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DRAMATURGIA: GUILLEM-JORDI GRAELLS
DIRECCIÓN: JOSEP MARIA MESTRES
TRADUCCIÓN: JOAN SELLENT
INTÉRPRETES: ARIADNA GIL, LAURA AUBERT, MERCÈ PONS, ROSA RENOM, SÍLVIA BEL, ALEIX ALBAREDA, ÀLEX CASANOVAS, JOEL JOAN, JORDI BOIXADERAS
DURACIÓN: 90min
FOTO: JOSEP AZNAR
PRODUCCIÓN: GREC 2015 FESTIVAL DE BARCELONA y ANEXA
AMFITEATRE GREC (GREC 2015)

Welcome to The Globe... ay, no perdón que estamos en el Anfiteatro del Grec, con tanta madera me he equivocado. Fuera de bromas el gran acierto del montaje es su puesta en escena. El intento fructífero de imitar una escenografía al más estilo Globe o del Shakespeare puro le va como anillo al dedo a la dramaturgia y funde perfectamente con el cuadro del anfiteatro del Grec.

Un repaso por tres de las comedias de enredos amorosos de Shakespeare (Molt soroll per no res, Treballs d'amor perduts i Els dos cavallers de Verona), cuatro historias de amor, cuatro hombres y cuatro mujeres y, como no, un bufón. Bajo la atenta mirada de la montaña y bajo un calor húmedo asfixiante comienzan los dimes y diretes con el acompañamiento musical de Núria Andorrà que nos devuelve al Globe.

El montaje se nos ha vendido como la vuelta de la hija pródiga Ariadna Gil a casa. De acuerdo, pero encuentro que su interpretación no está a la altura de las circunstancias. Me chirría su pose en el escenario, además de su locución y entonación. No me la creo. Mercè Pons y Sílvia Bel la superan, quizás porque ya están más acostumbradas a liar con los versos del Bardo. Pero, quien se lleva el pulso del montaje es una genial Rosa Renom que despierta la sonrisa y se lleva el público de calle. Lástima que el calor la jugó una mala pasada y no pudimos aplaudirla como se merece.

En el bando masculino hay más penas que glorias, mientras que Àlex Casanovas y Jordi Boixaderas aprueban, Joel Joan se convierte, una vez más, en una simple caricatura de sí mismo.  Sabemos que la vis cómica de Laura Aubert es sobresaliente por lo que no nos descubre nada en el papel de bufón. Me permito pedir un papel dramático para la actriz, necesito sinceramente verla en un cambio de registro, sin sonrisas ni violines.

No es Londres, pero el montaje ayuda a pensar que el anfiteatro Grec sirve para algo más que para los conciertos. Un sueño elegante y popular que pasa agradablemente en una calurosa noche de verano. En otoño lo veremos encerrado en uno de los teatros de la ciudad. No será lo mismo. Hasta mañana se puede disfrutar al "aire" libre. 

AMOR & SHAKESPEARE

by on 17:28
DRAMATURGIA: GUILLEM-JORDI GRAELLS DIRECCIÓN: JOSEP MARIA MESTRES TRADUCCIÓN: JOAN SELLENT INTÉRPRETES: ARIADNA GIL, LAURA AUBERT,...
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Font: Belén Ginart (ara.cat) | Foto: Ruth Marigot
El director del Grec, Ramon Simó, ha deixat clar reiteradament -al Play sense anar més lluny- que vol un festival centrat en la contemporaneïtat. Però també que Shakespeare no grinyola entre els autors més vius d’avui. En aquesta edició el festival estrenarà Amor & Shakespeare, una peça amb dramatúrgia de Guillem-Jordi Graells a partir d’escenes d’amor de diferents obres de l’autor, principalment Treballs d’amor perdut, Els dos cavallers de Verona i Molt soroll per no res. La peça, des de dijous vinent al Teatre Grec, i al Poliorama a partir del setembre, ha fet d’Ariadna Gil i Àlex Casanovas una de les quatre parelles de la història, “un divertimento d’estiu, molt coral, però on tothom és protagonista”, segons explica Casanovas. Joel Joan, Sílvia Bel, Rosa Renom, Mercè Pons, Jordi Boixaderas, Aleix Albareda i Laura Aubert completen el repartiment.
Per a Gil, el muntatge ha suposat un repte en molts aspectes. Fer el seu primer Shakespeare. Fer el seu primer paper en vers. Tornar al teatre en català després de 17 anys. I debutar a l’escenari del Grec. “Vaig acceptar de seguida el projecte perquè vaig pensar que seria un aprenentatge importantíssim. Estic patint, perquè en un procés de creació sempre pateixes. Però també estic disfrutant molt, sobretot de veure com treballen els meus companys. Amb molts d’ells no hi havia treballat mai”, diu l’actriu, establerta a Madrid, amb una llarga carrera cinematogràfica ( Vivir es fácil con los ojos cerrados, Alatriste, Soldados de Salamina ) però que últimament s’ha prodigat força al teatre ( Los hijos de Kennedy, Viejos tiempos, Un tranvía llamado deseo ).
En aquesta última obra, Gil i Casanovas van coincidir per primer cop sobre l’escenari. La complicitat que mostren, però, sembla que s’ha anat construint des de fa molts anys, tot i que és cert que una feina tan lligada a les emocions com la de l’actor potencia els vincles ràpids. I més quan, com aquesta vegada, cal donar el màxim d’un mateix en un temps rècord. “Aquesta obra l’haurem assajat exactament en 31 dies”, diu Casanovas. “Jo no els penso comptar. Però és una barbaritat, és molt poc temps”, respon Gil. “Estem fent una obra molt complexa, amb molts actors, música en directe i canvis continus. El temps de creació és sagrat. Has de tenir marge per provar coses, per equivocar-te”, lamenta l’actriu. I ho resol amb un punt de pragmatisme: “La responsabilitat de tots és venir a l’assaig amb la màxima concentració possible. Al final sempre te n’acabes sortint. Però ho fas millor si no has de córrer tant”. Casanovas afegeix que el fet de tenir tan poc temps “crea una pressió, i no principalment en els actors”. “Crea una pressió a l’equip d’escenografia, al de figurinisme, al d’atrezzo, al de llums, al de so... I sobretot afegeix pressió al director”, diu l’actor.
Aquesta parella per exigències de la dramatúrgia sap que no són bons temps per a la creació artística. “L’ofici està fotut”, coincideixen tots dos. No és que jo digui “¿ Qué hay de lo mío?” perquè em dedico a la cultura. Si em dediqués a plantar enciams pensaria el mateix: em sembla terrible com s’està tractant la cultura, l’educació i la sanitat”, opina Gil. “Els actors sempre hem tingut contractes en precari, de tres o quatre mesos quan les coses anaven molt bé. No hem tingut mai un any sencer de contracte. Però abans hi havia més feina, enllaçaves coses, feies gires per Catalunya, anaves a Madrid -descriu Casanovas-. Ara hi ha molt poca producció, les gires han baixat molt, i si una obra funciona a Catalunya surt més a compte tornar-la a fer a Madrid amb una nova companyia que haver de pagar desplaçaments, hotels, dietes…”
Obligats a córrer per aconseguir “treure or de la feina”, com diu Gil, els actors d’ Amor & Shakespeare s’han d’afanyar, entre altres coses, per aconseguir impregnar d’organicitat els seus textos. “El vers quan està tan ben traduït com aquest surt sol. El vers s’ha de respectar, però a la vegada el que has de fer és que soni natural, has d’arribar al que vols dir, i ha d’arribar el que sents quan ho dius, com faries amb qualsevol obra”, resumeix Gil. A diferència de l’actriu, Casanovas ja havia treballat en vers, “però no deixa de ser un repte”. “El vers té una musicalitat i té unes regles del joc. El que no es pot fer és dir-lo com si fos prosa. El vers té un ritme, una musicalitat. La màgia és que la gent no se n’adoni”, afegeix. |
Grec 2015: ‘Amor & Shakespeare’, de William Shakespeare i Guillem-Jordi Graells
Traducció de Joan Sallent. Dir: Josep Maria Mestres. Amb Ariadna Gil, Àlex Casanovas, Mercè Pons... Teatre Grec
Del 16 al 19 de juliol
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Fuente: Julio Bravo (abc.es)
Los años sesenta, dice José María Pou, son «la década de los jóvenes, de los derechos de la mujer, del Poder Negro, el movimiento gay y la contracultura; la de la guerra del Vietnam, los misiles nucleares y el bloqueo de Cuba; la del movimiento hippie, el muro de Berlín, el mayo francés, la píldora anticonceptiva y el “Haz el amor, no la guerra”. La década de la bohemia y la disidencia. La década del amor libre, la psicodelia y el pacifismo a ritmo de marihuana. La década musical por excelencia. La década de los Beatles, la de Janis Joplin y Jimi Hendrix, la de Bob Dylan y Joan Baez, la de Woodstock 69, “Hair” y “All you need is love”. La década de Martin Luther King, el Che Guevara, Neil Armstrong y Marilyn Monroe. La decada de John F. Kennedy, y de su asesinato».
El magnicidio que sacudió al mundo el 22 de noviembre de 1963 -pronto hará cincuenta años- fue el hecho, según Pou, que rompió los sueños y las ilusiones de toda una generación. De ella, del desencanto, del fracaso de los héroes, de la frustración y de los muñecos rotos habla «Los hijos de Kennedy», una obra de Robert Patrick estrenada en 1973 en el cuarto trasero de un pub londinense y que el boca a boca llevó pronto a los teatros de todo el mundo (también a los españoles: en Madrid se estrenó en febrero de 1977). El aniversario del asesinato fue la excusa que le ha servido al productor Pedro Larrañaga para volver a poner en pie esta obra (que interpretó su madre, María Luisa Merlo), con dirección de José María Pou y un atractivo y garante reparto: Maribel Verdú, Emma Suárez, Ariadna Gil, Fernando Cayo y Álex García. Ana Garay firma la escenografía y el vestuario, y la iluminación es de Juanjo Llorens.

Solos en el bar

Un bar es el escenario donde los cinco personajes de esta desengañada función -«a pesar de ello, con un humor increíble», dice Pou-, escupen su soledad y su frustración con una copa en la mano. Están en la década de los setenta y atrás queda la memoria de lo que pudo haber sido y no fue: «Sparger (Fernando Cayo) es un actor homosexual que vivió la contracultura y el underground teatral -explica el director-. «Carla (Maribel Verdú) es una aspirante a actriz, que tras la muerte de Marilyn Monroe se cree su sustituta. Rona (Ariadna Gil) fue una hippy, y cuenta el movimiento desde su vivencia. Wanda (Emma Suárez) es una secretaria, representante de laamericana media, y tras el asesinato de JFK dedica la vida a su memoria. Y Mark (Álex González) era un joven inocente al que embarcaron en un avión para luchar en la guerra de Vietnam, donde le convirtieron en un asesino». En ese bar (o esos bares), donde están para amortiguar su dolor, los cinco se encuentran solos, y hablan porque, dice Pou, «tienen la necesidad de comunicarse». Son «hijos» de Kennedy, pero también de Martin Luther King, de Marilyn Monroe, de Gandhi, de Timothy Leary...
Envuelta en canciones -«la década de los sesenta es, musicalmente, la más rica», sigue Pou-, la función pretende revisitar aquella época, porque el texto no es sino una crónica de aquellos días. «Muchos -confiesa el director- seguimos colgados de los sueños de los sesenta, porque se rompieron abruptamente».
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“Más allá de cualquier otra consideración, nos enfrentamos con la inmensa dificultad, si no la imposibilidad, de verificar el pasado. No me refiero meramente a hace algunos años, sino a ayer, a esta mañana…. Si se puede hablar de lo difícil que es saber qué pasó ayer mismo, se puede tratar de la misma forma al presente. Todos nosotros interpretaremos una experiencia en común de modo muy diferente, aunque preferimos apuntarnos a la idea de que existe un campo común compartido”. Estas palabras de Harold Pinter, que forman parte de su texto Escribir para el teatro, parecen resumir perfectamente Viejos tiempos, obra del Nobel británico a la que se enfrentan tres actores excepcionales Emma Suárez, Ariadna Gil y José Luis García Pérez. Ellos, bajo la dirección de Ricardo Moya, profesional habitualmente dedicado a la interpretación (ha dirigido en varias ocasiones), estrenan hoy el último montaje de la etapa de Mario Gas en el Teatro Español de Madrid, en esa mágica sala pequeña del Español, donde desde hace años sólo se ven éxitos, dada la excelencia escénica de los montajes que se han presentado allí.

Esta producción del Teatro Español, nos muestra una relación triangular donde la visita de una amiga de la infancia despierta recelos, especulaciones y desconfianzas en el matrimonio que la recibe. Viejos tiempos, escrita en 1971, es una suerte de precedente de otro drama triangular que Pinter escribió en 1978, Traición, vista recientemente en Madrid por Histrión Teatro y por María Fernández Ache (con Will Keen, Alberto San Juan y Cecilia Solaguren).

Si bien Pinter estuvo años relegado de la cartelera madrileña, en la última década han surgido excelentes trabajos sobre este autor, actor, director, guionista, poeta, comprometido activista de izquierdas y lúcido testigo del siglo XX, algunos recientes como la que está en la sala La puerta estrecha (Cenizas a las cenizas) o las vistas en el Ciclo Pinter de Teatro Lagrada y El Montaplatos de Animalario.

Anna, uno de los personajes de la obra, le dice a Kate y Deeley: “Hay cosas que uno recuerda aunque nunca hayan ocurrido. Hay cosas que yo recuerdo, que pueden no haber ocurrido, pero como yo las recuerdo, en realidad ocurren”. De eso va Viejos tiempos (Old times), estrenada por la Royal Shakespeare Company con dirección de Peter Hall y ahora rescatada por Moya, al que vimos en un clásico Pinter, Regreso al Hogar, en la misma sala. Sostiene el director que esta obra “tiene una gran profundidad y una superficie muy tenue, algo que está en relación con lo que nos pasa en nuestra sociedad, que vivimos en la superficialidad y luego caminamos sobre abismos”.

Lo que le tiene entusiasmado es haber encontrado en estos tiempos a estos tres actores: “Me parece la monda; sobre todo para abordar este autor que decía que hay un silencio que es la ausencia de palabras y otro que está debajo de los torrentes de palabras y de los discursos verbales; cuando llega la ausencia de todo ruido, ahí es donde nos podemos comunicar y da mucho miedo exponerse sin palabras, exponer el abismo que uno es y, a veces, es muy impúdico asomarse al abismo de los demás”.

No deja de ser curioso que los tres actores, experimentados y con una importante y exitosa trayectoria, no habían hecho ningún Pinter, aunque le habían leído. Para García Pérez la primera lectura de Viejos tiempos fue impactante: “Hay que ir quitándole capas sobre todo eliminar las primeras teorías que te haces sobre la función, porque no tiene moraleja; me acordé del crítico de teatro del New York Times que una vez dijo ‘es una obra maravillosa, que no se sabe de qué va’”. Ariadna Gil, al acabar de leer el texto, se dijo que era muy bueno: “Tengo que volver a leerla, porque es muy apabullante”, y añade “lo curioso es que ensayando hemos descubierto un montón de cosas que ni había intuido”.

Suárez es escueta a la hora de contar qué le paso: “Lo leí, hice una pausa, y me quedé en silencio… mucho rato”. Una de las claves de este texto está en el tratamiento de los silencios. Los tres actores dicen que los silencios no son suyos, son pausas cortas y largas que marca el autor y hay que saber por qué se hacen.

Emma dice en alto la frase que el actor británico Michael Gambon dijo de esta obra: “Es un texto milimétrico con una profundidad kilométrica” y añade, “en teatro uno siempre está en la cuerda floja, pero con Pinter hay que hacer muchos más equilibrios, es muy sutil, hay mucha información detrás de las palabras, es muy sibilino, cada gesto tiene un significado importante, es una manera de interpretar muy minimalista, hay que contenerlo todo”. Como tantas veces en Pinter la obra está marcada por la ironía con una cierta dosis de cinismo, y el humor, que existe, pero no el de carcajada abierta, se utiliza como un arma contra el otro.

Mientras que García Pérez tiene una abundante experiencia de trabajar en salas pequeñas y alternativas, para Suarez y Gil es la primera vez que se enfrentan a un espacio pequeño. “Es un desafío sentir al público tan cerca, en la medida que no escuches ronquidos; es un orgullo y una suerte trabajar así”, señalan las actrices.

Fuente: Rosana Torres (www.elpais.com)
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TEXTO: TENNESSEE WILLIAMS
VERSIÓN TEATRAL: JOSÉ LUIS MIRANDA
DIRECCIÓN: MARIO GAS
INTÉRPRETES: VICKY PEÑA, ROBERTO ÁLAMO, ARIADNA GIL, ÁLEX CASANOVAS, ANABEL MORENO, ALBERTO IGLESIAS, PIETRO OLIVERA, IGNACIO JIMÉNEZ, JARO ONSURBE, MARIANA CORDERO y LINDA MIRABAL-JEAN CLAUDE (voz en off)
PRODUCCIÓN: JUANJO SEONE
TEATRO TÍVOLI


Mario Gas se vuelve a enfrentar a Tennessee Williams después de El zoo de cristal y La gata sobre el tejado de zinc caliente. Esta vez nuestra parada se queda en Deseo y en el personaje de Blanche sobre el cual gira toda la obra. La visita de ésta a su hermana Stella no dejará a ninguno indiferente.

Mario Gas ha decidido optar por el equilibrio entre la fidelidad al texto y no convertir a Blanche en un personaje totalmente desbocado. Pero aquí es donde más peca el montaje de conservadurismo escénico. Hay demasiada sensación de paridad entre los interpretes y se echa de menos una fuerza interpretativa necesaria que haga de los tres personajes principales, los auténticos protagonistas de la función. Tanto a Blanche como a Stella (Ariadna Gil) les falta dotar al personaje de personalidad propia, de intensidad y en Stanley (Roberto Álamo) se nota una ausencia de mala leche impregnada por las situaciones a las que se ve sometido, que a veces parezca un corderito degollado, más que el cabeza de familia.

El ambiente de la obra es tan equilibrado como efectivo. Nos sumergimos en el ambiente privado de la casa de los Kowalski. Vida privada y pública que se vertebran en las diferentes estancias de la casa, con una escenografía adaptada a la perfección al equilibrio que destila el resto del montaje. Mario Gas ha optado por una puesta en escena tradicional, haciendo caer el telón negro al finalizar cada escena, hecho que provoca al cabo de unas cuantas caídas de telón, una desconcentración notable para el espertador.

Esta vez la búsqueda perfecta del equilibrio, ha desequilibrado las buenas intenciones de Mario Gas por conseguir que nada se saliera del guión. Hubiera sido necesario una puesta en escena y dirección actoral más atrevida para una historia de sobra conocida y de la que año sí, año también nos ofrecen versiones. No obstante, merece la pena haber disfrutado en determinados momentos de la conjunción de los diálogos de Tennessee Williams en boca de Vicky Peña, que sigue estando en nuestro top ten teatral. Hasta la próxima parada en Deseo.
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