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de OSCAR WILDE
traducción CRISTINA GENEBAT
versión DAVID SELVAS y CRISTINA GENEBAT
dirección DAVID SELVAS
intérpretes MIKI ESPARBÉ, DAVID VERDAGUER, NORBERT MARTÍNEZ, LAURA CONEJERO, PAULA MALIA, PAULA JORNET y MIA ESTEVE
duración 1h 45min
fotografías FELIPE MENA
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA y LA BRUTAL
SALA PETITA (TNC)

Lleno absoluto en la sala, entradas agotadas antes de su estreno y temporada veraniega en el Poliorama. La Brutal lo ha vuelto a hacer, magia o lo que es lo mismo encontrar la fórmula perfecta que entusiasme a público y a crítica a partes iguales.

Partiendo de un clásico, en este caso de Oscar Wilde, sacarle el polvo, una comedia británica que mezcla los enredos amorosos con una dura crítica a la sociedad burguesa y que se convierte en todo un placer para los sentidos.

Jose Novoa ha diseñado una escenografía perfecta que lo mismo nos traslada a la sala de estar de una lujosa casa de Londres como nos hace viajar al pueblo, eso sí previo a un singular baile de plantas.



Hay ocho personajes en esta función, más allá de los siete originales de carne y hueso, la música compuesta por Paula Jornet bajo la dirección musical y arreglos de Pere Jou y Aurora Bauzà es una gran sorpresa en la función, le otorga una vitalidad, un ritmo vibrante y unas ganas imparables de bailar. No se puede decir que la obra se haya convertido en un musical, pero las piezas musicales están perfectamente integradas en la dramaturgia y son luz y descanso entre tanto enredo amoroso. De lo que no hay duda es que el buenrollismo se apodera de la escena y no lo abandonará hasta el final.



Aunque el drama amoroso se centra en los personajes de Miki Esparbé, John Worthing, David Verdaguer, Algernon Moncrieff, Paula Malia, Gwendolen Fairfax y Paula Jornet, Cecily Cardew, las miradas se centran en Lady Bracknell, una sensacional Laura Conejero, el personaje con las mejores réplicas cómicas y con un fuerte gusto por resaltar lo estrafalario de los gustos y costumbres de la alta sociedad inglesa. Después de unas temporadas excesivamente centrada en los roles dramáticos, la Conejero vuelve a ponerse el vestido que mejor le sienta, la comedia. Con un papel que lleva escrito su nombre, el recital interpretativo que despliega es de high level. Magistral.



Uno de los signos característicos de La Brutal es la creación de pequeñas familias teatrales en cada producción. En este caso, quizás por la naturaleza de la obra, esa sensación traspasa los límites del escenario y, desde platea se puede palpar que el buenrollismo de la obra ha calado fondo en sus intérpretes. Cuánto más disfrutan ellos, nosotros, como público, mejor nos lo pasamos.

Con julio a tocar, más de uno ya debería tener un pie puesto en el Poliorama. Si como dice el propio David Selvas al programa "Wilde escribió un obra con una gran sabiduría e inteligencia vital", la  versión del propio Selvas y Cristina Genebat bajo la batuta del primer ha acabado de rondear con gran maestría y acierto la pieza

Vete. No te la pierdas. No te arrepentirás. Bravo!


TEXTO ORIGINAL: NOËL COWARD
VERSIÓN: JUAN CAVESTANY
DIRECCIÓN: NORBERT MARTÍNEZ y DAVID SELVAS
INTÉRPRETES: MARTA MARCO, DAVID SELVAS, MIMA RIERA y JAVI BELTRAN
DURACIÓN: 1h 30min
FOTO: FELIPE MENA
PRODUCCIÓN: LA BRUTAL
TEATRE BORRÀS

No seré yo quien se queje de sacarle la naftalina a los textos que requieran una limpieza al ser sacados del fondo del cajón, pero hay algunos a los que sólo les han dejado los puntos y seguido. Es más o menos lo que le ha pasado a la versión de Vides Privades de Juan Cavestany. Se nos ha ido de las manos la contemporaneidad, el convertirlo en una comedia de parejas de la burguesía más simplona catalana que sólo se preocupa de su ego y de lo feliz que será cuanto más posesiones tenga. Pero bueno tampoco es que fuera al Borràs esperando que tras la cortina saliera Noël Coward, así que mejor dejemos la queja para otro día.

Comedia de salón, con dos parejas que esperas que les pase algo porque tanto amor no da para una hora y media. Y pasa, no lo explicaré, se hace bastante evidente en los primeros minutos de obra, quizás tampoco hayamos llegado hasta allí para que una historia nos sorprenda. Mientras tanto disfrutemos de la magnífica banda sonora, en algunos momentos, recurrente, que ya viene siendo marca de la casa, La Brutal y sus ambientes sonoros. Y en esto que sientes "A la mierda l'amor" y el reloj deja de contar y la acción se precipita. 

A parte de la banda sonora, lo que sabe hacer muy bien La Brutal es escoger repartos. Sensacional Marta Marco, la histeria de su personaje es lo mejor que sucede en el escenario durante la representación. Es de aquellas veces que sientes que la naturalidad que se desprende supera a la interpretación. Vides Privades es una obra de mujeres, porque Mima Riera se vuelve a reivindicar con un papel que podía haberse quedado en una simple joven medio tonta, pero ella lo da la vuelta y poco a poco le cambia el rumbo y acaba siendo más heroína que una simple inocente "niña rica".

Vides Privades es una comedia donde ríes de situaciones que en mayor o medida nos ha pasado a todos, pero no da para mucho más. Vas te ríes, y sales a continuar con tu vida, el poso ha quedado bastante diluido. Lo que sí que es cierto es que el giro tan comercial de los últimos proyectos no se si benificia al público más fidel de La Brutal, aquellos que vibramos con su trilogía a Lliure y que disfrutamos con su Don Juan al TNC y que nos quedamos indiferentes delante de un Coward-Cavestany. 

VIDES PRIVADES

by on 20:23
TEXTO ORIGINAL: NOËL COWARD VERSIÓN: JUAN CAVESTANY DIRECCIÓN: NORBERT MARTÍNEZ y DAVID SELVAS INTÉRPRETES: MARTA MARCO, DAVID ...


TEXTO: DONALD MARGULIES
TRADUCCIÓN: CRISTINA GENEBAT
DIRECCIÓN: JULIO MANRIQUE
INTÉRPRETES: CLARA SEGURA, DAVID SELVAS, RAMON MADAULA y MIMA RIERA
DURACIÓN: 1h 45min
FOTO: GUILLERMO A. CHAIA
PRODUCCIÓN: LA BRUTAL, LA VILLARROEL y BITÒ
LA VILLARROEL

Hay pocas historias donde sean las mujeres las que muevan los hilos. Un personaje que parece hecho por y para el lucimiento, una vez más de Clara Segura. La Segura que entra renqueante en escena, pero que al mismo ritmo que su personaje consigue sobreponerse de los varapalos que le otorga un texto irregular y se vuelve a meter al público en el bolsillo. 

La otra delícia de personaje lo interpreta Mima Riera, que como nos quiere la cosa, dibuja una delicada, tierna y cómica Mandy Bloom. Con un punto de naïf que condimenta cada una de sus intervenciones, poco a poco su inocencia se hace estimar y deseas que vuelva a aparecer por la puerta. En La Treva los personajes masculinos son secundarios, están, son presentes, pero al compararlos con los femeninos llevan todas las de perder. 

Cesc Calafell ha construido una escenografia a dos bandas, un precioso loft donde vuelve una derrotada fotoperiodista de guerra después de ser abatida. Un impás, una tregua, en su carrera que le lleva a preguntarse porqué hace lo que hace. No hay respuesta, quien vive con las ganas de aventuras en la sangre poco le puede decir volver a su "aburrida" vida de Brooklyn. 

La Sarah dispara preguntas contra el público, algunas, no sin cierta controversia que desde el principio de los tiempos del fotoperiodismo se repiten, ¿hacer una foto les ayuda a salvarse? ¿Dejar la cámara o continuar disparando? Cuestiones con una cierta pátina ética que contrasta con la distendida comedia que nos había atrapado hasta entonces. Un cierta manera de intentar hacer profunda una historia, que quizás se tenía que haber quedado simplemente en la decidión de abandonar una pasión para hacer lo que la sociedad espera de ti cuando alcanzas cierta edad.

La Treva es una comedia que se digiere muy bien. A veces tan naïf como la Mandy, a veces que busca volar más alto que sus globos, pero se queda a medio camino, porque eso no era su verdadero fin y no le llegan los medios. Teatro comercial para pasar la tarde resguardada del frío o de la lluvia. A la salida, compruebas que la vida sigue su curso.

LA TREVA

by on 20:13
TEXTO: DONALD MARGULIES TRADUCCIÓN: CRISTINA GENEBAT DIRECCIÓN: JULIO MANRIQUE INTÉRPRETES: CLARA SEGURA, DAVID SELVAS, ...

TEXTO: DAVID MAMET
TRADUCCIÓN: JULIO MANRIQUE y CRISTINA GENEBAT
DIRECCION: JULIO MANRIQUE
INTÉRPRETES: MIREIA AIXELÀ, JULIO MANRIQUE y DAVID SELVAS
DURACIÓN: 1h 30min
FOTO: FELIPE MENA
PRODUCCIÓN: TEMPORADA ALTA y LA BRUTAL
TEATRE BORRÀS

¿Qué fue del David Mamet de Un matrimonio de Boston? Creció y se disipó. Paso a ser este David Mamet. El "¡qué guais que somos, Johnny!" no acaba de convencerme, de hecho me cansa ir de guais por la vida tras 90minutos de espera a que pasa algo más allá de ese diálogo entrecortado "tan típico de Mamet" según algunos entendidos. 

Dos productores se encuentran ante la oportunidad de su vida, hacer una película con uno de esos actores revienta taquillas y hacerse ricos y famosos. Una joven sustituta de secretaria, "inocente" con ganas de cambiar el orden de cosas y de medrar será la piedra que en el camino hacia la fama tengan que saltar sin tropezar, ¿lo conseguirán?

Con una escenografía que se adapta muy bien a los tres actos, desde una oficina a medio montar hasta un apartamento, las interpretaciones van subiendo de intensidad pero el texto no acompaña. Es difícil valorar unas interpretaciones a las que les cuesta arrancar y que sólo se desentienden de su monotonía en la parte final, donde David Selvas le gana la partida a un Julio Manrique que no consigue salirse de su zona de confort. 

A Mireia Aixelà le ha tocado un papel poco grato, y aunque la duda de su inocencia pueda planear por unos segundos en la mente de los espectadores, será una sombra difusa. Sin embargo, Aixela protagonizará los mejores momentos del montaje, un segundo acto que hace salir de su ensoñación al público.  Aunque por desgracia, no será suficiente su aportación y volveremos a caer en el toma y daca de un texto falto de ideas para llenar sus noventa minutos.

UNA ALTRA PEL·LÍCULA

by on 18:56
TEXTO: DAVID MAMET TRADUCCIÓN: JULIO MANRIQUE y CRISTINA GENEBAT DIRECCION: JULIO MANRIQUE INTÉRPRETES: MIREIA AIXELÀ, JULIO MANRI...
Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Cuando los focos se apagan, las plateas se vuelven desiertas y las persianas anuncian un "Cerrado por Vacaciones" es hora de hacer balance de la temporada teatral que ya ha terminado. Este año por circunstancias personales y laborales no he podido asistir con tanta regularidad a las salas, tan sólo en poco más de 100 ocasiones, contando la maratón que con mucho gusto me he pegado con el Festival Grec.

Esta ha sido una temporada floja, se presentó como la temporada de la recuperación y hemos acabado con ocupaciones tras la Semana Santa que a penas alcanzaban al 40%, es verdad que cuando sale el sol, la playa tira más que las salas teatrales, pero son números preocupantes para un sector ya de por sí afectado por diversas políticas culturales.

Pese a todo hay vencedores que se han llevado el gato al agua y que han visto sus plateas a rebosar. Comencemos con dos nombres y apellidos que por una u otra razón han destacado esta temporada. Ernesto Collado, que parecía que tenía vetado la exhibición de sus espectáculos en Barcelona, esta temporada ha conseguido que deseemos ver más tras Montaldo (La Seca) y Constructivo (Hiroshima). Nuevos lenguajes escénicos, una apuesta clara por incluir al público en la pieza escénica y una experiencia muy recomendable para aquellos que no se conforman con sentarse en una butaca y disfrutar. Volviendo al teatro más clásico y convencional, esta ha sido la temporada de Lluís Homar que ha maravillado con su Terra Baixa (que volverá al Borràs del 23 de septiembre al 25 de octubre tras agotar localidades en su primera temporada) y con la dirección de L'art de la comèdia de Eduardo de Filippo en la Sala Gran del TNC y que después pudimos ver "paso a paso" en el programa Teatral del Canal 33.

De los nombres y apellidos pasamos a las salas. Destacaré tres, una por su nacimiento, la otra porque aunque llevaba ya un tiempo entre nosotros, este año ha consolidado su presencia, quizás no tanto para el gran público que busca un teatro más comercial, pero sí para los teatreros que buscamos otro tipo de emociones y por último la consagración de una sala/compañía que el año pasado dejó el listón muy alto y éste ha vuelto a superarlo. 
Hace apenas cuatro meses nacía la Sala Hiroshima, venía a ocupar una parcela poco explorada en Barcelona como es el teatro experimental, la performance, la danza, los géneros híbridos... Pegadita al Paral·lel, cuna de los grandes teatros comerciales, este proyecto huía de los neones para mostrarnos otro tipo de propuestas, que poco a poco van ganando adeptos entre el público teatral. He podido asistir en dos ocasiones y tengo ganas de más. En unos días os explicaré una avanzadilla de su nueva temporada. Estad atentos! 
Y siguiendo en Poble Sec, en lo alto de la Montaña de Montjuïc nos encontramos con La Vilella, hervidero de pequeñas propuestas. En ella se horneó una de las joyitas de la temporada, Et vindré a tapar, que más tarde, ya en verano ha recalado en La Seca. Tanto una como otra han conseguido participar en el Festival Grec de este año, una buena señal de que dejan el anonimato para entrar en el circuito. 
Finalizamos en el centro, sorteando guiris, para refugiarnos en el anteriormente conocido como Círcol Maldà, que a partir de esta nueva temporada se llamará El Maldà. Entre los múltiples estrenos de esta temporada, dos montajes me han sorprendido. La producción de esta temporada de la compañía, Els Pirates Teatre, que han versionado con su estilo, Nit de Reis de Shakespeare. Disfrutada de obra donde la música volvió a tener protagonismo y El llarg dinar de Nadal, que agotó entradas y volvió fuera de Navidad, para regalarnos una ambiente cuidado con una puesta en escena sublime y unas interpretaciones que dejan la boca abierta. Esta Navidad vuelven. No se la pierdan.

En el último tramo de temporada nos aguardaba una de las sorpresas que nos ha tenido en vilo durante dos meses y con la que hemos disfrutado enormemente, tanto que nos hemos quedado con ganas de más. La responsable es la compañía La Brutal con David Selvas y Julio Manrique a la cabeza que han creado una especie de teatro seriado y con su ciclo Tot pels diners ha conseguido llenar el Espai Lliure de mentes despiertas con ganas de ver una serie de montajes diferentes. Mammon, CleopatraL'onzena plaga nos ha convencido y hecho adictos a montajes que no acaban en los aplausos.

Y acabamos con fuegos artificiales, para el que es sin duda el montaje de la temporada. Y aunque algunos digan que es un melodrama (si Shakespeare levantara la cabeza...), lo cierto es que tuvo las entradas agotadas antes de estrenarse y nos hizo soñar con lo que puede conseguir un director, Julio Manrique, con los recursos limitados, con algo más de imaginación. Sí, estoy hablando de El Curiós Incident del Gos a mitjanit que se pudo ver al Lliure de Gràcia y que la temporada que viene se podrá ver al Lliure de Montjuïc. Después de ver el de Barcelona fui a Londres, y vale que allá tienen más dinero y escenográficamente es espectacular pero les falta Pol López, inconmensurable la interpretación de unos de los grandes de la escena catalana actual. Las entradas volarán, de eso tampoco hay duda.

Y claro que hay cosas negativas, espectáculos que me han decepcionado, ha sido una temporada como muchas otras, donde sales corriendo de una sala porque si alguien te pregunta qué te ha parecido se te va a notar que no te ha gustado demasiado tirando para nada, pero eso en agosto se te olvida nada más poner un pie en la arena, ni te acuerdas de las listas que has podido hacer en una platea por estar aburrida o no conectar con el mensaje. En septiembre vuelves descansada, con un montón de kilos de más... en la maleta y con ganas de sumergirte en más historias, con nuevos personajes, mientras la página en blanco te sigue esperando para que la rellenes con una y mil reflexiones. Este agosto, el blog sigue, te esperan una serie de artículos para que la vuelta a la rutina sea más liviana porque estés deseoso de iniciar la temporada teatral con una y mil propuestas. Esto es tan sólo un punto y seguido... Continuará.
Fuente: Elisa Díez (Butaques i Somnis) | 
Fotos: Felipe Mena

Como aquel que dice hemos acabado la temporada teatral, queda el Grec pero por lo demás ya está todo el pescado vendido. Muchos altibajos en la programación, que desgranaré en el último artículo de la temporada, pero una gran sorpresa que me ha hecho fan de una especie de teatro “seriado”, el ciclo “Tot pels diners” de la productora La Brutal y el Teatre Lliure. Después de ver L’onzena plaga se me queda un vacío, no me puedo creer que no vaya a volver a ver a Dylan Bravo. ¿Ya está? ¿No hay nada más que contar? Después de los tres capítulos: Mammon, Cleopatra y L’onzena plaga necesito una segunda temporada!

Por falta de tiempo no he escrito ninguna de sus críticas, pero aprovechando la maratón del sábado 20 y el domingo 21 de junio he optado por hacer un artículo conjunto. El ciclo empezó fuerte, por todo lo alto con fuegos artificiales incluidos. La manera de hacer teatro del dúo Nao Albet & Marcel Borràs es hacer saltar por los aires todo lo previamente establecido, innovar, prueba y acierto. Living Las Vegas, sexo, drogas y rock&roll. Dinero ganado, dinero perdido. Dylan Bravo es la figura que les guía por un submundo donde es mejor salir de vez en cuando a ver la luz del día. Para ver Mammon y disfrutar de su esperpento tienes que dejarte llevar, no poner trabas a lo que están a punto de presenciar tus ojos. Quizás me equivoco pero creo que es lo mejor que he visto hasta la fecha de Albet/Borràs. Un subidón que te deja KO y que te dura días. Natural y sin efectos secundarios adversos.

Y sin prisa pero sin pausa, nos sumergimos en Cleopatra, una pieza más costumbrista. Volvemos a Barcelona, pero a la ciudad real no a la de los turistas, donde Dylan Bravo lucha por sobrevivir y se enamora mientras comparte piso con una prostituta y su hija. Lo mejor de cada casa en la suya y los problemas que no le dejan de perseguirle. En un ambiente más relajado donde afloran los sentimientos, la pieza de Iván Morales nos devuelve a una Barcelona donde las personas que han sufrido buscan una segunda oportunidad. 

El último capítulo de la saga, hasta ahora (no me resigno a pensar que esto tiene que continuar, que no puede acabar así), es L’onzena plaga de Victoria Szpunberg, con las ratas como metáfora desentrañará las miserias humanas que pasan del dinero a sumergirse en el YO. Como las posesiones materiales no son tan importantes al final si se pierde la esencia humana por el camino. Increíble puesta en escena que acentúa los dardos de la dramaturgia. No sé si a todos los espectadores les habrá pasado igual, pero al visualizar situaciones cotidianas, los dardos fueron haciendo diana. Es una lástima que Dylan Bravo se quede en una simple anécdota en la pieza final.

Aunque recordaremos ‘tot pels diners’ por Dylan Bravo, hay otra actriz de la Kompanyia que ha tenido un papel destacado en dos de las piezas (Mammon y L’onzena plaga) y cuya interpretación ha eclipsado en buena medida la de sus compañeros, Mima Riera. Quizás la más tímida de todo el elenco de la Kompanyia pero que el ciclo ha subido en un pedestal. En Mammon enamora y en L’onzena plaga está magistral de principio a fin.

Y mientras aún saboreamos a Dylan, en marzo Molière y Don Joan serán pasto de la llama de La Brutal y David Selvas al TNC. Yuhu!

Font: Belén Ginart (ara.cat) | Foto: Cristina Calderer
Què és L’onzena plaga?
És un text de Victora Szpunberg inserit dins la trilogia Tot pels diners, un cicle on es parla de la relació que tenim amb els diners. Mammón era una reflexió sobre els diners i l’art, Cleòpatra sobre els diners i les relacions, i L’onzena plaga és una reflexió sobre els diners i el model de societat que volem.
En quin context se situa?
És un futurible, podria passar perfectament l’any 2015. La crisi ja s’ha instaurat, i hi ha una parella protagonista que no pot separar-se pels condicionants econòmics.
La plaga del títol és real o metafòrica?
Hi ha una plaga real de rates. Els personatges viuen en una casa de la zona alta que està en decadència i que limita amb diferents parcs. A causa de la crisi, l’Ajuntament ha deixat d’invertir en el manteniment d’aquests espais, i les rates han prosperat.
Quins són els altres personatges?
Hi ha una noia a qui la parella protagonista té rellogada una habitació, i pràcticament viuen del que ella els paga; també el fill dels propietaris, a qui el seu pare ha encarregat que els faci fora però que s’acaba posant de part seva i vivint amb ells; hi ha també una dona d’una empresa privada que vol combatre les plagues, una científica boja que els acaba oferint una cúpula de vidre per tapar el jardí.
I hi ha també el Dylan, el personatge que surt a les tres obres.
Aquí el Dylan treballa dins de l’Ajuntament en el servei antiplagues. El seu personatge permet a la resta entendre que la invasió de rates en el fons és el menys important, que tenim al davant moltes merdes que no volem veure. L’obra parla també de com amb diners es poden comprar coses que semblava impensable poder adquirir.
Ets l’ideòleg del cicle i el vau impulsar amb La Brutal, la productora de la qual ets fundador i codirector amb Julio Manrique. ¿La idea de parlar dels diners també va ser teva?
No, el tema el vam decidir entre tots durant el procés de treball. A mi el que em semblava interessant era reunir uns dramaturgs que són un bon compendi de tres mons diferents. Perquè el món de la Victoria Szpunberg no té res a veure amb el del Nao Albet i el Marcel Borràs (Mammón) ni amb el de l’Iván Morales (autor de Cleòpatra).
Per què volies reunir aquestes veus tan contrastades?
La intenció és apel·lar a un públic jove que s’està a casa veient sèries de la HBO i atreure’l cap al teatre amb una història que li pugui interessar pel tractament i pel tema. I fer-ho amb tres veus completament diferents.
Quin és el to de l’obra?
Té un cert to de faula. I també hi ha elements de terror psicològic. La Victoria té un món que lliga molt amb el teatre argentí de Daulte i Spregelburd, amb una teatralitat molt potent, que li serveix per parlar de coses molt serioses, però amb una comicitat molt bèstia.
Tu ets actor i director de la peça. ¿Com es porta la duplicitat de tasques?
Sempre és complicat. Té alguna cosa de repte. I també té a veure amb la vocació d’experimentar. Som a l’Espai Lliure, i en un teatre públic t’has de poder arriscar. M’ha ajudat el fet que el meu paper és petit, només surto en tres de les onze escenes.
Quina vocació teniu amb la productora La Brutal?
Som una productora privada, però tenim una certa vocació pública. En el fons som generadors de continguts. Esclar que ens agradaria guanyar diners amb el que fem, però la nostra vocació no és fer pasta, el que ens mou és pensar què ens agradaria veure als escenaris i no veiem, a quin públic ens agradaria mobilitzar, amb qui voldríem treballar.
La productora us aixopluga de la crisi?
No, perquè fa molts anys que piquem pedra, i sense la productora també tenim accés a espais com el Lliure o el Nacional. El que ens permet La Brutal és muntar les nostres pròpies propostes.
Com concilies el teatre i la televisió?
Tinc molt clar que la possibilitat de perdre diners amb la productora, que és una possibilitat molt real, me la puc permetre perquè des de fa cinc anys tinc la seguretat de la tele. Els que no hem de patir per la feina som uns afortunats, i això ens dóna la responsabilitat de generar coses. |
'L’onzena plaga', de Victoria Szpunberg. Direcció: David Selvas. Amb Laura Aubert, Javier Beltrán, Paula Blanco, Pol López. Teatre Lliure de Montjuïc (Barcelona). Del 4 al 21 de juny
Font: Laura Serra (ara.cat)
La companyia La Brutal, que codirigeixen David Selvas i Julio Manrique, ha fet un Occupy Espai Lliure. Durant els pròxims tres mesos, tres espectacles de la seva factoria ocuparan la sala petita de Montjuïc. Es tracta d’un projecte insòlit, no només perquè Tot pels diners és un tríptic que aborda una mateixa temàtica des de tres mirades diferents -i això ja implica que s’han produït de cop tres espectacles de nova creació amb textos de dramaturgs catalans-, sinó perquè és una companyia privada la que ha projectat tot el cicle sencer que després acull i coprodueix un teatre públic. Nous temps, noves fórmules. 
La voluntat de trencar inèrcies i connectar amb nous temes i públics són precisament els puntals filosòfics de La Brutal. “Volem parlar del que està passant a la societat, de coses que ens toquen, i donar joc a veus que ens agraden i interessen. Volem teixir complicitats amb els públics que estan mirant les sèries de la HBO i els fa mandra anar al teatre, amb els quals ens sentim identificats”, explicava ahir Selvas. 
Tot pels diners La Brutal han fet la funció de comissaris d’exposició. Van buscar un tema actual i provocador (els diners en relació amb l’art, amb l’estructura social i les relacions personals), van optar per llenguatges i formats diferents però sempre contemporanis (i d’aquí l’elecció dels tres autors a qui van encarregar les peces) i van imaginar maneres per fer que el públic visqui “una experiència” total: per això hi haurà videoinstal·lacions de Mürfila, activitats paral·leles i fins i tot estudien programar el tríptic sencer, com si fos una temporada sencera de House of cards (el Lliure ha creat un abonament especial de 12 euros per espectacle). 
Les obres són del tot independents en estètiques i arguments, però comparteixen un nexe temàtic, una caixa escenogràfica i un personatge que les creua totes tres, interpretat per l’actor Manel Sans. La resta d’actors són diferents en nombre i noms a cada peça. “Ell és com Batman, que a la història ha tingut diferents dibuixants però al final és el mateix personatge amb els mateixos poders”, deia Marcel Borràs. “Per a mi és un personatge que encarna la cultura del pelotazo però des del punt de vista del perdedor”, afegia Iván Morales. 
Una paràbola de la guerra a Síria
El tàndem creatiu de Marcel Borràs i Nao Albet encetarà el cicle amb Mammón -del 10 al 26 d’abril-, un títol que prové, diuen, d’“un mite fenici que significa riquesa i prosperitat”. En la història que Borràs assegura que li va explicar un arqueòleg quan va visitar Síria el 2011, Mammón és una divinitat que descendeix del cel i acaba portant pel pedregar tot el poble d’una vall que estava plena de riqueses naturals sense explotar i on no hi havia ni rastre d’odis, enveges i mals pensaments entre els habitants. “El mite té forts paral·lelismes amb la situació del país i es pot extrapolar a la condició de l’home en relació amb els diners, amb l’avarícia”, deia Albet. Alhora, a la ficció hi sumen la suposada creació d’una tragèdia teatral que té problemes de finançament. A Albet, Borràs i Sans els acompanyen en escena Javier Beltrán, Paula Blanco i Mima Riera. 
Dominar el món des del Poble-sec
Iván Morales també beu d’un mite antic, Cleòpatra -del 6 al 24 de maig a l’Espai Lliure-, per abordar diverses problemàtiques socials d’actualitat (la prostitució, la transformació de barris com el Poble-sec, el 15-M, la participació política) a través d’una història “de personatges que ens importen, perquè són els nostres veïns”, diu. Els interpreten Sans, Clàudia Benito i Anna Azcona. 
Rates per a un sistema podrit
L’onzena plaga, de Victoria Szpunberg -del 4 al 21 de juny-, hi ha una veritable plaga de rates a casa d’una parella tan precària que no es poden ni separar per culpa dels diners, però les rates en el fons són símbol “d’una plaga sistèmica, invisible, que ho converteix tot en mercaderia”, diu l’autora. Els sis actors de la Kompanyia Lliure, Selvas i Sans viuran la “decadència de la burgesia, que s’ha d’acostumar a viure sense diners i a deixar activitats diàries com comprar”.

TEXTO: WILLIAM SHAKESPEARE
TRADUCCIÓN: SALVADOR OLIVA
DRAMATURGIA: SERGI POMPERMAYER y DAVID SELVAS
DIRECCIÓN: DAVID SELVAS
INTÉRPRETES: JULIO MANRIQUE, MARTA MARCO, JORDI RICO, MIREIA AIXALÀ, ALBERT RIBALTA, ENRIC AUQUER, ÒSCAR RABADAN y FÈLIX PONS
DURADA: 1h 50min
PRODUCCIÓN: LA BRUTAL
BIBLIOTECA DE CATALUNYA

Cada vez intento fiarme más por mi intuición y esta vez he acertado (no siempre lo consigo). Timó d’Atenes ha sido una experiencia del todo recomendable. No conocía la obra, ni siquiera había escuchado nada de ella hasta que el David Selvas comenzó a colgar fotos de ensayos. Vivimos una época donde las obras de Shakespeare nos salen por las orejas, y la verdad que lo que más me atrajo de la obra, es mi desconocimiento de ella. Quizás sea un pecado decirlo pero cuando ves tres, cuatro, cinco, etc. veces un Romeo y Julieta o Hamlet o es la octava maravilla o te puedes aburrir como una ostra en la platea. Pero no es el caso de Timó d’Atenes.

Es verdad que no veremos ni vestidos de época ni nada que nos recuerde a siglos atrás, pero ese es otro punto a favor. Abstraer lo mejor de la obra y situárnosla en nuestros días, acerca la obra al espectador y la empatía con Timó es absolutamente espeluznante. El tándem artístico Manrique-Selvas funciona a la perfección, dos espíritus con una manera muy similar de entender el concepto teatral. David Selvas dirige con gran precisión las piezas de una obra nada fácil de completar. 

Interpretativamente el peso cae sobre un soberbio Julio Manrique, en el que hasta hora es el mejor papel de su carrera. Impresionante segunda parte, donde si el público entra no querrá salir jamás. Le acompañan una sorprendente Marta Marco, ciertamente alejada de los papeles en los que estamos acostumbradas a verla y Mireia Aixalà, que parece que por fin ha perdido la ingenuidad de papeles anteriores y explota al máximo su parte más salvaje.

Bien es cierto que la Biblioteca ha perdido su arena característica, pero no habría mejor sala para iluminar una obra como esta, la iluminación de la segunda parte roza la matrícula de honor. Impresionante el ambiente que se crea.

Sólo un pero, se acaba el próximo domingo 30 de noviembre, así que tendréis que daros prisa para verla. Corred!

TIMÓ D'ATENES

by on 17:29
TEXTO: WILLIAM SHAKESPEARE TRADUCCIÓN: SALVADOR OLIVA DRAMATURGIA: SERGI POMPERMAYER y DAVID SELVAS DIRECCIÓN: DAVID SELVAS INT...
Font: Laura Serra (ara.cat)

L’escenografia de Cels encara està muntada per a la funció i la Biblioteca de Catalunya ja està a punt per acollir una nova revolució antisistema. Després del thriller de Wajdi Mouawad que plantejava la revolta violenta dels joves per construir un món nou, ara és Shakespeare qui farà ressonar la fúria dins la nau gòtica. David Selvas hi dirigirà un Timó d’Atenes que ha adaptat amb Sergi Pompermayer i que situen a l’Atenes actual, la de la crisi sistèmica i la pobresa límit. “És un text radical que parla d’un canvi de paradigma, de la necessitat de fer explosionar el sistema des de dins per canviar-lo”, explica el director, recordant alguns dels passatges del text. “Els que deveu diners, aguanteu fort i no els torneu; sortiu amb ganivets per tallar el coll als vostres creditors! Criats, robeu; els vostres amos són més lladres que vosaltres; roben a l’empara de la llei”, va escriure Shakespeare. “És tan punk que Ada Colau es queda curta!”, exclama Selvas. 
Timó d’Atenes (escrita el 1607 o 1608) és una obra estranya en la trajectòria de Shakespeare, potser experimental, potser inconclusa, amb llacunes i personatges sense fil argumental que, sovint, només li serveixen d’estereotips socials. Per Selvas, “la va escriure en un moment de molta ràbia, com un pus que necessitava treure” i, un cop enllestida, la va abandonar i “es va posar a fer La tempestat ”. Amb aquesta mateixa urgència rabiosa, i la mateixa llibertat, s’han encarat a un text original que han esporgat, embrutat i recosit amb noves acotacions i fins i tot frases d’altres obres com El rei LearCoriolà i El mercader de Venècia
De ser el més ‘cool’ a la misèria 
Julio Manrique interpreta Timó d’Atenes, un home amb una posició privilegiada i tants diners al banc que pot permetre’s dedicar-se a cultivar les relacions i promocionar la cultura. La seva cortsón artistes, polítics i gent de diners -interpretats per actors com Marta Marco, Jordi Rico, Mireia Aixalà i Fèlix Pons-. Aquest entorn sembla que l’adora, i l’amor és recíproc. “És un idealista, un ric envoltat de gent cool a qui estima i que creu en l’amistat com a valor absolut. És un home molt excessiu, i per tant la baixada als inferns el porta a l’altre extrem”, explica Manrique, a veure el món com un lloc negre i corrupte en què només compten els diners i el profit. I creu que s’ha de fer foc nou.
El contrast escènic entre les dues parts també és extrem. El primer acte és “molt argentí, supernatural”, diu Selvas, i transcorre en una llarga festa esbojarrada. Però, com si despertés d’un somni, un dia Timó d’Atenes s’adonarà que la mala administració dels seus béns li ha fet perdre tot i que els amics li giren la cara. Llavors optarà per l’exili, però, en comptes d’anar al camp, en aquesta versió el situen en un abocador de deixalles. 
“És la història d’una decepció -resumeix l’actor, que aviat ho trasllada a la situació social general que els va motivar a posar en escena el muntatge-. Té a veure amb la decepció respecte a la classe política, els mecanismes que regeixen la societat, amb nosaltres mateixos perquè ens hem deixat prendre el pèl, i alhora amb les possibilitats de canviar-ho tot que sorgeixen, gent que recull la idea de desobediència. Tot això ho conté i, a sobre, no és un pamflet. És un mirall del món i de nosaltres”. 
La Brutal: una nova companyia
Timó d’Atenes s’estrenarà aquest diumenge a L’Atlàntida de Vic, encetarà el Festival Shakespeare els dies 23 i 24 -motiu pel qual van aixecar la producció- i després farà gira pel país. Aquest espectacle és l’inici també d’una nova aventura, La Brutal, una companyia que codirigeixen Selvas i Manrique i que coproduirà quatre espectacles més aquesta temporada: Los esqueiters, una idea de Nao Albet i Marcel Borràs; Santa Nit, uns Pastorets contemporanis de Cristina Genebat, i un cicle sobre els diners amb tres obres d’Iván Morales, Victòria Szpunberg i el duo Albet-Borràs.

Font: Sílvia Marimon (ara.cat)
L'any passat el Festival Shakespeare semblava que s'acomiadava per les dificultats econòmiques. Finalment però torna del 23 al 29 d'octubre a la Biblioteca de Catalunya. En la seva onzena edició, i amb un pressupost de 80.000 euros, la cita amb el dramaturg anglès està farcida de propostes de companyies molt joves. "És complicat fer coses amb un pressupost de festival de butxaca. I el pressupost és un problema perquè Shakespeare no només feia monòlegs", assegura el director i actor, David Selvas. Selvas dirigeix a Julio Manrique en una de les obres que s'estrenarà al festival: 'Timó d'Atenas'. De l'obra, que després es podrà veure a diferents ciutats catalanes, Selvas en destaca la "radicalitat": "Impressiona la contundència d'aquest home parlant d'un moment de canvi social". 
"Hem de créixer perquè encara no podem abastar projectes internacionals", assegura la directora artística del festival, Montse Vellvehí. "Ens hem de reinventar cada any. En aquesta edició concentrem tota la programació en set dies. I durant aquesta setmana, el Raval respirarà Shakespeare", afegeix.   
La manca de recursos no permetrà que cap companyia estrangera pugui venir a Barcelona. Vellvehí però confia que algunes de les propostes que es podran veure al festival puguin sortir a l'estranger. Al festival, la Cia. La Mandona estrenarà el seu primer espectacle: 'Desdèmona, a play about a handkerchief'. Aquesta obra de la nord-americana de Paula Vogel "és un joc": "Inspirada en 'Otel·lo' parla del desig de llibertat en un món orquestrat pels homes", explica el director Martí Torras. Els tres únics personatges són Desdèmona, Emília i Bianca. "Cap de les tres tenen cap importància a l'obra de Shakespeare, però aquí són les protagonistes", afegeix. 
Una altra companyia molt jove, Cia.Els McGregor, estrenarà 'A partir de Somni d'una nit d'estiu', una comèdia a l'entorn de l'amor. Cia. Els Pirates Teatre portarà a l'escenari de la Biblioteca de Catalunya 'Nit de reis'. Les Antonietes proposen al públic assistir a l'assaig de 'Shake-Spirit'. Un espectacle de creació multidisciplinar a partir d'un 'workshop'. El festival també proposa un cicle de lectures per donar a conèixer textos contemporanis catalans inspirats en el dramaturg anglès. Xavier Albertí llegirà 'El gos geomètric' d'Agustí Bartra. Lluís Soler serà l'encarregat de la lectura de 'Birnam' de Víctor Sunyol, i Mario Gas llegirà 'La caça de l'home' d'Albert Balasch. 

Font: ACN via ara.cat
La Perla 29 i el seu director Oriol Broggi han presentat aquest dilluns la nova temporada teatral de la companyia i les obres que acollirà la Biblioteca de Catalunya. Entre d'altres destaquen 'Timó d'Atenes' de William Shakespeare, que es podrà veure del 4 al 30 de novembre en el marc del Festival Shakespeare i està dirigida per David Selvas, i 'Una giornata particolare' d'Ettore Scola, amb els actors Clara Segura i Pablo Derqui, que dirigirà el mateix Broggi. El director de La Perla 29 ha afirmat que és possible que durant el camí vagin sorgint noves coses, noves produccions o propostes que acullin a la Biblioteca de Catalunya.
'Una giornata particolare', que Scola va dur al teatre adaptant la pel·lícula protagonitzada per Sophia Loren i Marcello Mastroianni que ell mateix havia dirigit, s'estrenarà al març del 2105, encara falta completar-ne el repartiment. L'obra se centra en una conversa entre dues persones. L'Antonella es dirigeix amb la seva família a veure una marxa militar organitzada per Mussolini amb la presència de Hitler. Al pis del costat, descobrirà un home que viu angoixat la resistència al règim. Comencen a parlar i ella descobrirà que la vida pot tenir moltes contradiccions i que pot anar més enllà de la seva petita quotidianitat com a mestressa de casa.
Fins al 19 d'octubre, seguirà a la Biblioteca de Catalunya 'Cels', la producció de La Perla 29, dirigida per Broggi i escrita per Wajdi Mouawad, i que va ser un èxit al final de la temporada anterior. 'Cels' és la darrera obra de la tetralogia 'La sang de les promeses', de la qual formen part 'Litoral', 'Incendis' i 'Boscos'. Eduard Farelo, Xavier Boada, Màrcia Cisteró, Ernest Villegas i Xavier Ricart en són els actors protagonistes.
El Festival Shakespeare se celebrarà del 23 de setembre al 29 d'octubre a la Biblioteca de Catalunya. David Selvas hi dirigirà 'Timó d'Atenes' de Shakespeare del 4 al 30 de novembre. Julio Manrique, Marta Marco, Jordi Rico, Mireia Aixalà, Albert Ribalta, Enric Auquer, Oscar Rabadán i Felix Pons són els actors d'aquesta coproducció de La Bruta i el Festival Shakespeare.
Àngel Llàcer, Manu Guix i La Perla 29 van presentar a mitjans de juliol a Barcelona l'espectacle musical 'El Petit Príncep'. L'obra s'estrenarà el 5 de desembre a la Sala Barts de Barcelona i es podrà veure fins a l'11 de gener de 2015. L'escenografia visual, el so, la música per a tots els públics i l'equip artístic amb intèrprets com Xavi Duch, Elena Gadel, Marc Pociello i el mateix director de l'obra Àngel Llàcer, són algunes de les claus de l'espectacle. El director musical, Manu Guix, va destacar en la roda de premsa de presentació que "aquest és un musical molt fantàstic en el que el Petit Príncep viatja per molts planetes i parla de sentiments molt reials i molt profunds".
Les obres que faran gira són 'TRANSLATIONS / TRADUCCIONS', de Brian Friel i dirigida per Ferran Utzet que girarà fins al novembre; 'Cels', que girarà d'octubre fins a desembre, i 'L'orfe del clan dels Zhao', que ho farà de gener a març de l'any que ve.
Petit marge per augmentar la programació
En el dossier de la temporada, Broggi ha explicat que els agradaria presentar tota la temporada ben grossa, ben tancada i poder-la cridar ben alt, però ha admès que no ho poden fer del tot perquè encara tenen "dubtes i incògnites pressupostàries". Així mateix, s'han reservat "un petit marge per poder anar programant coses o decidint nous projectes a mesura que avancen els mesos". Broggi ha manifestat que és possible que durant el camí vagin sorgint noves propostes, noves produccions o propostes que acullin a la Biblioteca de Catalunya.

TEXTO: HAROLD PINTER
TRADUCCIÓN: JOAN SELLENT
DIRECCIÓN: XAVIER ALBERTÍ
INTÉRPRETES: JOSEP MARIA POU, LLUÍS HOMAR, RAMON PUJOL i DAVID SELVAS
DURACIÓN: 1h 40min
PRODUCCIÓN: TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA
SALA PETITA (TNC)

Decir a estas alturas de partida que Harold Pinter es un autor difícil sería mentir. Sí que es verdad que algunos de sus textos juegan tanto con el lenguaje que se pueden complicados de entender. Soy consciente de que nos encontramos con uno de ellos. Xavier Albertí estrena Terra de ningú, una obra bastante desconocida, en Catalunya, del autor inglés que necesita, según mi parecer, una lectura o contextualización previa, antes de su visión para no perderte, como es mi caso, más de la mitad de la obra. Lo cual me resulta de una gravedad importante que espero solventar con la lectura del texto si es que algún día se publica.

Hace dos semanas que asistí a una Sala Petita llena para ver a Pou y a Homar, no sé si del todo conscientes, la gran mayoría, de lo que iban a presenciar. Es un combate entre dos pesos pesados de la escena catalana, del que sin duda sale victorioso Lluís Homar, con una de sus mejores interpretaciones de los últimos años. Sólo por observar sus gestos, Spooner es un personaje que conmueve, al mismo tiempo que descoloca porque no sabes con exactitud quién es hacia donde te llevará su historia. Sin embargo, Pou (Hirst) repite parámetros interpretativos ya observados en anteriores papeles y cada vez me cuesta más diferenciar actor y personaje.

La puesta en escena es sorprendente. Escenario con graderías a dos bandas, una enorme licorera en el medio que preside cada escena. Xavier Albertí ha querido respetar hasta el extremo el texto de Pinter en lo que se refiere a la iluminación, demasiado estática, y que sólo cambia en los momentos de día y de noche. Este estatismo se traduce también durante buena parte de la obra en la dirección de actores. No sé si debido a la dirección o más bien a la interpretación de David Selvas y Ramon Pujol, que sus personajes nos llegan como meras marionetas física y artísticamente.

Pese al desconocimiento previo de la obra es de agradecer el esfuerzo del TNC por hacernos el que puede ser uno de los mejores textos de Harold Pinter, pero nuestra educación teatral tan pobre no nos ha permitido apreciarlo como debiera. Todo un principio de intenciones que Xavier Albertí inicie su andadura con esta Terra de ningú, al igual que se ha de agradecer al maravilloso equipo del TNC la elaboración de un programa de mano que para su lectura con deleite aconsejaría llegar con tiempo al Nacional. Por cierto, en enero llegará a Madrid en castellano. 

TERRA DE NINGÚ

by on 20:09
TEXTO: HAROLD PINTER TRADUCCIÓN: JOAN SELLENT DIRECCIÓN: XAVIER ALBERTÍ INTÉRPRETES: JOSEP MARIA POU, LLUÍS HOMAR, RAMON PUJOL i D...

Font: Xavier Cervantes (ara.cat)
Diu Josep Maria Pou que avui serà "un dia important" i que sent alhora "felicitat, por, terror" i sobretot "il·lusió". Tot plegat perquè arriba al Teatre Nacional Terra de ningú , una obra de Harold Pinter representada per primer cop a Londres l'any 1975 i un fragment de la qual va ser triat per l'autor anglès per ser llegit en el seu funeral. "La vaig veure fa gairebé trenta anys i de seguida vaig pensar que volia fer aquesta funció", recorda Pou. Perquè el seu desig es fes realitat ha calgut que el director del TNC, Xavier Albertí, decidís dirigir el muntatge i que Joan Sellent fes l'adaptació al català del text del premi Nobel de literatura.
Albertí, que ja havia abordat altres peces de Pinter, considera que Terra de ningú "està condemnada al fracàs si els intèrprets no s'hi impliquen". Sortosament, implicació és el que assegura que ha trobat en Pou i Lluís Homar, protagonistes d'una obra que ha sigut interpretada per actors com ara John Gielgud, Ralph Richardson, Jason Robards, Christopher Plummer, Michael Gambon, Ian McKellen i Patrick Stewart.
Terra de ningú , que es representarà a la sala petita del TNC fins al 24 de novembre, és una reflexió sobre l'èxit i el fracàs, i sobre la possibilitat de la redempció a partir del llenguatge. Albertí la descriu com "un enorme, profund, màgic i salvatge al·legat a la funció de la paraula en la nostra cultura". L'obra es construeix a partir de la trobada entre dos homes d'uns seixanta anys, Hirst (Pou) i Spooner (Homar). El primer és un escriptor d'èxit assetjat per la culpa que turmenta la consciència de qui ha aprofitat el talent d'altres per enlairar el seu art. Spooner apareix com un fracassat que, com Hirst, "amaga més del que diu". Entre ells s'estableix un diàleg en què cadascú fa de mirall distorsionat de l'altre. "Són dues imatges de l'èxit i del fracàs, i Spooner es descobreix com la possibilitat de salvació de Hirst", explica Albertí. "Què és pitjor, l'èxit o el fracàs?", pregunta Homar, que s'enfronta per primera vegada a un text de Pinter. El quadre es completa amb dos personatges més, l'assistent i el criat de Hirst, interpretats per David Selvas i Ramon Pujol.
Crisi d'autenticitat
La complexitat emocional de Terra de ningú s'adiu amb el conflicte que Pinter va viure a principis dels anys 70, quan trontollava el seu matrimoni amb l'actriu Vivien Merchant i ell mateix es qüestionava el seu talent com a autor. "Pinter tenia una profunda crisi sobre l'autenticitat de la seva literatura", recorda Albertí. Potser per trobar-hi respostes l'autor anglès va recórrer a l'infern de Dant i a La terra eixorca i L'honorable home d'estat de T.S. Eliot, cites explícites a Terra de ningú.
Josep Maria Pou recorda que l'any passat va transmetre a Lluís Homar el seu entusiasme per Terra de ningú quan encara no sabia que acabaria fent el paper de Hirst. "M'era igual, perquè Hirst i Spooner són dos personatges que tenen el mateix misteri, la mateixa carn, la mateixa potència", explica Pou alhora que manifesta un desig: "Que el TNC es quedi l'obra en el repertori i que l'any que ve intercanviem els personatges". Homar assegura que des del principi volia fer l'Spooner, però coincideix amb Pou: més endavant li agradaria fer de Hirst. De moment, repetiran en la versió en castellà, que es farà a Madrid a partir del 15 de gener.


Fuente: EP vía lavanguardia.com

Los actores Josep Maria Pou, Lluís Homar, David Selvas y Ramon Pujol protagonizarán a partir del próximo jueves en el Teatre Nacional de Catalunya (TNC) el espectáculo Terra de ningú, basado en la obra maestra de Harold Pinter, que en este texto reflexiona en profundidad sobre los "falsos éxitos" y los infiernos contemporáneos, ha anunciado el director del teatro y de la obra, Xavier Albertí.

En rueda de prensa, Albertí ha significado que esta obra supone un "enorme, profundísimo y mágico alegato a la función de la palabra", ya que el lenguaje es el único capaz de salvar a las personas por su capacidad de captar la esencia del alma humana, y ahí puede salir la conciencia personal de la identidad, ha indicado.

El espectáculo, del que Pinter pidió que se leyera un fragmento en su funeral, empieza con el encuentro nocturno en un pub de Londres en los años 70 de dos antiguos amigos -Hirst y Spooner- que han olvidado todos los vínculos que les unían antes de la Segunda Guerra Mundial.

El alcohol preside el primer acto de la obra, en que ambos personajes hablan de cosas diversas como el sentido de la fuerza, del éxito, la poesía y los recuerdos, y "el espectador va viendo como estos dos hombres esconden más de lo que afirman", ha señalado Albertí.

Se trata de una ceremonial de palabras en toda regla, que da cuenta de que Hirst -que interpreta Josep Maria Pou- se encuentra ante muchos abismos, y Spooner le ayudará a viajar por todos ellos, con una segunda parte en que el espectador descubrirá qué esconden las memorias transformadas de estos personajes: "El destino no opera nunca gratuitamente, sino que le ha facilitado la reconciliación consigo mismo", ha referido Albertí.

Este "descenso a los infiernos contemporáneos" Pinter lo hace acompañado de su admirado poeta T.S.Eliot, por lo que la fuerza de la poesía guarda un lugar destacado en el espectáculo, que exige cierta disposición de escucha, ha señalado un Albertí visiblemente emocionado con la pieza teatral.

Ha revelado que Pinter pasaba una época personal compleja cuando escribió el texto, momento en que él trabajaba para Hollywood y el reconocimiento era un valor importante, y él vislumbraba contradicciones, que le confirmaban que "el éxito sin la paz presente" no tiene sentido.

"Los falsos éxitos y espejismos en los infiernos de nuestras almas nos destruyen más poderosamente que la construcción de un presente activo y real", ha señalado Albertí sobre el texto.

Pou, que hace años que quería representar esta obra, ha destacado la "magia y misterio especial" del espectáculo, que tiene lo que las grandes funciones de teatro, las tragedias de Shakespeare, y que ha visto inabarcable por esconder miles de mares y océanos, que cuando vio por primera vez le dejaron atónito por su complejidad y fascinado por sus múltiples capas.

Homar ha considerado este trabajo una "obra maravillosa", que supone muchos descubrimientos para la vida, y que ha celebrado especialmente representarla al lado de Albertí, con el que siente una afinidad profunda desde hace años.

Selvas ha remarcado que en esta obra, traducida por Joan Sellent, "no hay suficiente con dirigir, se debe iluminar" a través de alguien que la comprenda profundamente y la quiera explicar, como ha sido el caso del director del TNC.

El espectáculo, que se podrá ver hasta el 24 de noviembre en el TNC, incorporará como novedad funciones accesibles para personas con discapacidad auditiva y visual, así como actividades de lectura dramáticas, coloquios y cine en la Filmoteca de Catalunya.