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texto VICTOR BORRÀS GASCH
dirección  IVAN BENET
interpretación ÀUREA MÁRQUEZ con la colaboración de SAMUEL MANRIQUE
duración 70min
fotografía SILVIA POCH
producción TEATRE NU
SALA ATRIUM

Creo que no podía haber escogido mejor obra para volver porque la crítica me va a salir sola. La dona del tercer segona es un montaje de los que se te quedan dentro, que empiezan como una anécdota, unos instantes de incredulidad del público que sabe que algo está a punto de estallar pero no sabe por dónde le va a venir la sorpresa.

El texto de Víctor Borràs Gasch tiene algo de quirúrgico, una reconstrucción de los hechos desde una aparente simpatía que lleva a empatizar con Raquel, la vecina con una verborrea incoherente por minutos, pero a la que se le ha ido de las manos su vida al intentar esconder un secreto a voces y que llega para saldar cuentas consigo misma y con su comunidad de vecinos.

Sensacional y entregada Àurea Márquez que es capaz de masticar un personaje árido, lleno de aristas, capas y que desprende dolor desde la primera coma. Tanto la dirección de Ivan Benet como la escenografía de Claudia Vila y el espacio sonoro de Guillem Llotje nos introducen en la acción a un ritmo lento pero al mismo tiempo sofocante, tanto que llega un punto en el que te gustaría gritar más alto que la propia Raquel.

La dirección de Ivan Benet centra su atención en la palabra, en el texto y desnuda la puesta en escena, la caja vacía de la Sala Atrium retumba y se llena de angustia, una excelente metáfora del callejón sin salida en la que encuentra Raquel. Sólo se rompe esa sensación con las proyecciones de vídeo de su hijo, una curiosa mezcla de realidad y ficción, que relaja la tensión y busca romper los estigmas de arrastran las enfermedades mentales consigo.

La dona del tercer segona nos muestra una verdad de las que tenemos al lado aunque no nos demos cuenta. Un monólogo lleno de matices donde el poder de la escucha es indispensable para que el mensaje llegue, cale y nos haga cuestionarnos el porqué antes de que la verdad ficcionada se convierta en una realidad más que presente. 


LA DONA DEL TERCER SEGONA

by on 14:33
  texto VICTOR BORRÀS GASCH dirección  IVAN BENET interpretación ÀUREA MÁRQUEZ con la colaboración de SAMUEL MANRIQUE duración 70min fotogra...

 


Fotos: Cristina Raso (Winnipeg), Clàudia Portús (El silenci dels telers), Aureli Sendra (Molotov) y Maria Martín Marin & Adrià Losa (P.A.U. Paisatge Als Ulls)

Volvemos al teatro, a llenar las plateas, a llenarnos de historias, a aparcar la realidad que nos quieren vender y ver más allá del maldito virus. Casualidades de la vida o no, este inicio de temporada nos ha traído tres (o cuatro) obras que directa o indirectamente hablan de exilio, ya sea como concepto central o secundario.


El Teatre Akadèmia inicia temporada esta semana (23 de septiembre) con Winnipeg de Laura Martel que se tenía que haber estrenado en el pasado Grec pero que ya sabemos qué pasó. Pero centrémonos, la obra toma el nombre del barco que fletó Pablo Neruda (cuando era cónsul de Chile en Barcelona) para transportar a más de 2.000 exiliados de la Guerra Civil Española de Francia a Chile para que encontraran una nueva vida. Winnipeg llegó a Valparaíso el 3 de diciembre de 1939.

Todo un canto a la esperanza y un grito contra el olvido. Esta obra vuelve a dar voz a los exiliados y exiliadas que se hacen llamar "los hijos de Neruda".



Del 7 de octubre al 1 de noviembre en El Maldà se podrá ver El Silenci dels Telers, una idea original muy personal de la actriz Maria Casellas (hija y nieta de mujeres que trabajaron en las colonias textiles), que además también la interpreta juntamente con Andrea Portella. Nos trasladamos a las colonias textiles que comenzaron a florecer a finales del siglo XIX de la mano de Pilar y Carme que a modo de maestras de ceremonia nos harán un tour por cómo era la vida a las colonias. Aunque nos narrarán sus pequeñas historias, la Historia con mayúscula será un gran telón de fondo. La/s mujer/mujeres fueron las protagonistas de este trabajo en las colonias, y como acostumbra a pasar, su voz es silenciada y olvidada. 

A veces no hace faltar moverse del lugar donde uno está para que te exilien. El Silenci dels Telers representa ese exilio silencioso de las voces olvidadas, normalmente femeninas, que los de siempre pretendieron y aún pretenden tapar, apagar y censurar. Anna Maria Ricart firma la dramaturgia inspirada en el libro homónimo de Assumpta Montellà y Ferran Utzet dirige el espectáculo.




Salimos de Barcelona y ponemos rumbo al Teatre Aurora de Igualada, donde Joan Valentí y David Pintó recatarán de la memoria a Cipriano Martos, un militante antifranquista que murió en 1973 en Molotov. Fue detenido por repartir octavillas en la fábrica Punto Blanco de Igualada. La causa oficial de la muerte va ser la ingesta de un cóctel molotov tras declarar en la caserna de la guardia civil de Reus. Su muerte coincidió con la de Puig Antich y las autoridades de la época consiguieron tapar un caso con otro.

Como era habitual en estos casos, su familia no tuvo conocimiento ni de su detención ni del interrogatorio y una vez muerto no se les permitió ver el cuerpo ni darle sepultura y fue "enterrado" en una fosa común del cementerio de Reus. Su hermano, Antonio Martos, ha interpuesto una querella en 2014 por el asesinato  que está en manos de un juez argentino que investiga casos de crímenes del franquismo. 




Y por último hablamos de exilio desde un punto de vista lejano a la memoria histórica española sino como el exilio de aquellos que tienen que abandonar su tierra ya sea por hambre, por la guerra, porque quieren pensar que existe un futuro mejor. Un espectáculo de Carolina Llacher que tuve la oportunidad de ver la temporada pasada y que gracias a la Sala Atrium está teniendo una segunda oportunidad de conquistar más almas como la mía. P.A.U. (Paisatge Als Ulls) nos explica historias verídicas contadas por sus propios protagonistas, pero que como ellos aún hay millones que se dejan la vida todos los días en el mar, huyendo y buscando aquello que no tienen. El exilio para ellos es la única salida y la puerta a un mundo nuevo donde no todo será como pensaban.

P.A.U (Paisatge Als Ulls) quiere quitarnos la venda de los ojos, todos los prejuicios que nos quieren vender sobre la inmigración y humanizar las escalofriantes cifras. Un espectáculo que te toca el alma y se te queda dentro.

¡Nos vemos en las plateas!

Exilio a escena

by on 14:00
  Fotos: Cristina Raso (Winnipeg), Clàudia Portús (El silenci dels telers), Aureli Sendra (Molotov) y Maria Martín Marin & Adrià Losa (P...

CIA PELIPOLACA + LES DESVESTIDES
dirección IRENE VICENTE SALAS
intérpretes BELÉN BOUSO, NÚRIA COROMINAS, RUT GIRONA i GAL∙LA SABATÉ
duración 55min
SALA ATRIUM

¿Cuántas veces te miras al espejo antes de salir de casa? Unheimlich es una especie de espejo emocional, una experiencia que somete al espectador y le obliga a mirar, a cuestionarse todo aquello que sus ojos están viendo. Incluso desde antes de entrar en la sala, casi vacía, la sorpresa inicial ya te predispone a que tu cuerpo y mente no se sienta como un simple espectador pasivo. Una vez traspasado el lindar de la puerta, el silencio es casi absoluto, algo que caracteriza casi toda la pieza. Eso sí debería ser requisito imprescindible hacerlo con la mirada curiosa de aquella persona que no sabe más allá de lo que ha leído en cuatro líneas de sinopsis.



Es importante ir a ciegas a este montaje con la mente dispuesta a dejarte llevar. En una época donde mirar y ser mirado es uno de los pasatiempos con más seguidores, la compañía Pelipolaca + Les Desvestides nos provoca una mirada crítica, un continuo cuestionamiento de si aquellas imágenes que estamos viendo, en estricto silencio, no sea más que un seguido de acciones que repetimos sin cesar en nuestro día a día. Porque sí, aunque no nos demos cuenta, vivimos en un mundo donde la imagen lo atrapa todo, lo engulle todo y es un gran monstruo que nos engulle sin que le pongamos resistencia.



Unheimlich acaba en menos de una hora, pero podía seguir y en realidad no se acaba nunca, porque sales con un cuerpo nuevo, con una mirada crítica que te acompaña durante días, con un cierto sentimiento de vergüenza porque el auto enfrentamiento no deja de ser un ejercicio tan íntimo y poco ejercido como la autocrítica.

Despertalab vuelve a regalarnos un soplo de aire fresco, toda una ruptura de esquemas, con un montaje, semi montado, laboratorio o working progress donde el espectador, a pesar de estar todo el tiempo detrás de una cuarta pared, es interpelado sin palabras ni miradas durante los 55 minutos. ¡Qué gusto salir de la sala después de una mirada tan sugestiva, crítica y, porque no, interesante!

UNHEIMLICH

by on 20:58
CIA PELIPOLACA + LES DESVESTIDES dirección IRENE VICENTE SALAS intérpretes BELÉN BOUSO, NÚRIA COROMINAS, RUT GIRONA i GAL∙LA SABATÉ ...

dramaturgia e interpretación JUDITH CORONA, MÒNICA MOLINS, LAIA PUJOL y MARIA TEN
dirección MARIA TEN
duración 60min
fotografías ARIADNA PUJOL y LIBORIO SÁNCHEZ
producción LES FUGITIVES
SALA ATRIUM

Este pequeño montaje es toda una caja de sorpresas. La primera nos la encontramos nada más entrar en la sala, escenario desnudo, pero con una imponente bañera blanca con los bajos pintados de negro. Contraste total con las fotos promocionales como la que encabeza el post. Un guitarra eléctrica espera en un rincón a medio iluminar.

Las cuatro protagonistas aparecen vestidas únicamente con un body color carne y unas zapatillas de plástico, se presentan en medio de un discurso entrecortado que ya desvela una pequeña parte de la munición que sus monólogos contienen.



Pese a su juventud, ninguna de ellas llega a los treinta, el mensaje es contundente. En cada monólogo se aprecia las dificultades, abusos, condicionantes que tenemos que pasar/sufrir las mujeres sólo por el hecho de serlo desde la cuna. Un relato descriptivo de diferentes situaciones, conocidas y vividas, que ponen los pelos de punta y que provocan un silencio absoluto en la sala que corta la respiración.

No hay salida, no hay opción, los espectadores quedamos sumergidos en su bañera, atrapados en una maraña de sentimientos difíciles de expresar con palabras. Veu de Dona es uno de esos montajes que en que los aplausos te "despiertan" del letargo donde tus sentidos se han adentrado sin saber a ciencia cierta que les esperaba en el camino.



La puesta en escena se sumerge en nuestros "pequeños" horrores cotidianos, dándoles una pátina de esperanza y poesía. Cada monólogo tiene una clara diferencia estética y aunque todos tienen a la bañera como punto clave escénico, ésta adquiere diferentes significados y protagonismo. La caracterización de Laia Pujol se encarga de poner elementos imprescindibles para llenar por completo de significado el discurso.



No hace falta enmarcarse detrás de un personaje para sentirse identificada en cada una de las palabras del texto. Los sentimientos y humanidad es lo único que necesita el espectador que elija sentarse en la sala y darse de bruces con la realidad que cada vez llega antes, pero que afortunadamente cada vez es más visible y denunciable en voz alta y las nuevas generaciones lo vuelven a dejar claro.

VEU DE DONA

by on 13:52
dramaturgia e interpretación JUDITH CORONA, MÒNICA MOLINS, LAIA PUJOL y MARIA TEN dirección MARIA TEN duración 60min fotografías A...


dirección y dramaturgia QUERALT RIERA
intérpretes ANNABEL CASTAN, PATRÍCIA MENDOZA y NÚRIA TOMÁS
duración 70min
fotografías MERCÈ RAMIREZ y MARIA JESÚS MULÀ
producción NUQART
SALA ATRIUM

A veces hay que perder el tren, es necesario. Unos trenes son para cogerlos al vuelo y otros mejor perderlos. La protagonista de este monólogo, a tres voces, cogió un tren que no era para ella, y se estrelló. Perdió lo poco que tenía bajo la promesa de vivir una vida soñada. Pero, la línea entre el sueño y la pesadilla es demasiado delgada.

Un viaje de ida y vuelta Santander- NY tan rápido como los recuerdos los permitan. La vida de una mujer que desde que su madre la abandona no parece haber retomado el rumbo. Un padre que nunca le prestó atención, un seguido de abusos de los hombres que en ciertos momentos han entrado en su vida y el deseo de volar más alto, de salir de la jaula donde la han encerrado. 



Igual que los trenes hay textos que no nacen para ser representados. Cuando un montaje basa todo su potencial en el texto, éste debe ser capaz de aguantar todo el peso que recaiga en él. Aquí es un texto basado en la fragmentación, palabras sueltas que conforman frases inacabadas, que construyen universos étereos, que acaban en la nada. 

Como espectadora me canso de sentir voces, gritos, pensamientos inconexos durante más de una hora. Es obvio que la tragedia por la que pasa la protagonista la aboca hacia la locura, del estado de shock inicial hasta la pérdida de sentido, lugar y tiempo, pero el modo repetición constante aboca al público al aburrimiento y a mirar el reloj.

Pasar de Santander a Nueva York en pleno 2018 no es nada del otro mundo. La Grand Central Station impresiona estés o no en shock pero no deja de ser una anécdota y como metáfora del centro del mundo, de vivir apartada de la sociedad y en medio de la nada no sé si se aguanta, me atrevería a afirmar que no.



La dramaturgia hiere de muerte el montaje porque el texto no funciona y la dirección de la propia dramaturga tampoco ha sido capaz de pulir las faltas de ésta. Las tres intérpretes intentan, con poco, salvar los muebles, y pese a sus esfuerzos, el barco naufraga. Falta naturalidad, credibilidad, hay exceso de pose y algún que otro momento de sobreactuación al dejarse llevar por una felicidad excesivamente impuesta. Es un lástima que de este tren me tenga que apear casi en marcha.

AQUÍ de Santander a NY

by on 18:24
dirección y dramaturgia QUERALT RIERA intérpretes ANNABEL CASTAN, PATRÍCIA MENDOZA y NÚRIA TOMÁS duración 70min fotografías MERC...

dramaturgia CREACIÓN COLECTIVA DE VACA 35
dirección DIANA MAGALLÓN
intérpretes JOSÉ RAFAEL FLORES (actor) y ALBERTO ROSAS (músico)
duración 50min
fotografías CORTESÍA DE INBA, ENTRETENIA y HÉCTOR ORTEGA
producción VACA 35 TEATRO EN GRUPO A.C.
SALA ATRIUM

VACA 35 TEATRO es sinónimo de imprescindible. Altera el gallinero escénico con su sola presencia. Después de su sublime adaptación de Las Criadas en Lo único que necesita una gran actriz es una gran obra y ganas de triunfar y de abrirnos el apetito y el ánima en Cuando todos pensaban que habíamos desaparecido vuelven con la radiografía de una gallina donde la metáfora vital es de aquellas balas que entran a base de comedia pero acaban estallándote dentro.

Esta vez, Vaca 35 sorprende con un monólogo, con un cierto toque autobiográfico del mismo intérprete, ubicado en Ciudad de México, sobre el tema de la migración (desde Ciudad Juarez) de aquellos que no son aceptados por lo que son en su lugar de origen. Un hombre o una gallina, una metáfora de vidas maltratadas, rechazadas, discriminadas. Todo un rastro de feminicidios, abuso y desaparición.



La voz única de José Rafel Flores en el escenario representa miles, millones de aquellas que fueron silenciadas. El montaje mezcla, en apenas 50 minutos, el plano real con el de los sueños, una manera de escape del horror, y el único espacio donde se puede ser libre sin temor a nada más que a despertar.

La dramaturgia ha conseguido que le compremos el relato, que gallina o no, nos ponga los pelos de punta, que busquemos proteger sus huevos como si fueran propios, que sintamos su aliento, sus sollozos, sus gritos acallados pero llenos de angustia, su inherente esperanza, sus ganas de huir, en definitiva, sus ganas de vivir libre.



La puesta en escena añade un plus de irreverencia avícola. Los huevos de Josefina están colgados a la vista de todos a la espera de saber qué será de sus "vidas". Dos sillas, una caja de madera llena de arena con un rastrillo pequeño, un papel marrón, a modo de pizarra, y la proyección de fotos con diversos mensajes es el único material visual que acompaña al relato. Más que suficiente para recrear el clima de ansiedad que estamos a punto de presenciar.



Quins ous! El nudo en la garganta permanente desde el buen inicio de la obra, para aquellos espectadores que tengan un mínimo de sensibilidad es la mejor forma de describir la obra. Y cómo con ese estado de puñetazo en el estómago, incluso puedes optar a reír en los momentos más irreverentes, sobre todo a nivel físico, aunque la sonrisa se quede tatuada como algo perenne pero sin vida.

Vaca 35 Teatro consigue sacar belleza de la intolerancia, sin dejar de denunciar que lo "no normal" también es "normal". Si antes era vaca, ahora puedo afirmar que también soy gallina, una más que cacareará para llenarles el gallinero. ¡No te la pierdas!



dramatúrgia JAUME VIÑAS
dirección JÚLIA BARCELÓ
intérpretes ALBA RIBAS y MERITXELL TERMES
duración 70min
fotografías MARTINA MATENCIO
SEGUNDO PREMIO BECA DESPERTALAB
SALA ATRIUM

¡Abre los ojos! ¡Abre los ojos! ¡Abre los ojos! ¡Más! ¡Más! ¡Más! No es que me haya vuelto loca, sino es la sensación que tengo desde hace tres semanas. Parece como si hubiéramos despertado de una pesadilla, como si hubiéramos estado viviendo en el País de Nunca Jamás y de pronto al despertar hubiéramos topado con el duro, frío y asqueroso mundo real.

Jaume Viñas, sí este texto lo ha escrito un hombre, sorpresa (positiva) nos invita a entrar a la truculenta historia de dos hermanas, mujeres que se encuentran en el lindar de la infancia y la edad adulta. Su habitación está cerrada, viven en un mundo inventado, lleno de miedos y esperanzas. Faltan horas para el año nuevo, en el que una de ellas se hará mayor y mientras sueñan con escapar.



La dramaturgia es como una flor al que se le van arrancando sus pétalos. Delicada al principio y dura, áspera y "fea" al final. El ritmo del principio te atrapa y te suelta, aunque el espectador esté siempre alerta al próximo paso, hay momentos en que te permiten respirar, tomar aire para la próxima embestida. Eso sí, una vez resuelto uno de los principales misterios de la obra, no serás capaz de quitártela de encima. Vivirás, respirarás y sentirás todo y cada uno de los movimientos de las protagonistas como si fueran tuyos.

Quien siga a Júlia Barceló en las redes sociales o quién haya visto sus últimas interpretaciones, verá un sello muy personal en la dirección del montaje. Sin duda la escena final es el ejemplo más claro, pero a lo largo de la obra también va dejando ligeras pinceladas. Sin duda, Goldilocks parece escrita para que la dirigiera ella. Ha controlado a la perfección los tempos, los movimientos, ha sabido conducir perfectamente al espectador durante toda la historia hasta dejarlo sin aliento.



A pesar de la inexactitud de edades, Alba Ribas y Meritxell Termes capturan la inocencia de cuerpos y miradas, gestionan el tono infantil con registros más adultos, implican al público en su situación y consiguen que seamos empíricos y cómplices al mismo tiempo de su drama. Goldilocks es una obra difícil de digerir pero mientras observaba, con los ojos bien abiertos, a sus protagonistas actuar, me daba cuenta de que el papel más difícil lo tenían ellas. Sin duda son el puntal de la obra y consiguen que dejemos de pensar en edades, que nos olvidemos de todo y nos centremos única y exclusivamente en su drama.



Nadie dijo que vivir fuera fácil, pero para algunos es casi misión imposible. Goldilocks llega en el momento donde nos hemos dado cuenta que es hora de coger la sarten por el mango y dar la vuelta a la tortilla. Ahora o nunca. Goldilocks es otra prueba más de que la única opción es ahora. 

GOLDILOCKS

by on 19:49
dramatúrgia JAUME VIÑAS dirección JÚLIA BARCELÓ intérpretes ALBA RIBAS y MERITXELL TERMES duración 70min fotografías MARTINA MAT...

dirección ROGER TORNS
textos base CARLA LINARES, MAR PAWLOVSKY, LAURA DAZA, MARIA HERNÀNDEZ, PABLO MACHO, JAUME VIÑAS i ROGER TORNS
dramaturgia ROGER TORNS
intérpretes DIANA GÓMEZ, GEORGINA LATRE, MARIA HERNÀNDEZ, JAUME VIÑAS y RAFA DELACROIX
duración 70min
fotografías ORIOL GUILLEM
producción H.I.I.I.T
SALA ATRIUM

Estamos de enhorabuena. No recuerdo la última vez que coincidieron en cartelera tantos montajes con un perfil rupturista con el teatro convencional y con un espíritu tan joven. Algo está cambiando y esperemos que no sea flor de un día.

Uno de ellos es Hàbitat (doble penetració), primer premio en la Beca Desperta de este año, un espectáculo que crítica la sociedad actual donde todo pasa por una pantalla, y donde hemos dejado de mirarnos a los ojos, de tocarnos y lo hacemos todo por y para el foco. Pero los sentimientos son universales y no hay cámara que los cambie. La insatisfacción, la infelicidad, el amor... presentes y reales, incluso cuando se acaba el life direct.



Al contrario de lo que le pasa en otras artes, al teatro es al que más le ha costado incluir el móvil en sus espectáculos, el miedo a los ruiditos que tanto molestan, a las pantallas que iluminan media platea. Pues aquí en silencio, con la pantalla baja de luz pero el público se convierte en amo y señor y decide si ve el montaje a través de la cámara de su dispositivo o a través de su iris.

No es fácil hacer Insta Stories, grabar o hacer fotos mientras te enteras de las historias, pero la experiencia merece la pena por lo peculiar y lo fuera de lo normal. Siempre y cuando se respete al público, que asiste sólo con dos ojos a ver el espectáculo.

Delante del plantel de historias: suicidio en directo, una escritora de odia trabajar en un coworking, relaciones esporádicas en la red... todo sucede de noche, en el mismo barrio, todo en directo, todo es retransmitido y los espectadores, impávidos o no, reciben los "disparos".



Como la vida misma, interpretaciones donde la naturalidad es la máxima. Expuestos más que nunca a ser juzgados por el público. La mezcla de crítica, realidad y ficción, con unos textos que conjugan la poética con un tipo de lenguaje más descarado y sin prejuicios. 

La escenografía de Albert Ventura y Alejandra Lorenzo no puede ser más apropiada, personajes atrapados en su propia pecera, burbuja mental con dos planchas de policarbonato que no sólo actual como pantalla sino que en ella pasan las cosas más "salvajes" de la pieza.

La platea debería estar llena de esa generación millenial y Z que no encuentran propuestas teatrales a su gusto. Para los no milenial es una radiografía de esta generación y, supongo que de las venideras, aunque a veces como todo se escape y se apodere de la sociedad entera, sin importar edades.

La Sala Atrium anuncia que el montaje volverá en breve. Ya no hay excusa por dejarse atrapar por esta pecera de vanidades llena de vida. Un montaje   que no te puedes dejar perder. Ah y no te olvides el móvil en casa!

compañía ZERO10 TEATRE
dramaturgia y dirección MARTINA CABANAS COLLELL
intérpretes PAU ZABALETA, MARIA CIRICI y ARTUR RODRÍGUEZ
duración 70min
fotografías JUANMA VERDAGUER y ROGER TENIAS
producción ZERO10 TEATRE
SALA ATRIUM

Por si cabía alguna duda, la Sala Atrium es una de las salas imprescindibles de la cartelera barcelonesa y esta temporada sus montajes son extraordinarios. Proximidad, contemporaneidad y montajes que tocan la fibra la han convertido en un must to go para los teatreros. 

Hasta esta semana desconocía a Martina Cabanas, a pesar de su granado currículum a sus espaldas en compañías como Els Joglars  y con directores como Javier Daulte o Marina Bollaín. Fuga de conills es el primer espectáculo de esta compañía que busca un teatro de cercanía con elementos que vayan más allá del simple teatro de texto.



Y el resultado es una fiesta. Más allá de la que se vive en el escenario, el espectador disfruta viendo y haciendo suyas las frustraciones de estos tres peterpans a los que les prometieron un mundo que no existía. Pero como la resignación no está hecha para el ser humano, ellos siguen buscando su sitio aunque sea en una discoteca a las 4 de la madrugada.

La puesta en escena de Fuga de conills convierte a la pequeña sala del Eixample en una discoteca con DJ incluido. El medley de la noche triunfa por su extravagancia, desde Manolo Escobar pasando por Whitney Houston y acabando en Bowie.



La historia deja retratada a una parte de la generación que se encuentra ahora entre los 30 y los 40, muñecos rotos que una sociedad no ha sido incapaz de salvar. Quizás porque al fin y al cabo todos llevamos uno dentro, las interpretaciones son totalmente naturalistas, dentro del toque surrealista de la historia.

Combinación notable el texto, el gesto y el movimiento en un montaje que destila frescura y que está de plena actualidad. La escena final, que no explicaré, es una auténtica delicia. Esperemos que la compañía Zero10 Teatre siga evolucionando en sus propuesta y no sea flor de un día. De momento, estos conills ya nos han dejado huella.

FUGA DE CONILLS

by on 12:44
compañía ZERO10 TEATRE dramaturgia y dirección MARTINA CABANAS COLLELL intérpretes PAU ZABALETA, MARIA CIRICI y ARTUR RODRÍGUEZ du...

inspirado en un texto de NATZA FARRÉ
dirección VERO CENDOYA
creación e interpretación ALBA FLOREJACHS, GLÒRIA SIRVENT y VERO CENDOYA
ajudant de direcció MERCÈ VILA GODOY
duración 75min
fotografias JORDI LARREA
producción CIA VERO CENDOYA, TEATRE DE PONENT y ICEC
SALA ATRIUM

La unión hace la fuerza y la comedia nos hace más fuertes para superar las adversidades con las que la vida nos sorprende día tras día. Vero Cendoya quería pasar página de su exitoso montaje La Partida y crear una cosa donde los espectadores no pudiéramos buscar similitudes. Dicho y hecho. If (l'últim desig) es un espectáculo de danza-teatro pero donde el texto tiene una gran importancia.

Nada más entrar en sala nos encontramos en una parcela de camping. Auténtica con manguera y todo. Detallista la escenografía de Sebastià Brosa y Sergi Corbera. Tres hermanas y un funeral. La presencia de la madre muerta planeará durante toda la obra. No hay nada que una más que la muerte.



Unidas en la tristeza pero llenas de vida. Insatisfacción a raudales, pero todavía con un hueco para seguir teniendo deseos y aspiraciones. La bofetada en la cara todavía no ha sido lo suficientemente fuerte para aterrizar en un conformismo miserable.

Aunque es un espectáculo de creación, basado en improvisaciones de las propias intérpretes, de fondo todavía se puede apreciar la acidez con la que Natza Farré acostumbra a impregnar sus escritos, además de una fuerte carga feminista y reivindicativa, tan necesaria en estos tiempos que corren. Nada de ser complacientes. If (l'últim desig) es una comedia negra, muy negra, pero tan real como la vida misma.



En este caso la danza es un vehículo más para expresar las frustraciones vitales de las protagonistas. Pero además de la danza hay una fuerte carga de teatro gestual. Una de las escenas más impactantes la protagoniza este tipo de teatro. Sólo puedo decir que impresiona lo que pueden llegar a trasmitir un "par" de brazos.

Vero Cendoya ha sabido elegir el mejor casting. Glòria Sirvent y Alba Florejachs no es la primera vez que demuestran su excelencia como actrices cómicas y es todo un placer para el espectador disfrutar de sus interpretaciones a escasos metros, sin trampa ni cartón.



If (l'últim desig) es un espejo para toda una generación a la que se le prometió el oro y el moro, y después la realidad les regaló otra cosa bien diferente. Esa generación a la que pertenecemos muchos y por la que seguimos luchando. También es un reflejo de aquellas personas que nunca han superado la infancia y todavía viven en ella. 

Ya dicen que la infelicidad está repartida por barrios y a estas tres hermanas han sido demasiado agraciadas con ella. Eso sí el montaje deja un regusto de esperanza final, porque la vida es mejor tomársela con humor aunque sea... negro.

IF (L'ÚLTIM DESIG)

by on 17:59
inspirado en un texto de NATZA FARRÉ dirección VERO CENDOYA creación e interpretación ALBA FLOREJACHS, GLÒRIA SIRVENT y VERO CENDOYA...

de MANEL BONANY
dirección MANEL DUESO
intérprete MÍRIAM MARCET
duración 65min
fotografías GENIA BADANO
producción IRISPLOT
SALA ATRIUM

He de admitir que no afronto 'virgen' al tema, y eso, a veces puede ser un problema. Una de las obras que va dejar su poso en este tema, y que quizás a muchos les va abrir los ojos ante esta problemática social, fue Limbo. La pell escrita, a pesar de tratar el mismo tema, no tiene nada que ver.

No hay duda que el texto busca atraer la atención del espectador desde la primera línea, "Si soy o no soy una mujer. Para eso han venido. Estúpidos". Toda una declaración de intenciones que pone al espectador en alerta, no es un montaje que le será fácil de digerir y eso ya nos gusta.



Una mujer transgénero, confinada entre el hombre y la mujer y entre la vida y la muerte comparte las sensaciones de su vida, el trato con el resto de la humanidad y radiografía los problemas que aún hoy en pleno siglo XXI se encuentran los transgénero en los países supuestamente desarrollados.

La dirección de Manel Dueso ha optado por enfatizar la palabra, llevando su poética hasta su máxima expresión. No hay ni una sola palabra que esté dicha al azar. Dueso ha sabido remarcar a la perfección las palabras con los gestos precisos y una puesta en escena que da que pensar.



La primera sorpresa del espectador se la encuentra nada más entrar en la sala, en una pensada oscuridad, que se irá aclarando con el paso de los minutos. Sentarse en primera fila es un primer acto de valentía, que se verá recompensado por disfrutar a escasos palmos de una mirada más que esperanzadora que recibes del personaje.

A pesar de que nos encontramos delante de un personaje muerto, nunca una muerta estuvo tan viva. Los ojos vidriosos que Míriam Marcet aporta al personaje nos trasmiten sufrimiento, pero también nos desvelan que detrás de la careta hubo momentos de felicidad y que ahora no sólo está pagando deudas del pasado si no se está riendo de los pobres mortales que nos quedamos en la faz de la Tierra.



Hay momentos sobrecogedores, de esos que tienes el  corazón en un puño, algunos de ellos bajo un himno que ha acompañado a generaciones, a toda la humanidad, Heroes de David Bowie o el relato que hace de los hombres que han pasado por su vida. En esos momentos la normalidad es total, dejamos de ver a un ser con género a ver simplemente a una persona.

La pell escrita es un texto escrito hace 17 años por Manel Bonany que intenta huir de los tópicos que normalmente acompañan a este colectivo y en buena medida lo consigue, sólo hay pequeñas pinceladas de alguno de ellos, como puede ser el descubrimiento que la protagonista tuvo con respecto a su género. En algún momento alude a que le gustaba vestirse con la ropa de su madre. Aunque se queda en un mero detalle me hubiera gustado escuchar otra cosa.



La puesta en escena representa una sala de autopsias llena de cajas donde los humanos tendemos a meternos, una etiqueta, al menos, para cada persona, las impuestas y las auto impuestas. En este caso la muerte puede que suponga una liberación de un cuerpo que para much@s no deja de ser nunca extraño, que nunca consiguen hacerlo propio y habitable. 

Lo que parece que sí que tenemos claro es que esta noche la autopsia nos la han hecho a los espectadores, eso sí, no ha hecho falta bisturí, nos han abierto el alma poética a bocajarro.

LA PELL ESCRITA

by on 18:52
de MANEL BONANY dirección MANEL DUESO intérprete MÍRIAM MARCET duración 65min fotografías GENIA BADANO producción IRISPLOT S...


Por Elisa Díez (Butaques i Somnis) | Fotos: Genia Badano

Se dice pronto pero 17 años ha tardado Manel Bonany en ver representado su texto. Parece que mucho ha llovido desde entonces, pero a pesar de que en los dos últimos años tenemos propuestas que dan voz a aquellos que siempre se les había negado, el espejo sigue reflejando un dura realidad para aquellos que huyen de la odiosa marca de la normalidad.

Problemas de presupuesto y de encontrar una sala, pero sobre todo problemas de encontrar a una actriz que estuviera dispuesta a meterse en la piel de este personaje. Finalmente tienen sala, la Sala Atrium de Barcelona y protagonista, Míriam Marcet, que ha conseguido transformarse física y psíquicamente para afrontar un reto más en su carrera.




Manuel Dueso ha cogido la batuta de dirección de nuevo. En 1996 dirigió un montaje con temática similar Sara i Simon, un texto sobre el SIDA y el colectivo LGTBI. Y aunque afirma que intenta huir de los monólogos, "porque es muy aburrido trabajar siendo tan pocos" se ha tomado esta dirección más allá del acto cultural que supone hacer teatro, "el teatro también es social y reivindicativo".

Un personaje transgénero, fronterizo entre el hombre y la mujer pero también entre la vida y la muerte, entre la luz y la oscuridad, entre la juventud y la madurez, entre la plenitud y la pérdida.

Un mujer transgénero ha quedado confinada en un espacio al margen de todo, abocada al olvido. Luchadora hasta el último instante se aferra a las sensaciones, al recuerdo de los momentos y de las personas que la han iniciado, la han enseñado a reír o a estimar, y que, contra todos los obstáculos, le han permitido construirse como la persona que siempre ha soñado ser. Pero incluso en este rincón alejado del todo, su cuerpo es perseguido por quienes no lo aceptan. Los amigos de su joven amante han venido decididos a desnudar su último secreto, "si es o no una mujer".



La pell escrita es un texto que representa la lucha que todos los seres humanos tenemos por la visión que nos devuelve el espejo, para Manuel Bonany "todos nos vamos construyendo contra lo que vemos en la realidad que nos rodea". 

La primera frase ya es toda una declaración de intenciones: 'Si soy o no soy una mujer. Para eso han venido. Estúpidos.' (Manuel Bonany)

Y tanta reivindicación no pasa sólo por la temática de la obra, Manel Dueso reivindica con su dirección la vuelta a la poética del teatro: "Hemos acercado tanto el teatro al hecho televisivo que hemos perdido la poética del teatro, se ha enfriado, hemos perdido la magia."

En el teatro tenemos que destruir la literatura para crear la magia. Tenemos que cautivar al espectador desde las tripas, desde la emoción (Manel Dueso)



No ha estado un camino fácil ni para la obra ni para  su actriz, Míriam Marcet que interpreta este personaje desde un hecho tan básico como ser persona. "Tienes que ver quien eres, pelearte con el mundo hasta finalmente aceptarte. A veces no hay casa. La casa eres tu."

Yo he nacido así, soy mujer, pero la pregunta es ¿quién soy como persona? La pell escrita intenta huir de los tópicos. (Míriam Marcet)




La pell escrita es un montaje de cocción lenta. "Hemos estado mucho tiempo trabajando porque teníamos que descubrir nuevos lenguajes para evitar caer en un montaje discursivo."

El montaje esconde algunas sorpresas para el espectador, que no desvelaremos porque no nos gusta hacer spoilers innecesarios, pero lo que sí quiere dejar claro Manel Dueso es "Hemos intentado huir del sufrimiento, lo que no quiere decir que el personaje lo pase mal, sino que hay una clara huída de mostrar su victimismo".

La compañía y la sala han organizado dos coloquios para ayudar al espectador a entender mejor el discurso de la obra y mostrar todos los ángulos:

9 noviembre Coloquio postfunción con la presencia de los integrantes de la plataforma Trans*forma la Salut: Lina Mulero, activista de los derechos *trans, e Ian Bermúdez, autor de la novela gráfica Tránsito.

16 noviembre Coloquio postfunción con la presencia de Marta Reina Izquiano, Mossa d’Esquadra, coordinadora políticas de seguridad, responsable de políticas de LGTBI en Podem Catalunya y Jaume Ulldemolins secretario de Chrysallis Catalunya.



Al camino lleno de piedras que se le añade que de momento toda la compañía ha trabajado y esta trabajando sin cobrar. Eso sí, Manel Dueso afirma que a pesar de las condiciones si tuvieran un presupuesto "haríamos exactamente lo mismo pero con más seguridad."

Pero como afirma Manel Bonany es un montaje muy potable, así que esperan conseguir muchos bolos tras su paso por la Sala Atrium. De momento y en primicia nos han avanzado el primero, será el espectáculo que abrirá la nueva Sala Intemperie, en el barrio madrileño de Malasaña en 2018. Así que tuiteatreros ALERTA!

La pell escrita
del 2 al 19 de noviembre
Sala Atrium
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