Mostrando entradas con la etiqueta Carmen Machi. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Carmen Machi. Mostrar todas las entradas

Font: Laura Serra (ara.cat) | Foto: R. Marigot
A l’encíclica de Lluís Pasqual que obre el programa de la temporada 2015/16 hi ha la clau per entendre’n els continguts. D’una banda, celebra que “una part del poder hagi tornat a les mans de l’esquerra”, i especifica: “Una esquerra més humanista”. I, de l’altra, diu que després de quatre temporades “d’economia de guerra” té la sensació d’haver tocat sostre en activitat (526 funcions). Ara toca gratar cap a la profunditat. “Ha arribat el moment de pensar”, acaba dient. I d’aquí les 32 obres escollides, que aborden el poder, les ideologies i les identitats. En el seu 40è aniversari el Lliure es posa seriós i obre un nou espai anomenat Mirador per reflexionar tant amb el públic com amb els professionals. Aquí se seleccionarà la nova Kompanyia jove i se’ls farà un training. Aquestes són 5 claus de l’any que ve. 
La Sardà i les dones fortes
Les grans actrius tindran gran protagonisme. Obren temporada Rosa Maria Sardà i Míriam Iscla amb dos monòlegs de l’autor italià Stefano Massini: una se n’anirà a la franja de Gaza i l’altra encarnarà la periodista assassinada Anna Politkóvskaia. Hi haurà dos monòlegs més amb veu femenina: Laia Marull interpretarà una dona obsessionada amb La llista -producció de La Brutal, text canadenc dirigit per una actriu canadenca, Allegra Fulton- i Marc Martínez dirigirà la superwomanquotidiana Clara Segura a Conillet, de la barcelonina Marta Galán. 
Madrid, els reis i la nova política
“Ha existit sempre un diàleg d’anada i tornada”, deia Pasqual sobre el fet que sis espectacles del cartell siguin produccions madrilenyes. Les escollides sorgeixen de projectes singulars: un és el Teatro de la Ciudad, en el qual tres dramaturgs de moda (Alfredo Sanzol, Andrés Lima i Miguel del Arco) revisiten amb ulls contemporanis textos clàssics - Edipo Rey, Medea i Antígona, i aquí també amb protagonistes femenines potents com Aitana Sánchez-Gijón i Carmen Machi-, i l’altre ve de l’alternatiu, crític i cooperatiu Teatro de Barrio i és El rey, l’esventrament de la figura de Joan Carles I a càrrec dels ex-Animalario. A més, també hi haurà El alcalde de Zalamea de la Compañía Nacional de Teatro Clásico i l’ Invernadero de Harold Pinter dirigit per Mario Gas. 
‘Hamlet’ i els clàssics
Les tragèdies clàssiques, però, tindran el seu cim en el Hamletshakespearià que protagonitzarà Pol López i dirigirà Pau Carrió -tàndem guanyador del Victòria d’Enric V estrenat el 2014- amb Eduard Farelo, Rosa Renom, Xicu Masó i Maria Rodríguez. Sergi Belbel dirigirà Maria Estuard, la batalla de reines de Von Schiller que protagonitzaran Míriam Alamany i Sílvia Bel. També hi haurà la relectura contemporània a càrrec de Marc Montserrat de Relato de un náufrago basada en l’obra de García Márquez que el va obligar a exiliar-se. 
De Filippo i els contemporanis
Lluís Pasqual aportarà la dosi d’humor imprescindible per oxigenar la temporada amb el díptic A teatro con Eduardo, d’Eduardo De Filippo, i un repartiment extraordinari (Jordi Bosch, Boris Ruiz, Ramon Madaula, Mercè Sampietro, etc.). Oferirà una mirada còmica sobre el teatre -cridada a ser Els feréstecs del 2016- que es complementarà amb Premis i càstigs, obra de l’argentí Ciro Zorzoli creada amb una companyia T de Teatre ampliada. 
Si bé la hibernació de la Kompanyia jove durant un any farà pujar la mitjana d’edat dels repartiments, la dramatúrgia contemporània serà majoritària. Josep M. Flotats tornarà al Lliure de Gràcia amb Ser-ho o no (per acabar amb la qüestió jueva),teatre polític en clau de comèdia de Jean-Claude Grumberg. En veu baixa,d’Owen McCafferty, abordarà la vida després de deixar les armes, arran del cas nord-irlandès. I L’inframón,de Jennifer Haley, es qüestionarà la moral en l’era digital a partir d’un Andreu Benito pederasta.
També hi haurà dos muntatges internacionals: el monòleg 887, de Robert Lepage, i La parola canta, dels germans Servillo. D’autors catalans, a més de Galán, es veuran dos finals de trilogies: la família de Vilafranca de Jordi Casanovas (vist ja en gira) i la família de Sota la ciutat de la companyia Arcàdia. 
Lear, èxits i reposicions
Tres espectacles que han fregat el 100% d’ocupació aquesta temporada tornaran la vinent: El rei Lear amb Núria Espert, l’aquelarre de pallassos Rhum i El curiós incident del gos a mitjanit, que salta de Gràcia a Montjuïc. El Teatre Lliure ha tornat a fer un nou rècord: preveu arribar als 110.000 espectadors (1.500 més que un 2013/14 “de miracle”) i obté un 81% d’ocupació mitjana.
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , , , , , , , , , ,

Fuente: Rocío García (elpais.com) | Fotos: Gorka Lejarcegi
El Teatro de La Abadía de Madrid será en unos días el ágora, esa plaza pública de la antigua Grecia, ese lugar de reunión y discusión, las asambleas que concitaban a ciudadanos de toda clase y condición. Será una ágora en torno a la tragedia griega, al origen del teatro, con la representación de tres obras míticas y universales —Antígona, Medea y Edipo Rey—, que llegarán al escenario de La Abadía a partir del próximo martes día 21 bajo la dirección de tres grandes de la dramaturgia española, Miguel del Arco, Andrés Lima y Alfredo Sanzol. Será una ocasión para entrar en la esencia de la condición humana, a través de la vida de héroes y de mitos, de muertes y venganzas, de amores e inmortalidad, de celos. Nace así el Teatro de la Ciudad, uno de los proyectos más ambiciosos y novedosos en el panorama teatral español, con el objetivo de aunar esfuerzos de creación colectiva y generar un espacio físico y humano que sirva de investigación, producción y exhibición de las obras que se vayan poniendo en marcha.
El Teatro de la Ciudad, impulsado por Del Arco, Lima y Sanzol como una gran fiesta ciudadana y colectiva en torno al teatro, cuenta con el apoyo decidido y entusiasta del director de La Abadía y benefactor de esta iniciativa, José Luis Gómez, —”nunca ha habido nada parecido”—. La vocación de esta aventura es la de ser sostenible en el futuro y la de abrir sus puertas a otros creadores contemporáneos y a nuevos valores de la escena teatral.

Antígona


Antígona es la obra de Sófocles que dirige Miguel del Arco. La protagonista se enfrenta a los dictados políticos del rey de Tebas, su tío Creonte, anteponiendo lo que cree ser su realidad familiar. Junto a Manuela Paso (Madrid, 1969) intervienen en la obra Carmen Machi, Ángela Cremonte, Cristóbal Suárez, Raúl Prieto, José Luis Martínez, Silvia Álvarez y Santi Marín.


Compartiendo un mismo espacio escénico, los montajes de las tres tragedias griegas se irán alternando a lo largo de los días (del 21 de abril al 21 de junio), de tal modo que los espectadores podrán asistir en una misma semana a las tres representaciones. Al frente de las tres tragedias griegas están grandes nombres de la interpretación, junto a actores de sólidas carreras en la escena. En Antígona de Sófocles, dirigida por Miguel del Arco, la actriz Carmen Machi se meterá en la piel de un hombre poderoso, Creonte, el rey de Tebas enfrentado a su sobrina Antígona, papel que interpreta Manuela Paso. Aitana Sánchez Gijón será Medea, la obra de Séneca que dirige Andrés Lima, y Juan Antonio Lumbreras hará de Edipo Rey en la pieza de Sófocles dirigida por Alfredo Sanzol. Esta propuesta se completará con unas veladas a las que han puesto el nombre de Entusiasmo, una combinación de locura y sabiduría a celebrar los fines de semana, en los que reinará el factor sorpresa, un espacio imprevisto, que un día se puede convertir en un baile, otro en un coloquio, un discurso, una canción o un debate. El espectador no sabrá de antemano cuando o dónde se producirá el hecho teatral.
Ya hace días que el ágora ha entrado en esos patios idílicos de La Abadía. Lo hizo en la primavera pasada cuando unos talleres de investigación unieron a actores, directores, investigadores, dramaturgos, escenógrafos y oyentes en tono a las claves de las tragedias griegas, su puesta en escena y las motivaciones de los personajes, y lo hace ahora en un enérgico trajín de idas y venidas, de ensayos finales en el espacio escénico elegido, en el que no faltan los nervios pero tampoco el júbilo y la pasión.

Creonte


En la versión escrita por Miguel del Arco, Creonte es una mujer. Carmen Machi (Madrid, 1963) resalta que tanto Antígona como Creonte son unos personajes con los que cualquiera puede empatizar. “He aprendido que en la tragedia el que tiene la palabra tiene el poder y el que habla tiene la razón. Este el dilema de la tragedia, abocada a un final terrible”.


Aitana Sánchez-Gijón tiene la garganta destrozada y la boca llena de llagas. Sabe que será cosa de apenas unos días, que ese dolor emocional que se ha traducido en dolores físicos desaparecerá. Está sin duda ante uno de los papeles más atrayentes de su carrera, Medea, esa hija de reyes, descendiente del linaje del dios Sol, abandonada, desterrada, repudiada como si fuera basura, una mujer poderosa a la que le es arrebatada de un plumazo su dignidad y que decide vengarse dando muerte a sus propios hijos. “He pasado la fase inicial del miedo y el peso que supone interpretar a un personaje mítico como este, llevado a escena a lo largo de la historia por grandísimas actrices, he superado ese primer momento que puede llegar a paralizarte y ahora me siento como si llevara los 46 años que tengo preparándome para poder afrontar algo así. El proceso de trabajo e investigación que hemos realizado me ha ayudado mucho a naturalizar de alguna manera ese acercamiento a Medea, a no sentirme aplastada por el peso de los siglos y la historia y a sentirlo como algo propio". El personaje de Medea se ha ido infiltrando en el subconsciente de la actriz, —“en algún lugar que no controlo racionalmente”— y poco a poco se ha ido apoderando de ella. “Todo esto ha ido brotando en los ensayos desde el primer día de manera muy clara, como que el camino del dolor estaba ya trazado y a partir de ahí todo ha ido saliendo como sin esfuerzo. Como si de alguna manera se hubiera apartado de mí el lado racional y analítico que tengo, me he quitado resistencias y control y me he dejado llevar”. Sánchez Gijón sabe del poder de las palabras y de la acción de esta mujer desbocada por el amor al guerrero Jasón. Como madre, —“al principio no podía leer sin sollozar la escena de la matanza de los hijos”— decidió dejar a un lado a “Aitana” y meterse en “el dolor de una mujer que ya está muerta, que ha antepuesto su amor ante todas las cosas, que ha sido ya capaz de matar en el pasado, de despedazar a su propio hermano”. “He intentado comprender desde ese dolor que te inunda y te obsesiona y te hace escoger el camino de la destrucción total. Medea raya la locura, pero no está loca. Lo más terrible de todo es que uno puede llegar a comprender en qué momento se traspasa esa línea en una mente que no está enferma. Mata a sus hijos y se arrepiente pero a continuación clama: ‘Un intenso placer me penetra a mi pesar y crece".
La escenografía en la sala Juan de la Cruz, de La Abadía, es la misma para los tres montajes, unos cortinajes negros de flecos y el espacio ovalado del teatro, aunque con diferentes elementos. En Medea uno entrará como en un paisaje oscuro de ceniza, lava y rocas, con dos muñecos de barro de terracota, un contrabajo a un lado, dos sillas que se moverán y un traje de novia colgado al fondo en referencia a Creúsa, la hija de Creonte causante del repudio de Jasón a Medea. Una larga mesa de banquete, con restos de comidas y bebidas y centros de flores, acogerá el drama de Edipo Rey, mientras que Antígona utilizará una gran bola transparente colgada del techo sobre la que proyectarán imágenes.

Medea


Uno de los grandes personajes de la literatura, Medea, de Séneca, fue una mujer que, desquiciada por los celos y la amargura, mató a sus hijos. A Andrés Lima, su director, le inquieta desde hace tiempo ese crimen, “el más atroz que uno puede imaginar”. Junto Aitana Sánchez-Gijón (Roma, 1968) interpretan la obra Joana Gomila, Laura Galán y Andrés Lima.


“¿Te parece una locura que Creonte sea una mujer?” La pregunta que le planteó Del Arco a Carmen Machifue toda una sorpresa. “Espérate que lo lea de nuevo y te digo”, le contestó cauta. Hoy la actriz, que vuelve de nuevo con la obra de Sófocles a romper moldes interpretativos, revisó el texto una y otra vez y no vio nada que impidiera que ese poderoso rey de Tebas fuera una mujer. “En ningún momento hemos echado de menos algo que nos diera a entender que estábamos traicionando la verdad. Por el hecho de que Creonte sea una mujer ni mejora ni empeora la función, pero sí creo que en el enfrentamiento con Antígona se afronta de manera más directa la lucha de poderes. El poder no tiene sexo. Son dos personajes muy orgullosos que se creen en posesión de la verdad. Al ser dos mujeres, la situación se iguala mucho y a mí eso sí que me parece interesante. Noto además que crece en potencia sobre todo en la escena con su hijo Hemón”.
Es domingo, acaba de terminar un ensayo y Machi se ha vestido de Creonte para la foto: botas altas, camisa transparente negra y una casaca también negra, que contrastan con los labios rojos. Independientemente del hecho de que ese rey de Tebas ahora sea una reina, a la actriz le ha cambiado mucho la percepción que se tiene de Creonte. “Creo que estamos un poco equivocados. Le defiendo porque le tengo que interpretar pero también porque tengo fe en su honestidad. Lanza un discurso al pueblo en su toma de posesión al que yo votaría con los ojos cerrados. Quiere un país democrático donde haya paz y donde se respeten las leyes. Para ello comienza elaborando una decreto que afecta a su propia familia, pero lo último que se espera es que sea un miembro de esa familia, su sobrina Antígona, la que socave la autoridad. Ahí empieza el conflicto y ante la envergadura de ese enfrentamiento rechaza la corrupción y el tráfico de influencias llegando hasta sus últimas y trágicas consecuencias. Visto así, creo que Creonte está cargado de razones. No creo que represente el abuso de poder, sí el poder y la autoridad. Es la ley", asegura Machi que reconoce, sin embargo, que el orgullo y la cabezonería terminan por socavar las razones de este mito de Sófocles.

Edipo rey


Escrita por Sófocles, es, según Aristóteles, la tragedia más perfecta. “Me impresiona mucho la historia de un hombre que descubre que toda su vida está construida sobre una mentira”, dice su director, Alfredo Sanzol. Junto a Juan Antonio Lumbreras (Cáceres, 1973) trabajan Natalia Hernández, Elena González, Eva Trancón y Paco Déniz.


No lo tiene tan claro Manuela Paso que ve en su personaje, Antígona, a una mujer que lucha contra el sistema y unas leyes injustas e inhumanas. También contra el abuso de poder que cree representa sin dudas Creonte. ¿Dónde está la ley? ¿dónde están sus límites? ¿quiénes imponen esas leyes y desde dónde lo hacen? ¿las leyes se tienen que imponer o puede haber un diálogo con el ciudadano? Todas estas preguntas han atravesado las reflexiones de Manuela Paso, que confiesa que Antígona es el gran personaje de su carrera, uno de los papeles más desafiantes a los que se ha enfrentado nunca. “Tiene una fuerza extraordinaria. No es fácil encontrar papeles con el misterio, la garra y la fuerza de esos mitos del teatro griego. Es lo más potente que una actriz puede hacer sobre un escenario. Es una experiencia poderosísima”, asegura Paso, que sigue el consejo que le dio su profesor Juan Pastor: ‘a un actor entregado se le perdona todo’. Y ella se entrega con tal sentimiento que tiene la sensación de que aparca su vida como Manuela y entra literalmente en cada función a vivir la de Antígona.
Y en esto que llega el padre, Edipo rey, al que Antígona acompañó al exilio tras su expulsión de Tebas, tras matar accidentalmente a su padre y casarse con su madre. La tragedia de Edipo nunca deja de interesar. Ese mito con pies de barro es para su intérprete, Juan Antonio Lumbrera, un ejemplo de dignidad. Fue Alfredo Sanzol quien le aconsejó rebuscar en experiencias personales existencias trágicas. Y él la encontró en su bisabuela que perdió de manera violenta y terrible a casi todos sus hijos y que, sin embargo, nunca se vino abajo. “Esa dignidad y verticalidad es la que yo he intentado impregnar a Edipo, un personaje cuyo afán de saber y de conocer, pese a quien pese y cueste lo que cueste, le llevan a la desgracia. “Con Edipo uno descubre que muchas veces el conocimiento te hace muy desgraciado, como se puede ver hoy con los ejemplos de personas como Snowden, Falciani o Julian Assange y sus papeles de Wikileaks. Todos estos personajes demuestran que todavía sigue habiendo gente que quiere llegar al fondo de la verdad pese a las dificultades y desgracias que recaen sobre ellos”.
Analogías o no, las tres tragedias griegas son para sus directores una oportunidad de mirarse en el espejo para plantearse preguntas y no sentencias, para mostrar el lado más oscuro del ser humano, sin rehuir la mirada al conflicto. “Queremos meter el dedo en nuestras llagas y mirar de frente el dolor”.
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , , , , , , , ,



Bajo el lema Un clásico, un regalo, la 37 edición del Festival de Almagro se perfila como una cita imprescindible con la producción teatral más actual que se está realizando tanto dentro como fuera de nuestras fronteras. Por sus escenarios desfilarán grandes actores, actrices y directores: Carmen Machi, José Sacristán, José Luis Gómez, Natalia Millán, Israel Elejalde, Rafael Álvarez ‘El brujo', Helena Sanchís, Miguel del Arco, Helena Pimenta, Andrés Lima, Laila Ripoll, Lluis Pascual o Pablo Messiez. Entre los días 3 y 27 de julio un total de 52 compañías pondrán sobre las tablas 58 espectáculos en 98 representaciones. Para tal despliegue, el presupuesto total del festival ha ascendido a la cantidad de 1.312.763 euros, un 5,3% más respecto a 2013.


Asimismo, el XIV Premio Corral de Comedias, que se entrega el 3 de julio en el Corral de Comedias como acto inaugural, recae en esta ocasión en la actriz Julia Gutiérrez Caba de la que la organización ha destacado su carisma, rigor y elegancia. El clásico homenaje del festival será para el Centro de Documentación Teatral y tendrá lugar el 24 de julio.

Las 98 representaciones corren a cargo de 52 compañías. 41 de ellas tienen procedencia española: 24 de Madrid, cuatro de Castilla-La Mancha, tres de Cataluña, Islas Canarias, Castilla y León, Aragón, Comunidad Valenciana, Galicia y País Vasco. Las ocho restantes son internacionales y llegan desde Colombia, Cuba, Francia, Dinamarca, México, Reino Unido e Italia, que en esta edición es el País Invitado de Honor.

Este año tendrán una especial relevancia los espectáculos familiares que serán 25 en total. También se podrá disfrutar de 8 representaciones gratuitas, de las XXXVII Jornadas de Teatro Clásico de Almagro bajo el lema El dinero y la comedia española, de la IX Escuela de Verano de la Red para las profesiones técnicas del espectáculo en vivo; del II Encuentro Internacional de Crítica y Gestión Teatral y del Taller El camino del verso, impartido por Vicente Fuentes, entre otras muchas actividades.

El precio de las entradas oscilará entre los 4 y los 27 euros, con descuentos del 50% el día del espectador (por primera vez los jueves) y del 40% para menores de 21 años, mayores de 65 y desempleados. La programación se dividirá en varios espacios.

Corral de Comedias

Un día después de la entrega del premio Corral de Comedias a Julia Gutiérrez Caba, se podrá ver el estreno absoluto de Bobas & Gallegas en el mismo emplazamiento, el Corral de Comedias. El espectáculo dirigido por Quico Cadaval sobre textos de Calderón, Zamora y Lope durará hasta el 7 de julio. El 11 y 12 tendrá lugar otro estreno absoluto, Los brillantes empeños, función basada en textos del Siglo de Oro Español que corre a cargo del argentino Pablo Messiez.


Después será el turno de Confesiones de San Agustín el 13 de julio, obra dirigida por Juan Carlos Pérez de la Fuente sobre textos del propio San Agustín. El siguiente montaje se escenificará el 17 de julio con ¡Gaudeamus!, versión libre de El licenciado Vidriera de Miguel de Cervantes. El 18 de julio se pondrá en pie la obra Así es, así fue, escrita por Juan Carlos Plaza Asperilla y dirigida por Laila Ripoll. El espectáculo La puta enamorada, escrito por Chema Cardeña y dirigido por Jesús Castejón, se subirá a las tablas el 19 y 20 de julio.

Cuatro días después, el 24 de julio, tendrá presencia en el mismo espacio el homenaje al Centro de Documentación Teatral. El 25 y 26 de julio será el turno de De fuera vendrá, obra de Agustín Moreto que dirige Ángel García Sánchez. La programación en el Corral de Comedias se cerrará con la obra de Tirso de MolinaEl pretendiente al revésdirigida por José Maya.


Hospital de San Juan

La Compañía Nacional de Teatro Clásico lleva dos montajes a este espacio. Del 3 al 13 de julio tendrá lugar el estreno absoluto de Donde hay agravios no hay celos de Rojas Zorilla y dirección de Helena Pimienta. Este escenario también contará con la obra El caballero de Olmedo de Lope de Vega del 18 al 27 de julio, función que Lluis Pasqual dirige con la misma compañía y el Teatro Lliure.

Antigua Universidad Renacentista, AUREA

Los días 4 y 5 de julio comparece el espectáculo Amleto en la Antigua Universidad Renacentista. Basado en Hamlet de Shakespeare, la obra la dirige el italiano Andrea Baracco. Un día después, el 6 de julio, otro espectáculo de Shakespeare se sube a este escenario, en esta ocasión Otelo, puesto en escena por Eduardo Vasco.


Del 9 al 13 de julio será Lope de Vega quien con dirección de Josep María Mestres escenificará La cortesía de España a cargo de la Joven Compañía Nacional de Teatro. El 18 y 19 de julio vuelve a este espacio un texto de Shakespeare con Los Mácbez, dirigida por Andrés Lima y basada en el original Macbeth. El día siguiente, el 20 de julio, se representará Las amistadas peligrosas de Choderlos de Laclos que dirige Dario Facal. Cinco días después, el 25 de julio, será la dirección de Gustavo Tambascio con ¿El Greco, decís?.

El 26 de julio será el turno de El castigo sin venganza de Lope de Vega que Ernesto Arias dirige con la Fundación Siglo de Oro (RAKATá). Otro texto de Lope de Vega, esta vez El perro del hortelano, también a cargo de la Fundación Siglo de Oro, se representará con dirección de Laurence Boswell y Rafael Díez-Labín. El último espectáculo que cerrará la programación de la Antigua Universidad Renacentista será Misántropo de Moliere, con versión y dirección de Miguel del Arco.


Espacio Miguel Narros

Este espacio anteriormente denominado como Plaza de Santo Domingo y que adquiere este nombre tras el fallecimiento del reconocido director Miguel Narros, arranca su programación los días 4, 5 y 6 de julio con La hermosa Jarifa,dirigida por Borja Rodríguez a partir de Historia del Abencerraje y de la hermosa Jarifa de Antonio de Vilegas, el Romancero popular y otras fuentes. Dos días después, se escenificará el nuevo espectáculo de Rafael Álvarez “El Brujo” La luz oscura de la fe el 8 y 9 de julio.


El 11 y 12 de julio la compañía Ron Lalá hace una versión libre de la novela de Cervantes con su espectáculo En un lugar del Quijote. Moliere es el autor que el 13 de julio se sube a las tablas del Espacio Miguel Narros con Anfitrión, un texto que dirige Eduardo Vasco. Tres días después, el 16 de julio, será el turno de la Banda Municipal, que actuará también el 23 de julio. El Teatro de la Danza lleva a las tablas el 18 de julio su espectáculo El lenguaje de tus ojos, escrito por Marivaux y dirigido por Amelia Ochandiano. El 19 y 20 de julio vuelve Lope de Vega con Las dos bandoleras de la Compañía Nacional de Teatro Clásico y Factoría Escénica Internacional, dirigido por Carme Portaceli. Por último, el espectáculo El burgués gentilhombre de la compañía Mephisto Teatro es la función encargada de clausurar la programación en este espacio el 25 y 26 de julio.


Teatro Municipal

El Teatro Municipal de Almagro inaugura su programación con el ciclo Cómicos de la Lengua de la Compañía Real Academia Española, que se compone de los siguientes espectáculos: Escrito por Teresa de Ávila, interpretado por Julia Gutierrez Caba el 4 de julio; La Celestina, escenificado por Beatriz Arguello,Israel Elejalde y Carmen Machi también el 4 de julio; Cantar del Mio Cid,puesto en pie por José Luis Gómez el 5 de julio; Duelo de plumas: Góngora - Quevedo, interpretado por Helio Pedregal y José Sacristán también el 5 de julio. Y, por último, Don Quijote de la Mancha, a cargo de Ernesto Arias el 6 de julio.


En este mismo espacio también tiene lugar el 3° certamen Barroco Infantil que se desarrollará del 11 al 16 de julio. El espectáculo ganador del certamen exhibirá como premio su espectáculo los días 19 y 20 de julio. En el Teatro Municipal, además, tendrá lugar la representación de La discreta enamora de Lope de Vega el 22 de julio con dirección de Gonzála Martín Scherman y Cuento de Invierno de Shakespeare el 23 de julio con dirección de Carlos Martínez Abarca.

Por último, en el singular espacio de La Veleta vuelve a celebrarse, por cuarto año consecutivo, el Certamen Internacional Almagro Off del 14 al 23 de julio y la Plaza Mayor, al aire libre, acogerá tres espectáculos: Un viaje a través de la historia de la tarantela de la compañía italiana Arakne Mediterranea el 3 de julio;El enfermo imaginario de Moliere con dirección de Severiano García Noda el 16 de julio; y La banda de Lázaro el 24 de julio, basada en Lazarillo de Tormes y con dirección de Antonio Laguna. 
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , , , , , , , ,

TEXTO: MARGUERITE YOURCENAR
DRAMATURGIA: MARC ROSICH
DIRECCIÓN: JOSEP MARIA POU
INTÉRPRETES: CARMEN MACHI, CAYETANA GUILLÉN CUERVO, NATHALIE POZA y ANA TORRENT
DURACIÓN: 90min
PRODUCCIÓN: TEATRE ROMEA i FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CLÁSICO DE MÉRIDA
TEATRE GREC (GREC 2013)

Era el estreno en Barcelona, una plaza difícil y a pesar de las buenas críticas recibidas en el Festival de Mérida el público barcelonés es más complicado de convencer que otros. Aunque en el Anfiteatro estuviera bastante lleno de amigos, familiares y seguidores. En medio de la naturaleza, se apagan las luces, fundimos a negro y comienza el espectáculo que este año cierra el Grec y las agendas teatrales de muchos.

Carmen Machi es Marguerite Yourcenar, la narradora que da paso a los monólogos de las otras tres actrices. No es su mejor papel. Esta temporada hemos tenido saturación de ella (Juicio a una zorra, Dispara/Agafa el tresor/Repeteix y Fuegos), y quizás esta última sea la vez en que nos la hemos creído menos, pese que a ella no sea la protagonista, simplemente reparta juego y ponga un poco de tranquilidad entre tanta voz trágica.

El primer monólogo lo protagoniza María Magdalena (Cayetana Guillén Cuervo) con demasiada pose sobre el escenario. Nada natural ni en presencia, ni en cuerpo ni en voz. Como algunos apuntaban una Maria Magdalena rubia, demasiado terrenal y que se olvida del plano espiritual para sacar todas sus vísceras en escena. No hay credibilidad, Cayetana pasa por el personaje sin creérselo, es María Magdalena como puede ser otra mujer. Faltan rasgos, matices tanto en presencia como vocales. No convence y sólo deseas que pase rápido.

Le toca el turno a Clitemnestra (Nathalie Poza), el gran monòlogo de la noche. Sorpresa para algunos, esperada interpretación para otros. Es sin duda la mejor que pisa el escenario del Grec sin miedos. Natural, impetuosa, intimista, llena de matices en gestos, voz y movimientos. Su monólogo es igual de desgarrador que los otros tres, pero sus ojos están llenos de paz, de una tranquilidad que inunda toda su interpretación. Brillante, incisiva, en definitiva enamora.

Y finaliza una peculiar Safo (Ana Torrent) equilibrista, pero que en la puesta en escena le sobra movimientos y le falta alma. Si el monólogo de María Magdalena es demasiado visceral, este es demasiado introspectivo, des de la fila 4 ya se hace lejano, no me puedo imaginar cómo lo sienten los espectadores que moran más arriba. Safo se hace pequeña en un teatro demasiado grande para un interpretación excesivamente intimista. 

El espectáculo sólo tiene un par de fallos: la interpretación de dos de sus actrices (Cayetana Guillén Cuervo y Ana Torrent) y la iluminación de la primera hora. Obviamente dependerá desde donde veas el montaje, pero como siempre se tiene que pensar en todas las opciones. Miguel Ángel Camacho juega demasiado con las sombras (desde la fila 4 centrada) en un espectáculo donde ver la expresividad de las actrices es una pieza fundamental. Por contra el monólogo de Safo está perfectamente iluminado. A pesar de ello, la puesta en escena conservando el espíritu del Teatro Grec es acertadísima, estilo japonés, responde al juego que establecen las actrices.

Sin duda lo mejor de la obra es el texto. Algunos echen de menos algunos de los monólogos y personajes que completan el libro original de Marguerite Yourcenar, pero los elegidos están sabiamente bien tramados en un dramatúrgia perfecta y precisa (nada fácil) de Marc Rosich. A pesar de la verborrea de alguno de ellos, el espectáculo tiene un ritmo que funciona. Sólo voces y algún momento musical concreto (Ne me quitte pas de Jacques Brel) completan un espectáculo que cierra un Grec 2013 que mejora notablemente el del año pasado y que deja buen sabor de boca en general y ganas de saber qué nos espera en el 2014.

FUEGOS

by on 19:54
TEXTO: MARGUERITE YOURCENAR DRAMATURGIA: MARC ROSICH DIRECCIÓN: JOSEP MARIA POU INTÉRPRETES: CARMEN MACHI, CAYETANA GUILLÉN CUERVO...
Publicado por en 2 comentarios:
Etiquetas: , , , , , , , , ,


Fuente: Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Después de su paso por el Festival Internacional de Mérida, Fuegos de Margarite Yourcenar llega al Festival Grec del 26 al 28 de julio. Fuegos cuenta con un elenco de lujo: Carmen Machi, Cayetana Guillén Cuervo, Nathalie Poza y Ana Torrent dirigidas todas ellas por Josep Maria Pou.

"Si su casa fuera asolada por las llamas, ¿qué querrías salvar de la destrucción? Yo sólo salvaría el fuego.". La conocida frase atribuida a Jean Cocteau era una de las preferidas de la autora y son aquestas llamas devastadoras las que centran la trama de Fuegos. Yourcenar, que no acostumbraba a enseñar públicamente su intimidad, abre su corazón para explicar la herida sentimental que la atormentaba. Para ello utiliza personajes clásicos como Clitemnestra, Safo o Maria Magdalena.

El dramaturgo Marc Rosich ha recopilado las prosas poéticas junto con otros textos de la autora para crear un artefacto dramático donde Carmen Machi personifica la voz en primera persona de la novelista y la resta de actrices se desdoblan en las diferentes heroínas que, como si fueran una máscara, le permiten a Yourcenar expresar los rincones más arrebatados y torturados de su decepción tras la ruptura con el editor André Fraigneu. Un juego teatral intenso pleno de pasión que tiene como telón de fondo el mundo clásico que siempre fascinó a la autora.

Fuegos, que fue escrita en 1935, alterna relatos basados en los mitos clásicos con fragmentos sobre la pasión amorosa. "Espero que este libro no sea leído jamás", primera y contundente frase del libro, a partir de la cual se dan cita mitos clásicos y textos sobre la noción de amor. La crisis sentimental le duró a Yourcenar dos años hasta que conoció a la traductora norteamericana Garce Frick y rehizo su vida. Con ella compartió su vida hasta la muerte de esta, diez años antes de la de Yourcenar.

Marc Rosich describe las palabras de la autora como una "purga, como si quisiera sanar de esa melancólica enfermedad, la autora vierte todo el dolor de su corazón en la escritura. El resultado fue esta colección de monólogos que tienen como elemento unificador una serie de interludios en primera persona, extraídos de su diario personal, donde ofrece aforismos, pesimistas y clarividentes, alrededor del sufrimiento amoroso."

Josep Maria Pou que en un principio rechazó el proyecto, producción del Festival de Mérida y la productora Focus explica porqué: "De entrada dije que no, porque me da mucho miedo todo aquello que no está pensado para que sea teatro y al leerlo vi que eran reflexiones en voz alta, pero había tres monólogos, los de Magdalena, Clitemnestra y Safo, que tenían más carne dramática y me empeñé en superar ese reto. Con Rosich buscamos el camino para que no fuera una actriz detrás de otra, sino algo unitario, cosa que nos facilitó el hecho de incorporar la figura de la propia Yourcenar, una mujer abandonada y convertida en materia artística."

Rosich y Pou han abordado la obra como si fuera un juego pirandelliano en el que los tres personajes conversan con la autora que las ha creado, y rompiendo la famosa cuarta pared, comparten esa experiencia con el público. "Tanto antes como ahora los personajes de las mujeres siempre han estado escritos por hombres. Con Yourcenar vemos a estas heroínas defendiéndose del papel que les ha dado la Historia y cuentan su propia versión, lo que es muy de agradecer porque vemos que son seres inteligentes y con capacidad de verbo", apunta Carmen Machi. Nathalie Poza añade: "La escritora describe muy bien el dolor porque lo conoce. Todos los personajes sagran por la misma herida." "Es un vómito emocional y privado", recalca Guillén Cuervo.

"Porque cuando una mujer deja ser amada, se convierte en invisible." El Teatre Grec las devolverá al sitio donde siempre debieron estar del 26 al 28 de julio.
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , , , ,
Fuente: Rosana Torres (elpais.com)

Son algunos de los astros que más brillan en el panorama del teatro, sobre todo el madrileño, por trabajos con los que el próximo lunes optan a la manzana de bronce en la noche del teatro español, en la gala de los Premios Max de las Artes Escénicas.
Todos saben que esa noche es un pequeño, pequeñísimo, respiro que se permiten. Detrás de esos bellos trajes (muchos prestados), esas nubes de fotógrafos y esos minutos de gloria, hay muchas, muchísimas horas de trabajo, entrega, sacrificio, desencantos, alegrías y luchas, a veces cruentas e innecesarias, como la que libra el sector con la brutal subida del IVA. Dejando al margen este tema, en el que todos están de acuerdo, algunos de los protagonistas de la noche de los Max hablan de las artes escénicas… y de su relación con Madrid.
Los ratones
Los creativos en De ratones y hombres, de John Steinbeck, tienen más posibilidades de que su cesto de manzanas sea el más hermoso (12 candidaturas).
El director y versionador, Miguel del Arco, que saltó a la fama hace pocos años, tras dejarse la piel en el teatro durante décadas, dice que lo mejor de Madrid es su gran diversidad de propuestas: “Pero habría que revitalizar el sector con un plan para hacer sostenible y duraderos los espacios públicos y así recuperar las giras; además de una nueva legislación que no haga imposible el nacimiento de salas alternativas, ahora equiparadas a discotecas con grandes cargas impositivas. Mientras, tenemos que seguir trabajando a destajo, sin confundir crisis económica con precariedad artística”.
Su protagonista, Fernando Cayo, está contento porque en Madrid se están descubriendo nuevas maneras de relacionarse con el espectador. “Pero para revitalizar el teatro hay que hacer un gran ejercicio de consciencia y reeducación del espectador para adaptarlo a los nuevos precios derivados de la ausencia de apoyo público”, dice este actor que ahora está en cartel con La terapia definitiva.
Su compañero de reparto, Roberto Álamo, sostiene que en el teatro se puede hablar de lo que está ocurriendo aquí y ahora, “es necesario hablar de lo que pasa y de manera entretenida”. La productora de este montaje, Concha Busto, defiende los microteatros “por su frescura y por los costos asequibles al espectador ante momentos de crisis, aunque los teatros públicos deberían tener nuevas iniciativas”.
Los musicales
En este grupo de maxicandidatos, los más musicales, sin lugar a dudas, son los que han participado en Follies, de Sondheim (seis candidaturas). Su director, Mario Gas, cree que pese al afán aniquilador de estos turbulentos tiempos, “Madrid cuenta con creadores que se empeñan en seguir creyendo en el teatro como gran vehiculador de preguntas, conductas, emociones y razones que nos afectan, y como oficio humano e integrador, aunque también hay, por supuesto, basura, desaliento, engaño, mercadería artera y evasión”, comenta este creador (en septiembre regresa con El veneno del teatro) quien considera necesaria una definición y atención a la totalidad del tejido teatral “pero sin patrañas ni falsedades”.
El protagonista de Follies, Carlos Hipólito, desearía que el acceso a los múltiples espacios de Madrid fuera, para los creadores, más fácil y con menos coste: “Hay que renovar la forma de publicitar espectáculos, con una ley de mecenazgo en condiciones… Y que rectifiquen lo del IVA, que es de delito; ya que el poder no ayuda a la cultura, al menos que no la perjudique”, señala este popular actor que está en Sonrisas y lágrimas hasta junio y estrena en septiembre El crédito, de Galcerán Su compañera de reparto, la gran Asunción Balaguer, que cantó y bailó en esta obra a sus 87 años, dice: “En mi larga carrera de actriz, por fin hoy he visto superar lo que nuestra generación dejó atrás; pero los medios de comunicación deberían dar más importancia y atención al teatro que tanto ayuda a pensar y reflexionar… la cabeza es más importante que los pies…”, apunta esta veterana profesional que se prepara para estrenar una obra de Muñoz de Mesa.
En Follies estuvo como figurinista Antonio Belart, quien tiene claro que para revitalizar al teatro hay que inventar “como sea” nuevas formas de gestión: “Porque vivo está, pero que muy vivo, pero al final no podremos vivir de él los creativos”.
Los lunáticos
El director y autor Alfredo Sanzol y la actriz Lucía Quintana, del montaje En la luna (ocho candidaturas) hablan al alimón dejando claro el gran nivel artístico de Madrid: “Pero no tenemos que ser complacientes, hay que hacer más y mejor para demostrar que el teatro es lugar de reflexión, pero no se podrá hacer nada sino volvemos al IVA que teníamos”, comentan estos teatreros siempre en activo. De hecho a Quintana se la puede ver en julio enMaribel y la extraña familia, de Mihura.
El escenógrafo de este montaje, Alejandro Andújar, piensa que la presión económica en Madrid nunca fue tan poco estimulante para las gentes de la escena: “Necesitamos visibilidad, participación, implicación y apoyo”, dice este profesional cuyo trabajo se puede ver en Esperando a Godot, de Beckett y Sanzol.
Los clásicos
Aunque no son nada clásicos, en el sentido conservador del término, optan a siete candidaturas por su trabajo en la calderoniana La vida es sueño, de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, con una versión de nuestro dramaturgo más internacional, Juan Mayorga, que se encuentra en Estonia estrenando. Desde allí comenta que Madrid es lugar de encuentro de gente que cree en el teatro como arte de futuro: “El creador escénico no tiene facilidades materiales, pero sí cómplices; las instituciones pueden ayudarnos abriendo espacios poco o nada utilizados a trabajos que no encuentran dónde mostrarse”, apunta el dramaturgo del que se puede ver en unas semana La lengua en pedazos.
Blanca Portillo, que con Segismundo se ha enfrentado a uno de los personajes más ambiciosos de su carrera, cree que la crisis y la falta de medios ofrecen a espectador y creador la posibilidad de una apertura de miras: “El teatro se empieza a trasladar a muchos otros lugares que no son los convencionales; se acude a una esencialidad, huyendo de adornos, y, de pronto, todo va adquiriendo una carga ideológica que es la pura esencia del teatro”, comenta esta actriz para quien el teatro no puede ser un coto privado, “pertenece a los ciudadanos y hay que trabajar para ellos, ofrecerles reflexión, ideas, emociones que les hagan plantearse sus vidas”.
La directora, Helena Pimenta se pregunta, qué necesita la sociedad civil para sobrevivir en este mundo: “Probablemente salir de la crisis, pero también recuperar valores olvidados y el teatro es un buen paliativo para el desánimo, porque es espacio de libertad, de pensamiento y de expresión que puede devolvernos esperanza”, comenta la también directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico.
El iluminador de La vida es sueño, Juan Gómez Cornejo cree que Madrid se salva por la multiprogramación, los trabajos de bajo coste, los repartos reducidísimos, las pequeñas salas: “Denotan la necesidad de crear pese a los infortunios; talento sobra a raudales, pero no sirve de nada si no se considera un bien social y cultural”, comenta el iluminador de espectáculos como El intérprete.
Los de Troya

Tres candidaturas tiene Juicio a una zorra, reinterpretación personal de Helena de Troya, escrita por Miguel del Arco, interpretada por Carmen Machi y producida por Kamikaze (Aitor Tejada y del Arco). Precisamente es Tejada quien sostiene que los nuevos espacios dan la oportunidad de “foguearse a nuevos actores, autores, directores y mostrar sus trabajos, pero que lo importante es que se vuelvan a potenciar las programaciones en la infinidad de teatros, para lo que es imprescindible el compromiso de las instituciones públicas con la cultura”. Tanto Tejada como del Arco tienen en este momento en cartelera Juicio a una zorra, La función por hacer (a partir de día 16) y Deseo.
Versos libres
La autora y directora Carol López, habitual en la cartelera barcelonesa y ahora en Madrid con Hermanas, se sorprende de la variedad de la cartelera madrileña: “Como creador es muy estimulante; pero hace falta para revitalizar las artes escénicas que las gentes que nos gobiernan se las crean”.
En el capítulo de danza, raro es el año que Teresa Nieto no está entre los finalistas a los Max Denuncia que el espectador madrileño tiene acceso a espectáculos de danza de gran formato, casi todos extranjeros, o de flamenco y a propuestas alternativas de pequeño formato. “Las compañías españolas de mediano formato, que sustentan el tejido creativo y empresarial del sector, están excluidas de todos los canales de exhibición, al no tener acceso a los circuitos comerciales dependemos en gran medida de las instituciones públicas que nos han abandonado a nuestra suerte. La danza sigue considerada como producto de lujo, de minorías, a pesar de que la realidad nos dice que nuestro patrimonio dancístico es de los más ricos y singulares del mundo”, señala Nieto, cuyo trabajo, Al mal tiempo buena cara, se puede ver y gratis en el Centro Cultural Eduardo Úrculo el 10 de mayo.
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , , , ,


Fuente: Julio Bravo (abc.es)
La Medea del Ballet Nacional de España (la coreografía fetiche de la compañía) volverá a Mérida para abrir la LIX edición del festival de teatro clásico, que se ha presentado en la ciudad extremeña. que se desarrollará del 5 de julio al 25 de agosto, dirigido por Jesús Cimarro. No será la primera vez que en el festival se pueda ver este ballet de José Granero, Miguel Narros y Manolo Sanlúcar sobre uno de los mitos más vinculados al certamen. En esta ocasión, el conjunto que dirige Antonio Najarro estará acompañado en el foso por la Orquesta de Extremadura.

Carmen Machi y Nathalie Poza son los dos nombres confirmados en el reparto de Fuegos, que dirigirá José María Pou a partir de dos obras de Marguerite Yourcenar: Fuegos y Las caridades de Alcipo. Se trata de textos de prosa poética inspiradas en mitos griegos, que Pou ha convertido en un espectáculo para cuatro actríces.
Rafael Álvarez «El Brujo» estará en Mérida con El asno de oro, de Lucio Apuleyo, un autor de la Roma clásica. El protagonista, según El Brujo, «se ha convertido en un asno y vive con su alma humana en el interior de un cuerpo animal un largo espacio de tiempo hasta recobrar su forma humana otra vez con la luz ahora de un nuevo nacimiento. Es una historia de caída y redención, de crisis y conversión. Se ha relacionado el relato con los rituales procesos psicológicos vinculados con los antiguos misterios, especialmente los mitos de Isis y Osiris».
Shakespeare
La siguiente cita tiene como protagonista a Shakespeare. El director y escenógrafo Paco Azorín dirige Julio César, con un reparto en el que están confirmados Sergio Peris-Mencheta (Marco Antonio), Mario Gas (Julio César) y Tristán Ulloa (Bruto). «Creo firmemente -dice Azorín- en la oportunidad y conveniencia de la lectura en clave contemporánea (aunque no únicamente actual) de Julio César, en un momento claro de banalización del lenguaje y de pérdida de valor de las palabras y, por lo tanto, de las ideas».
A pesar de haber anunciado su retirada, Concha Velasco sigue atada a los escenarios. En Mérida vuelve a trabajar con uno de sus directores favoritos, José Carlos Plaza, y será la protagonista de Hécuba, de Eurípides, en una versión de Juan Mayorga. El dramaturgo se refiere a la obra como «la tragedia de la venganza».
Producciones locales
Las tesmoforias, de Aristófanes, llegará a Mérida en versión de las compañías extremeñas Samarkanda Teatro y Triclinium Teatro. Dirige Esteve Ferrer, que dice sobre la obra, un capítulo más en la guerra literaria que sostenían su autor y Eurípides: «Es una de las comedia más blancas y brillantes de la segunda etapa de la gran producción de Aristófanes».
Cerrará el festival otra producción local: Los gemelos, de Plauto, con dirección de Paco Carrillo. Se trata de una de las comedias de Plauto de mayor éxito e influencia, es el más significativo ejemplo de comedia de equívocos de toda su producción,
El festival se completará con la programación off, que incluye talleres formativos, representaciones en el Templo de Diana, un ciclo cinematográfico, pasacalles y conferencias. También acogerá el certamen la segunda edición de los premios Ceres.
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , , , , , , , , ,