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Fuente: EFE via abc.es

El director Andrés Lima lleva el espíritu de Lou Reed al espectáculo musical «Desde Berlín», con el que el próximo 9 de septiembre se abre la temporada del Teatro Romea de Barcelona, que ha definido como «un poema audiovisual» y que cuenta con la actuación de Nathalie Poza y Pablo Derqui.
El director artístico del Romea, Borja Sitjà, que debuta en el cargo con «Desde Berlín», ha explicado hoy en la presentación que el proyecto surgió de muchas conversaciones y pensamientos, de ganas de trabajar a partir de la obra de Lou Reed y su manera de enfocar el arte.
Ese enfoque genérico se centró de manera específica en el disco de Lou Reed «Berlín», un álbum que, como recordaba hoy Sitjà, fue destrozado por la crítica cuando apareció en 1973.
Sexo, muerte, autodestrucción y suicidio conforman el eje temático de este disco, que habla de la historia de amor de dos personajes, Caroline, una prostituta drogadicta, y Jim, un proxeneta maltratador, y a partir de ese disco el Romea pidió a tres escritores de tres generaciones diferentes, Juan Villoro, Juan Cavestany y Pau Miró, que enviaran escenas inspiradas en el álbum para construir el espectáculo.

Espectáculo poético

Partiendo de las escenas enviadas por los tres autores, Andrés Lima añadió algunos textos y construyó la dramaturgia de la obra.
Lima ha dicho que «igual que Lou Reed decía que sólo hacía rock and roll y que lo importante era hacerlo desde el corazón, esta obra debe acometerse del mismo modo, desde el corazón» y añade: «Lou Reed era un poeta, además de un músico, y por esa razón hemos afrontado el espectáculo de una manera poética».
Con una cama de matrimonio como elemento escénico centraly un biombo en el que se proyectan vídeos y textos sugerentes y alegóricos, «Desde Berlín» aparece ante el espectador como «un poema visual» que, en palabras del director, «no rehuye la mirada hacia el lado salvaje y oscuro de la vida, porque en definitiva estamos ante una historia completa llena de tragedia y comedia».
El elemento común de «Desde Berlín» no sólo es la música de Lou Reed y su disco «Berlín» sino también la influencia que tuvo el rockero en muchas generaciones, por su forma de ver la vida y de expresarse, que tiene mucho que ver con Nueva York, la Factory, Warhol, o la tradición poética urbana de Delmore Schwartz, Saul Below o Allen Ginsberg.
Para la actriz Nathalie Poza, el espectáculo es difícil de definir: «cada día tengo más claro que es un trabajo poco intelectual, en el que ya sólo cabe tirarse al abismo».
La actriz, que toca el piano y canta en directo, ha confesado: «Lou Reed es el artista de mi vida y «Berlín» disparó mi imaginación con sólo 11 años, porque fue un disco que rompió las barreras que separan la poesía de la música y del teatro».
Pablo Derqui, popular por su interpretación de Enrique IV en la serie televisiva «Isabel», no ha ocultado sus nervios ante la inminencia del estreno de una obra en la que debe tocar la guitarra eléctrica en directo.
Los arreglos musicales para la obra han corrido a cargo de Jaume Manresa, exteclista del grupo Antònia Font.
Tras hacer temporada en el Romea hasta el 19 de octubre, el espectáculo se representará en Valencia y posteriormente durante cinco semanas en el teatro Matadero de Madrid.

Font: Jordi Bordes (elpuntavui.cat)
Borja Sitjà és el primer gestor cultural que assumeix la direcció del Romea, després d'una dècada llarga de la gestió de Focus. Sitjà, exdirector del Festival Grec, entre moltes altres direccions de risc, manté les accions paral·leles al vestíbul o en espais entorn de la sala (que es va inventar l'anterior director artístic, Julio Manrique); recupera el valor del teatre internacional (que va poder segellar Calixto Bieito durant el seu llarg mandat) després que l'operació Barcelona International Theater (BIT) naufragués a conseqüència de les retallades; també s'associa amb Viu el Teatre i Taller de Músics per recuperar la programació familiar dels anys 80 del Romea, que l'any passat va celebrar 150 anys i que és la sala no lírica degana de Barcelona.
El Romea prepara un cartell de profunda intensitat. Perquè les seves propostes són molt solvents o amb una notable capacitat de persuasió. Obrirà a mitjans de setembre amb Des de Berlín (L.R.), un sentit homenatge de Lou Reed que pareix del disc homònim i amb l'escriptura de Juan Villoro, Juan Cabestany i Pau Miró. Andrés Lima dirigeix Pablo Derqui i Nathalie Poza, “el projecte més emocionant de la meva vida”, rematava ella.
Abel Folk proposa una versió teatral de la novel·la L'última trobada, de Sándor Marai. Es tracta d'una adaptació que, adverteix l'actor, director i coproductor, ha tingut clamorosos èxits “i clamorosos no èxits”. Pentación Espectáculos serà per Nadal amb En el estanque dorado, d'Ernest Thompson, amb Lola Herrera i Héctor Alterio liderant el repartiment. Sergi Belbel torna al Romea amb Fedra, protagonitzat per Emma Vilarasau (acompanyada de Lluís Soler i Jordi Banacolocha). Belbel va fer la tesina de filologia francesa traduint aquesta peça en alexandrins catalans.
El Romea també incita al debut teatral del director de cine Cesc Gay. Els veïns de dalt és una comèdia amb molta relació de parella, habitual en la filmografia de Gay però amb un ritme i un to molt diferent, cosa que li va fer veure que “era més apropiada per al teatre que per al cine”. Àgata Roca, Pere Arquillué, Nora Navas i Jordi Rico són els quatre actors d'una comèdia àcida. El darrer títol de la programació anunciat és Entremeses, breus relats de Cervantes que José Luis Gómez ja va utilitzar per inaugurar el Teatro de la Abadía i que ara reprèn amb un repartiment jove, novament.
Sitjà té clar que aconseguir la projecció internacional al Romea no és suficient programant espectacles més enllà de les fronteres de prestigi, “això es resol amb bon gust i un talonari”. Romea serà internacional perquè aconseguirà coproduir espectacles propis perquè viatgin més enllà. Sitjà vol que les estrenes al Romea estiguin marcades en vermell a les agendes dels principals programadors internacionals. Per això confia en crear una nova aliança amb teatres com l'Odeón de París, l'Stabile de Nàpols, La Abadía de Madrid o el Nationale de Brussel·les per guanyar un projecte europeu, afegint-se a un projecte similar al de Cities on Stage, en el qual van participar teatres d'una dimensió i concepció similar a la del Romea; “el teatre privat més públic”, segons paraules del mateix Sitjà. Per ara, hi ha previstos tres espectacles que es podran veure a partir del juny; probablement, Fiona Shaw representarà The rime of the Ancient Mariner, un títol que ha segellat èxits a Londres Epidaure i Nova York. També es portarà La nit de Helver, interpretada per una actriu habitual en els films de Kosturica, que coprodueix l'espectacle. Finalment, Patti Smith parlarà, cantarà i llegirà Virginia Woolf.
I els solos?
Probablement, la primera gran aportació de Sitjà en la programació del Romea sigui Solos, una sèrie de 20 vetllades, els dilluns, on actors, directors i escriptors (destaca Juan Villoro i el crític Marcos Ordóñez) comparteixin fins a 60 minuts per destapar-se en algun fet que mai havien presentat abans. Per exemple, Xavier Albertí diu que explicarà la seva aventura al servei militar acompanyat d'un piano! Sitjà reivindica que el teatre només és possible amb artistes i per això els cedeix l'espai. Seran accions que s'aniran alternant amb el que segueixi programant la Fundació Romea.
La marca Viu el Teatre ja va normalitzar el teatre familiar els dissabtes a la tarda a l'antic teatre del CCCB. Ara planteja un programa al Romea en què s'hi pot veure el musical Patatu (a partir d'un personatge creat per l'actriu Àngels Bassas, fa uns anys vinculada a la companyia Romea de Bieito). També hi haurà elPerduts a la Viquipèdia, un divertit viatge per dins d'Internet, que es va estrenar al Grec de l'any passat. Completen el programa Els secrets de mr. Stromboli (la versió sala de l'espectacle de carrer inaugurat a la Mostra d'Igualada)i El venedor d'històries, del cantaire i músic Ireneu Tranis. Per a la iniciació a la música, se signa un programa i un cicle escolar amb Taller de Músics.
Finalment, l'Offside. Sitjà confia que hi poden haver fins a quatre propostes. Arrencarà a l'octubre amb unMinimacbeth, que serà l'aportació al Festival Shakespeare, que torna al Raval a la tardor.

Martínez: “Cal un terratrèmol”

Daniel Martínez, president del grup Focus, apel·la al terratrèmol per recuperar els ànims en els espectadors. Tot i que el Romea sigui de les poques places que ha mantingut el tipus en la cartellera de Barcelona (1,4 milions de recaptació, 60% d'ocupació), ja es detecta que la temporada 13/14 no haurà pogut recuperar el mig milió d'espectadors
perduts del curs 12/13.
Daniel Martínez, que els darrers mesos s'ha desvinculat de la presidència d'Adetca (Associació d'empresaris de teatre de Catalunya i també de la Faeteda (l'entitat de productors estatal) admet
la seva derrota: no ha sabut convèncer el ministre d'Hisenda del mal que està infringint l'IVA cultural al 21%. Només aspira ara que sigui la gent la que s'adoni de qui és el responsable de la desfeta cultural. Els productors han hagut d'assumir l'IVA que no pagaven els espectadors i
això ha implicat que es redueixi la seva capacitat de producció. Focus, que habitualment produïa una dotzena d'espectacles per temporada, s'ha vist forçada a produir-ne fins a 15. No hi ha gires, però tampoc suficient producte de qualitat que giri.

El Romea refà ponts

by on 15:42
Font: Jordi Bordes ( elpuntavui.cat ) Borja Sitjà és el primer gestor cultural que assumeix la direcció del Romea, després d'una ...

TEXTO: MARGUERITE YOURCENAR
DRAMATURGIA: MARC ROSICH
DIRECCIÓN: JOSEP MARIA POU
INTÉRPRETES: CARMEN MACHI, CAYETANA GUILLÉN CUERVO, NATHALIE POZA y ANA TORRENT
DURACIÓN: 90min
PRODUCCIÓN: TEATRE ROMEA i FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CLÁSICO DE MÉRIDA
TEATRE GREC (GREC 2013)

Era el estreno en Barcelona, una plaza difícil y a pesar de las buenas críticas recibidas en el Festival de Mérida el público barcelonés es más complicado de convencer que otros. Aunque en el Anfiteatro estuviera bastante lleno de amigos, familiares y seguidores. En medio de la naturaleza, se apagan las luces, fundimos a negro y comienza el espectáculo que este año cierra el Grec y las agendas teatrales de muchos.

Carmen Machi es Marguerite Yourcenar, la narradora que da paso a los monólogos de las otras tres actrices. No es su mejor papel. Esta temporada hemos tenido saturación de ella (Juicio a una zorra, Dispara/Agafa el tresor/Repeteix y Fuegos), y quizás esta última sea la vez en que nos la hemos creído menos, pese que a ella no sea la protagonista, simplemente reparta juego y ponga un poco de tranquilidad entre tanta voz trágica.

El primer monólogo lo protagoniza María Magdalena (Cayetana Guillén Cuervo) con demasiada pose sobre el escenario. Nada natural ni en presencia, ni en cuerpo ni en voz. Como algunos apuntaban una Maria Magdalena rubia, demasiado terrenal y que se olvida del plano espiritual para sacar todas sus vísceras en escena. No hay credibilidad, Cayetana pasa por el personaje sin creérselo, es María Magdalena como puede ser otra mujer. Faltan rasgos, matices tanto en presencia como vocales. No convence y sólo deseas que pase rápido.

Le toca el turno a Clitemnestra (Nathalie Poza), el gran monòlogo de la noche. Sorpresa para algunos, esperada interpretación para otros. Es sin duda la mejor que pisa el escenario del Grec sin miedos. Natural, impetuosa, intimista, llena de matices en gestos, voz y movimientos. Su monólogo es igual de desgarrador que los otros tres, pero sus ojos están llenos de paz, de una tranquilidad que inunda toda su interpretación. Brillante, incisiva, en definitiva enamora.

Y finaliza una peculiar Safo (Ana Torrent) equilibrista, pero que en la puesta en escena le sobra movimientos y le falta alma. Si el monólogo de María Magdalena es demasiado visceral, este es demasiado introspectivo, des de la fila 4 ya se hace lejano, no me puedo imaginar cómo lo sienten los espectadores que moran más arriba. Safo se hace pequeña en un teatro demasiado grande para un interpretación excesivamente intimista. 

El espectáculo sólo tiene un par de fallos: la interpretación de dos de sus actrices (Cayetana Guillén Cuervo y Ana Torrent) y la iluminación de la primera hora. Obviamente dependerá desde donde veas el montaje, pero como siempre se tiene que pensar en todas las opciones. Miguel Ángel Camacho juega demasiado con las sombras (desde la fila 4 centrada) en un espectáculo donde ver la expresividad de las actrices es una pieza fundamental. Por contra el monólogo de Safo está perfectamente iluminado. A pesar de ello, la puesta en escena conservando el espíritu del Teatro Grec es acertadísima, estilo japonés, responde al juego que establecen las actrices.

Sin duda lo mejor de la obra es el texto. Algunos echen de menos algunos de los monólogos y personajes que completan el libro original de Marguerite Yourcenar, pero los elegidos están sabiamente bien tramados en un dramatúrgia perfecta y precisa (nada fácil) de Marc Rosich. A pesar de la verborrea de alguno de ellos, el espectáculo tiene un ritmo que funciona. Sólo voces y algún momento musical concreto (Ne me quitte pas de Jacques Brel) completan un espectáculo que cierra un Grec 2013 que mejora notablemente el del año pasado y que deja buen sabor de boca en general y ganas de saber qué nos espera en el 2014.

FUEGOS

by on 19:54
TEXTO: MARGUERITE YOURCENAR DRAMATURGIA: MARC ROSICH DIRECCIÓN: JOSEP MARIA POU INTÉRPRETES: CARMEN MACHI, CAYETANA GUILLÉN CUERVO...


Fuente: Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Después de su paso por el Festival Internacional de Mérida, Fuegos de Margarite Yourcenar llega al Festival Grec del 26 al 28 de julio. Fuegos cuenta con un elenco de lujo: Carmen Machi, Cayetana Guillén Cuervo, Nathalie Poza y Ana Torrent dirigidas todas ellas por Josep Maria Pou.

"Si su casa fuera asolada por las llamas, ¿qué querrías salvar de la destrucción? Yo sólo salvaría el fuego.". La conocida frase atribuida a Jean Cocteau era una de las preferidas de la autora y son aquestas llamas devastadoras las que centran la trama de Fuegos. Yourcenar, que no acostumbraba a enseñar públicamente su intimidad, abre su corazón para explicar la herida sentimental que la atormentaba. Para ello utiliza personajes clásicos como Clitemnestra, Safo o Maria Magdalena.

El dramaturgo Marc Rosich ha recopilado las prosas poéticas junto con otros textos de la autora para crear un artefacto dramático donde Carmen Machi personifica la voz en primera persona de la novelista y la resta de actrices se desdoblan en las diferentes heroínas que, como si fueran una máscara, le permiten a Yourcenar expresar los rincones más arrebatados y torturados de su decepción tras la ruptura con el editor André Fraigneu. Un juego teatral intenso pleno de pasión que tiene como telón de fondo el mundo clásico que siempre fascinó a la autora.

Fuegos, que fue escrita en 1935, alterna relatos basados en los mitos clásicos con fragmentos sobre la pasión amorosa. "Espero que este libro no sea leído jamás", primera y contundente frase del libro, a partir de la cual se dan cita mitos clásicos y textos sobre la noción de amor. La crisis sentimental le duró a Yourcenar dos años hasta que conoció a la traductora norteamericana Garce Frick y rehizo su vida. Con ella compartió su vida hasta la muerte de esta, diez años antes de la de Yourcenar.

Marc Rosich describe las palabras de la autora como una "purga, como si quisiera sanar de esa melancólica enfermedad, la autora vierte todo el dolor de su corazón en la escritura. El resultado fue esta colección de monólogos que tienen como elemento unificador una serie de interludios en primera persona, extraídos de su diario personal, donde ofrece aforismos, pesimistas y clarividentes, alrededor del sufrimiento amoroso."

Josep Maria Pou que en un principio rechazó el proyecto, producción del Festival de Mérida y la productora Focus explica porqué: "De entrada dije que no, porque me da mucho miedo todo aquello que no está pensado para que sea teatro y al leerlo vi que eran reflexiones en voz alta, pero había tres monólogos, los de Magdalena, Clitemnestra y Safo, que tenían más carne dramática y me empeñé en superar ese reto. Con Rosich buscamos el camino para que no fuera una actriz detrás de otra, sino algo unitario, cosa que nos facilitó el hecho de incorporar la figura de la propia Yourcenar, una mujer abandonada y convertida en materia artística."

Rosich y Pou han abordado la obra como si fuera un juego pirandelliano en el que los tres personajes conversan con la autora que las ha creado, y rompiendo la famosa cuarta pared, comparten esa experiencia con el público. "Tanto antes como ahora los personajes de las mujeres siempre han estado escritos por hombres. Con Yourcenar vemos a estas heroínas defendiéndose del papel que les ha dado la Historia y cuentan su propia versión, lo que es muy de agradecer porque vemos que son seres inteligentes y con capacidad de verbo", apunta Carmen Machi. Nathalie Poza añade: "La escritora describe muy bien el dolor porque lo conoce. Todos los personajes sagran por la misma herida." "Es un vómito emocional y privado", recalca Guillén Cuervo.

"Porque cuando una mujer deja ser amada, se convierte en invisible." El Teatre Grec las devolverá al sitio donde siempre debieron estar del 26 al 28 de julio.


Fuente: Julio Bravo (abc.es)
La Medea del Ballet Nacional de España (la coreografía fetiche de la compañía) volverá a Mérida para abrir la LIX edición del festival de teatro clásico, que se ha presentado en la ciudad extremeña. que se desarrollará del 5 de julio al 25 de agosto, dirigido por Jesús Cimarro. No será la primera vez que en el festival se pueda ver este ballet de José Granero, Miguel Narros y Manolo Sanlúcar sobre uno de los mitos más vinculados al certamen. En esta ocasión, el conjunto que dirige Antonio Najarro estará acompañado en el foso por la Orquesta de Extremadura.

Carmen Machi Nathalie Poza son los dos nombres confirmados en el reparto de Fuegos, que dirigirá José María Pou a partir de dos obras de Marguerite Yourcenar: Fuegos y Las caridades de Alcipo. Se trata de textos de prosa poética inspiradas en mitos griegos, que Pou ha convertido en un espectáculo para cuatro actríces.
Rafael Álvarez «El Brujo» estará en Mérida con El asno de oro, de Lucio Apuleyo, un autor de la Roma clásica. El protagonista, según El Brujo, «se ha convertido en un asno y vive con su alma humana en el interior de un cuerpo animal un largo espacio de tiempo hasta recobrar su forma humana otra vez con la luz ahora de un nuevo nacimiento. Es una historia de caída y redención, de crisis y conversión. Se ha relacionado el relato con los rituales procesos psicológicos vinculados con los antiguos misterios, especialmente los mitos de Isis y Osiris».
Shakespeare
La siguiente cita tiene como protagonista a Shakespeare. El director y escenógrafo Paco Azorín dirige Julio César, con un reparto en el que están confirmados Sergio Peris-Mencheta (Marco Antonio), Mario Gas (Julio César) y Tristán Ulloa (Bruto). «Creo firmemente -dice Azorín- en la oportunidad y conveniencia de la lectura en clave contemporánea (aunque no únicamente actual) de Julio César, en un momento claro de banalización del lenguaje y de pérdida de valor de las palabras y, por lo tanto, de las ideas».
A pesar de haber anunciado su retirada, Concha Velasco sigue atada a los escenarios. En Mérida vuelve a trabajar con uno de sus directores favoritos, José Carlos Plaza, y será la protagonista de Hécuba, de Eurípides, en una versión de Juan Mayorga. El dramaturgo se refiere a la obra como «la tragedia de la venganza».
Producciones locales
Las tesmoforias, de Aristófanes, llegará a Mérida en versión de las compañías extremeñas Samarkanda Teatro y Triclinium Teatro. Dirige Esteve Ferrer, que dice sobre la obra, un capítulo más en la guerra literaria que sostenían su autor y Eurípides: «Es una de las comedia más blancas y brillantes de la segunda etapa de la gran producción de Aristófanes».
Cerrará el festival otra producción local: Los gemelos, de Plauto, con dirección de Paco Carrillo. Se trata de una de las comedias de Plauto de mayor éxito e influencia, es el más significativo ejemplo de comedia de equívocos de toda su producción,
El festival se completará con la programación off, que incluye talleres formativos, representaciones en el Templo de Diana, un ciclo cinematográfico, pasacalles y conferencias. También acogerá el certamen la segunda edición de los premios Ceres.


Fuente: Rosana Torres (elpais.com)
¿Pueden los capitalistas vivir realmente con los idealistas sociales?. Esa pregunta encierra la incógnita profunda que plantea A cielo abierto, obra de David Hare, que llega a la sala principal del Teatro Español, de Madrid, el próximo 7 marzo. Con puesta en escena de José María Pou, quien la interpreta junto a la actriz Nathalie Poza, la obra también es una curiosa y potente historia de amor, teñida por el humor, la desolación y la confrontación ideológica y generacional de hoy.
Pou ya protagonizó esta pieza en su estreno en España hace ahora justo diez años, entonces con una puesta en escena de Ferrán Madico, que siguió muy de cerca el propio autor. Aquella aventura tuvo tanto éxito que no hubo tiempo para sacarla de Cataluña, aunque poco antes había tenido una gira por algunas ciudades españolas otro montaje que sobre este texto con el nombre de El lucernario, dirigido Francisco Vidal.
“Lo cierto es que había una deuda con Madrid, pero nos sorprendió el éxito y cuando quisimos traerla y girarla por España, ocurrió algo que lo impidió: Calixto Bieito me ofreció Rey Lear y ante eso se pospuso. Cuando iba a terminar de representar ese Shakespeare apareció La cabra y no pude con la tentación”, señala Pou que está especialmente excitado con el hecho de que sea ahora, cuando retoma la obra y esta vez también con dirección de él. Primero hace unos meses en el Teatro Goya, de nuevo con Roser Camí, y ahora en castellano con Nathalie Poza. Y su excitación viene por el hecho de que la obra no ha cambiado en nada, pero el público y la sociedad sí y por tanto el espectáculo es recibido de otra forma. “Este ultimo año de cambios, donde las situaciones que vivimos han variado tanto, donde vivimos tantas convulsiones sociales, debido a esta crisis de todo tipo, pensé una noche que era de todo esto, de lo que hablaba A cielo abierto y decidí en ese instante remontarla inmediatamente”, señala Pou que no ignora que Hare cuando escribió su texto fue en la era Tatcher cuando la sociedad británica veía como se iban por el sumidero muchos derechos sociales y lo público daba paso a las privatizaciones. “Al público que la vio en 2003 todos esos aspectos que formaban el magma de la historia de amor, como eran la denuncia y la renuncia social, le quedaban muy lejos, estábamos en pleno desarrollo de la burbuja, pero el púbico recibe impulsos que le condicionan la vida y el estado de ánimo que tenemos hoy es muy distinto”, dice Pou que recuerda que mucha gente repitió con este montaje ahora y a la salida le decían que habían cambiado mucho la obra. “Eran ellos los que habían cambiado y la sociedad española, que está pasando lo que pasaba a la sociedad inglesa entonces”.
La obra cuenta como un cincuentón, rico propietario de prósperos restaurantes, se queja de los 18 años de su hijo, que aquí interpreta Sergi Torrecilla, e intenta reconciliarse, tras haberse quedado viudo, con su joven ex amante, ex camarera y ex canguro de su hijo, ahora convertida en una profesora de escuela comprometida socialmente.
Pou, que se conoce la pieza hasta en sus más recónditos vericuetos, ha visto como el hacerla con una nueva compañera de reparto le obliga a él ha interpretarla desde otros presupuestos: “El que esté ella cambia la representación y por tanto me veo obligado a cambiar yo, lo cual me tiene fascinado y es un ejercicio lleno de atractivo, por lo demás la función no ha cambiado nada, pero yo sí, no soy el mismo, espero haber crecido en la vida y por tanto el punto de vista de mi personaje y mi implicación, es distinta, si no sería un zoquete”. Lo que tiene muy claro es que la función habla de lo que nos está pasando ahora mismo.
Para acompañarle en esta nueva fase de la aventura ha recurrido a Nathalie Poza, una sólida actriz acostumbrada a trabajar en montajes de alto riesgo y con grupos encuadrados dentro de los movimientos de renovación de la escena contemporánea española. De hecho es cofundadora de Animalario. “Había recibido textos en este impás profesional que he tenido, pero esperaba que llegara esto que ha llegado. Un texto que empiezas a leer y no puedes parar”, señala Poza quien no oculta que tuvo una cierta preocupación porque el trabajo pudiera oler a una sustitución. “Hablé con Pou y siempre me he sentido escuchada; he trabajado desde el mismo sitio que trabajo siempre, desde el mismo punto de partida, que no es otro que trabajar desde un lugar verdadero, lo importante es ver qué vamos a contar y mirar el mundo a través de los ojos del personaje que vas a hacer y desde ese punto de vista da lo mismo que sea Animalario, Mayorga, Shakespeare o Hare, todos me parecen igual y me entusiasman de la misma manera, y este trabajo ha supuesto un reto que me ha abierto los ojos a muchas cosas”.
Pou, por su parte, constata que la irrupción de Poza en el montaje le ha hecho feliz: “Me ha propiciado y obligado a cuestionarme mi propia interpretación y rehacer mi personaje; Nathalie y yo somos conscientes de que cada día va a ser algo nuevo y salimos sin saber cómo terminaremos”.
Lo que sí saben los dos es que este espectáculo es de los mejores ejemplos de lo que se llama teatro de ideas, en el que se plantea todo un debate sobre el escenario: “No hablamos de teatro mitinero ni político, sino que cada función se convierte en una reunión de personas que reflexionan conjuntamente acerca de lo que está pasando, a través de dos personajes que luchan a muerte por lo que creen que es la felicidad”, dice.
Poza además cree que hay algo muy hermoso, desde lo femenino, en esta función: “Vemos que esta mujer encuentra un deseo y un objetivo personal para seguir adelante con su vida, y si logramos que haya alguien, una sola persona, que cuando salga de este teatro se le refuerce el logro de su objetivo privado para vivir, ya me sentiría feliz. Es una obra muy generosa con la mujer, una mujer que defiende su puesto y su anulación frente a la posesividad”, sostiene.