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Señores y señoras hemos sobrevivido a la temporada de transición! Así es como se la viene denominando ya hace algunos meses en círculos profesionales. Y en cierta manera por lo que sabemos de la temporada que viene así ha sido. Las temporadas de teatros como el Lliure y el Romea ya ha sido presentadas y se me hace la boca agua sólo de pensar lo que no espera a partir de septiembre. Pero de momento echemos la vista atrás...

Seguimos con el IVA al 21% lo que es un lastre para todos, pero unos esta temporada lo han sabido gestionar mejor que otros. La foto que encabeza la crónica ya lo anuncia, esta ha sido la temporada del Lliure de Lluís Pasqual, la temporada que ha vendido más entradas que ningún otro teatro. La verdad es que la programación se lo ha merecido con éxitos como Els Dies Feliços, Un trozo invisible de este mundo, Vània, Jo Mai o la reposición de Els Ferèstecs. 

Otra sala a la que acudir obra tras obra ha sido la Sala Atrium que tras muy pocas temporadas a sus espaldas se han hecho un hueco indiscutible en el panorama teatral barcelonés. En esta temporada Lo único que necesita una actriz..., Carme, Lili, Amanda o su gran éxito Himmelweg han demostrado que no hay que perderse su programación.

La Seca por su parte es una de las salas más multidisciplinares de la temporada, en la que poesía, danza, teatro, audiovisuales se dan cita temporada tras temporadas. A ella es mejor ir con los ojos cerrados como fue el caso de El club de Fernando Pessoa, del que salí fascinada y que al ser teatro experimental sólo unos pocos se atrevieron a probar. Lástima!

Pero la temporada más esperada era la de Teatre Nacional de Catalunya donde se estrenaba Xavier Albertí como director artístico. El modelo de programación, con obras, recuperación histórica, coloquios, conferencias... es todo un descubrimiento y una maravilla de aprovechamiento de recursos. Pero la temporada en sí, contando las obras no me ha acabado de convencer. Ni Fum, ni Doña Rosita la Soltera,  ni la gran homenaje a Flotats y El Joc de l'amor i de l'atzar han acabado de poner ese poso que faltaba. Se espera la próxima temporada con ansia, a ver si el modelo que ha mantenido los mismos espectadores que la peor temporada del TNC, la anterior, convence al público en un segundo asalto.

Las decepciones han sido numerosas como en otras temporadas, sobre todo cuando vas a cerca de 150 montajes. Los más sonados: la temporada de la FlyHard (antes y después del abandono de su capitán, Jordi Casanovas) y la adaptación de El setè cel de Caryl Churchill en la Beckett por Teatro de l'Enjòlit, de la que no fui capaz de escribir la crítica en su día porque era incapaz de ver algo de la obra original en el montaje. Catastrófico. 

Pero también ha habido grandes sorpresas que han cosechado alabanzas y aplausos como la apertura de una nueva sala, La Vilella, donde el riesgo y la apuesta por las nuevas dramaturgias está presente y se agradece. Que alguien se acuerde de que en Madrid también hay teatro y nos regale un lunes por la noche, El Intérprete, un disfrute que volverá la próxima temporada. Y obras como: De quan somiava, Nedant cap el mar de la Xina, La Flor de paper, La Realidad, Ojos Verdes, Los hijos de las nubes, Translations, Consejos, Pulmons, o del maravilloso universo de El loco y la camisa.

Pero si me tengo que quedar con una me quedo con Llibert. Este ha sido su temporada. Primero porque la obra es maravillosa, dramaturgia, interpretación, dirección. Entra como una bala directa al corazón y allá sigue inmune a las palpitaciones. Y también por toda la polémica de que ha despertado, porque ha servido al menos por unos días para que algunos dejen de pensar que todo es de color de rosa y que hay problemas que es urgente empezar a solucionar.

Con la llegada del verano también llegó lo que es toda una maratón teatral para lo que nos gusta el teatro, y sobre todo ver qué se hace fuera de nuestras fronteras, el Festival Grec. Esté año chapeau para la dirección artística y para los organizadores. Siempre se le consideró un festival menor, muy lejos de lo que puede ser un Temporada Alta, pero el riesgo de este año ha tenido su recompensa. Plateas llenas, gente aplaudiendo de pie, y éxitos que quedarán en nuestras retinas como: Ubu Roi, Vader, Beyond, Vells Temps y otros que podeís recuperar en breve como Victòria d'Enric V.

De todo, para todos, y con plateas llenas como hace tiempo que no se veía. Con IVAS sin IVAS, pero el teatro ha nacido para quedarse, llueva o salga el sol. Una experiència única que no se asemeja a ninguna otra. En breve volveré a ocupar las butacas de los teatros de aquí y de allá, ¿me acompañas?
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CREACIÓN: YARON LIFSCHITZ con el equipo de CIRCA
DIRECCIÓN: YARON LIFSCHITZ
INTÉRPRETES: ROWAN HEYDON-WHITE, BRIDIE HOOPER, RUDI MINEUR, KATHRYN O'KEEFFE, PAUL O'KEEFFE, SKIP WALKER-MILNE y BILLIE WILSON-COFFEY
DURACIÓN: 70min
PRODUCCIÓN: CIRCA
MERCAT DE LES FLORS-SALA OVIDI MONTLLOR (GREC 2014)

Escasa oferta de circo en esta edición 2014 del Festival Grec y la Sala Ovidi Montllor llena para recibir a Circa, que ya el año pasado triunfaron con Opus. En esta ocasión se presentan mucho más salvajes, feroces y animales pero con una fuerte carga sentimental que se refleja desde el principio en la banda sonora escogida para acompañar sus acrobacias.

New York, New York o My Way nos trasladan a un cierto ambiente de cabaret, sus indumentarias marineras y el doble telón lo confirman. El espectáculo se inicia a telón corrido y con una primera acción más dancística que acrobática pero lo mejor está por llegar.  Demostración de fuerza y técnica que deja con la boca abierta a los presentes que aplauden con entusiasmo cada nuevo número. Desde tierra, sobre cuerda, sobre tela, desde el trampolín o la barra sus movimientos son precisos y espectaculares.

Pero no toda la espectacularidad queda encima del escenario, Circa también baja a platea para sorprender al público entre acrobacia y acrobacia. No hay tiempo para el aburrimiento, aquí hasta los "cambios de escena" son increíbles. Beyond también está lleno de comicidad y como sin apenas pronunciar una palabra son capaces de provocar la carcajada general.

Al acabar agradecidos, toda la platea de pie desde el primer bis, hasta el último dándoles las gracias eternas por llenar nuestra vida de fantasía y humor con uno de los imprescindibles del Grec. Un festival que debería haber dejado más espacio al mundo del circo, hay público con ganas de disfrutar y aplaudir a compañías como Circa, que dejan el listón muy alto. Bravo!

BEYOND

by on 16:30
CREACIÓN: YARON LIFSCHITZ con el equipo de CIRCA DIRECCIÓN: YARON LIFSCHITZ INTÉRPRETES: ROWAN HEYDON-WHITE, BRIDIE HOOPER, RUDI MIN...
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Fuente: Carmen del Val (elpais.com)
El Ballet Contemporani de Barcelona reestrena hoy la Frida de Amèlia Boluda en el Mercat de les Flors de Barcelona, exactamente 21 años después de su creación. No es un capricho: el Grec apuesta, desde la pasada edición, por la recuperación de la memoria coreográfica catalana; así, en 2013 la protagonista de este proyecto de rescate fue Àngels Margarit y en la presente edición le ha tocado el turno al significativo trabajo de Boluda que realizó sobre la artista mexicana Frida Kahlo y que el Ballet Contemporani de Barcelona, pionero en la danza contemporánea en Cataluña, estrenó en 1993 en Costa Rica.
La fascinación que Boluda siente por Frida Kahlo se remonta a 1979, cuando viajó por primera vez a México y visitó la casa de la pintora, en el barrio de Coyoacán de la capital azteca. “En mi espectáculo no quise ni quiero hoy dar una visión de Frida como pintora, sino que me interesa su carácter como ser humano. Para mí, la artista es una mujer poliédrica con muchas caras: la de adolescente, la de adulta, la de enamorada, la de activista política y la de enferma”, dice la coreógrafa. “Me apasiona su fortaleza física y psíquica, su ideología y su libertad sexual; ese espíritu de supervivencia es lo que plasma mi trabajo”.
Confiesa la coreógrafa que “la Frida de 2014 no es diferente de la de 1993, pero sí que en esta ocasión cuento con 14 intérpretes, nueve bailarines y cinco músicos, una cifra superior a la del estreno, lo que da otra dimensión al espectáculo”.
En la versión de 1993, Boluda era Frida; “ahora aparezco al principio del espectáculo, como evocación de mi propio recuerdo, pero luego el escenario se llena de Fridas y de Diegos de Rivera, multiplico los pasos a dos y los solos y el trabajo coral tiene mayor fuerza”. Y apunta: “José Mechero ha creado una escenografía con una gran cama, que tiene un doble sentido: el lecho del dolor que cobijó la enfermedad de Frida, pero también el lecho de los grandes amores y de los placeres de las fugaces aventuras amorosas”.
Con relación al vocabulario coreográfico, la autora ha realizado algunos cambios. “Me he adaptado a los intérpretes que tengo ahora: hay una bailarina que expresa a través de la lengua de los signos fragmentos del diario de Frida y también he querido que participaran algunos intérpretes que estrenaron la pieza, como Bebeto Cidra”, añade. “De alguna manera, en el espectáculo hay un relevo generacional que enriquece el montaje”.
El Ballet Contemporani de Barcelona ha contado para esta Frida con Carlota Subirós en la dramaturgia, con los intérpretes del Taller de Músics para ejecutar la partitura original de Xavier Maristany y con la cantante Rosalía Vila, que interpreta un apasionado bolero. Durante la representación también se proyectarán unas imágenes inéditas sobre Frida Kahlo, cedidas por la Universidad de México.
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Font: Belén Ginart (ara.cat)
L’any 2006 vas arribar a Barcelona per operar-te de les greus ferides causades per una bomba, i des d’aleshores vius aquí. Havies fet teatre abans?
Pràcticament gens, només alguna cosa de teatre social. He treballat de moltes coses, quan m’ho pregunten sempre dic que acabarem abans si dic de quines coses no he treballat. Però no sóc actriu.
Com et vas animar a actuar a Nadia?
Vaig conèixer el director, Carles Fernández Giua, arran d’una altra obra en la qual jo feia de traductora. Ens vam fer amics i em va proposar de fer una obra amb la meva història. Al principi li vaig dir que no perquè no havia treballat mai davant del públic, però després m’ho vaig rumiar. La companyia es plantejava proposar-ho a algú altre, però l’obra parla de mi i jo estic viva, de manera que vaig decidir interpretar-la jo.
També has participat en la dramatúrgia de l’obra.
Sí. Per mi és difícil parlar sobre el meu passat, perquè va ser molt dur. Així que vam arribar a l’acord de parlar només de les coses que em vinguessin de gust.
Què n’has deixat fora?
Les coses més doloroses. M’agradaria que la gent pogués entendre la meva vida i la situació del meu país sense posar-se trista. M’agradaria que l’obra donés una esperança, que mostrés que hi ha gent bona que permet tirar endavant a persones com jo.
I què hi queda?
Faig com un resum des que era petita fins que arribo a Catalunya. Recordo molt la meva mare, un pagès amb qui teníem molt contacte, els meus amics, gent que estava molt amb mi.
Parleu de la guerra?
La guerra també hi apareix, com un dels meus malsons. Descric com deixa marcada la gent. Però no hi posem gaire èmfasi, el més important per a mi és donar esperança.
Com tracteu el paper de la dona?
Parlem del contrast entre la vida de la dona aquí i a l’Afganistan. Per mi són dos mons molt diferents. Quan torno al meu país vaig tapada amb el nicab. Ho faig per una qüestió de seguretat, perquè durant molts anys vaig viure com si fos un home i tinc por que li pugui passar alguna cosa a la meva família si es descobreix que aquell home era en realitat una dona. Però ho passo malament, perquè a mi m’agrada ser una dona lliure, i quan hi torno i no puc fer res del que sóc per a mi és molt dur.
Quin format té l’espectacle?
No és ben bé un monòleg, la major part del temps parlo jo, però ho faig en tercera persona i tant el director com l’escenògraf són al meu costat. El Carles i l’Eugenio m’ajuden donant peu a personatges de la meva vida.
Hi ha projeccions audiovisuals?
Sí. L’escenografia és una pantalla corba, l’obra és un documental escènic i fem un joc entre les imatges i la persona.
Quines imatges utilitzeu?
Vam anar a l’Afganistan a enregistrar imatges que ens ajudessin a explicar la meva vida allà. A les imatges no hi surten la meva mare ni la meva germana biològiques, sinó els amics afganesos. I també els meus pares catalans, que són els àngels de la meva vida.
També hi ha música?
Sí, d’un cantant afganès, Ahmad Zaihr, que va morir prematurament i que m’agrada molt. La música és una part molt important de la meva vida, com també ho són les pel·lícules i els contes tradicionals afganesos que m’explicava la meva mare quan jo era a l’hospital. M’ajuden a esborrar la tristesa.
A l’obra hi ha moments durs?
Depèn de la mirada de l’espectador. Amb el llibre autobiogràfic El secret del meu turbant [coescrit amb la periodista Agnès Rotger] va passar igual. Al 80% els va semblar una història optimista, però un 20% la van trobar molt dura.
Quina vida tindrà més enllà del Grec?
La vam fer a Madrid fa uns dies i al setembre la portarem en gira per Catalunya. Fins ara he vist que la meva història arriba a la gent, moltes persones agraeixen que la comparteixi amb ells.
Vas sovint a l’Afganistan?
Més o menys un cop a l’any. Segueixo en contacte gairebé diari amb la meva família d’allà.
T’agradaria tornar-hi a viure?
És una de les meves il·lusions. M’agradaria formar-me bé aquí i poder tornar per ajudar-los a fer els canvis que necessiten. 
‘Nadia’ (Grec 2014). CCCB (Montalegre, 5, BCN). Del 24 al 27/7. Amb Nadia Ghulam, Carles Fernández Giua, Eugenio Szwarcer. Dir.: Carles Fernández Giua. Disseny d’espai i vídeo: Eugenio Szwarcer
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DIRECCIÓN: FRANCK CHARTIER
ASISTENCIA A LA DIRECCIÓN Y DRAMATURGIA: GABRIELA CARRIZO
CREACIÓN E INTERPRETACIÓN: LEO DE BEUL, MARIE GYSELBRECHT, HUN-MOK JUNG, MARIA CAROLINA VIEIRA, SIMON VERSNEL, BRANDON LAGAERT Y YI-CHUN LIU CON LA COLABORACIÓN DE EURUDIKE DE BEUL
DURACIÓN: 90min
PRODUCIÓN: PEEPING TOM
MERCAT DE LES FLORS (GREC 2014)

La vejez, esa de la que todos huimos, algunos estirada tras estirada que no evita nada y otros excusándose que todo está en nuestra cabeza, envejece el cuerpo pero no las ganas de vivir, algo parecido a lo que les pasa a los protagonistas de este montaje. Peeping Tom nos sumerge dentro del mundo de las residencias geriátricas, del abandono de los hijos a los padres (sin que estos tengan en mente que algún día, no muy lejano, serán ellos los abandonados), la soledad, la necesidad de compañía y de seguir siendo alguien importante para alguien.

La dramaturgia mezcla sabiamente los diálogos con la danza. Una danza imposible, Yi-Chun Liu hace suyo todo el escenario y en breves momentos nos encandila con su elasticidad increíble y sus movimientos rápidos y fugaces, un contrapunto a lo que está pasando en un segundo plano en el escenario.

Aunque la escenografía no es nada del otro mundo, la elección sonora del espectáculo te hace recordar momentos especiales de la vida de cada espectador. Todo el mundo tiene recuerdos de las canciones que van sonando, y en algunos momentos la fibra es tocada, aunque desde el principio sabes que no saldrás de la misma manera que has entrado.

Noventa minutos sublimes. Una combinación perfecta entre lo que se cuenta y lo que te imaginas que te golpea el cerebro el corazón pero también el estómago. Una sensación de disfrute del espectáculo que choca con todas las sensaciones y sentimientos que despierta. Y sales de la sala y te topas con la realidad, pero ¿qué realidad?

VADER (PADRE)

by on 17:37
DIRECCIÓN: FRANCK CHARTIER ASISTENCIA A LA DIRECCIÓN Y DRAMATURGIA: GABRIELA CARRIZO CREACIÓN E INTERPRETACIÓN: LEO DE BEUL, MARIE ...
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Font: Jordi Bordes (elpuntavui.cat)
L'actriu Blanca Portillo és, ara, la verge Maria. Però no respon a la icona que ha imposat l'Església sinó a un sentiment molt més humà. La Maria a la qual dóna ànima Portillo s'estima el seu marit i rebutja tot el que es diu del seu fill Jesús. El testamento de María advoca per la vessant més humana i contradictòria d'aquest personatge històric. L'obra es presenta des d'avui i fins diumenge a la Capella Macba. Farà estada al Lliure la temporada vinent. Blanca Portillo (que ja va fer un polièdric Segismundo a La vida es sueño al Lliure al març) es desmarca de la possible polèmica amb algun sector catòlic perquè la mirada de Maria difereix de l'oficial: “Si es va amb el cor i la ment oberts no ha d'ofendre” perquè descriu la fragilitat d'una mare fa 2.000 anys. L'obra suposa el debut teatral del director de cinema Agustí Villaronga i disposa d'un espai abstracte, que evoca un retaule, ideat per Frederic Amat. El text és de Colm Tóibin, del qual ja ja s'ha fet versió anglesa a Irlanda, Londres i Broadway.
El director Declan Donnellan és un altre dels reclams d'aquest Grec. També d'avui i fins diumenge recull l'Ubu roi d'Alfred Jarry i el serveix per fer una denúncia descarnada de la societat acomodada i burgesa. Si Cheek by Jowl s'havia caracteritzat per la naturalitat en la interpretació, ara el director anglès els dóna un fort element de fisicalitat, exagerat, tot i que manté el detall sublim. Aquell rei tirànic que va imaginar Jarry el 1896, “una mena de Macbeth tocat del bolet”, diu el director del Grec, Ramon Simó, correspon ara al pensament burgès que domina el món. El quadre “divertit i potent” va desballestant l'espai, aparentment càlid.
Josep Maria Miró (que té en cartell també Estripar la terra a la Seca, fins al 27 de juliol) presenta Nerium Park, l'obra guanyadora del Quim Masó del 2013 i que es va estrenar a Temporada Alta la tardor passada. En aquest cas, es descriu la relació d'una parella que entra a viure en una comunitat en què no hi ha cap altre veí. La relació s'anirà contaminant. No és per casualitat el nom de la urbanització que pren el nom d'una planta ornamental “una falsa olivera que és altament tòxica” i que es troba urbanitzant carrers a Sant Cugat del Vallès, Sitges, així com a carreteres i aeroports. En realitat, es veu com una parella prova de compartir un projecte comú, que ja és fallit. Les diferents postures vitals dels personatges fa que elpúblic vagi empatitzant alternativament i que, com ja és habitual en les sobres d'aquest autor, sigui el públic el que determini la responsabilitat de cadascú.
Músical còmic i èpic
Finalment, el retorn d'Onze.Nou.CATorze (1714). Es va presentar al Born CC i ara salta al Convent de Sant Agustí, avui i demà. La proposta defensa la incorporació d'actors amateurs (uns 60 entre una coral i el grup de teatre Gespa) completant els professionals. El musical salta de la comèdia a l'èpica imaginant com un home del segle XXI es troba en la nit del 10 de setembre del 1714 a les muralles de Barcelona. L'avi és Feliu Formosa, que es converteix en el jove Marc Balaguer (Polseres vermelles). Els codirectors Pere Planella i Roger Cònsul valoren el muntatge, escrit per Víctor Alexandre, com un espectacle amb un notable grau de participació. Allà on l'han representada ha quedat gent fora, “una experiència estimulant”, diu Formosa.

Una verge humana

by on 15:28
Font: Jordi Bordes ( elpuntavui.cat ) L'actriu Blanca Portillo és, ara, la verge Maria. Però no respon a la icona que ha imposat l...
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Fuente: EFE via lavanguardia.com 

El suicidio de un jubilado ante el Parlamento griego es el punto de partida de Bartolomé encadenado, una obra escrita para el festival Grec que recurre al mito de Prometeo para hablar de la angustia que provoca la crisis.

El texto de José Sanchís Sinisterra se representará en el anfiteatro al aire libre del Grec del 18 al 20 de julio, dirigida por Antonio Simón e interpretada por Lluís Soler, Manel Barceló y otros cinco actores. Sanchís Sinisterra ha creado un personaje de ficción, llamado Bartolomé e interpretado por Lluís Soler, que sitúa durante toda la obra encima de una especie de columna de ocho metros de altura, según ha explicado el director teatral.

Bartolomé está encadenado en esa columna, a punto de romperse, que forma parte de la estructura que sostiene un puente de una plaza construido por un arquitecto a quien se le acabaron los recursos para construirlo como es debido, por lo que "se le suelen caer los puentes". Desde esa altura habla Bartolomé, un antiguo economista, colaborador del Fondo Monetario Internacional (FMI), que desde esta plaza pública amenaza con suicidarse a las doce del mediodía, ha avanzado Antonio Simón.

El autor recurre "vagamente al mito de Prometeo", según ha explicado el actor, quien ha señalado que, aunque la obra comienza como una comedia, con "ecos" de "¡Ay, Carmela!" -también de Sanchís Sinisterra-, "evoluciona de la farsa hacia el drama y la tragedia". El autor propone reflexionar sobre la necesidad de "cultivar la fraternidad y que la tecnología mal utilizada acaba con la comunicación humana y fraternal".

El público descubrirá paulatinamente que la persona sin hogar que parece ser Bartolomé es, en realidad, "un economista torticero que hizo algunas cosas mal hechas", ha añadido Simón, que se suicida para "provocar una crisis de conciencia". Uno de los retos de la obra, según el director, es el coro de catorce actores, estudiantes graduados en el Institut del Teatre de Barcelona, que para poder trabajar en este espectáculo han trabajado durante un mes con tres formadores. El coro representa, ha explicado Simón, una "pandilla de indignados, en una sátira de la que nadie sale bien parado".

El actor protagonista, Lluís Soler, ha considerado que esta propuesta teatral es "un regalo" de un autor y "maestro que escribe a mano, con un bolígrafo y una libreta" y que el lugar en donde se representa, el anfiteatro al aire libre del Grec, es "un lugar mágico".

El antagonista de Prometeo es Hermes (Manel Barceló), un dios menor cuya aparición "provoca un punto de tensión ya que entre los dos personajes ha habido "afecto y traición".

A través de diversas proyecciones y apariciones de personajes, el espectador descubre que el jubilado sin techo que va a suicidarse es el antiguo economista. En una de estas escenas tiene lugar un encuentro inesperado entre una periodista estrella de la televisión y Bartolomé que permite descubrir que ambos son padre e hija y que el gran intelectual no fue un buen padre. Simón ha explicado que en este espectáculo se da nombre y apellidos a empresas que, según el autor, han actuado de forma poco ética y también hay críticas para los medios de comunicación.

La obra se ha escrito "a fuego lento", durante dos años, según Simón, y es un encargo del Grec que pidió al autor un texto contemporáneo basado en un texto griego, por iniciativa del director artístico del festival, Ramon Simó.
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Font: Imma Fernández (elperiodico.cat)
Assistim a un elegant sopar burgès. Una fina i benestant parella espera els seus convidats. El fill adolescent, voyeur compulsiu, burxa amb la seva videocàmera al nas del pare i en altres raconets de la dolça llar. Ja amb tots els civilitzats comensals a taula, irromp una ràfega de llum verda i els amfitrions -com si fossin la convulsa Linda Blair de L'exorcista- es transformen en endimoniades criatures. Es transformen en Père i Mère Ubu, els ambiciosos i cruels personatges concebuts per Alfred Jarry el 1896 que el celebrat director britànic Declan Donnellan i la seva companyia Cheek by Jowl, aquesta vegada amb un repartiment francès, ha traslladat als nostres dies. L'hilarant Ubu Roi capgirarà el Teatre Lliure de Montjuïc des de demà fins diumenge.
Desbordant d'imaginació, Donnellan es reinventa amb aquesta sàtira sobre els abusos del poder, paròdia del Macbeth shakespearià, que un jove Jarry va estrenar a París entre les esbroncades d'una elit ofesa. Amb Ubu rei, l'autor francès es coronaria com a precursor del teatre de l'absurd.
La història -que ha comptat amb sonades adaptacions com l'Ubú president (1995) amb què Els Joglars van fustigar el llavors president Jordi Pujol- recorre les sanguinàries gestes d'un descerebrat i dèspota capità de l'exèrcit polonès. Instigat per la seva ambiciosa dona, enderroca el rei Venceslau i instal·la una ferotge i corrupta tirania que deixa darrere seu un reguitzell de cadàvers i, també, les taxes pels núvols.
En el brillant muntatge de Donnellan és el fill qui, en la seva venjança contra aquest món acomodat, belluga els fils i imagina el seu pare transformat en un grotesc carnisser. El fantàstic elenc de sis actors, encapçalat per Christophe Grégoire (Père Ubu) i Camille Cayol (Mère Ubu), salta al vertiginós ritme de les banals converses al voltant de la distingida taula, a les conspiracions d'Ubu per carregar-se Venceslao (el seu convidat amic al sopar). A cop de ràfegues de llums, els mesurats personatges treuen les bèsties que porten a dins; els instints més primitius que amaga qualsevol ésser humà.
Els estris del parament i altres objectes del mobiliari (des d'una batedora fins a un llum-corona) es transformen en la imaginativa posada en escena en instruments per als crims o en símbols del poder. D'ells se serveix el psicòpata i infantiloide protagonista per fer-ne de les seves. Macabres i enginyosos cops, com el so d'una trituradora per la qual van passant, fora d'escena, els ministres de la cort, amaneixen un espectacle que ha suposat un nou gir en la triomfal carrera de Cheek by Jowl.
De Shakespeare a Racine
Fundada el 1981 amb Donnellan i Nick Ormerod com a directors artístics, la companyia -que actualment produeix obres en anglès, francès i rus- va apuntalar el seu èxit amb un repertori centrat en Shakespeare. Han recorregut l'orbe amb clàssics com El conte d'hivern, La tempesta, Troilos i Crèssida, Macbeth, Otel·lo, Hamlet... i el 2012 els premiats directors van debutar en el cine amb Bel-Ami, amb Robert Pattinson i Uma Thurman.
Abans, el 2000, havien creat una companyia d'actors a Moscou auspiciada pel Festival Txékhov, i el 2007 el mestre Peter Brook els va invitar a formar un repartiment francès per representarAndròmaca, de Jean Racine. L'èxit de la proposta (va arribar el 2008 a la Sala Petita del TNC) els va portar a repetir amb el mateix repetori actoral en aquest delirant Ubu Roi amb el qual segueixen regnant en l'escena mundial.

Divertidíssim 'Ubu Roi'

by on 14:28
Font: Imma Fernández ( elperiodico.cat ) Assistim a un elegant sopar burgès. Una fina i benestant parella espera els seus convidats. E...
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Fuente: Javier López Rejas (elcultural.es)

“El testamento de María, de Colm Tóibín, nos plantea una aproximación a la vida de la madre de Jesús desde una perspectiva exclusivamente humana”. Con estas palabras José Antonio Gurpegui introducía en estas páginas su crítica sobre la obra del escritor irlandés. La adaptación al teatro por parte del cineasta Agustí Villaronga (Palma de Mallorca, 1953) no hace sino abundar en esta faceta íntima de uno de los personajes centrales de la religión católica. El monólogo, que llega al Festival Grec el próximo jueves, 17 de julio, está protagonizado por Blanca Portillo, un nuevo desafío escénico que la ha llevado, según reconoce Villaronga a El Cultural, a “humanizarla y a llenarla de matices a veces muy contradictorios. Según sus palabras, se ha enfrentado a una Virgen tan de carne y hueso que ha llegado a verla como una heroína, trágica a veces pero también muy cotidiana”.

La idea del montaje, escrito para Meryl Streep y representado en el Teatro Walter Kerr de Broadway por Fiona Shaw, surgió hace dos años de un encuentro entre Tóibín, Villaronga, el productor Javier Pérez Santana y Enrique Juncosa, director del Irish Museum of Modern Art. Su estreno en el Grec será sólo un primer paso para esta obra porque en noviembre recalará en el Teatro Valle-Inclán del Centro Dramático Nacional. “El proceso de adaptación ha sido complicado -explica el director de Pa Negre-. El texto original era un monólogo puro y duro en el que ni siquiera había acotaciones. En la versión interpretada por Fiona Shaw se hace una nueva adaptación. Durante este proceso Tóibín, cada vez más inmerso en la historia, elabora una novela corta que no es más que una ampliación del primer texto. Al enfrentarme a la adaptación intenté tener en cuenta las tres fuentes de las que disponía, de tal manera que no fui del todo fiel a ninguna, centrándome en generar una línea de acción más diáfana. Eso sí, las palabras y el espíritu son cien por cien Tóibín”.

Nos encontramos, pues, ante una ficción. Que nadie espere una fiel adaptación del mensaje de la Iglesia. “El mensaje está hecho desde la tierra, no desde los cielos. Es tremendamente espiritual pero sin intervenir en absoluto lo sagrado. No habla del icono de la Virgen como algo intocable e inmaculado sino que muestra a una simple mujer de campo abocada a la separación de su hijo cuyas ideas no comprende y a la dolorosa experiencia de vivir su terrible agonía sin poder hacer nada para salvarlo”.

Para Agustí, lo esencial es desnudar la narración de toda complejidad que no vaya directamente al corazón, allanar el camino de forma didáctica para entender de un modo sencillo la historia contada en los evangelios y asimilar los nuevos y diferentes matices de esta Virgen de Tóibín. Para ello, el director utiliza un espectáculo austero y al mismo tiempo visual en el que se utiliza más la narrativa cinematográfica, a través de secuencias, que la teatral, con actos y escenas.

El personaje protagonista se nos presenta ya en la vejez y a punto de morir. Revive, como si de un cúmulo de flashbacks se tratara, momentos de su vida. Hermosos algunos, terribles, otros. Y los recrea desde su exilio en Éfeso, como si en sus solitarias y largas noches diera forma a esos fantasmas del pasado y con ellos nos descubriera la mujer que realmente es. “Nos da su palabra. Su verdad”. ¿Puede decirse entonces que nos encontramos ante una obra religiosa? Villaronga responde con contundencia: “Es absolutamente religiosa. Versa sobre eso y fabula sobre eso”. ¿Podría ser entendida como irreverente? “No lo creo. En los Evangelios, el personaje de la Virgen es alguien poco definido, una mera comparsa del principal: su hijo. Sale poco, habla poco y no llega a expresar ideas propias. En la fabulación de Tòibín se exploran los sentimientos de esa mujer que, en varios aspectos, se aleja de la ortodoxia católica. Alejarse de ello nos ayuda a entender mejor el drama personal de esa mujer. Es perfectamente lícito prestar atención a este dolor de madre y a la rabia y confusión que eso puede llegar a generar”.

En esta mezcla de sentimientos, el de la culpa es el que planea en todo momento sobre la interpretación de Blanca Portillo. “La que podía haber hecho y no hizo, o no pudo hacer. Pero hay muchas cosas más. La tergiversación de la palabra que selecciona lo que puede o no ser dicho. Como si nuestro personaje se quitara una mordaza y pudiera hablar con libertad sobre cosas a las que la Historia no le presta atención. Y por encima de todo, el amor. Otro sentimiento. En este caso un amor de madre que añora a su marido y a su hijo, a los que amó de una forma dulce, sencilla y plena”.

Para subrayar este texto tan potente y de tanta carga emocional del escritor irlandés Villaronga ha encargado la escenografía al artista Frederic Amat, que le ha dado al espectáculo un entorno a medio camino entre la abstracción y lo cotidiano. Partiendo de la idea de recrear la casa de María de Éfeso la convierte en una especie de habitación de la memoria, “como un gran cerebro del que surgen objetos, elementos del pasado que se imponen al presente del personaje”. Según Villaronga, Amat ha tratado ese espacio como si fuera “un retablo en el que recrea los hechos a modo de ‘aleluyas' con diferentes estampas . En definitiva, un nido en el que ella se protege esperando la muerte como una liberación”. Tal vez, como apunta Gurpegui, “la catarsis venga por la escritura y a fin de cuentas solo pretenda expiar su culpa diciendo la verdad”. 
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TEXTO: WILLIAM SHAKESPEARE
VERSIÓN y DIRECCIÓN: PAU CARRIÓ
INTÉRPRETES: PEP AMBRÓS, LAURA AUBERT, JAVIER BELTRÁN, PAULA BLANCO, PAU CARRIÓ, POL LÓPEZ, ALBERT PRAT, MIMA RIERA, MARÍA RODRÍGUEZ i DAVID VERDAGUER
DURACIÓN: 100min
PRODUCCIÓN: GREC FESTIVAL DE BARCELONA 2014 y TEATRE LLIURE
LLIURE DE GRÀCIA (GREC 2014)

Sorpresa mayúscula en el Lliure de Gràcia. Lo que podía haberse quedado en una adaptación más de las muchas que se realizan temporada tras temporada en los teatros de aquí y de allá, sorprende y de qué manera. Pau Carrió, que recordemos ya deslumbró a espectadores y a crítica con Iván i els gossos, dirige su primer clásico con una maestría que no es propia de una persona tan joven.

Por mucho que nos repitan hasta la saciedad que Shakespeare trata los temas universales de una manera actual, no deja de ser un clásico escrito hace unos cuantos siglos. Para muchos el lenguaje de Shakespeare aleja al espectador de la platea, es preciosista sí, pero hoy en día no se habla así. Actualizada pero sin perder la esencia, Victòria d'Enric V permite entrar al público en la cabeza de este rey que se mete en una guerra que sabe que no puede ganar.

La disposición a tres bandas acerca la obra a l'espectador. Además gran acierto de dirección es que los actores realicen referencias al público, bajen de su pedestal y se acerquen a centímetros para decirte casi al oído su réplica. El mismo Pau Carrió no sólo dirige sino que también se atreve a interpretar e incluso es uno de los músicos de una estupenda banda sonora que ayuda a hacer imperceptibles los cambios de escena.

La joven Kompanyia del Lliure pone el resto y convierte a Victòria d'Enric V en una obra alocada, cómica y con una conexión con el público inmejorable. Laura Aubert vuelve a demostrar su gran versatilidad, aunque si bien es cierto nadie le gana en las partes cómicas. Pep Ambrós sigue demostrando papel a papel que es uno de los grandes actores de su generación. Mientras que Pol López repite sabiduría escénica y resuelve notablemente a medio camino entre la ternura y la rabia su papel.

Se agradece ver una platea tan llena de jóvenes atentos a todo lo que acontece en escena. Esta versión consigue lo que muy pocas atraer tanto a un público joven como a uno más crecido, seguro que unos y otros tendrán dos versiones muy diferentes de lo que han visto a la salida, pero todos habrán vivido juntos el momento mágico llamado teatro. Si te has perdido la ocasión de gran disfrute estarán en octubre al Lliure de Gràcia. Bravo!

VICTÒRIA D'ENRIC V

by on 17:00
TEXTO: WILLIAM SHAKESPEARE VERSIÓN y DIRECCIÓN: PAU CARRIÓ INTÉRPRETES: PEP AMBRÓS, LAURA AUBERT, JAVIER BELTRÁN, PAULA BLANCO, PAU ...
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Font: Jordi Bordes (elpuntavui.cat)
Alain Platel presenta un nou pas en el seu deambular per l'abisme de les percepcions. ATauerbach s'inspira en l'experiment històric d'Artur Zmijewski (va convidar persones amb diferents graus de sordesa que cantessin temes de Bach) per fer un pas més en la seva dansa bastarda. També avui i demà, La Caldera repeteix el viatge coreogràfic amb accions de carrer per diferents punts de Barcelona. Ja no queden places per pujar al bus (i a la terrassa on es tanca el viatge, a la nit) però sí que es pot accedir a tots els espais, a peu de carrer.
Els Ballets C de la B actuen al Teatre Lliure, des d'avui i fins diumenge. En aquest cas, són els ballarins que canten mentre ballen corals de Bach i una ària de Mozart. Però aquests ballarins no estan en un espai neutre: segueixen les passes d'Estamira (un documental de Marco Prado): una dona amb esquizofrènia es trasllada a viure en un abocador, on trobarà uns altres habitants, més primaris, amb qui no podrà comunicar-se, d'entrada. Novament, Platel se submergeix en les peces de roba i en uns moviments espasmòdics que generen una incomoditat a l'espectador i alhora l'emocionen.
Més amable és la segona edició de Cal·ligrames en moviment. La Caldera, que l'any passat ja no disposava de local i va decidir fer itinerància per altres sales còmplices (per donar a conèixer equips nous, en cas que La Caldera naufragués en l'epopeia de no disposar de sala) farà una primera presentació a la seva nova seu (Eugeni d'Ors, 12). Després traslladarà els viatjants a la plaça Concòrdia, on es podrà seguir l'evolució de Joan Català amb Pelat (18.10). La propera parada serà a la terrassa del Teatre Lliure amb Big Bouncers (19.30) i Pol Jiménez, ballant flamenc al turó del Carmel mentre es pon el sol (20.45).
A l'amfiteatre Grec, aquesta nit es presenta un concert per a incondicionals de Ludovico Einaudi, un músic que quan es preparava per ser un notable concertista de clàssica va decidir barrejar-ho amb tots els estils. El director del festival, Ramon Simó, recomana deixar-se persuadir “per la seva manera particular de compondre i d'interpretar en directe: és tot emoció”. Diumenge, també al Grec, hi haurà la primera edició de Nit de Musicals, una iniciativa de la revista digital Teatralnet en la qual es fa un repàs de les composicions dels musicals d'Albert Guinovart i que compta amb la complicitat d'un equip notable d'intèrprets, com ara Nina, Mone, Elena Gadel, Daniel Anglès, Ivan Labanda i Toni Viñals. Dirigeix la festa, que vol tenir un caràcter anual, David Pintó.
El Grec completa aquest dissabte la trobada dels programadors internacionals. Aquest any, ha fusionat les iniciatives del Mercat de les Flors (centrat en la dansa i que s'han desenvolupat al Graner) amb les de Ciatre, que es remunten al 2006: es mostren fragments d'espectacles de companyies catalanes amb espectacles exportables. També ha ofert un lloc de trobada per signar possibles coproduccions que preveu el Grec de formacions catalanes o d'internacionals.
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Font: Jordi Bordes (elpuntavui.com)

Per la incertesa hi deu navegar la veritat. El segle XXI ha rebutjat les raons absolutes i, bona mostra d'això, són dos títols que coincideixen aquest vespre al Festival Grec. Per una banda, el coreògraf israelià, resident al Regne Unit, relativitza l'escalf del sol a Sun (9 i 10 de juliol al Teatre Grec). També Pau Carrió presenta una dramatúrgia titulada Victòria d'Enric V, en la qual també integra la mirada que Shakespeare va projectar sobre el personatge a Enric IV. L'obra es podrà veure només del 9 a l'11 de juliol al Lliure de Gràcia i obrirà la temporada amb una explotació de l'1 al 26 d'octubre.
Carrió compta amb els actors de la Kompanyia Lliure (Laura Aubert, Javier Beltrán, Paula Blanco, Pol López, Mima Riera i David Verdaguer) completat amb Pep Ambrós, Albert Prat, Maria Rodríguez, el propi director que fa de narrador i el bateria dels Manel, Arnau Vallvé. El director pretén qüestionar el pes de la victòria: la necessitat de ser competitius implica un guanyador i molts perdedors. Fins i tot la mateixa victòria no és tan satisfactòria com sembla. I ho exemplifica amb el to pensatiu d'un personatge que canta “Mai hem tornat més feliços a Anglaterra”.
Efectivament, el triomf d'Enric V era impensable. Perquè, fins que el van coronar no es va interessar gens pels afers d'estat. I perquè heretava un país ben pobre i que va abocar a un litigi amb França. Pol López és aquest rei que, per una banda pot imprimir l'ambient distès de festa (durant el regnat d'Enric IV) i “que pot fer por” quan agafa el poder. Carrió i López ja van protagonitzar un monòleg preciós, Ivan i els gossos (Lliure, 2011). La posada en escena se centra en la paraula, la música i moviment (puntual). Situar l'acció al Lliure de Gràcia remet als condicionants de The globe en què tot l'escenari s'havia d'imaginar i que la proximitat dels actors és a tocar. Per Carrió, en Shakespeare “trobo les preguntes que busco, a diferència de la Bíblia”.
Hofesh Shechter presenta Sun, una peça estrenada fa sis mesos. S'ha estalviat el fons d'escenari perquè ja troba la bellesa en la pedrera que tanca l'amfiteatre. A Sun evoca una visió molt bonica però que l'espectador trobarà la cara incòmoda, que anirà sortint a la superfície. El propi Schechter pronuncia les veus en off en català. De fet, Sun evoca un colonialisme (històric o actual) triomfant, amb una música “celebratòria” i escrita pel mateix coreògraf i músic, i també amb una invitació a Wagner.
També crític amb el poder és l'incorruptible Iago Pericot. Ell ha ideat una guillotina, que es troba al vestíbul del Mercat de les Flors fins al 12 de juliol. En aquest aparell es podrà tallar el cap de tot allò que es voldria eliminar. Siguin personals o impersonals. En realitat, no hi ha cap mena de violència i sí, en canvi, un notable valor catàrtic. L'experiència també permet descarregar-se l'aplicació de l'espectacle, pels propietaris d'un Smartphone. L'aforament és limitat i lexperiència dura només 15 minuts.Ja Xicu Masó i Carles Martínezx van fer servir un joc similar a Els folls de Shakespeare (Temporada Alta, 2013) incitant el públic a què digués espontàniament tot allò qiue caldria extirpar.
Olivan i Maqoma
Per últim, cal sumar a les estrenes d'avui la coreografia de retrobament de Roberto Olivan (Premi Nacional de Cultura 2014) i Gregory Maqoma: Lonely together. tots dos es van conèixer a Brussel·les estudiant amb Anna Teresa de Keersmaeker. Quinze anys després es retroben i, sense les respectives companyies, decideixen investigar els punts en comú d'uns ballarins del sud que han sabut implicar-se amb les seves comunitats (Olivan signant el Deltebre dansa) i Maqoma implicant-se en la comunitat de dansa de Johannesburg. A la coreografia se subratllen també les diferències amb un llenguatge molt físic i música en directe.
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Fuente: Jacinto Antón (elpais.com)
Nueva genialidad, provocación y gamberrada de un maestro. A sus 84 años el director y escenógrafo Iago Pericot, recordado por espectáculos históricos como Rebel delirium (1977). Simfònic King Crimson (1989),Bent (1982) o Mozartnu (1986), se ha puesto jacobino o termidoriano, en todo caso expeditivo, y ha levantado una guillotina de tomo y lomo en Barcelona. La justicia poética hubiera querido un lugar más visible, la plaza de Catalunya o la de Sant Jaume —aunque tampoco quedaría mal en una plaza dura o, mira, en el Born—, pero donde se ha instalado el radical, definitivo mecanismo es en el vestíbulo del Mercat de les Flors, bajo la alta cupula pintada por Miquel Barceló.
La guillotina empezó a funcionar ayer y lo seguirá haciendo hasta el sábado, con tres cortas (de duración, no de cortar, que también) funciones diarias. Y es que como apuntó Pericot con esa sonrisa maliciosa suya, “hay mucho que cortar”. Él, muy pillo, no dice el qué, y se lava las manos. Ha dejado en las del público la elección de las víctimas de Madame Guillotine. Que cada cual envie al tajo aquello que le empreñe, le moleste, le acongoje.
“Cada tarde paseo al perro y escucho a la gente que dice que todo va mal”, explicaba Pericot antes de la primera representación; “pensé que había que dar un poco de salida a ese sentimiento pesimista y de frustración, y se me ocurrió lo de la guillotina. Se trata de depurar las preocupaciones, económicas, políticas, familiares, con un acto tan simple como efectivo”.
El maestro deja a la total libertad de cada espectador, convertido en Comité de Salvación Pública unipersonal, decidir a quién quiere enviar al afilado cadalso. Una aplicación para el móvil permite, en lo que ya es una moda en este Grec, participar en el asunto. Una vez descargada puedes apretar con el dedo en la pantalla y hacer progresivamente subir la cuchilla.
¿De verdad que Iago Pericot no ha pensado en la coyuntura actual, la crisis, el soberanismo, el republicanismo, al hacer el espectáculo? “No, no,”, se escabulle el viejo zorro. “Yo no pienso en nada ni incito a nada, es un juego, una diversión”, Pues es un juego contundente. “Sí”.
Con la ayuda de otro de nuestros grandes, Hermann Bonnin, y poco presupuesto, Pericot ha creado su guillotina. Y la verdad es que impresiona. Es difícil no tragar saliva al verla —los usuarios sin duda no podían hacerlo después— o no encomendarse a la Pimpinela Escarlata. Es tan realista (bien, quizá no es la palabra) que asusta.
El espectáculo, la función, el acto o como quieran denominarlo se inicia con la aparición de un actor (Oriol Pla) con guitarra, sombrero de copa y sin camisa (una alusión tal vez a los sans culotte), que anima al público a acercarse al ingenio (de entrada todos guardamos prudente distancia, por si se desata el Terror generalizado, más aún si tu nombre se puede confundir con el de Danton).
Entre los presentes ayer, Sergi Mateu, el que fuera actor fetiche de Pericot, que se miraba la movida desde lejos, disimulado bajo un sombrero de paja y bebiendo una cerveza.
“A la guillotina, vamos”, persuadía el escenificador. “La guillotina es la medicina”, rimaba. “Enviad aquí la emoción, el objeto, la figura que queráis llevar a la guillotina”, decía pasando el sombrero. “¿Alguien se quiere librar de algo específico?”, insistía. “¡Del miedo!”, gritó por fin una chica. “De los Borbones”, aportó otro espectador. “De Pili”, se sinceró un tercero. La cosa se iba caldeando. Todos llevamos un Robespierre dentro.
La tensión crecía, la multitud rugió. El Moloc de acero pedía más víctimas. “¡La Caixa!”, se oyó por encima del bullicio.
La cuchilla llegó a lo más alto, se encendió una luz rojo sangre. Y la hoja cayó. ¡Chás! Hubo un grito general y el sombrero salíó volando como un día lo hizo la cabeza de Maria Antonieta, o la de Lavoisier. “¿Ya está?”, comentó Mateu. “Yo hubiera querido que rodaran más cabezas”. Tranquilo Sergi, quedan más funciones.
Un gran aplauso tachonado de “bravos” premió el breve espectáculo. Pericot salió a saludar visiblemente emocionado y pareció enviar un beso a la guillotina. “La cabeza clarísima, pero el cuerpo no tanto, estoy cansado”, explicó al interesarse alguien por su salud. Que nadie se fie. Enseguida se puso a hablar de sus nuevos proyectos: un espectáculo sobre Adán y Eva que salen de un cuadro para entrar en el mundo de hoy... Mientras, al maestro se le iban los ojos hacia su querida guillotina, y una lagrima de padre orgulloso rodó por su mejilla.
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Font: Jordi Bordes (elpuntavui.cat)
Crani 1: el treballador del cementiri de l'òperaEclipsi (al TNC fins diumenge) procura arrencar un empastament d'or. Crani 2: El que Damien Hirst va signar com Per l'amor de Déu. Aparenta recoberta amb diamants incrustats. Arrenca en una subhasta per 15 milions i n'acaben pagant més de 100. És l'arrencada de Merda d'artista (al Poliorama fins al 27 de juliol), una peça que pot sorprendre davant d'un cartell de primeríssimes figures nacionals i internacionals però que és de justícia que es guanyi el favor del públic. Aquests són els dos primers espectacles del Festival Grec, en què la música cobra densitat de protagonista.
Ahir es van presentar Shakespeare on the beat(amb el hip hop com a instrument per rellegir El Somni d'una nit d'estiu, de Shakespeare), del 10 al 13 al CCCB; Disbarat (han creat la músicoacrobàcia perquè poden fer equilibri tocant i fer equilibris dalt d'un instrument musical!) del 9 al 12 al Mercat de les Flors; i ja es preparen Nit de musicals, a partir de les partitures d'Albert Guinovart amb una vetllada única i irrepetible a l'amfiteatre Grec (13 de juliol; i Onze.Nou.Catorze, un nou producte de musical familiar inspirat en l'Onze de Setembre a Catalunya (17 i 18 de juliol al Convent de Sant Agustí).
La música que planteja la partitura d'òpera contemporània d'Alberto García Demestres té molt de surrealista. Perquè, en comptes d'obsessionar-se en la foscor i la gana del poder (representat per un pare manipulador que crea el seu imperi a partir de tornar i demanar favors) prefereix fer escarni amb un enterramorts que va arrencant dents d'or dels seus hostes i amb escenes divertidament poca-soltes com la noia de 17 anys que sempre perd la pilota al jardí del poderós, el pintor que troba la solució al casament en ple eclipsi de la seva germana per certificar un encàrrec de pintar 1.600 quadres. L'enterramorts necessita una pila per poder pagar el trasllat del cos de Lenin a un dels panteons que ell protegeix. Sembla que li vol donar un punt de glamur al seu camp sagrat.
Però, la veritat és que deu tenir un punt de revolucionari perquè al mòbil hi té la sintonia de La Internacional. Els actors defensen una partitura de notes agudes i de cànons entremaliats. Si Pere Ponce i Emma Vilarasau (els dos actors que no posen notes a la seva veu) creen uns personatges més o menys enigmàtics però amb un punt de naturalisme, el llibret no permet que els altres siguin creïbles. Naveguen en el seus silencis mirant els seus companys intèrprets i no pas com a personatges de la trama. La predicció astrològica sembla torçar-se quan detenen l'alcalde, que tenia previst fer el casament en ple eclipsi al jardí del poderós hoteler. Que els nuvis siguin dues dones; que la germana d'una d'elles sigui monja, que la fotògrafa de guerra que fa el reportatge fotogràfic, en realitat, és una antiga amant és material de regal. Una música còmplice amb aquest enginyós quadre surrealista. , al final, un toc de denúncia: la felicitat i la percepció de major democràcia es troba a Nova Zelanda, precisament el punt més allunyat de la península Ibèrica. Terrible metàfora!
Des del 2006, Moisès Maicas i Anna Soler Horta persegueixen un objectiu prou insòlit: atrapar el món del hip hop per fer ressonar Shakespeare. Admeten que, d'entrada, es van estranyar però que s'hi van anar apuntant, “ens hem anat apropant”. Ara el Mestre de Cerimònies (MC) ha fet una feina meticulosa perquè tot el que es presenti a escena tingui el flow (que flueixi), necessari. S'han revisat raps reescrits a partir del text de Shakespeare i s'ha mantingut en decasíl·lab el vers de la trama original.
Disbarat, la nova coproducció del Grec amb la Central del Circ (que ha trobat també suport internacional) parteix d'uns músics amb capacitat de ser excèntrics i d'acròbates amb dots musicals. A l'escena, una pila d'instruments amb els quals aniran combatent el repartiment d'intèrprets que fa prop de tres mesos que es van coneixent i construint l'espectacle en diverses residències artístiques. Ramon Simó, director del Grec, creu que han generat la nova disciplina de la músicoacrobàcia perquè, fins i tot els instruments es poden acabar convertint en element on fer acrobàcia.
Nit de músicals és, inequívocament la trobada més convencional de la música amb l'escena. Albert Guinovart està amb la Banda Municipal de Barcelona per fer un repàs dels principals temes que ha elaborat un dels grans metres del gènere. La revista digital d'arts escèniques Teatralnet signa la coproducció amb el suport d'un repartiment d'intèrprets estel·lar: Daniel Anglès, Deu de Veu, Xavier Fernández, Elena Gadel, Ivan Labanda, Mone, Nina i Toni Viñals. Sonaran temes de Flor de nit, Mar i cel, Paradís, La vampira del Raval, Crim i càstig... només tres dies abans de la festa popular que Dagoll Dagom prepara pel seu 40è aniversari.
Finalment, Onze.Nou. Catorze (1714) es tracta d'un nou muntatge de Zitzània Teatre que reuneix Pere Planella i Víctor Alexandre. El musical, que ja es va poder veure al Born i està adreçat al públic familiar, narra el viatge en el temps d'un adolescent de 14 anys al setge de Barcelona. Entre el repartiment, Marc Balaguer (Polseres vermelles) i dos veterans com Feliu Formosa i Pep Cortés.

Una merda d'artista, farcida d'humor blanc


A partir d'un fet real (la provocació artística de Piero Manzoni d'enllaunar merda que va acabar sent una operació molt valuosa al mercat de l'art) Ferran Gonzàlez i Joan Miquel Pérez construeixen el seu segon musical. Després de la broma de ‘Pegados' (també neix d'una notícia de premsa en què una parella ha d'anar a urgències perquè es queden enganxats quan estan fent l'amor) fan un pas més ampliant repartiment. No se separen de l'entreteniment, tot i que deixen anar algunes gotes d'amargor en la buidor de l'artista que se sent perdut quan perd el seu gran rival sense haver-lo pogut rebatre amb la famosa operació artística. L'apoteosi final, però, es manté coherent.
La peça juga amb el tòpic de l'art abstracte, que tothom s'atreveix a criticar i, també, a exalçar. Però l'obra provoca la riallada per les peripècies exagerades dels personatges, els seus enganys i el seus continus gags, de banals (sexuals o d'insistència reiterativa) i també de metateatrals. Perquè un dels músics esdevé personatge alhora i la seva bicefàlia de càrrec implica un esquizofrènic malentès. Com quan una cantant li recrimina com sap els seus secrets. O quan l'altra li demana deixar de cantar una peça trista.O quan ell se sent incapaç de tocar i explicar-se alhora. Una pila de bromes pescades, segurament, del mateix assaig que, ben mesurades, donen molt bon resultat davant del públic.
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