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DRAMATURGIA: JOAN YAGO
DIRECCIÓN: ISRAEL SOLÀ
INTÉRPRETES: XAVI FRANCÉS, AITOR GALISTEO ROCHER, JÚLIA TRUYOL, ESTHER LÓPEZ, MARC RIUS
DURACIÓN: 1h 30min
FOTO: ALBA LAJARÍN
PRODUCCIÓN: LA CALÒRICA y GREC 2015 FESTIVAL DE BARCELONA con la colaboración del AJUNTAMENT DE VILADECANS
SALA BECKETT

La Calòrica vuelve ha hacer una radiografía de situaciones habituales en la sociedad actual. Cuando lo tenemos todo y seguimos insatisfechos, cuando nuestros sueños no se han cumplido y queremos cambiar la realidad para intentar aspirar a que se cumplan o simplemente cuando alcanzamos una determina edad sin haber conseguido algo de lo que nos proponíamos. Vivimos en una sociedad donde la insatisfacción es nuestro pan de cada día, y a la que la joven compañía barcelonesa quiere aportar su granito de arena cómico.

Yoan Yago vuelve a tirar del humor, la imaginación, el surrealismo presentados en bloques cortos pero directos y que nos llenan de reflexión y carcajada a partes iguales, Bluf tiene historia, no seria de aquellas con principio, nudo y desenlace pero si observamos un desarrollo de los personajes, lo cual se agradece. Excelente puesta en escena y dirección de Israel Solà que ha sabido sacarle todo el jugo a la hilaridad de los personajes, midiendo al milímetro los tiempos.

No puedo parar de reír al recordar la interpretación de extremos de Aitor Galisteo, geniales son también las interpretaciones tanto en río como separadas de Júlia Truyol y Esther López. Y Xavi Francés entre la ternura y la lástima se sigue coronando como uno de los nuevos grandes cómicos del país.

Admito que desconozco la cultura de las novelas gráficas norteamericanos en las que se basa la puesta en escena, pero el surrealismo de la pieza es digno de mención. Como, a mi entender, resulta tan poco chocante (cosa que puede preocupar) ver al hombre abeja sentado en el sofá. Lejos de la ciencia-ficción estadounidense, Kafka estaría orgulloso.

Y aunque su anterior espectáculo Sobre el fenòmen las feines de merda no me acabó de convencer, firmo donde sea para que el camino que emprenden con Bluf sea muy fructífero. En primavera, el Tantarantana les espera en un proyecto del que no se sabe nada. De momento, hasta el 11 de octubre no te pierdas Bluf en la Sala Beckett.

BLUF

by on 18:32
DRAMATURGIA: JOAN YAGO DIRECCIÓN: ISRAEL SOLÀ INTÉRPRETES: XAVI FRANCÉS, AITOR GALISTEO ROCHER, JÚLIA TRUYOL, ESTHER LÓPEZ, MARC RIU...
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AUTOR: MARIO GAS y ALBERTO IGLESIAS
DIRECCIÓN: MARIO GAS
INTÉRPRETES: JOSEP MARIA POU, CARLES CANUT, AMPARO PAMPLONA, PEP MOLINA, BORJA ESPINOSA, RAMON PUJOL y GUILLEM MOTOS
DURACIÓN: 90min
FOTO: JERO MORALES
PRODUCCIÓN: GREC 2015 FESTIVAL DE BARCELONA, TEATRE ROMEA y FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CLÁSICO DE MÉRIDA
TEATRE ROMEA

Por poco que sepas, algo sabes de Sócrates, aunque sólo sea por lo que es mundialmente famoso: "Sólo sé que no sé nada". Para los que estudiamos en otras épocas aprendimos su cuidado por la palabra, por la libertad, por la justicia, por la honradez, por el conocimiento. Hoy en día son palabras desgastadas y algunos van a oírlas como parte de su postureo. El individuo, ciudadano o no, que tenía a mi lado soltó antes de empezar: "Somos intelectuales por venir a ver una obra sobre Sócrates". Ahí queda eso, al medio minuto de empezar la función le sonó el móvil, la intelectualidad quedó en entredicho.

Sócrates es Josep Maria Pou o Josep Maria Pou es Sócrates, no me ha quedado muy claro donde empieza el actor y acaba el personaje. Le va como anillo al dedo. Un hombre de palabras, una entonación poderosa, una manera de explicar la historia amigable, sincera. Pou hace que Sócrates sea interesante incluso para aquellos a los que le cueste la filosofía.

El Teatre Romea se queda pequeño, no sólo por las entradas agotadas, sino porque la escenografía de Paco Azorín más bien pensada para la magnanimidad del Teatro de Mérida queda encerrada en el escenario del Romea. Falta visibilidad, no sé como se verá desde platea, desde el segundo anfiteatro se pierden algunas réplicas y se intenta inútilmente presenciar el monólogo a pie de platea de Amparo Pamplona, uno de los momentos más cómicos de la noche. Le hubiera quedado mejor el traje del Anfiteatro del Grec, si hablamos de Atenas que mejor paisaje.

Pero Josep Maria Pou no está solo, aunque lleve el peso de la función, le acompaña un coro de voces de entre los que destaca Pep Molina y Carles Canut, a lo que la experiencia gana a la hora de explicar la tragedia de Sócrates, que se niega a salvarse de la muerte, comprando su libertad. Honestidad hasta el final. Hora y media de alimentación para el intelecto, un tanto adormecido debido al calor excesivo de la sala. Ahora ya sabemos algo más.

SÓCRATES

by on 18:31
AUTOR: MARIO GAS y ALBERTO IGLESIAS DIRECCIÓN: MARIO GAS INTÉRPRETES: JOSEP MARIA POU, CARLES CANUT, AMPARO PAMPLONA, PEP MOLINA, BO...
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DRAMATURGIA: LA RE-SENTIDA
DIRECCIÓN: MARCO LAYERA
INTERPRETACIÓN: DIEGO ACUÑA, BENJAMÍN CORTÉS, CAROLINA DE LA MAZA, LUIS MORENO, PEDRO MUÑOZ, CAROLINA PALACIOS, RODOLFO PULGAR, BENJAMÍN WESTFALL y GENÍS CASALS
DURACIÓN: 85min
FOTO: PABLO DE LA FUENTE
PRODUCCIÓN: LA RE-SENTIDA, FESTIVAL INTERNACIONAL DE LA CREACIÓN CONTENPORANIA DE TERNI (ITALIA) y LA FUNDACIÓN TEATRO A MIL
TEATRE LLIURE MONTJUÏC (GREC 2015)

Y llegó el final del Grec 2015 y el espectáculo que le da sentido, el último y el mejor. Controvertido, con una campaña de desprestigio detrás por algunas asociaciones chilenas por ficcionalizar la historia y con unos espectadores deseosos de ver aquello que para algunos debería estar prohibido, reírse de todo para acabar reflexionando sobre la risa y el mundo.

El teatro es ese lugar que lo mismo ríes que lloras, que bramas que te enamoras, pero sobre todo es el lugar para la reflexión, donde pensar sobre lo que te están mostrando y sobre lo que te quieren decir, de momento, no está prohibido. Toquemos madera.

La compañía chilena La Re-sentida utiliza el humor, la crueldad, el sarcasmo, la irreverencia para crear un espectáculo de política ficción que parte del momento en el que el presidente Salvador Allende está grabando su discurso de despedida, sitiado por las fuerzas armadas, que posteriormente darán un golpe de estado junto al general Pinochet. El montaje no se basa en la realidad histórica sino que toma el hecho histórico para imaginarse una realidad alternativa, lo que pudo estar pasando, pero no pasó. Y mientras ponemos al presidente a dormir como si fuera un bebé, aunque la caricatura es más bien de gobernante inútil, títere en manos de sus ministros y asesores, adicto a la cocaína y inútil de gobernarse a sí mismo y por ende a su país.

La puesta en escena es impresionante. Durante el grueso del espectáculo el escenario se transforma sin parar, para dar cabida a los números musicales: extraordinarios momentos que no sólo no rompen el ritmo de la historia, sino que confieren un halo de sueño incumplido y una poesía visual a medio camino entre la utopía y lo grotesco.

La sobreexposición de la Coca-Cola, la música reggaeton o electro latina, la crítica a la cultura burguesa inmóvil, la crítica al poder de Estados Unidos con el anacronismo de sus ídolos (Hannah Montana, Bart Simpson o Britney Spears) todo forma parte del circo, de que las ideas son muy bonitas de escuchar pero hay que ponerlas en práctica. Por eso a La Re-sentida le ha quedado perfecto el espectáculo, la bala fue directa a donde más duele. Podría haber sido distinto, quizás sí, nunca lo sabremos.

Un auto disparo acabó con la vida de Salvador Allende al que ahora se le recuerda como un héroe revolucionario. En La imaginación del futuro queda retratado más como un iluso que no conocía para quién gobernaba. Y aunque sólo se pueda cambiar el pasado en la ficción, la realidad nos invita a no repetirlo en el presente y no pensar que de eso se encargan otros. La Re-sentida nos ha puesto una primera piedra brillante para la reflexión, el resto es tarea nuestra. Sin renuncias. Y aunque nos sangre el corazón la cabeza grita ¡Bravo!
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CREACIÓN: COMPAGNIE XY
ARTISTAS EN GIRA: ABDELIAZIDE SENHADJI, AMAIA VALLE, ANDRÉS SOMOZA, CAROLINE LE ROY, ALICE NOEL, ANN-KATRIN JORNOT, ANTOINE THIRION, AURORE LIOTARD, CHARLIE VERGNAUD, DAVID BADIA HERNÁNDEZ, DAVID COLL POVEDANO, DENIS DULON, EMMANUEL DARIÈS, EVERTJAN MERCIER, GUILLAUME SENDRON, GWENDAL BEYLIER, JÉRÔME HUGO, MOHAMED BOUSETA, ALEXANDRE FOURNIER, THOMAS SAMACOÏTS, THIBAUT BERTHLAS, XAVIER LAVABRE y ZINZI OEGEMA
DURACIÓN: 60min
FOTO: JOSEP AZNAR
AMFITEATRE GREC (GREC 2015)

Preciosista noche la que disfrutamos el lunes, y otros el martes, al Anfiteatro Grec. El circo acrobático de la compañía XY que dejó maravillados a toda una platea que se lo agradeció puesta en pie durante un buen rato. El escenario era el más adecuado para hacer brillar sus ya conocidos castillos humanos, al más puro estilo catalán de castellers. Pilares humanos que no se conforman con montar sino que adornan con acrobacias imposibles que dejaron boquiabierto a más de uno.

Il n'est pas encore minuit... habla del grupo, de la masa, del colectivo confrontándolo con el individuo. Comenzando por una pelea dancística inicial para formar el grupo y seguir construyendo y derribando pilares, grupos para cuestionarse las nociones de trabajo, solidaridad, esfuerzo, rigor y juego, mucho juego. No sólo de circo bebe la pieza sino que la danza también adquiere un protagonismo relevante, bien sea en formato contemporáneo (como en la "pelea" inicial) o bailando el lindy hop, un baile social de los años 20, previo al rock&roll y que no entiende de individualidades, sino que no hay lindy hop sino hay grupo.

El ritmo, la flexibilidad de los cuerpos e incluso la humanidad, porque el vivo y en directo a veces provoca que no todo salga como el guión dicta enamoran. El circo es al humor, lo que el humor es al circo, es decir, imprescindible y en Il n'est pas encore minuit... es visible y ablanda la transición entre aquellos momentos en los que el corazón se te encoge tras un doble mortal, por ejemplo. 

Dos años ha tardado XY en crear el espectáculo, pero le ha salido redondo. Ni un ápice para cerrar los ojos y dejar de soñar. La medida de los elementos es un acierto, cada nueva acción irá seguido segundo a segundo por los ojos de algún espectador que busque, una vez más, el asombro. Una hora pasa volando, seguro que más de uno pediría "un poco más" para seguir maravillándose con más acrobacias. Pero el punto y final no es el aplauso, es lo que te ha quedado vivo por dentro. ¡Bravo!   
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Fuente: Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Después de un mes de maratón cultural, el Grec 2015 ha presentado sus cifras provisionales de ocupación. Más espectadores, 9.000 (6.000 de pago y 3.000 invitaciones) son las cifras que para Ramon Simó simbolizan que su modelo de festival se ha consolidado y goza de la aprobación por parte de los ciudadanos de Barcelona.

La música, con 48 espectacles y el 75% de venta i el 82,82% de ocupación total con invitaciones, vuelve a ser el bastión del Grec por delante de los otros géneros (teatro, circo y danza). El teatro con 47 espectacles, y a pesar de que casi iguala a la música en espectadores, se queda en porcentajes muy inferiores (50,96% de venta y 61,76% de ocupación total con invitaciones). La danza con 13 espectáculos ha sido uno de los aciertos de este año al alcanzar el 60,82% de venta i el 85,82% de ocupación total con invitaciones. El circo relegado en esta edición al último plano y en una expresión mínima de tan sólo tres espectáculos, una lástima ya que en ediciones anteriores había dado muy buenos resultados tanto al público como a la venta de entradas, ha alcanzado el 57,16% de venta y el 66,84% de ocupación total con invitaciones. Datos, estos últimos muy ficticios porque no se tienen en cuenta las entradas del espectáculo de la compañía XY que se ha representado entre el lunes y el martes de la última semana de festival en el Anfiteatro.

De un total de 94 espectáculos entre las cuatro disciplinas, 16 han conseguido agotar las entradas, 11 han alcanzado el 90% de ocupación, 14 el 80% y 12 el 70%, lo que quiere decir que más de la mitad de la programación está por encima de la media de ocupación total del Grec 2015 que se encuentra en 71,78% (incluyendo las invitaciones).

2017, un nuevo Grec
Ramón Simó se ha mostrado satisfecho de los resultados y más allá de las cifras ha destacado la calidad artística de la que hemos disfrutado en el festival ha sido muy buena. Y, aunque ya hablamos de consolidación de su modelo de Grec, la presencia de la nueva Comisaria para la Cultura, Berta Sureda, alertaba de cambios futuros. 

El nuevo gobierno del consistorio mantendrá el año de contrato que le queda a Ramon Simó pero el Grec de 2017 tendrá nuevo director. Este otoño se iniciarán conversaciones desde el ICUB con los distintos agentes culturales para analizar el actual modelo y proponer cambios. Uno de ellos será el director del festival que se eligirá mediante concurso público en el primer trimestre del 2016. Ramon Simó no descarta presentarse si el nuevo modelo que se propondrá después de las conversaciones se adapta a lo que el considera que puede llegar a ser el Festival Grec. Eso sí, tendrá que someterse al concurso como el resto de los candidatos.

Berta Sureda no augura cambios de presupuesto en un futuro. De los 4,6 millones de € que disponían el año antes de la llegada de Ramon Simó, se han pasado en 4 años a los 3 millones de €, con un claro aumento de los espectáculos y haciendo "mans i mànigues" como el propio Simó afirma. Lo que sí ha apuntado Sureda es un cambio en la conceptualización del espectáculo, y aunque hay mucho que estudiar, uno de los pilares para el nuevo equipo será conjugar la cultura de base dentro de las grandes infraestructuras culturales. Algo que evidentemente ya tiene piedras puestas en el modelo de Simó, pero que se potenciará en futuras ediciones.

Montjuïc or not Montjuïc
Sin duda uno de los debates más controvertidos del modelo de Ramon Simó ha sido concentrar la mayoría del festival en la montaña de Montjuïc, dejando de lado el resto de la ciudad. Berta Sureda, con la mirada atónita y nerviosa de Ramon Simó, ha expresado su voluntad (compartida por muchos) de abrir el Grec a la ciudad (no puede ser que lo que se llama un Festival de Verano de Barcelona sólo pase en Montjuïc, opinión personal). Pero Sureda va más allá de extender el festival por los distritos de la Ciudad Condal, ya piensa en llevarlo al área metropolitana, todo ello sin variar el presupuesto. Simó la miraba y no daba crédito. 

Lo que sí está claro es que después de escuchar todos los puntos de uno y de otro ha faltado, como casi siempre, una autocrítica. En cuanto a los datos, y pese al ligero repunte, Simó se escuda en que la temporada en general ha sido mucho más floja de lo que cabía esperar (tendremos que esperar a los datos de ADETCA el 7 de septiembre) con porcentajes en los últimos meses entorno al 45% y levantarnos durante julio era tarea complicada.

Si hablamos de públicos y su concepto de transversalidad (el público de la música puede ir a ver teatro y al revés) esta edición sigue aumentando y el Grec sigue teniendo como preocupación como comunicarse con ellos. Pero lo que sí falta, y por mucho que diga Simó el Grec no es para todos los públicos en cuanto a precios se refiere, una política de abonos para todos aquellos que quieran ir a 5, 10, 15, 20 o más espectáculos puedan permitírselo sin tener que vender un riñón. Y, aunque haya quien piense que son 4 gatos, de 4 en 4 se llena una platea. Quizás la Tarifa Plana del TNC sea una utopía para muchos fuera de la institución, pero es hora de que el precio deje de ser la excusa.

Sea como fuere, el Grec 2015 es uno de los que mejor me lo he pasado personal/profesionalmente. Lo que no quiere decir que haya sido bueno artísticamente. Para mí, ha sido el más flojo de la era Ramon Simó. Falta circo y sobra música. Si en la edición anterior no echamos de menos habernos ido a Aviñón, este año más de uno ya hubiera cogido la maleta a mitad de julio. Está claro que nunca llueve a gusto de todos, pero tiene que seguir lloviendo.

POR UN NUEVO GREC

by on 17:24
Fuente: Elisa Díez (Butaques i Somnis) Después de un mes de maratón cultural, el Grec 2015 ha presentado sus cifras provisionales de...
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DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: NAO ALBET y MARCEL BORRÀS con la colaboración de JUAN MIRANDA
CREACIÓN e INTERPRETACIÓN: NAO ALBET, ALFREDO BACCETTI, DALLAS BAYLEY, MARCEL BORRÀS, MICHAEL DILIGENT y KRISTINA WESTAD
COMPOSICIÓN MUSICAL: NAO ALBET y MARCEL BORRÀS  a partir de las composiciones de BADBADNOTGOOD
DURACIÓN: 50min
FOTO: FELIPE MENA
PRODUCCIÓN: GREC 2015 FESTIVAL DE BARCELONA, LA BRUTAL, TEMPORADA ALTA y CCCB
TEATRE CCCB

En su búsqueda por acercarnos a nuevos mundos, nuevos lenguajes, nuevas maneras de contarlo lo mismo pero diferente, el dúo Nao Albet y Marcel Borràs han combinado el pensamiento ilustrado con el mundo del Skater. Diferentes, sí, no hay duda pero que al menos por 50 minutos parecen tener más cosas en común de las que parecía a simple vista.

El telón de fondo es la libertad definida a través de un sinfín de frases de escritores y filósofos como Platón, Molière... monólogos sobre qué papel juega la universidad en el aprendizaje humano y el eterno dilema si es el conocimiento quien otorga al hombre la libertad.

 Pero la parte más sorprendente es la coreografía dancística de los cuatro 'esqueiters', que no sólo actúan si no que ellos y sus tablas se mueven rítmicamente al compás de la música y junto con el juego de luces, protagonizan la que es sin duda la imagen más preciosista del espectáculo.

 El humor y la multiplicidad de idiomas: castellano, inglés, francés, italiano y noruego es otra de las señas de identidad habituales en los montajes de Nao Albet y Marcel Borràs que no pueden faltar. Y, aunque Los Esqueiters no van en la onda de Mammon, uno de los mejores montajes de la temporada y que ha dejado el listón creativo muy alto, Los Esqueiters es un agradable entretenimiento para las calurosas tardes de verano.

LOS ESQUITERS

by on 18:00
DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: NAO ALBET y MARCEL BORRÀS con la colaboración de JUAN MIRANDA CREACIÓN e INTERPRETACIÓN: NAO ALBET, ALFREDO B...
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CONCEPCION, TEXTO y DIRECCIÓN: MILO RAU
TEXTO e INTERPRETACIÓN: KARIM BEL KACEM, SARA DE BOSSCHERE, SÉBASTIEN FOUCAULT y JOHAN LEYSEN
INVESTIGACIÓN y DRAMATURGIA: EVA-MARIA BERTSCHY
DURACIÓN: 130min
FOTO: MARC STEPHAN
PRODUCCIÓN: MILO RAU e INTERTIONAL INSTITUTE OF POLITICAL MURDER
MERCAT DE LES FLORS (SALA OM, GREC 2015)

Quizás uno de los espectáculos que más curiosidad despertaba fuera The Civil Wars. Hace dos años, Milo Rau nos dejó impactados con Hate Radio, pero esta vez la curiosidad mató al gato. La búsqueda por elaborar una trama con la actualidad europea, basada en que le lleva a un joven a alistarse a los grupos terroristas islámicos como la jihad, la culpabilidad de la educación, de la familia (y más concretamente de los padres o la ausencia de estos).

Nos recibe un enorme púlpito por aquello de las religiones diversas en una Europa todavía más. Lo sagrado y los temas tabú de aquellos que más vale no hablar, pero que saldrán de las intervenciones de los protagonistas. Todo un set preparado para grabar. De acuerdo, es teatro documental, o quizás ¿deberíamos tachar teatro para dejarlo en documental?

Estamos en una sala excesivamente grande para que desde más allá de la sexta fila el espectáculo deje de tener sentido. Porque para los que estábamos sentados más lejos la función se nos hizo insoportable. Fue como asistir al rodaje de una película, pero desde un kilómetro de distancia. Incapaces de distinguir alguna cosa más allá de lo que la pantalla nos mostraba, nos perdimos el proceso (no estoy segura de si había algo que perderse tampoco, pero bueno en cualquier caso no lo vimos). Teatro más bien poco, reducido a los cambios de lugar de los personajes. Los sobretítulos colocados justo debajo de la pantalla, con letras en blanco, combinaban muy bien con el blanco y negro de las imágenes, eso sí, flaco favor para los que nos hubiera gustado combinar letra e imágenes. Imposible sin dejarse los ojos en el intento. 

Milo Rau nunca da respuestas en sus espectáculos sino que se limita a lanzar preguntas para que sea el espectador quien piense la contestación más plausible. Si la pregunta de partida era realizar una análisis sobre los fallos de la sociedad europea actual para intentar adivinar qué falla, la respuesta es que los datos aportados por el montaje son insuficientes para hallar la solución al problema. Nos hemos perdido en la casuística personal de cada caso, sin adentrarnos en el problema. Hay problema. No hay respuestas. Europa es culpable, todos somos europeos, todos somos culpables. Simplista a más no poder. Lástima.

THE CIVIL WARS

by on 17:17
CONCEPCION, TEXTO y DIRECCIÓN: MILO RAU TEXTO e INTERPRETACIÓN: KARIM BEL KACEM, SARA DE BOSSCHERE, SÉBASTIEN FOUCAULT y JOHAN LEYSEN ...
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DRAMATURGIA, CONCEPCIÓN y DIRECCIÓN: PASCAL RAMBERT
TRADUCCIÓN y VERSIÓN: COTO ADÁNEZ
INTERPRETACIÓN: ISRAEL ELEJALDE y BÁRBARA LENNIE
DURACIÓN: 115 min
FOTO: FEDE SERRA
PRODUCCIÓN: BUXMAN PRODUCCIONES y KAMIKAZE PRODUCCIONES
TEATRE LLIURE (GRÀCIA, GREC 2015)

A todos aquellos que su pareja les ha dejado en un momento u otro de la vida, sabrán que por muy bien que lo afrontes, se pasa mal. Si lo dejas de buenas, también, pero si la ruptura es una pesadilla el dolor va más allá de los límites inimaginables. Y aquí, sin límites encontramos La clausura del amor. No será fácil, pero por suerte, hoy es sólo ficción.

La clausura del amor son dos monólogos al cien por cien de intensidad. Como si entráramos en un ring de boxeo y los dos púgiles combatieran entre sí pero los golpes le tocaran recibirlos al espectador. Una escenografía blanca, vacía, fría a los ojos del público. No hay nada en que resguardarse. Observamos los golpes, los disparos certeros, primero de él, cincuenta minutos casi sin pausa, sin respiro, luego ella más de lo mismo. Un sinfín de reproches, ataques personales un constante juego con el lenguaje: desde las metáforas a la manera de hablar de uno y otro personaje. Atónitos presenciamos la escena, sólo rota al acabar el primer monólogo para homenajear la inocencia. Inocencia que se rompe, se hace añicos, diminutos y las heridas comienzan a sangrar.

No hacen falta puñetazos para llorar, el dolor más poderoso viene de la mano de la palabra. Ellos se vomitan el uno al otro toda la mierda contenida durante los años. Son seres humanos aunque en algún momento puedan parecer dos bestias ansiosas por ganar la batalla. La presa, un día se le llamó amor. Hoy ya no queda, ha sido reemplazado por el odio hacia el otro, pero más que nunca hacia uno mismo.

La clausura del amor es una maratón interpretativo a la altura sólo de unos pocos. Es una obra difícil de interpretar, con un desgaste actoral como pocas. Por ello, mi más sincero aplauso escrito a Israel Elejalde y Bárbara Lennie, que con acierto se han aventurado en ella. Se queda una sin palabras para describir la ferocidad que ambos imprimen a sus personajes. Difícil el aguante de mantener el embate y de responder con la misma fuerza. De hacer vivo el texto desde el primer minuto hasta el último. Brillante combate interpretativo donde quien gana es el espectador.

Al final, en medio de la oscuridad y antes del aplauso se te queda el cuerpo vacío y frío. Como se dice durante la obra: "El amor es un cadáver y tu llevas su piel". Abandonas la sala y sientes como si alguien te hubiera dado un golpe en medio del pecho. Tu también lo has sentido. Te ha llegado. "Me lo quedo" ¡Qué pulsión, qué ritmo, qué grandes!

LA CLAUSURA DEL AMOR

by on 16:03
DRAMATURGIA, CONCEPCIÓN y DIRECCIÓN: PASCAL RAMBERT TRADUCCIÓN y VERSIÓN: COTO ADÁNEZ INTERPRETACIÓN: ISRAEL ELEJALDE y BÁRBARA LENN...
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Font: Berta Vilanova (ara.cat)
Què vol dir estar en crisi? Com es viu als diferents països d’Europa? I cap on ens porta l’euro? Són algunes de les preguntes sobre les quals vol reflexionar el Festival de Dramatúrgia sobre la Crisi, PIIGS, que aquest any celebra la segona edició a la Nau Ivanow del 23 al 25 de juliol, en el marc del festival Grec. Es tracta d’una mostra de quatre obres teatrals, escrites per autors emergents internacionals, que parlen sobre la crisi a Europa. “Vam obrir una convocatòria i vam triar les quatre propostes que ens semblaven més interessants”, explica el dramaturg i director Antonio Morcillo, un dels creadors del festival juntament amb l’actriu i directora Beatriz Liebe i la gestora cultural Rosa Moliner. “Al festival diverses companyies professionals de teatre faran una lectura dramatitzada de cada una de les obres seleccionades”, afegeix. 
En la convocatòria de l’anterior edició del festival només van poder-hi participar dramaturgs originaris dels països PIIGS (Portugal, Irlanda, Itàlia, Grècia i Espanya), però aquest any ho han pogut fer també autors procedents de la resta d’Europa. “Els PIIGS són els països més pobres de la Unió Europea i els que pateixen més la crisi del nostre continent, però enguany hem pensat que també seria interessant conèixer com viuen la crisi els altres territoris”, comenta Morcillo.
El festival PIIGS té dos grans objectius. D’una banda, donar a conèixer noves veus de la dramatúrgia, i, de l’altra, contrastar les diverses realitats de cada país i debatre sobre la crisi a Europa a partir de propostes teatrals internacionals. “Volem que el públic tingui l’oportunitat de conèixer nous autors i textos, i alhora pugui escoltar la veu de testimonis que estan vivint la crisi en diferents llocs d’Europa”, diu Morcillo, que considera especialment interessants els col·loquis que es faran després de cada lectura dramatitzada. “El públic podrà parlar amb els autors i fer-los preguntes, i a l’inrevés. A més, també hem organitzat trobades entre els dramaturgs emergents de fora i els de Catalunya perquè puguin intercanviar experiències i reflexionar sobre què significa fer teatre en un context de crisi econòmica i d’identitat”, explica Morcillo, que espera que aquest espai permeti als autors establir lligams entre ells i d’aquesta manera puguin sorgir nous projectes de cara al futur.
“Esperem superar la crisi”
Els autors que participen en aquesta nova edició del PIIGS són: Emanuele Aldrovandi, d’Itàlia, amb l’obra Balenes, que serà interpretada per la companyia Nus Teatre; Tanja Sljivar, originària de Bòsnia i Hercegovina però resident a Alemanya, amb Però la ciutat m’ha protegit, a càrrec de la companyia LAminimAL Teatre; Javier Sahuquillo, d’Espanya, amb Los últimos de Filipinas, que presentarà la companyia Arcadia, i finalment Maria Tranou, de Grècia, amb Cap por que ens deixi, de la qual farà una lectura dramatitzada la companyia Sargantana. “Ens agradaria consolidar el festival perquè creiem que és una proposta molt nova i fresca”, comenta Morcillo, i conclou: “Tot i que esperem superar la crisi ben aviat”.
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AUTOR: PETER WEISS
DIRECCIÓN, ADAPTACIÓN y DRAMATURGIA: RICARDO INIESTA
INTÉRPRETES: JERÓNIMO ARENAL, MANUEL ASENSIO, JOAQUÍN GALÁN, CARMEN GALLARDO, SÍLVIA GARZÓN, LIDIA MAUDUIT, MARIA SANZ, RAÚL SIRIO INIESTA y RAÚL VERA
DURACIÓN: 105min
FOTO: FÉLIX VÁZQUEZ
PRODUCCIÓN: GREC 2015 FESTIVAL DE BARCELONA y ATALAYA
TEATRE LLIURE (GRÀCIA, GREC 2015)

Hacía mucho tiempo que no "no aplaudía" en una platea, que me quedaba con los brazos cruzados y me limitaba a ver las ovaciones del resto, preguntándome qué había pasado para que la obra ni me tocara. No tengo por costumbre negarle a la compañía el mínimo aplauso pero el domingo estaba ciertamente enfadada tras lo que acababa de ver. Me explico.

Marat/Sade causó sensación en su estreno en 1964, y aunque los tiempos han cambiado, el discurso sigue en buena manera presente. Que sea dicho por unos u otros locos es más bien indiferente, pero lo que se pone encima de la mesa no deja de ser verdad, como seguimos encadenados al mismo sistema que nos oprime y no nos deja disfrutar de la famosa libertad.

La puesta en escena es simple pero efectista. Cortinas blancas que atraviesan horizontalmente la escenografía, con las que en las diferentes escenas van jugando los personajes. Un piano, una bañera y un par de muebles destartalados más completan los útiles para el juego.

El problema recae en la interpretación. Marat/Sade es una combinación del teatro épico de Brecht, el teatro de la crueldad de Artaud y el grotesco de Meyerhold. En este caso la épica desaparece, lo grotesco y la crueldad ganan protagonismo. Pero la interpretación de los actores está más cerca de una casa de los horrores o el pasaje del terror de cualquier parque de atracciones que se precie a una interpretación teatral fidedigna. El actor que interpreta a Sade, Manuel Asensio, comandante en jefe en escena, eleva su mundo grotesco a lo disparatado. Si observamos sus poses en la mayoría de las escenas más bien parece salido del desfile del Orgullo o de una película de Pedro Almodovar. 

Marat/Sade se convierte en excesiva, agotadora y con una interpretación que disfrutó de mejores momentos en otra época, pero que en la actual necesita quitarse la máscara para alcanzar su propósito. Después de 105 minutos de un sin parar de mirar si las agujas del reloj van marcando sus horas, abandono la platea sin pena ni gloria, pero libre.

MARAT/SADE

by on 18:52
AUTOR: PETER WEISS DIRECCIÓN, ADAPTACIÓN y DRAMATURGIA: RICARDO INIESTA INTÉRPRETES: JERÓNIMO ARENAL, MANUEL ASENSIO, JOAQUÍN GALÁN,...
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TEXTO y DIRECCIÓN: WAJDI MOUAWAD
INSPIRADO POR: NAYLA MOUAWAD y ANNICK BERGERON
DRAMATURGIA: CHARLOTTE FARCET
INTERPRETACIÓN: ANNICK BERGERON
DURACIÓN: 130min
FOTO: PASCAL GELY
PRODUCCIÓN: AU CARRÉ DE L'HYPOTÉNUSE (FRANCIA) y ABÉ CARRÉ CÉ CARRÉ (QUÉBEC)
SALA PUIGSERVER (TEATRE LLIURE, GREC 2015)

Una flor no fa estiu y tampoco deja de serlo. Es lo que pasa con los textos de Wajdi Mouawad. Atraídos por la temática, el paso del tiempo, los deseos insatisfechos, pero sobre todo por la problemática de la lengua, de sentirse extranjero dentro de tu propio país, de que una lengua invasora te destruya tu pequeño universo, acudo rauda y veloz a disfrutar del montaje.

A través de la comedia, el montaje introduce la resistencia de la protagonista contra el uso predominante del inglés por encima de un cada vez más minoritario francés en Canadá. Tras dar una conferencia en Ottawa, la protagonista se encierra en su habitación de hotel donde permanecerá durante el resto de la obra. Un juego de puertas corredizas y sistemas inteligentes que podrán el toque cómico al drama.

Y aunque el texto y la dramaturgia prometen en el inicio, más tarde se pierden, se convierten en un sustento más light que las paredes que lo cobijan. Mientras esperas que pase algo que vaya más del simple titular, una multitud de personajes aparecen ante tus ojos, no quiero pensar que no haya legitimidad para su presencia, pero parecen piezas inconexas pegadas al azar en un gran puzzle. Y la guerra, tan presente en otras piezas de Wajdi Mouawad aquí vuelve a mencionarse, pero no va más allá de un simple pegote, de un añadido a modo de referencia que más que aportar entorpece el relato.

Nada que objetar a la interpretación de Annick Bergeron que se desdobla para ser la piel de cada personaje. Una gran actriz para un texto que le falta alma, que nos envuelve con un manto más frío que la nieve que no para de caer fuera de la habitación de Ottawa.

La puesta en escena es quizás la parte más destaca del montaje. Salvamos los muebles y las proyecciones que ayudan a crear los personajes secundarios. La habitación inteligente que habla aunque no siempre en el idioma que deseamos para entenderla. Pero lo que para Wajdi Mouawad resulta el tema central del montaje, a los pocos minutos se convierte en una mera anécdota.

Una gota, solo una gota sirve para derramar un vaso. En esta ocasión el vaso ya se nos sirvió derramado. No pudimos hacer nada para contener el líquido. Pero no nos sació la sed y nos dejó a expensas de una nueva ocasión. La oportunidad perdida de la que todo montaje huye. 

SOEURS

by on 17:57
TEXTO y DIRECCIÓN: WAJDI MOUAWAD INSPIRADO POR: NAYLA MOUAWAD y ANNICK BERGERON DRAMATURGIA: CHARLOTTE FARCET INTERPRETACIÓN: ANN...
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DRAMATURGIA: GUILLEM-JORDI GRAELLS
DIRECCIÓN: JOSEP MARIA MESTRES
TRADUCCIÓN: JOAN SELLENT
INTÉRPRETES: ARIADNA GIL, LAURA AUBERT, MERCÈ PONS, ROSA RENOM, SÍLVIA BEL, ALEIX ALBAREDA, ÀLEX CASANOVAS, JOEL JOAN, JORDI BOIXADERAS
DURACIÓN: 90min
FOTO: JOSEP AZNAR
PRODUCCIÓN: GREC 2015 FESTIVAL DE BARCELONA y ANEXA
AMFITEATRE GREC (GREC 2015)

Welcome to The Globe... ay, no perdón que estamos en el Anfiteatro del Grec, con tanta madera me he equivocado. Fuera de bromas el gran acierto del montaje es su puesta en escena. El intento fructífero de imitar una escenografía al más estilo Globe o del Shakespeare puro le va como anillo al dedo a la dramaturgia y funde perfectamente con el cuadro del anfiteatro del Grec.

Un repaso por tres de las comedias de enredos amorosos de Shakespeare (Molt soroll per no res, Treballs d'amor perduts i Els dos cavallers de Verona), cuatro historias de amor, cuatro hombres y cuatro mujeres y, como no, un bufón. Bajo la atenta mirada de la montaña y bajo un calor húmedo asfixiante comienzan los dimes y diretes con el acompañamiento musical de Núria Andorrà que nos devuelve al Globe.

El montaje se nos ha vendido como la vuelta de la hija pródiga Ariadna Gil a casa. De acuerdo, pero encuentro que su interpretación no está a la altura de las circunstancias. Me chirría su pose en el escenario, además de su locución y entonación. No me la creo. Mercè Pons y Sílvia Bel la superan, quizás porque ya están más acostumbradas a liar con los versos del Bardo. Pero, quien se lleva el pulso del montaje es una genial Rosa Renom que despierta la sonrisa y se lleva el público de calle. Lástima que el calor la jugó una mala pasada y no pudimos aplaudirla como se merece.

En el bando masculino hay más penas que glorias, mientras que Àlex Casanovas y Jordi Boixaderas aprueban, Joel Joan se convierte, una vez más, en una simple caricatura de sí mismo.  Sabemos que la vis cómica de Laura Aubert es sobresaliente por lo que no nos descubre nada en el papel de bufón. Me permito pedir un papel dramático para la actriz, necesito sinceramente verla en un cambio de registro, sin sonrisas ni violines.

No es Londres, pero el montaje ayuda a pensar que el anfiteatro Grec sirve para algo más que para los conciertos. Un sueño elegante y popular que pasa agradablemente en una calurosa noche de verano. En otoño lo veremos encerrado en uno de los teatros de la ciudad. No será lo mismo. Hasta mañana se puede disfrutar al "aire" libre. 

AMOR & SHAKESPEARE

by on 17:28
DRAMATURGIA: GUILLEM-JORDI GRAELLS DIRECCIÓN: JOSEP MARIA MESTRES TRADUCCIÓN: JOAN SELLENT INTÉRPRETES: ARIADNA GIL, LAURA AUBERT,...
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DRAMATURGIA: EVELYN ARÉVALO y PEP TOSAR
DIRECCIÓN: PEP TOSAR
BAILE: JESÚS CARMONA
CANTE: ALBA CARMONA
GUITARRA: JESÚS GUERRERO
PERCUSSIÓN: DAVID DOMÍNGUEZ
DURACIÓN: 90min
FOTO: JOSEP AZNAR
PRODUCCIÓN: GREC 015 FESTIVAL DE BARCELONA y PEP TOSAR
SALA HIROSHIMA (GREC 2015)

Parto de una base para nada objetiva. Federico García Lorca fue uno de los escritores que de adolescente me hizo vibrar con su poesía (Poeta en Nueva York y Romancero Gitano) y luego con sus dramaturgias (Yerma, La Casa de Bernarda Alba, El Público...). Con mis sentimientos a flor de piel entré en la Sala Hiroshima a dejarme cautivar por el espectáculo.

Dicho y hecho. A pesar de que el flamenco no corre por mis venas, la puesta en escena me dejó noqueada. El flamenco de Alba Carmona a la voz y Jesús Carmona en el baile me transportó a Andalucía, a Granada. Maravillosa la percusión de David Domínguez, justa, precisa, sólo de pensarlo se me vuelven a poner los pelos de punta. Los versos del poeta en voz de Pep Tosar y la parte de teatro documental con Antonina Rodrigo, Juan Loxa, Allen Josephs, Domingo Ródenas, Mario Hernández i Vicenta Fernández-Montesinos García dan vida y voz al poeta.

Federico García es un espectáculo de vida, de pasión, de rescate, de necesidad de que recordemos la magia, el duende de una persona a la que mataron por ser ella misma. No es ni un recital poético, ni un concierto, ni un espectáculo teatral al uso, es un gran y brillante homenaje a una figura imprescindible. Un amplio recorrido por su obra, por su vida y por su sentir. Con la imprescindible participación de sus biógrafos y de su sobrina, la última persona viva que le conoció. Se nos está muriendo la historia, pero aun la podemos rescatar.

Cuatro días en el Festival Grec (y con las entradas agotadas) no son suficientes para que el espectáculo tenga el recorrido que merece. Recomendado para todas las edades, y sobre todo para aquellos que están empezando a salir del cascarón y los que se quedan con ganas de más después de una clase de literatura. Vuelvan, que yo prometo volver a deleitarme con la lección magistral de Pep Tosar, que domina la dramatúrgia, la dirección, la puesta en escena y la interpretación. Todas las teclas perfectamente afinadas. Bravo.

Historia de sobra conocida y de la que el final nos sigue machando. Una voz única que una bala nos arrebató, Federico murió pero como dice Allen Josephs no sólo ha muerto una vez sino cada vez que se niega su importancia dentro de la literatura dramática se le vuelve a matar. No importa demasiado, al menos para mí donde estén "enterrados" sus huesos, si sus versos, sus textos siguen estando vivos en la mente de sus lectores. En 2016 se cumplirán 80 años de su asesinato, si fuéramos un país "normal" comenzaríamos a honrarle. Como no lo somos, al final, le dejaremos morir.

FEDERICO GARCÍA

by on 16:25
DRAMATURGIA: EVELYN ARÉVALO y PEP TOSAR DIRECCIÓN: PEP TOSAR BAILE: JESÚS CARMONA CANTE: ALBA CARMONA GUITARRA: JESÚS GUERRERO ...
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Font: Belén Ginart (ara.cat)
La ruptura amb la seva dona va portar el coreògraf i director francès Pascal Rambert a escriure aquesta obra. De què parla?
És un espectacle molt senzill: un home entra en una sala i li deixa anar un munt de coses a la que fins aleshores, i durant una pila d’anys, havia sigut la seva companya. I després és ella la que contesta.
L’obra són dos llargs monòlegs, sense rèpliques, i tinc entès que són ferotges.
No és un final de relació quotidià ni petit. Són dos tipus que lluiten a vida o mort. Són dos titans que lluiten per seguir vius, i l’única manera que saben de fer-ho és matar l’altre.
I de quines coses parlen abans de tancar la porta del seu amor?
Com qualsevol parella que se separa, parlen del passat, de les coses que no s’han dit. Hi ha retrets, frustració, necessitats, i també l’amor compartit, que ha sigut molt profund.
I quina és la grandesa d’aquesta ruptura?
És meravellós que puguin parlar de tot amb tanta lucidesa. Quan et separes, aquesta lucidesa no és habitual. O com a mínim jo mai ho he viscut així.
Actues amb la teva parella real.
Sí, però no és un fet rellevant. Seria el mateix si actués amb un amic.
On us porta com a actors aquesta obra?
Tant a l’Israel com a mi ens va fer embogir el projecte. Reuneix un munt de coses noves i que volíem provar: el tipus de posada en escena, la feina amb nosaltres mateixos, ens descobreix un nou món.
Els protagonistes despullen els seus sentiments, i al cartell l’Israel i tu hi sortiu despullats. Metàfora o realitat?
Metafòricament estem superdespullats. Jo mai abans havia estat tan despullada íntimament a sobre d’un escenari. Però hi sortim vestits. El cartell remet a una cosa que passa al llarg de l’obra i que el Pascal ja va utilitzar quan la va estrenar. Li va fer il·lusió que nosaltres també la volguéssim utilitzar.
Encara esteu en ple procés de creació. Com us està anant?
En total haurem assajat onze dies. Jo mai havia fet una cosa en tan poc temps, m’aterria la idea. Però el Pascal tenia clar que ho havíem de fer així, i ara ho vaig entenent.
En què beneficia el muntatge?
El Pascal ens demana molta naturalitat. Cal arribar a l’estrena segur però també fresc, amb la possibilitat implícita que tot pot canviar. El director no es vol passar d’assajos i de ben segur que no ens passarem. I ara he entès que assajar això durant un mes no té cap sentit.
Excita estrenar a Barcelona?
Estic taquicàrdica pel fet de fer-la a Barcelona i pel fet de formar part del Grec, un festival que segueixo des de fa molts anys. La primera vegada hi vaig anar a veure Tomatito amb Michel Camilo. Em va semblar màgic pujar a la muntanya i trobar un espai tan meravellós.
Quins altres projectes tens entre mans?
Acabo de finalitzar el rodatge d’una opera prima de Nely Reguera a Galícia, María y los demás. Després de l’estrena a Barcelona torno a Madrid per començar els assajos de La Furia, amb Miguel del Arco. I després tinc dos llargmetratges més, un dels quals a l’Argentina.
Veig que la crisi no t’afecta.
La veritat és que porto des del mes d’abril o març sense parar. Però l’any passat va ser més tranquil. El que és cert és que sempre he pogut viure, més o menys, de la meva feina com a actriu.
No tothom pot dir el mateix.
És un gran luxe, en sóc conscient. Però no sé ni quant durarà ni què em vindrà a mi de gust fer d’aquí un any i mig. Intento no fer grans plans de futur i viure amb intensitat el present. Em deixo guiar per l’instint.
I què et demana l’instint?
Porto molt malament el fet d’estar esperant una trucada per treballar. Ja ho he patit i no hi vull tornar. Ara, si no em truquen, sempre tinc els amics i gent valenta per poder fer coses i cada cop tinc més clar que no vull només actuar. Vull generar projectes, unir talents.
¿És més fàcil convèncer-te per fer teatre o per fer una pel·li?
Depèn del projecte. Però el que em passa amb el teatre és que, si es tracta d’una producció totalment privada, en bona lògica la intenció dels productors serà girar-la tant com sigui possible. I en aquests moments de la meva vida em ve més de gust anar i venir, portar poc pes a l’esquena. | 
Grec 2015: ‘La clausura del amor’. Dramatúrgia i direcció: Pascal Rambert (traducció i versió de Coto Adánez). Amb Bárbara Lennie, Israel Elejalde. Teatre Lliure de Gràcia (Barcelona). Del 23 al 27 de juliol
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Font: Antoni Ribas Tur (ara.cat) | Foto: Jero Morales
Mario Gas i Josep Maria Pou han trigat 22 anys a tornar a treballar junts després de Golfus de Roma, de Stephen Sondheim, el muntatge que van presentar al festival de teatre clàssic de Mèrida el 1993. Aquest any han tornat a Mèrida amb una obra que, en comptes de la comèdia i el musical, reivindica un altre tipus de teatre: Sócrates. Juicio y muerte de un ciudadano. Una setmana després de l’estrena a Extremadura, l’obra arriba aquesta nit al Teatre Romea en el marc del Grec. A més de dirigir l’espectacle, Mario Gas també és l’autor del text, juntament amb l’actor i dramaturg Alberto Iglesias. El resultat és un espectacle molt auster i sobri en què la paraula adquireix tot el pes. “Gairebé té el to d’un oratori”, diu Josep Maria Pou, que interpreta el filòsof. 
Les idees de Sòcrates es remunten al segle V aC però no han perdut vigència en ple segle XXI. “El discurs continu de Sòcrates a l’entorn de la virtut i l’honestedat i el seu mètode de voler esbrinar-ho tot qüestionant les coses una vegada i una altra és un consell per a tothom. Però el que el posa d’actualitat és la visió que Mario Gas i Alberto Iglesias posen de relleu en l’espectacle: no tant la del gran filòsof sinó la d’un ciutadà d’Atenes que emprenya el poder contínuament i que ensenya als joves del seu voltant que no han d’admetre les veritats dels seus pares ni dels governants perquè sí, sinó que ho han de qüestionar tot”, subratlla l’actor.
Un home coherent fins al final
Sòcrates no va deixar les seves idees per escrit i el seu pensament ha perviscut gràcies, sobretot, als diàlegs de Plató, que han servit de material per construir la dramatúrgia de l’espectacle, juntament amb textos de Plató, Xenofont, Diògenes Laerci, Aristòfanes, a més de Gas i Iglesias. “El que em sembla més important de l’espectacle és l’actitud de Sòcrates un cop l’han condemnat a mort, quan els mateixos jutges que l’havien condemnat donaven per fet que s’escaparia i que no arribaria mai a morir, ja que la corrupció estava tan generalitzada que els mateixos jutges i els guardians estaven esperant que Sòcrates els donés uns diners perquè el deixessin escapar. El que va sorprendre tothom i el que segueix sorprenent avui -assegura Pou-és que Sòcrates va dir que si la democràcia l’havia condemnat a mort segons unes lleis que havia jurat respectar i que respectava, havia de morir. Perquè, si no, s’estaria burlant de la democràcia i les lleis i els faria molt mal. Això em sembla la millor conseqüència de l’espectacle”. 
“Aquella jove democràcia no païa la independència, l’agudesa i l’ètica d’un home íntegre, valent, irònic, coherent i enfrontat per la seva actitud a l’obscuritat d’un sistema anomenat democràtic disposat a devorar els seus fills més valuosos. Els sona d’alguna cosa?”, es pregunta Mario Gas al text de presentació de l’espectacle, que està dedicat “al poble grec i al seu govern, esperant que el cas de Grècia serveixi perquè l’Europa dels ciutadans avanci i l’Europa del gran capital retrocedeixi”. 
Sócrates. Juicio y muerte de un ciudadano agafa el relleu de l’espectacle sobre el filòsof que Adolfo Marsillach i Enrique Llovet van muntar el 1970, i del qual Marc Antoni Broggi va fer una versió catalana que no es va arribar a estrenar. A més de Josep Maria Pou, el repartiment de l’obra inclou Carles Canut, Amparo Pamplona, Borja Espinosa, Guillem Motos, Pep Molina i Ramon Pujol. L’obra estarà en cartell fins al 2 d’agost i farà temporada al Teatro Español de Madrid el febrer de l’any que ve després de fer gira per l’Estat.
La necessitat d’un teatre polític
Tot i que Gas i Pou creuen en la càrrega política del teatre, la seva intenció no és fer proselitisme. “Crec molt en l’escenari convertit en tribuna de debat. El Mario i jo pertanyem a una generació que va començar a fer teatre als anys 60 i 70, en una època convulsa en què teníem el concepte d’un teatre de debat, d’un teatre d’oposició -recorda Pou-. Fèiem un teatre en oposició al franquisme i fèiem unes obres per dir damunt l’escenari moltes coses que no es podien dir en altres llocs a causa de la censura. Amb la democràcia aquest teatre més brechtià va perdre força i potser ara és el moment de recuperar-lo. Però això no vol dir que cada espectacle s’hagi de convertir en un míting polític. No hem d’oblidar que, per damunt de tot, el teatre ha de ser un producte artístic i també d’oci, i es pot aconseguir que el públic surti del teatre fent-se preguntes o havent trobat algunes respostes”.
El de Sòcrates s’afegeix dins la trajectòria de Josep Maria Pou a una llarga llista de grans personatges, sovint amb una força i una complexitat molt potents, com Roy Cohn, a Àngels a Amèrica, el rei Lear i el director d’orquestra Wilhelm Furtwängler de Prendre partit. “No els busco. Són els directors, els productors i els mateixos autors que em veuen o m’imaginen fent aquests personatges i per això me’ls ofereixen. No tinc un interès a fer-los, però un cop els assumeixo els disfruto com un bèstia i em permeten explorar la meva maleta de registres i treure partit de totes les meves capacitats”, diu Pou.
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CONCEPTO y PUESTA EN ESCENA: GABRIELA CARRIZO y FRANCK CHARTIER
INTERPRETACIÓN y CREACIÓN: JOS BAKER, LEO DE BEUL, EURUDIKE DE BEUL, MARIE GYSELBRECHT, HUN-MOK JUNG, SEOLJIN KIM y SIMON VERSNEL
FIGURANTES: MANEL CHICO, ANTONELLA D'ASCENZI, MARIÁN DE LA CHICA, PAU ESTREM, IRENE EVA, IGNAZIO PERRA, SOLE REVUELTO y JORDI SOLER
DURACIÓN: 75min
FOTO: HERMAN SORGELOOS
PRODUCCIÓN: PEEPING TOM y el KVS- ROYAL FLEMISG THEATRE
MERCAT DE LES FLORS (GREC 2015)

Hoy mi crítica no contará, será como si pasara desapercibida. Ayer no comulgué con el sentir general de sala llena de "bravos", yo no salí extasiada. Después de la genial Vader de la pasada edición del Grec me esperaba un no parar de cuerpos de goma, dibujando formas imposibles y deconstruyéndose a cada paso. Sin embargo, esta vez la dramaturgia tiene más peso que la danza. Hay mucho movimiento pero la parte más conocida de Pepino Tom queda en un segundo plano.

La decadencia como tema principal de una dramaturgia bestial donde se encuentran ratas, escarabajos y fantasmas en una escenografía que va mostrando sus cartas poco a poco. Una familia burguesa que ha perdido su fortuna, su prestigio y que todavía se siente afortunada porque sigue conservando sus sirvientes. Estos se rebelan y quieren tomar el poder. La señora (a medio camino entre la señora Rotenmeyer y un travesti) se resiste, y a base de repeticiones de acciones tan cotidianas como que la sirvan un café, lucha por mantener un status quo. Entre medio una diva de la ópera ve arrebatado su trono por Montserrat Caballé y tendrá que encajar la pérdida de la primera línea y pasar a segundo plano. Mientras su hijo lucha por conquistar el amor de una madre que nunca tuvo porque la ópera se la arrebató.

Deseos, fantasías, ansiedades, vestigios de una gloria pasada y que está muy lejos de volver. Movimiento, gestualidad, danza, piezas líricas, pop, un sinfín de elementos que configuran un cuento de miedo, pero por el cual acabas sintiendo más lástima que pavor. La melancolía la pone la voz de Leo de Beul al piano, cuando para tener esperanza, quizás, sea ya demasiado tarde.

Las caída de infarto para unos cuerpos que se mueven en medio de la miseria no sólo económica. Hun-Mok Jung y Seoljin Kim nos dejan boquiabiertos con sus movimientos al más puro estilo de la compañía belga. Si À Louer fuer a un espejo, nuestros cuerpos estarían igual de descompuestos que los que aparecen en escena. De momento, nuestra alma es la que ha quedado un poco deteriorada, pero tenemos que continuar.

À LOUER

by on 13:57
CONCEPTO y PUESTA EN ESCENA: GABRIELA CARRIZO y FRANCK CHARTIER INTERPRETACIÓN y CREACIÓN: JOS BAKER, LEO DE BEUL, EURUDIKE DE BEUL, M...
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CONCEPTO y CREACIÓN: THOMAS HAUERT, CECILIA COLACRAL, MIREIA DE QUEROL, NATALIA JIMÉNEZ, IRIS HEITZINGER, XAVI MORENO, FEDERICA PORELLO, ANNA RUBIROLA
DIRECCIÓN: THOMAS HAUERT y GROUP LABOLSA
INTERPRETACIÓN: CECILIA COLACRAL, MIREIA DE QUEROL, NATALIA JIMÉNEZ, IRIS HEITZINGER, XAVI MORENO, FEDERICA PORELLO, ANNA RUBIROLA
DURACIÓN: 70min
FOTO: BENJAMIN SOMMABÈRE
PRODUCCIÓN: GREC 2015 FESTIVAL DE BARCELONA, CHARLEROI DANSES y LES BRIGITTIES
TEATRE LLIURE-SALA FABIÀ PUIGSERVER (GREC 2015)

No encontrarás una crítica de danza académica, mi nivel de conocimiento solo da para escribir lo que me sugirió la pieza como espectadora. No entiendo de técnicas, estoy en proceso de aprendizaje de sentimientos, valga sea dicho de paso.

Sin escenografía  con els escenario desnudo a voluntad de los bailarines, y sin una dramaturgia que siente las bases de algún entendimiento previo, la Mesura del desordre se convierte en piezas sueltas como si fueran ejercicios de improvisación. El nexo de unión puede ser la libertad. Si bien dice Thomas Hauert que su impulso es ir más allá de lo familiar, ponerle creatividad al asunto, quizás no me llegue para más que para ver cuerpos solos, dúos y grupales entrelazados. 

En alguno de los grupales la imaginación me llevó al Jardín de las Delicias del Bosco, más por un renacer vital que no sexual. En otros la omnipresente figura del líder emergía y sus súbditos parecían mirar de reojo a los espectadores, presentes pero con un papel de pared.

La iluminación ayuda a guarecer una escena tan fría, sobre todo en la última parte de la pieza donde el movimiento se vuelve más intenso y las sombras concentran toda su oscuridad en los cuerpos. Lo bueno de la danza es que es magnética y no puedes dejar de mirar. Aunque tus ojos no capten las formas, el interrogante continuo te invita a seguir mirando.

LA MESURA DEL DESORDRE

by on 13:19
CONCEPTO y CREACIÓN: THOMAS HAUERT, CECILIA COLACRAL, MIREIA DE QUEROL, NATALIA JIMÉNEZ, IRIS HEITZINGER, XAVI MORENO, FEDERICA PORELLO,...
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