplio carácter internacional.

Gastón Core, director artístico de la sala, comienza la presentación de temporada confiado en que su proyecto funciona:

He dejado de contar años, he decidido que cuando un proyecto llega a la tercera temporada es porque ya está consolidado.

Las cifras le dan la razón, en los dos años y medio de andadura han logrado conseguir la mágica cifra de 20.000 espectadores con una ocupación media del 60%, 330 funciones y 145 compañías/artistas. Además se han realizado más de 2.600 visitas profesionales (encuentros, sesiones de trabajo, showcases, foros especializados, etc.)

Toda la razón del mundo, ir a la Sala Hiroshima es como una especie de peregrinaje que muchos ya hacen semanalmente y, en muchas ocasiones, con los ojos cerrados, bien porque van a ver un artista en concreto, conocido, bien porque se dejan sorprender con uno de las decenas de propuestas de nombres desconocidos, habitualmente de la escena internacional.



El eje temático de esta temporada es la identidad colectiva, desde las tradiciones populares catalanas y del Mediterráneo, investigadas por Aina Alegre, pasando por la samba del carnaval del brasileño Reinaldo Ribeiro a una investigación sobre los fenómenos de masas que generan las redes sociales de Núria Guiu.

En esta nueva temporada se ha querido ir más allá. Una vez consolidada la oferta internacional se busca poner el focus en la creación local para lo que se establecerán acompañamientos artísticos y/o residencias artísticas. En esta temporada serán: Lautaro Reyes, Eulàlia Berguedà, Núria Guiu, Kotomi Nishiwaki, Aina Alegre y Reinaldo Ribeiro.

Además también se quiere hacer hincapié en la búsqueda de nuevos públicos, pero tal y como afirma Gastón Core, "no se trata de inventar la rueda, sino de establecer nuevas herramientas de promoción". Deja en el aire qué está preparando en este aspecto. Tendremos que esperar para descubrirlo.


"The longest festival of the year"

Éste es el eslogan bajo el cual se presenta la  programación de la cuarta temporada  y cuyo contenido es imposible de resumir (19 propuestas locales + 18 propuestas internacionales), por eso he optado por escoger algunas propuestas que, así de entrada, se podrían convertir en lo que comúnmente se conocen como imperdibles:



  • MIÉRCOLES 18 DE OCTUBRE. Esta temporada se inauguran los programas dobles. Uno de ellos será el protagonizado por las piezas de Albert Quesada, Solo Bach & Glenn que invita al espectador a percibir y escuchar las obras clásicas desde un punto de vista coreográfico. Comparte sesión con la joven coreógrafa brasileña Aline Corrêa, Resistência, que investiga la resistencia del cuerpo a través de las diferentes maneras de caer y de cómo su cuerpo impacta contra la tierra.



  • DEL 20 AL 30 DE DICIEMBRE: L'última cena / The last supper de Atresbandes. Una performance donde los espectadores serán los invitados a sentarse en la mesa con los intérpretes. Juntos revisarán las últimas palabras de héroes, estrellas y condenados a muerte a través de los trece "últimos menús".


  • DEL 19 AL 21 DE ENERO: Eulàlia Berguedà presenta Nixie (Deep Inside) dentro del programa INEXCHANGE que propone intercambios de residencia para piezas en creación. La coreógrafa presenta en este solo un viaje submarino lleno de referentes femeninos (desde la sirena hasta la diva) que contrapone a la voz masculina de la superficie.


  • SÁBADO 3 Y DOMINGO 4 DE FEBRERO: Albert Arribas y Sílvia Delagneu presentan Orationibus #SR, obra incasificable donde los dos jóvenes directores se enfrentan al mundo de la lírica, el cabaret y la performance.


  • SÁBADO 17 Y DOMINGO 18 DE FEBRERO: La protagonista de la imagen de la temporada (foto que encabeza toda la crónica), Núria Guiu presenta Likes donde analiza dos de los fenómenos más populares de Youtube: el cover dance y los tutoriales y vídeos sobre las diferentes técnicas de yoga. Desde una perspectiva sociofntropológica, la artista aborda un discursos sobre el valor social de un like en nuestras sociedades digitales.


  • VIERNES 9 Y SÁBADO 10 DE MARZO: La quebequesa Daina Ashbee presenta Pour una oda al cuerpo femenino y su naturaleza que lleva implícita una denuncia sobre su posición en el mundo. De una plasticidad absoluta, la pieza sorprende por el trato del espacio y por la maravillosa intérprete que se sitúa en un territorio expresivo desconcertante, misterioso, interpelando la mirada del espectador con la mirada, la desnudez y la precisión de movimientos.


  • DEL 23 AL 25 DE MARZO llega una de las piezas más esperadas, Canibalismo de Lautaro Reyes (chileno afincado en Catalunya). Pieza para cuatro intérpretes, el coreógrafo trabaja el movimiento como un mecanismo capaz de generar estados mentales. Lautaro establece un diálogo coreógrafo con el espectador a través de herramientas sencillas como la repetición, el canon y la variación, construyendo un marco de exposición formal.


  • VIERNES 22 Y SÁBADO 23 JUNIO. El colofón de final de temporada tiene como protagonistas a Leslie Mannès & Amaranta Velarde + Alba Corral con Atomic 3001 + Mix en scène. Un proyecto que nace del intercambio de artistas en residencia de la temporada (Bélgica- Catalunya). Una nueva visita sobre la pieza de Amaranta Velarde y Alba Corral que ya habían presentado a la sala y, que en esta ocasión se les suma la de la artista valona Leslie Mannès, un ritual futurista que lleva a la artista a una alienación física hasta el punto de convertirla en una máquina de hablar.

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CREACIÓN e INTERPRETACIÓN: MARTA CARRASCO
COLABORACIÓN ARTÍSTICA (VIGILANTES DE LA NOCHE): DOMINIQUE FALDA
DIRECCIÓN y DRAMATURGIA: MARTA CARRASCO, PEP CORS y ANTONI VILICIC
CREACIÓN DE LA BANDA SONORA: MARTA CARRASCO
DURACIÓN: 60min
FOTO: DAVID RUANO
PRODUCCIÓN: COMPANYIA MARTA CARRASCO
SALA HIROSHIMA (GREC 2017)

Si hay una palabra que describa mi estado durante la hora de duración del espectáculo sería embelesada. La potencia escénica de Marta Carrasco me produce que no pueda despegar los ojos de sus actos. Con un público cómplice, Perra de Nadie recupera la figura de Lili, ya presente en su último espectáculo B-Flowers, y la transforma en una perra, para transcurrir por sus espacios más íntimos, allá donde nadie llega. Del maltrato inicial, a la liberación, la vuelta a la infancia, y finalmente un empoderamiento más que merecido después del viaje. 

A pesar de que el título podría presagiar una dureza temática, y la hay no hay duda, la manera con la que Marta Carrasco comienza el espectáculo, apelando a la ternura del espectador, deja a éste totalmente descolocado, profundamente tocado para todo lo que le espera después. La ternura se acaba, el montaje transita hacia momentos más oscuros. Impresionante, un impacto directo al corazón la escena de ‘gallinita ciega’ donde una venda cubre por completo su cabeza, incluyendo la cara, silencio sepulcral en la platea.

Perra de Nadie es un montaje que exige el dos cientos por cien de la artista y no cabe duda que Marta Carrasco se entrega y se deja la piel en el escenario. Además de las escenas visual y plásticamente más impactantes, el espectáculo destaca por su impresionante banda sonora, temas todos ellos escogidos por la propia Carrasco que van desde el mítico ‘Can’t take my eyes off you’ a ‘Gracias a la vida’ que popularizó Violeta Parra, pasando por ritmos más dance, bajo la sorpresa de los presentes.

Marta Carrasco pasa por todas las pieles, una de sus momentos más irreverentes es su transformación hacia lo que podría ser un conservadurismo americano de los años 60 mientras baila de una manera explícitamente sensual. La plasticidad estalla sometida a los dictámenes de lo que sería un burka, totalmente tapada, en una imagen que no ya por común, se hace más fácil de asumir.

Perra de Nadie acaba de manera performática, asumiendo otro tipo de piel, metiéndose en la piel de otra mujer, de otra perra de nadie, quizás la más libre de todas, sin cadenas y bajo una libertad creativa que le da un supuesto anonimato. Anónimas pero bien presentes, y parafraseando a Violeta Parra, “el canto de ustedes que es mi mismo canto”, las mujeres de Perra de Nadie son vivas y libres. 

Poderosísimo grito de libertad de Marta Carrasco que consigue poner al público de pie, en uno de los aplausos más largos y sonoros de lo que va de Grec 2017. Profundamente tocada y con la piel de gallina abandono la sala, más empoderada que ayer pero seguro que menos que mañana. Bravo y gracias, Marta!

PERRA DE NADIE

by on 20:33
CREACIÓN e INTERPRETACIÓN: MARTA CARRASCO COLABORACIÓN ARTÍSTICA (VIGILANTES DE LA NOCHE): DOMINIQUE FALDA DIRECCIÓN y DRAMATURG...
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Fuente: Elisa Díez (Butaques i Somnis) | Vídeo: Sala Hiroshima

Hace tres meses que abrió sus puertas la Sala Hiroshima al barrio de Poble Sec y ya es imprescindible y de obligatoria visita para todos aquellos a los que les canse ser un espectador convencional. El 25 de septiembre es la fecha para iniciar el punto y seguido de una programación que ya dio sus primeros frutos entre abril y julio y que vuelve a optar por los espectáculos internacionales, este primer trimestre de artistas pocos conocidos, y en el segundo trimestre de nombres más consolidados.

La danza vuelve a ser la protagonista de la programación, aunque también habrá hueco para la música, la performance, el teatro de objetos y el teatro, siempre y cuando no sea puro teatro del texto, del que huyen. Los géneros híbridos tan de moda, serán la base de esta nueva programación.

Un dato a tener en cuenta y es que en estos primeros tres meses de programación, los espectáculos estarán creados/interpretados en un 65% por mujeres.

La primera temporada completa de la sala tendrá dos objetivos primordiales: Consolidar su línea artística y segundo plantear estrategias de desarrollo vinculando diferentes entidades culturales locales e internacionales que les permitan en un futuro colaborar y coproducir espectáculos.

A parte de estos grandes macro objetivos, y tocando con los pies en el suelo, también se marcan tres líneas de actuación: ampliar la oferta cultural internacional de la ciudad (con 6 compañías extranjeras en tres meses), seguir apostando por jóvenes creadores (como Alejandro Curiel, recién salido del Instituto del Teatro) y llegar a más públicos a través de la creación de ciclos en la colaboración con otros agentes culturales como el Espai Erre (ciclo Fenòmens), La Poderosa (cicle Retro/2026) y el Festival Salmon (Mercat de les Flors). Gaston Core, su director artístico se ha fijado en el público extranjero, aquellas personas que viven en Barcelona pero que raramente van al teatro porque no encuentran una propuesta que vaya con ellos.

Si en un primer momento el bar se preveía que fuera un instrumento para llegar a más público, los primeros meses indican que el público ha venido directamente a la sala, sin pasar por el bar. A pesar de ello, la idea continúa siendo la de organizar actividades paralelas en el bar para buscar un tipo de socialización al estilo de Buenos Aires.

Toda la programación la encontrarás en su web, de la que destacaré mis imprescindibles, aunque verlo todo sería deseable pero es imposible:

EL BANQUET de Laura Vilar y Miquel Barcelona (18 de octubre a las 18h y a las 20h). Nunart. Performance/Danza. Seis bailarines y un músico más dos invitados (otro músico y un artista de perfil multidisciplinar). EL resultado una propuesta de creación itinerante sobre la integración de la diferencia.. El cuerpo sigue reaccionando al aprendizaje ancestral de que un grupo mirándolo fijamente le quiere hacer daño. Agresión, intimidad, sutileza, desconfianza, canibalismo es la asociación de ideas propuesta.

FOREST WHERE THE STARDUST PIKAru de Yuko Kawamoto (Japón, 21 de octubre 20:30h). New butoh. Yuko apuesta por una expresión enérgica y potente y su presencia es tan fuerte que puede cambiar toda la atmósfera simplemente quedándose quieta. Una pieza sobre víctimas, infancia y cómo comenzar desde cero.

MIX EN SCENE de Amaranta Velarde. (29 y 30 de octubre a las 21h). Danza/DJ set. Esta pieza la vi el pasado junio en La Poderosa y me impactó por el juego de música, performance y coreografía. La misma bailarina lo hace todo, pincha en directo, baila y acciona partituras coreográficas de una manera sorprendente. La propuesta es una viaje que superpone estilos y principios artísticos, utilizando estrategias de postproducción i el espíritu de DJ de la apropiación, la manipulación y versionado de materiales.

HOSTIANDO A M de Agnès Mateus. (11, 12, 13, 14, de noviembre a las 21h y 15 de noviembre a las 19h). Teatro/Manifiesto. Llevo meses persiguiendo esta pieza por diferentes espacios, y esta vez no me la pienso perder. Una mezcla de violencia, música, performance y cabaret que denuncia la realidad del día a día y que utiliza la violencia como la única vía que el mundo entiende para salir de la pantomima en la que se ha convertido.

BONNE, BELLE, DOUNCE de Alejandro Curiel (5 de diciembre a las 21:30 y 6 de diciembre a las 19h). Teatro de objetos/Creación escénica. Especáctulo complejo para un creador novel pero prometedor sobre una relectura de Las Criadas de Jean Genet. Una interrogación sobre la identidad y nuestro lugar en el mundo respecto al otro. Gran componente físico y de gesto, más que textual llena de contrastes rítmicos, fragmentación y repetición. 

PLA FIX, LATUNG LA LA de David Ymbernon. (21, 22 y 23 de diciembre a las 19h). Teatro de objetos/Creación escénica. Espectáculo familiar. David Ymbernon me persigue, llevo toda la Fira de Tàrrega escuchando a la gente hablar de su trabajo y por fin, espero, poder verlo en directo. Un espectáculo casero que se ha venido representando en su casa, donde toda su familia participa, una película de animación teatral, "cocinada" con imágenes y música en directo. 
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Fuente: Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Una de las novedades más esperadas de la temporada pasada fue la apertura de la Sala Hiroshima. Tan sólo con unos meses de vida ya se ha convertido en un lugar de encuentro imprescindible de la escena alternativa de Barcelona. El 25 de septiembre comienza su segunda temporada manteniendo la línea artística que definió en la primera: apostar por los artistas emergentes y las compañías independientes que investigan con los nuevos lenguajes y la tecnología aplicada a la escena, con una fuerte presencia de artistas internacionales.

Y comenzará con el espectáculo internacional I guess if the stage exploded... del artista inglesa Sylvia Rimado, que se podrá ver el 25 y 26 de septiembre. Es una propuesta estética sobre la memoria y la representación, totalmente híbrida entre el teatro y la performance.

A lo largo del mes de octubre, Hiroshima programará danza, teatro, música y performance de la mano de la compañía K. Danse con el espectáculo de danza y tecnología Monster; el artista Cris Blanco con la propuesta de teatro-cine en directo El Agitador Vortex; Miquel Barcelona y Laura Vilar (nunArt) con El Banquete; la artista japonesa Yuko Kawamoto con la pieza de nuevo butoh Forest Where Stardust PIKAru; Roberto Romei y J. Carlos Lérida con la propuesta de flamenco y electrónica El aprendizaje; María Arnal y Marcel Bagés con el concierto / performance Código abierto; Amaranta Velarde con la propuesta de danza y DJ set Mix-en-scene, y Tania Arias Winogradow con la danza / performance Bailarina de fondo en concierto.

Además, Hiroshima comienza colaboraciones de programación con Espacio Erre (ciclo Fenómenos) y La Poderosa (ciclo Retro / 2026) que continuarán a lo largo del 2015-2016, en paralelo a la presencia de compañías internacionales y nombres propios de la escena contemporánea. Además, la propia sala crea el ciclo Otra danza, que aborda nuevas visiones de danzas tradicionales, y deja espacio para nuevas propuestas, especialmente musicales, que bajo el nombre de "Out of Context", se incorporan una vez cerrada la programación oficial.

El 15 de septiembre se presentará en rueda de prensa la temporada completa. Estaré atenta porque seguro que da que hablar. En ella se presentarán los platos fuertes nacionales e internacionales de la temporada, de la que ya resuenan algunos nombres: Albert Quesada, Pablo Esbert, Poliana Lima, Los corderos, A tres Bandas...
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Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Cuando los focos se apagan, las plateas se vuelven desiertas y las persianas anuncian un "Cerrado por Vacaciones" es hora de hacer balance de la temporada teatral que ya ha terminado. Este año por circunstancias personales y laborales no he podido asistir con tanta regularidad a las salas, tan sólo en poco más de 100 ocasiones, contando la maratón que con mucho gusto me he pegado con el Festival Grec.

Esta ha sido una temporada floja, se presentó como la temporada de la recuperación y hemos acabado con ocupaciones tras la Semana Santa que a penas alcanzaban al 40%, es verdad que cuando sale el sol, la playa tira más que las salas teatrales, pero son números preocupantes para un sector ya de por sí afectado por diversas políticas culturales.

Pese a todo hay vencedores que se han llevado el gato al agua y que han visto sus plateas a rebosar. Comencemos con dos nombres y apellidos que por una u otra razón han destacado esta temporada. Ernesto Collado, que parecía que tenía vetado la exhibición de sus espectáculos en Barcelona, esta temporada ha conseguido que deseemos ver más tras Montaldo (La Seca) y Constructivo (Hiroshima). Nuevos lenguajes escénicos, una apuesta clara por incluir al público en la pieza escénica y una experiencia muy recomendable para aquellos que no se conforman con sentarse en una butaca y disfrutar. Volviendo al teatro más clásico y convencional, esta ha sido la temporada de Lluís Homar que ha maravillado con su Terra Baixa (que volverá al Borràs del 23 de septiembre al 25 de octubre tras agotar localidades en su primera temporada) y con la dirección de L'art de la comèdia de Eduardo de Filippo en la Sala Gran del TNC y que después pudimos ver "paso a paso" en el programa Teatral del Canal 33.

De los nombres y apellidos pasamos a las salas. Destacaré tres, una por su nacimiento, la otra porque aunque llevaba ya un tiempo entre nosotros, este año ha consolidado su presencia, quizás no tanto para el gran público que busca un teatro más comercial, pero sí para los teatreros que buscamos otro tipo de emociones y por último la consagración de una sala/compañía que el año pasado dejó el listón muy alto y éste ha vuelto a superarlo. 
Hace apenas cuatro meses nacía la Sala Hiroshima, venía a ocupar una parcela poco explorada en Barcelona como es el teatro experimental, la performance, la danza, los géneros híbridos... Pegadita al Paral·lel, cuna de los grandes teatros comerciales, este proyecto huía de los neones para mostrarnos otro tipo de propuestas, que poco a poco van ganando adeptos entre el público teatral. He podido asistir en dos ocasiones y tengo ganas de más. En unos días os explicaré una avanzadilla de su nueva temporada. Estad atentos! 
Y siguiendo en Poble Sec, en lo alto de la Montaña de Montjuïc nos encontramos con La Vilella, hervidero de pequeñas propuestas. En ella se horneó una de las joyitas de la temporada, Et vindré a tapar, que más tarde, ya en verano ha recalado en La Seca. Tanto una como otra han conseguido participar en el Festival Grec de este año, una buena señal de que dejan el anonimato para entrar en el circuito. 
Finalizamos en el centro, sorteando guiris, para refugiarnos en el anteriormente conocido como Círcol Maldà, que a partir de esta nueva temporada se llamará El Maldà. Entre los múltiples estrenos de esta temporada, dos montajes me han sorprendido. La producción de esta temporada de la compañía, Els Pirates Teatre, que han versionado con su estilo, Nit de Reis de Shakespeare. Disfrutada de obra donde la música volvió a tener protagonismo y El llarg dinar de Nadal, que agotó entradas y volvió fuera de Navidad, para regalarnos una ambiente cuidado con una puesta en escena sublime y unas interpretaciones que dejan la boca abierta. Esta Navidad vuelven. No se la pierdan.

En el último tramo de temporada nos aguardaba una de las sorpresas que nos ha tenido en vilo durante dos meses y con la que hemos disfrutado enormemente, tanto que nos hemos quedado con ganas de más. La responsable es la compañía La Brutal con David Selvas y Julio Manrique a la cabeza que han creado una especie de teatro seriado y con su ciclo Tot pels diners ha conseguido llenar el Espai Lliure de mentes despiertas con ganas de ver una serie de montajes diferentes. Mammon, Cleopatra y L'onzena plaga nos ha convencido y hecho adictos a montajes que no acaban en los aplausos.

Y acabamos con fuegos artificiales, para el que es sin duda el montaje de la temporada. Y aunque algunos digan que es un melodrama (si Shakespeare levantara la cabeza...), lo cierto es que tuvo las entradas agotadas antes de estrenarse y nos hizo soñar con lo que puede conseguir un director, Julio Manrique, con los recursos limitados, con algo más de imaginación. Sí, estoy hablando de El Curiós Incident del Gos a mitjanit que se pudo ver al Lliure de Gràcia y que la temporada que viene se podrá ver al Lliure de Montjuïc. Después de ver el de Barcelona fui a Londres, y vale que allá tienen más dinero y escenográficamente es espectacular pero les falta Pol López, inconmensurable la interpretación de unos de los grandes de la escena catalana actual. Las entradas volarán, de eso tampoco hay duda.

Y claro que hay cosas negativas, espectáculos que me han decepcionado, ha sido una temporada como muchas otras, donde sales corriendo de una sala porque si alguien te pregunta qué te ha parecido se te va a notar que no te ha gustado demasiado tirando para nada, pero eso en agosto se te olvida nada más poner un pie en la arena, ni te acuerdas de las listas que has podido hacer en una platea por estar aburrida o no conectar con el mensaje. En septiembre vuelves descansada, con un montón de kilos de más... en la maleta y con ganas de sumergirte en más historias, con nuevos personajes, mientras la página en blanco te sigue esperando para que la rellenes con una y mil reflexiones. Este agosto, el blog sigue, te esperan una serie de artículos para que la vuelta a la rutina sea más liviana porque estés deseoso de iniciar la temporada teatral con una y mil propuestas. Esto es tan sólo un punto y seguido... Continuará.
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DRAMATURGIA: EVELYN ARÉVALO y PEP TOSAR
DIRECCIÓN: PEP TOSAR
BAILE: JESÚS CARMONA
CANTE: ALBA CARMONA
GUITARRA: JESÚS GUERRERO
PERCUSSIÓN: DAVID DOMÍNGUEZ
DURACIÓN: 90min
FOTO: JOSEP AZNAR
PRODUCCIÓN: GREC 015 FESTIVAL DE BARCELONA y PEP TOSAR
SALA HIROSHIMA (GREC 2015)

Parto de una base para nada objetiva. Federico García Lorca fue uno de los escritores que de adolescente me hizo vibrar con su poesía (Poeta en Nueva York y Romancero Gitano) y luego con sus dramaturgias (Yerma, La Casa de Bernarda Alba, El Público...). Con mis sentimientos a flor de piel entré en la Sala Hiroshima a dejarme cautivar por el espectáculo.

Dicho y hecho. A pesar de que el flamenco no corre por mis venas, la puesta en escena me dejó noqueada. El flamenco de Alba Carmona a la voz y Jesús Carmona en el baile me transportó a Andalucía, a Granada. Maravillosa la percusión de David Domínguez, justa, precisa, sólo de pensarlo se me vuelven a poner los pelos de punta. Los versos del poeta en voz de Pep Tosar y la parte de teatro documental con Antonina Rodrigo, Juan Loxa, Allen Josephs, Domingo Ródenas, Mario Hernández i Vicenta Fernández-Montesinos García dan vida y voz al poeta.

Federico García es un espectáculo de vida, de pasión, de rescate, de necesidad de que recordemos la magia, el duende de una persona a la que mataron por ser ella misma. No es ni un recital poético, ni un concierto, ni un espectáculo teatral al uso, es un gran y brillante homenaje a una figura imprescindible. Un amplio recorrido por su obra, por su vida y por su sentir. Con la imprescindible participación de sus biógrafos y de su sobrina, la última persona viva que le conoció. Se nos está muriendo la historia, pero aun la podemos rescatar.

Cuatro días en el Festival Grec (y con las entradas agotadas) no son suficientes para que el espectáculo tenga el recorrido que merece. Recomendado para todas las edades, y sobre todo para aquellos que están empezando a salir del cascarón y los que se quedan con ganas de más después de una clase de literatura. Vuelvan, que yo prometo volver a deleitarme con la lección magistral de Pep Tosar, que domina la dramatúrgia, la dirección, la puesta en escena y la interpretación. Todas las teclas perfectamente afinadas. Bravo.

Historia de sobra conocida y de la que el final nos sigue machando. Una voz única que una bala nos arrebató, Federico murió pero como dice Allen Josephs no sólo ha muerto una vez sino cada vez que se niega su importancia dentro de la literatura dramática se le vuelve a matar. No importa demasiado, al menos para mí donde estén "enterrados" sus huesos, si sus versos, sus textos siguen estando vivos en la mente de sus lectores. En 2016 se cumplirán 80 años de su asesinato, si fuéramos un país "normal" comenzaríamos a honrarle. Como no lo somos, al final, le dejaremos morir.

FEDERICO GARCÍA

by on 16:25
DRAMATURGIA: EVELYN ARÉVALO y PEP TOSAR DIRECCIÓN: PEP TOSAR BAILE: JESÚS CARMONA CANTE: ALBA CARMONA GUITARRA: JESÚS GUERRERO ...
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CONSTRUCTIVO (acción demoledora para inversores utópicos)
CREACIÓN E INTERPRETACIÓN: LUIGGI MAESTRINI Y RAFAEL LANZA
DRAMATURGIA: ERNESTO COLLADO / PIERO STEINER
DURACIÓN: 60 min
PRODUCCIÓN: PIERO STEINER & ERNESTO COLLADO/FUNDACIÓN COLLADO-VAN HOESTENBERGHE
SALA HIROSHIMA

Transmitir. Bonita y deseada palabra. Entrar por primera vez en una sala, expectativas altas, pero sobre todo ganas de dejarte sorprender. Espectáculo de pie, ni cuarta ni tercera pared, nada absolutamente nada te separa de la escena, simplemente tu propio miedo a ser más o menos partícipe.

Una vez situada en escena comienza el viaje, Rafael (Ernesto Collado) y Luigi (Piero Steiner) son dos albañiles que nos llevarán desde el humor, pasando por la ternura, la emoción, hasta el cabreo por saber que somos víctimas y verdugos de muchas de sus historias. Se me escapa la lagrimita mientras escucho las historias familiares de Luigi, aquello que en directo no captamos pero que luego te deja un gran sentimiento de oportunidad perdida. Sin embargo, Rafael es más directo, y muchas veces sus palabras son contrarias a sus sueños, la demolición versus la construcción de grandes edificios.

Si bien es cierto que por momentos me vi sumergida en una película de Buñuel con un Don Quijote y un Sancho, otros con el personaje de Luigi parecía salida de una peli de Alfredo Landa, su mirada tierna y un humor parecido aunque con diferente trasfondo. Ernesto Collado y Piero Steiner crean un universo muy particular. Durante una hora te olvidas que estás en una sala viendo teatro, la conexión es tan directa, real e impactante que desde los primeros minutos sabes que te creerás todo lo que te expliquen, que da igual lo que te cuenten porque ya te tienen ganada. 

Performance, teatro gestual, humor, simbolismo… y un sinfín de técnicas pero donde la honestidad manda. No hay artificios, es lo que es, hay humo pero no te lo venden. Y sales de la sala tocada, pensando, construyendo y demoliendo los muros de los que dicen que otro mundo no es posible, porque lo acabas de ver, lo has tenido delante. Y necesitas ver más espectáculos como éste. De aquellos que te iluminen, te hagan reír, que te entretengan, pero sobre todo que te dejen un poso que te haga pensar durante días.

Luigi y Rafael volverán en formato road movie (“Demoledor”), no será lo mismo, las emociones del directo son irrepetibles, pero buscaré la manera de poder verla. Lo que ya es un hecho es que Ernesto Collado ha encontrado sala, después de mucho esperar, creo que la Sala Hiroshima es el lugar adecuado para instalarse. Feliz construcción!

CONSTRUCTIVO

by on 15:52
CONSTRUCTIVO (acción demoledora para inversores utópicos) CREACIÓN E INTERPRETACIÓN: LUIGGI MAESTRINI Y RAFAEL LANZA DRAMATURGIA: ERNEST...
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Font: Belén Ginart (ara.cat)
A Constructivo fas simbiosi artística amb Piero Steiner. Què us aporteu l’un a l’altre?
Admiro el Piero des que vaig començar a estudiar teatre, i després ell també ha anat seguint la meva trajectòria. Ens hem trobat en un moment en què ens necessitàvem l’un a l’altre. Els meus espectacles eren cada cop més discursius i necessitava l’emoció, mentre que el Piero ha fet un recorregut a la inversa. Tenim una mateixa visió del món, i hem connectat al 100%.
Com vau treballar l’espectacle?
El punt de partida van ser les lectures, l’estudi dels arquitectes que no ens interessen o volíem criticar, i la dels arquitectes i urbanistes que més ens emocionen. Però teníem clar que no volíem ser teòrics, sinó dos tipus que viuen allò de què estan parlant.
Qui són aquests dos tipus?
De seguida ens vam inventar dos personatges, el Luigi Maestrini i el Rafael Lanza, dos obrers que van estar set anys treballant a Suïssa en una cosa que no entenien, l’accelerador d’hadrons del CERN. Set anys treballant en una cosa que no entenien.
Quina és la visió de l’arquitectura que tenen els vostres alter ego escènics?
Ells defensen que cal construir per habitar. Diuen que l’arquitectura que no dóna aixopluc és esteril. El seu lema és: “ Edificio que no cobije, abajo”. Ens passem la vida construint, no només amb totxos sinó també amb paraules, idees, pensaments, i no els omplim de contingut, no els habitem.
O sigui que l’arquitectura és només un pretext.
Parlem de l’arquitectura, però també de la vida, de la societat i del món en què volem viure. Hi ha una crítica molt dura, però també una proposta sobre com volem habitar. Per això vam decidir que, en comptes de Demoledor, el títol inicial s’havia de dir Constructivo.
Quina traducció escènica té la sintonia entre el Piero i tu?
La connexió que tenim és molt important perquè a Constructivo no hi ha un text fixat. Però no improvisem tota l’estona, el discurs és sempre el mateix.
Com són les representacions?
Tenim diverses consignes, del tipus: “Tu em deixes fer fins que jo digui bellesa, i després tu fas tal cosa”. Una altra de les consignes és que ens hem de sorprendre mútuament com a mínim un cop en cada representació. Això ens porta a un estat d’alerta i de vivacitat que és genial. Nosaltres ens ho passem bé, el públic ho rep i se n’encomana.
Demaneu una implicació especial del públic.
Aquí el públic està dins del joc dels dos personatges. No és un espectacle participatiu, però el fet d’estar dins de l’escena, drets i movent-se físicament, fa que a l’espectador no li arribin només paraules, sinó que ell també construeixi les escenes amb la seva presència física.
A Tàrrega vau presentar l’espectacle en una antiga farinera mig derruïda. Com s’adapta Constructivo a un espai com l’Hiroshima?
Com a espai teatral que ha guanyat Barcelona, l’Hiroshima és una meravella. I Constructivo és una estructura que s’adapta bé a qualsevol espai.
Quina vida tindrà l’espectacle?
Tenim l’esperança que sigui un espectacle necessari que no mori mai. Hem fet gira per l’Argentina i l’Uruguai, a l’estiu anirem a París, Les, Bilbao, Olot, Terrassa, i el que sorgeixi. A més, ja estem treballant en la versió cinematogràfica.
Com serà?
Ivó Vinuesa va venir a veure l’espectacle i va decidir que el volia portar al cinema. Serà una road movie delirant amb dos obrers que creuen l’Espanya devastada, postbombolla, des del País Basc fins a València, per acabar amb les construccions absurdes. La consigna de derruir qualsevol edifici que no aixoplugui els porta a voler enderrocar la Ciutat de les Arts. |
'Constructivo. Performance demoledora para inversores utópicos' Creació i interpretació: Piero Steiner i Ernesto Collado. Sala Hiroshima (Barcelona). Fins al 16 de maig
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Font: Laura Serra (ara.cat) |Foto: Cèlia Atset
Amb un nom tan violent com atractiu, el dia 17 d’abril obrirà les portes al barri barceloní del Poble-sec un nou espai dedicat a les arts escèniques: la sala Hiroshima. Situada al carrer Vilà i Vilà, a tocar de la sala Apolo, el seu acollidor bar de disseny vintage donarà la benvinguda als espectadors que busquin una proposta alternativa i radicalment contemporània. Un exballarí i actor d’origen argentí format a Barcelona, Gastón Core, és qui ha dirigit durant els últims dos anys les obres als baixos d’un edifici del 1910 que havia sigut una antiga siderúrgia i fàbrica d’ascensors. Al darrere hi té una mecenes -una exballarina del Ballet Experimental de l’Eixample de Barcelona, companyia fundada als anys 70- que finança el projecte des de l’àmbit privat. El cost de les obres no s’ha fet públic, ni tampoc el pressupost anual, però sí que han rebut una subvenció de l’ICUB de 54.000 €. 
Hiroshima té una sala per a representacions escèniques amb grades mòbils i un aforament de 130 persones, i un segon espai per a concerts que pot arribar als 230 espectadors. La programació musical, però, no s’encetarà fins al 2016. L’equip de gestió és de només quatre persones i no volen precipitar-se. Una de les curiositats de l’espai és que el camerino està situat dins del refugi antiaeri de la Guerra Civil que hi havia als fonaments l’edifici. 
Trencador i independent
Més enllà del continent, el contingut d’Hiroshima fa gala del seu caràcter independent i trencador. Segons Core, apostaran per la nova creació escènica, buscaran espectacles que mesclin disciplines diferents, sempre de llenguatges contemporanis, amb un alt nivell de risc i que, tot i així, estiguin pensats “per a un públic ampli i heterogeni”. La seva aspiració és omplir la sala de dimecres a diumenge amb una setantena d’espectadors -la mitjana barcelonina de les sales de mitjà format, asseguren-, i compten que l’oferta gastronòmica i més endavant els concerts facin rendible el teatre. 
El cartell per als tres pròxims mesos demostra que les noves tecnologies, el moviment, la performance i el circ hi tindran protagonisme, una línia que es pot identificar amb l’ADN d’espais com l’Antic Teatre. L’artista de Singapur Choy Ka Fai donarà el tret de sortida a la programació amb un muntatge en el qual instal·la implants musculars digitals a una ballarina (a Barcelona serà Sonia Gómez) a qui fa ballar peces icòniques de la història de la dansa. La contorsionista Cherepaka i Animal Religion són la quota de circ, i intèrprets com Sònia Barba, Regina Fiz i la jove Núria Guiu hi presentaran espectacles plàstics inclassificables. Companyies de llarga trajectòria com Ernest Collado i Piero Steiner, Erre que Erre i Colectivo 96º també passaran per aquest espai fins al juny. Al juliol acollirà propostes del festival Fire i del Grec.
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Fuente: Elisa Díez (Butaques i Somnis) 

Si hay una cosa que envidio de Madrid es la ebullición teatral que vive, no nos engañemos están a años luz de Barcelona. Y aunque hace unos años era al revés, ahora la tortilla se ha dado la vuelta mientras la profesión teatral de Barcelona sigue sumida en un aburrido ensimismamiento. ¡Despierten!

Esta semana se ha presentado en la capital española una nueva app teatral. Pero no es de un teatro ni de una compañía concreta, sino que la propuesta viene de la mano de nada menos que 15 salas del barrio de Lavapiés que están emprendiendo un proyecto único el Lavapiés Barrio de Teatros. De momento la app (para disponible para iOS y Android) tendrá información básica: cartelera semanal, espectáculos del día, venta de entradas y geolocalización de todos los espacios que conforman el proyecto. Es un primer paso, supongo para que pueda ser un instrumento comunitario donde teatros y público confluyan.

La red Lavapiés Barrio de Teatros es una asociación asamblearia, independiente y autosugestionada en la que 15 espacios teatrales, antes independientes, aúnan fuerzas y principios de base para formar una fuerza común en el panorama cultural de Madrid. Una unión en la que a través de la suma de esfuerzos y recursos, se dará visibilidad y difusión al trabajo creativo de todos los espacios que forman esta asociación.

Además han aprovechado la presentación de la aplicación para estrenar el primer vídeo oficial de Lavapiés Barrio de Teatros, aprovechando la celebración del Día Mundial del Teatro. En el vídeo, realizado por Jordi A. Raventós, con sonido de Alex Millás y música de Oneplusone, un microrrelato narrado por la voz de Carlos Manzanares nos guía a través de las imágenes de las salas que forman la red teatral del barrio.


Ahora que se ha creado una cierta expectación con la abertura el 9 de abril de la nueva Sala Hiroshima en Poble Sec, sería una oportunidad única la unión de los teatros de aquel barrio, que lejos de ser Lavapiés también tiene su personalidad propia y que de un tiempo a esta parte está intentando recobrar el espíritu del Paral·lel. Aunque no sería crear sino ir a rebufo de algo ya creado. Si hace unos meses se extendía el virus, parece ser que nos hemos contaminado poco. Seguimos agónicos y respirando, maldiciendo y clamando, pero quietos y pasivos, quizás sea hora de echar a andar.
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