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autor RAMON MADAULA
dirección JORDI CASANOVAS
intérpretes ROSA RENOM, JORDI BOSCH, RAMON MADAULA, MARIETA SÁNCHEZ, CARLES CANUT y GUILLEM BALART
duración 1h 35min
fotografías DAVID RUANO
producción FOCUS y MOLA PRODUCCIONS
TEATRE ROMEA

Afirma Ramon Madaula que tenía ganas de escribir una obra sobre una familia normal, en la que no hubiera personajes extraños y que no estuviera desestructurada. La respuesta más obvia es que en todas partes cuecen habas. La familia de Adossats normal, normal no sería, eso sí encontramos pequeñas pinceladas de lo que cada uno tenemos en casa.

 Los problemas a los que se enfronta esta familia son claramente reconocibles: la incomunicación entre hermanos y también con el padre, la falta de comprensión entre todos, la soledad, la insatisfacción vital y profesional, etc. La obra pasa en 24h, más concretamente durante el día de Sant Jordi (23 de abril) y casualidad tres de los protagonistas se llaman así (Jordi Bosch es Jordi, Carles Canut es Jordi avi y Guillem Balart es Jordi petit).


La Carme (Rosa Renom) y el Jordi viven en una casa adosada a las afueras de una ciudad del cinturón de Barcelona y reciben a comer a Joan (Ramon Madaula), hermano de Jordi y renombrado escultor; Jordi avi y Deisy (Marieta Sánchez), la cuidadora de Jordi avi. Y como si fuera la comida de Navidad todo estalla. Eso tan catalán de amagar la merda sota la catifa (esconder la mierda debajo de la alfombra) deja de funcionar desde el minuto uno y los platos se pondrán encima la mesa.

 Ramon Madaula y la dirección de Jordi Casanovas han optado por forzar los mecanismos de la comedia, y a veces se le va el tiro. Adossats es una de esas comedias de tinte comercial que juega con alargar las anécdotas, por sacar punta al lápiz y aunque en determinados momentos no acaban de cuajar, el conjunto resulta divertido.


El gran acierto de la función está en la elección de sus intérpretes. La aclamada vis cómica de Jordi Bosch, el que dicen que es el mejor actor de comedia de Catalunya. En Adossats vuelve a demostrar el porqué del título. Pero para los que ya llevamos muchas de sus comedias a las espaldas no resulta más que un refuerzo de los ya aprendido. La zona de confort le funciona y su personaje en Adossats parece escrito para él. El traje le sienta de maravilla.

 Del resto de intérpretes destaca una sensacional Rosa Renom que funciona estupendamente como el contrapunto ideal a las embestidas léxicas del personaje del Jordi Bosch. Por su parte, Marieta Sánchez, pese a tener un personaje bastante estereotipado consigue sacarle algo de jugo.


La escenografía de Joan Sabaté es funcional y consigue reproducir fielmente el jardín y el living de la casa adosada. También cabe destacar un más que significativo espacio sonoro de Jordi Agut, elemento muy destacado y con cierta importancia durante toda la obra. Se deja notar.

 Adossats es una comedia fácil, que entra, que hace reír y de las que tiene un público muy específico, esa burguesía catalana de urbana que busca pasar un buen rato sin darle demasiadas vueltas a la cabeza. En plena Navidad es una buena opción para deleitar después de un abundante ágape navideño ya que dejará la sensación que tu familia tampoco está tan mal. Hay que mirar la vida con optimismo dicen. ¡Sed felices!

ADOSSATS

by on 11:39
autor RAMON MADAULA dirección JORDI CASANOVAS intérpretes ROSA RENOM, JORDI BOSCH, RAMON MADAULA, MARIETA SÁNCHEZ, CARLES CANUT y GU...
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Font: Belén Ginart (ara.cat)
Véns de fer amb gran èxit Els dies feliços de Beckett, una aposta personal. Com t’arriba aquesta Fedra?
També la vaig anar a buscar jo. A l’obra Barcelona deia un fragment de Fedra en francès, això em va portar a llegir l’obra sencera, cosa que no havia fet des que anava a l’Institut del Teatre. Em va semblar un text meravellós, amb un vers meravellós, i vaig pensar que m’agradaria fer-la.
¿Et vas enamorar de l’obra per la paraula abans que pel personatge?
Curiosament, el que primer em va agradar de Fedra, llegida en francès, va ser la potència de les paraules: són clares, directes, són acció. Al personatge hi vaig entrar després, i l’obra encara em va agradar més.
I vas trobar les complicitats necessàries per fer-la.
Sí, el Borja Sitjà em va trucar quan preparava la seva primera temporada al capdavant del Romea i li vaig fer la proposta, conscient que Fedra no és una obra gaire comercial, però em va dir que li semblava perfecte programar-la. Li estic molt agraïda, i també al Sergi Belbel, que l’ha dirigit.
Repeteixes amb ell després d’ Els dies feliços.
Sí. Quan el vaig anar a buscar perquè em dirigís en aquella obra ja sabia que el Sergi és beckettià fins a l’arrel. El que no sabia és que Fedra va ser el seu treball de final de carrera i que no es volia morir sense dirigir-la.
Qui és Fedra?
Fedra és una dona que desitja qui no ha de desitjar, Hipòlit, el fill del seu marit, Teseu, un personatge importantíssim en l’obra. El desig és l’única cosa que no podem triar. El podem domar, el podem obviar, podem anar al psicòleg per tractar-lo, podem fer veure que no existeix. Però no pots triar qui desitges.
I el desig pot ser molt perillós.
Potser és la primera obra que parla obertament del desig de la dona, i Fedra és una dona que desitja amb molta força, però també parla de la culpa. Parla de com la culpa no et deixa respirar i si no ets capaç de resoldre-la et condueix a la mort. Fedra reuneix desig i culpa en un mateix personatge.
Però el sentiment de culpa en Fedra ens és curiós avui.
Sí, perquè ella se sent culpable sense haver comès cap acte, sense haver consumat res. Tan sols pel fet de desitjar el fill del seu home ja se sent com un monstre i té ganes de morir. Avui en dia hauries d’haver-ho consumat, ser adúltera, per sentir-te tan malament.
El teu és un paper molt llarg, i a més en vers.
Sí, tinc uns 1.200 versos, més o menys. I la força que tenen la paraula i el vers en aquesta obra ens han obligat als actors a buscar un difícil equilibri. La paraula va primer que les emocions. És com si la paraula anés rodolant per una muntanya i anés arrossegant les emocions, mai al revés. La paraula ha d’arribar tan neta com sigui possible. Però no som rapsodes que recitem, som actors, i hi ha d’haver vida en les paraules. M’ha agradat molt fer aquest treball.
¿Mai t’havies trobat amb una exigència semblant?
Mai havia fet un espectacle en vers. És com una partitura molt rígida, i això vol dir que l’actor hi ha de dedicar més temps, has d’aprendre la pulsió de les paraules i interioritzar-la per després oblidar-te’n. És un treball apassionant.
Vau fer una primera lectura de l’obra al juliol. Com ha evolucionat la teva relació amb el personatge?
Som una companyia molt disciplinada, estic encantada, mai havia coincidit en teatre amb la Mercè Sampietro, ni amb el Lluís Soler ni el Xavier Ripoll. Abans dels assajos, cadascú va fer molt treball pel seu compte a partir del que el Sergi ens havia marcat en aquella primera lectura. Jo he tingut una estreta convivència amb el personatge, m’agrada arribar als assajos amb la feina feta, que no vol dir només amb la lletra sabuda sinó amb el personatge analitzat i entès i amb una proposta.
Com vius el procés d’assajos?
Assajar és la part més creativa de l’actor, on hi ha les grans alegries i els grans patiments, el moment del risc i el més torturat, el temps d’anar acumulant i simplificant. Per a un actor, fer un bon producte vol dir combinar densitat i simplicitat. Es tracta de posar molt i netejar molt, amb la qual cosa el personatge va agafant gruix i densitat. M’agraden els assajos perquè hi descobreixes coses que potser no has fet mai. |
‘Fedra’, de Jean RacineTraducció i direcció Sergi Belbel. Amb Emma Vilarasau, Mercè Sampietro, Lluís Soler, Xavier Ripoll. Teatre Romea (Barcelona). Del 20 de gener al 15 de març
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Fuente: Jacinto Antón (elpais.com)
Hija de Minos, rey de Creta, y de la zoofílica reina Pasifae, que concibió al monstruoso Minotauro tras satisfacer mecánicamente (!) su pasión con un toro, Fedra es uno de los grandes personajes femeninos de los mitos griegos. Eurípides la elevó a gran figura de la tragedia al llevar a escena su amor incestuoso y malhadado por su hijastro Hipólito, tema que recogieron después Séneca y Racine, añadiendo el segundo variantes, como los celos y la fuerza fatal de la pasión, y cambiando el significado último de la historia. La Phédre (1677) de Jean Racine está considerada una de las cimas del teatro francés por la belleza y virtuosa precisión de sus versos, de métrica perfecta y la forma genial, de profundo conocedor del alma humana, con que el dramaturgo desarrolló la inconveniente pasión de Fedra.
Tras Núria Espert, que la encarnó en la versión de Espriu (Una altra Fedra si us plau, 1977) y Rosa Novell, que protagonizó el montaje de Joan Ollé de la obra de Racine estrenado en 2002 en Almagro y el Grec de Barcelona, otra gran actriz catalana se enfrenta al personaje. Emma Vilarasau (Sant Cugat, Barcelona, 1955) es la Fedra del espectáculo del mismo título que dirige Sergi Belbel , autor también de la nueva traducción al catalán para la ocasión, y que arranca sus representaciones el próximo martes en el Teatro Romea de Barcelona.
Vilarasau, uno de los rostros más conocidos de la escena catalana, ganadora de un Goya en 2005 (sic), está sentada en uno de los sillones del vestíbulo del Romea, entre un ensayo y una prueba de peluquería y vestuario. Se la ve algo desvalida y un punto melancólica en este gran espacio vacío y esta tarde que languidece. Pero enseguida sonríe y muestra esa alegría pícara que es una de sus características desde que era una jovencita estudiante en el Institut del Teatre de Barcelona hace ya, ay, tantos años. Su marido, el también famoso actor Jordi Bosch, interpreta a Gloster en el Rey Lear que se estrena esta noche en el Lliure. Gloster —al que le arrancan los ojos como a Edipo— y Fedra… habrán estado entretenidos en casa. “Sí, sí”, ríe Vilarasau, “estamos un poco rayados, los dos somos muy obsesivos y no hemos parado de hablar de nuestros papeles”. Pasamos a la familia de Fedra, por ir adentrándonos en el tema, y le recuerdo la historia de cómo Dédalo construyó a su alocada madre, Pasifae, a la que Poseidón había inspirado un violento deseo por un bonito toro, un simulacro artificial de vaca de forma que pudiera meterse ella dentro y consumar su antinatural y bestial unión. Vilarasau arquea las cejas. Con una madre así —y una tía como Circe— no es raro que Fedra sea dada a las pasiones extremas, sugiero. “Es hereditario, esa influencia torcida de Venus, ¡y recuerda que era medio hermana del Minotauro!”. Con Racine, sin embargo, estamos en otro terreno, lo mitológico lo deja de lado para concentrase en lo humano. Una historia de deseo de fémina madura por jovencito tan eterna como la de la mujer de Putifar y la de Mrs. Robinson.
En cuanto a de qué trata la Fedra de Racine, Vilarasau lo tiene claro: “Habla de deseo y de culpa. Y de la culpa del deseo sobre todo. El deseo sexual inspira mucha culpabilidad, vergüenza y autodesprecio. Ese deseo es de las pocas cosas que no eliges; luego puedes someter a la voluntad su realización o no, pero el deseo mismo es una fuerza poderosa, muy irracional, animal”. Ahí estamos en el terreno del Minotauro que todos llevamos dentro, apunto. “Es algo que seguimos teniendo sin solucionar, la culpa de desear a quién no tienes derecho a hacerlo, a quien no te toca”. En la Fedra de Racine, continúa la actriz, “el deseo no consumado por su hijastro Hipólito se convierte en obsesión”. Vilarasau juzga peor esa obsesión que la consumación del deseo. “La transgresión crea culpa pero la obsesión es más insana psicológicamente”.
En realidad, lo de Fedra con Hipólito (Xavier Ripoll), al fin y al cabo hijo de su marido Teseo (Lluís Soler) con una amazona, no hubiera sido tan pecaminoso. “En puridad no hubiera sido incesto, y además Racine incluye el rumor de que Teseo habría muerto, pero para los griegos, y para él, era algo igualmente aberrante”. En Eurípides, y perdonen el viejo spoiler, Fedra se ahorca sosteniendo en la mano una tablilla en la que, despechada, acusa ante su marido a Hipólito de tratar de violarla. “Racine cambia eso y hace que Fedra se envenene en escena no sin antes proclamar la inocencia de Hipólito, así que la redime”. Es tarde para Hipólito, que desterrado, ha muerto ahogado huyendo de un monstruo marino (quien sabe si su propio deseo). Es curioso recordar que Racine fue sospechoso de envenenar a su antigua amante, Du Parc.
¿Encuentra alguna identificación Emma Vilarasau con Fedra? “Todos tenemos culpa, todos hemos deseado, y Fedra tiene una edad. Siente este deseo brutal y posiblemente es la última vez. Eso es muy comprensible para una mujer”. A Emma Vilarasau se la considera en cierta manera la heredera natural de la desaparecida Anna Lizaran. "No, no, Anna era ella absolutamente irrepetible, inimitable. No me considero para nada su heredera, no puedo serlo ya que no puede serlo nadie. Igual que no ha dejado heredero Fabià Puigserver y no lo dejarán Lluís Pasqual o Núria Espert". La actriz se entristece. "la oigo aún en Agost, tan adorable y gamberra. Era de las actrices que tenían más claro todo lo que esto", dice con un gesto vago que abarca al teatro y a la vida, "tiene de juego".

Equilibrio entre palabra y emoción

¿Cómo llevan la obra a escena? ¿Se ha cortado? “Nada, absolutamente nada. No es una obra larga, no llega a las dos horas. Sergi Belbel ha hecho una adaptación maravillosa, en verso blanco. Racine es muy directo, usa las palabras con una precisión absoluta”.
Fedra, el personaje, tiene un montón de esos versos. “¡Mil y pico!”. ¿Y cómo los dice? “¡Como puedo!”, bromea la actriz. “Desde luego no à la Comédie, pero respetando el verso, su ritmo y su pulsión, el verso te lo marca todo. Las palabras en Racine están vivas. Sergi nos dice: ‘Me gustaría poder tocar las palabras’, han de tener contundencia. Es al revés que otras obras en las que pones el sentimiento por delante de la palabra; aquí es la palabra la que debe arrastrar la emoción. Pero no basta solo con decirlas. Hay un equilibrio fragilísimo entre palabra y emoción”.
El montaje de Belbel es muy clásico, con escenografía aparentemente muy simple y un vestuario mixto: ellos, de militares; ellas, con prendas vagamente alusivas a la tragedia. “No inventamos nada nuevo, esta Fedra no es un superespectáculo, el espectáculo en sí es el texto”.
Emma Vilarasau está entusiasmada con el verso. “Nunca lo había hecho antes, excepto precisamente el fragmento de Fedra que recitaba en Barcelona de Pere Riera (2013), en la que interpretaba a una actriz. El proyecto actual viene de ahí. Me leí otra vez toda la obra de Racine, y cuando Borja Sitjà me preguntó si tenía algo en la cabeza para el Romea le dije que, puesto a escoger, Fedra”.
Fedra, pese al título y la importancia central del personaje, es, subraya la actriz, muy coral. “Hipólito, Teseo, la amada prohibida del primero, Aricia (Queralt Casasayas); la nodriza confidente de Fedra, Enona (Mercè Sampietro, nada menos)… Hipólito tiene en Racine el mismo problema que Fedra, ama a alguien a quien no puede: aunque los jóvenes están aprisionados en algo más, el afán de castidad, algo que quizá sea una influencia del jansenismo en Racine”.
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Fuente: Albert Lladó (lavanguardia.com) | Foto: Jordi Folk

El actor y director Abel Folk lleva al Teatre Romea 'El último encuentro', la adaptación de la mítica novela del húngaro Sándor Márai (1900-1989) que disecciona la lealtad, la pasión como motor de vida o la importancia redentora de la verdad. Un estreno que se suma a la recuperación en los últimos años de la obra de este escritor que representa como pocos el espíritu de la Europa del siglo XX

Vallromanes, un pueblo a poco más de veinte kilómetros de Barcelona. Suena de fondo algo de música. ¿Es Chopin? Abre la puerta del teatro municipal Abel Folk, que luce una noble perilla y un traje de raya diplomática. Le acompaña en el ensayo Jordi Brau, quien será su compañero de escenario en la puesta de largo de L'última trobada. Poco a poco va llegando el resto del equipo. Pep Planas es el ayudante de dirección y Paco Azorín se encarga de la minimalista escenografía. María Araujo será la responsable de trasladarnos, a través del vestuario, al mundo de Sándor Márai (Kassa, 1900-California, 1989). Y Rosa Novell. Novell, con un papel breve pero preciso, emocionará a muchos. 

Abel Folk (Montesquiu, Osona, 1959) ha combinado su trabajo en varios medios. Tras una larga trayectoria como actor teatral (El ventall de lady Windermere, Agost), y de cine (El coronel Macià), ha dirigido y producido teatro (Pels pèls, Mentiders, Els 39 esglaons) y recientemente ha dirigido, junto con Joan Riedweg, las TV movies Xtrems (premiada en el Festival de Houston, seleccionada en los de Londres y Quebec y con once nominaciones en los premios Gaudí) y Desclassificats. 

Llevaba años Folk con ganas de trasladar a escena El último encuentro, la novela del escritor húngaro en la que dos hombres, amigos desde la infancia, se vuelven a ver después de 41 años. Henrik, rico, aristócrata, y representante de una vieja Europa en decadencia, no se ha movido de su castillo. Konrád, de origen humilde, y con gran sensibilidad para la música, ha vivido en los trópicos. Un día abandonó el imperio austrohúngaro sin previo aviso. ¿Cuál es el secreto que han de confesarse durante esa noche? ¿Qué necesitan resolver antes de morir?

"Hay pocas novelas que te dejen una huella en la memoria tan localizada", sostiene Folk, quien pasará texto por tercera vez esta tarde, consciente de la importancia del tono en el personaje protagonista que interpreta.

Márai es de esos autores que, gracias al milagro de la literatura, ha logrado tener una segunda vida. Se suicidó en Estados Unidos, cuando poco podía imaginar que sus obras volverían a enganchar a miles de lectores en los años noventa. Una amiga de Folk le pasó la novela y el actor quedó entusiasmado. Mucho después, se la volvieron a regalar. Y una vez más, hasta tres. Desde el principio, el director sabía que allí había una obra de teatro. De hecho, Christopher Hampton le dio el papel del viejo Henrik a Jeremy Irons y, bajo el título de Embers, se convirtió en un éxito de la escena londinense.

"No quería hacer una reconstrucción historicista. No me interesa. El teatro necesita otro tipo de comunicación". 

La propuesta de Folk, coproducida por Focus, se podrá ver en el Teatre Romea hasta el 23 de noviembre. Se trata de la versión de Hampton, pero el catalán ha querido ir más allá del propio texto y sugiere romper algunos de los códigos para que el público se meta en la obra desde el primer segundo. Ficción y no ficción irán de la mano como si estuviéramos, en realidad, en otro ensayo.

La fuerza de las palabras
Folk no quiere que el espectador se distancie. La obra es una auténtica ametralladora de frases que no dejan de abofetearnos. Respiramos brevemente, y el tsunami entra de nuevo, con toda la fuerza. No importa la parafernalia. La acción está sumergida en la palabra misma, ese es el pacto de verosimilitud. El público se siente como un intruso, un voyeur, alguien que se ha metido en la intimidad de un grupo de actores que, además de luchar con el texto, lo hacen con los condicionantes de la sala. ¿En qué momento nos habla el actor y en qué momento lo hace el personaje?

"Márai tuvo el talento de escribir lo que muchos pensamos sobre la vida. Por eso estamos trabajando la complejidad. Al espectador le asaltan constantemente sentimientos contradictorios. Son sentimientos simultáneos."

El actor se maquilla ante el público. Prueba los focos. Y, en determinados momentos de la pieza, mira fíjame a los espectadores, subrayando algunos de los temas claves que están tatuados en El último encuentro. 

La novela ya ofrece grandes monólogos a los que el intérprete de Henrik se enfrenta con una concentración máxima. Tampoco lo tiene fácil Jordi Brau, el partenaire que le da las réplicas con inquietantes silencios, con gestos de sorpresa o incomodidad. Uno representa al hombre de honor, al soldado que ha luchado por su patria, y el otro se ha convertido en un delicado viajero, pariente de Chopin y con un carácter peculiar que escondió durante toda su juventud a través de una máscara. Uno responde a una ética militar y el otro a sus pulsiones artísticas. Pero cada cual es responsable de su destino, eso es lo que nos dice Márai.

El anciano recibe a su viejo amigo reproduciendo exactamente la última cena que tuvieron en aquel comedor. Los mismos candelabros, las mismas sillas... pero hay una ausencia que, por su fuerza, se convierte en una figura tan presente -con su butaca vacía- como la de los dos hombres. Krisztina, la mujer de Henrik, muerta hace años, acaba de cerrar un triángulo lleno de sobreentendidos, un secreto jamás abordado y una supuesta doble traición. Sin embargo, y ahí radica la originalidad del texto, no hay reproches. 

"Si se hubieran encontrado al día siguiente de lo que pasó en la cacería, seguramente se hubieran matado y estaríamos hablando de una tragedia. Pero en 41 años, la cólera ha desaparecido", defiende Abel Folk, que sigue mirando el escenario vacío, pensando en los últimos detalles. 

Es, pues, un discurso desde la pasión (la pasión, sin duda, como motor de la vida), pero una pasión hecha brasas, nada trivial ni inmediata, que ha ido dejando poso en ambos. Es un fuego de largo recorrido en el que el gran interrogante no es en qué ha fallado el otro, sino uno mismo. Incluso hay sitio para la ironía. Ambos personajes son autocríticos. Pero en el telón de fondo hay preguntas abismales. ¿Qué es la amistad? ¿Para qué sirve la verdad? ¿En qué dimensión situamos la lealtad?

Márai, que lanza réplicas como si fueran aforismos, reconoce que hay una verdad que se basa en los hechos, pero los hechos a veces "no son nada más que consecuencias deplorables". No hay verdad sin comprensión de la intencionalidad. Henrik intuye, siempre cree haberlo sabido, lo que pasó la víspera de la huida de Konrád. Lo que no ha logrado comprender es cómo se gestó en él esa drástica decisión. Reclama la verdad ofreciendo la verdad. Y en ese cuadrilátero, que durará toda una velada, se sitúa la tensión del diálogo, como un arco.

Amistad y erotismo
Los dos ancianos son, por encima de todo, amigos. Amigos desinteresados. Lo fueron desde muy pequeños, cuando se conocieron en la academia, y lo siguen siendo mientras, después de tanto tiempo y tantas especulaciones, cenan juntos en un ala del castillo. ¿Qué hay, pues, detrás de la amistad? ¿No hay quizás un punto de erotismo en el fondo de todas las relaciones humanas?, se pregunta el general. Un erotismo, matiza, que no necesita del cuerpo, que nada tiene que ver con la atracción sexual. Pero la amistad no puede ser únicamente la coincidencia de gustos y aficiones. Hay una complicidad que trasciende actos, reflejos y circunstancias.

"Es el mejor tratado sobre la amistad que yo conozco. El que con menos palabras es capaz de ser más exacto, más profundo", afirma Folk, tocándose su perilla austrohúngara.

También hay algo de esperanza, por muy remota que sea. ¿Y si realmente el amigo no le traicionó? ¿Y si todo ha sido producto de su imaginación? Sería tan fácil escuchar la negación de Konrád... También podría abrir el diario de terciopelo donde su esposa, Krisztina, apuntaba sus sentimientos. Ahí podría encontrar todas las claves. Pero necesita la palabra del amigo. La importancia de la palabra y de su lealtad.

La novela está contextualizada entre las dos guerras mundiales. No cuesta ver, entonces, en medio de ese diálogo a corazón abierto, metáforas sobre las infidelidades entre pueblos antes unidos y ahora enfrentados. Resulta obvio decir que la guerra es terrorífica, repasar los números, las cifras de muertos. Pero la cuestión, otra vez, es ir a la matriz, saber cómo se ha llegado hasta allí.

Nexos
Al mismo tiempo, nos encontramos dos paisajes simbólicamente opuestos: el bosque como espacio ancestral, refugio del general desolado, frente al orden del ejército. Existe un puente, un nexo, casi indestructible entre ambos lugares, y también un cordón umbilical que une el paso del tiempo. Se trata de Nini, la nodriza, que ha acompañado desde su nacimiento a Henrik (ahí está, contenida, firme y delicada al mismo tiempo Novell, que ya hizo un Márai en el 2010 -La dona justa- con versión teatral de Eduardo Mendoza). "Es la columna de su castillo. Lo sabe todo. Sabe qué hacer para estabilizar al general. Él es un tipo efervescente, tiene tendencia a la depresión y a la euforia. Y ella supone la protección. La verdadera compañía. No es una subordinada. Es el símbolo de la casa", comenta Folk poco después de repasar el texto junto a Novell.

Y es que Nini, muy al principio de la obra, le dice al general que todos perdemos a las personas que queremos. "Si no eres capaz de soportarlo, es que eres un fracasado como ser humano", sentencia. Vivir con las secuelas, sobrevivir pese a lo ocurrido, es otra de las lecciones de El último encuentro.

Abel Folk se cambia de ropa y, ya en la terraza del bar del casal cultural, reflexiona: "Henrik ve la música como un peligro porque es un mundo que no le pertenece. Es el mundo de Konrád. El mundo de su madre o de su mujer. Impenetrable para él".

Aprovecha Jordi Brau para preguntar si finalmente incluirán en la obra la Polonaise-Fantaisie de Chopin. Todos callamos dibujando mentalmente la melodía. Ya parece que suene en el escenario del Romea.

Último encuentro sobre la escena

by on 14:40
                                                                                                                        Fuente: Albert Ll...
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Fuente: EFE via abc.es

El director Andrés Lima lleva el espíritu de Lou Reed al espectáculo musical «Desde Berlín», con el que el próximo 9 de septiembre se abre la temporada del Teatro Romea de Barcelona, que ha definido como «un poema audiovisual» y que cuenta con la actuación de Nathalie Poza y Pablo Derqui.
El director artístico del Romea, Borja Sitjà, que debuta en el cargo con «Desde Berlín», ha explicado hoy en la presentación que el proyecto surgió de muchas conversaciones y pensamientos, de ganas de trabajar a partir de la obra de Lou Reed y su manera de enfocar el arte.
Ese enfoque genérico se centró de manera específica en el disco de Lou Reed «Berlín», un álbum que, como recordaba hoy Sitjà, fue destrozado por la crítica cuando apareció en 1973.
Sexo, muerte, autodestrucción y suicidio conforman el eje temático de este disco, que habla de la historia de amor de dos personajes, Caroline, una prostituta drogadicta, y Jim, un proxeneta maltratador, y a partir de ese disco el Romea pidió a tres escritores de tres generaciones diferentes, Juan Villoro, Juan Cavestany y Pau Miró, que enviaran escenas inspiradas en el álbum para construir el espectáculo.

Espectáculo poético

Partiendo de las escenas enviadas por los tres autores, Andrés Lima añadió algunos textos y construyó la dramaturgia de la obra.
Lima ha dicho que «igual que Lou Reed decía que sólo hacía rock and roll y que lo importante era hacerlo desde el corazón, esta obra debe acometerse del mismo modo, desde el corazón» y añade: «Lou Reed era un poeta, además de un músico, y por esa razón hemos afrontado el espectáculo de una manera poética».
Con una cama de matrimonio como elemento escénico centraly un biombo en el que se proyectan vídeos y textos sugerentes y alegóricos, «Desde Berlín» aparece ante el espectador como «un poema visual» que, en palabras del director, «no rehuye la mirada hacia el lado salvaje y oscuro de la vida, porque en definitiva estamos ante una historia completa llena de tragedia y comedia».
El elemento común de «Desde Berlín» no sólo es la música de Lou Reed y su disco «Berlín» sino también la influencia que tuvo el rockero en muchas generaciones, por su forma de ver la vida y de expresarse, que tiene mucho que ver con Nueva York, la Factory, Warhol, o la tradición poética urbana de Delmore Schwartz, Saul Below o Allen Ginsberg.
Para la actriz Nathalie Poza, el espectáculo es difícil de definir: «cada día tengo más claro que es un trabajo poco intelectual, en el que ya sólo cabe tirarse al abismo».
La actriz, que toca el piano y canta en directo, ha confesado: «Lou Reed es el artista de mi vida y «Berlín» disparó mi imaginación con sólo 11 años, porque fue un disco que rompió las barreras que separan la poesía de la música y del teatro».
Pablo Derqui, popular por su interpretación de Enrique IV en la serie televisiva «Isabel», no ha ocultado sus nervios ante la inminencia del estreno de una obra en la que debe tocar la guitarra eléctrica en directo.
Los arreglos musicales para la obra han corrido a cargo de Jaume Manresa, exteclista del grupo Antònia Font.
Tras hacer temporada en el Romea hasta el 19 de octubre, el espectáculo se representará en Valencia y posteriormente durante cinco semanas en el teatro Matadero de Madrid.
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August Strindberg va escriure Senyoreta Júlia per ensorrar l'actriu protagonista, la seva muller. Detestava totes les dones, però sobretot la seva. I malgrat la misogínia de l'autor, Senyoreta Júlia ha passat al repertori canònic del teatre universal perquè és brillant, complexa i transgressora, en la temàtica i en l'estructura. "Si deixem les tonteries de Strindberg, els seus problemes mentals amb les dones, hi veiem rols que estan condemnats a representar uns personatges. Penses: «Tant de bo algú els tregui d'aquí»", afirmava ahir Julio Manrique, actor i director del Teatre Romea. Aquest divendres s'estrenarà al seu teatre una reescriptura del clàssic, dirigida per Josep Maria Mestres, que farà temporada dins el festival Grec.
El dramaturg Patrick Marber és qui va fer una pentinada al text de Strindberg que s'havia estrenat el 1889. Li va polir l'odi a les dones que l'autor confessava ja a les primeres pàgines, li va donar un to sec però empàtic amb els personatges i va posar l'accent en la lluita de classes situant l'obra a l'Anglaterra del 1945, després de la Segona Guerra Mundial, just en la nit de la primera victòria laborista que faria caure Winston Churchill. "Ressona molt actual la situació de la Senyoreta Júlia de Marber. En una Anglaterra trista i deprimida, hi ha la sensació que tot pot canviar. Tot està enlaire", deia Mestres. I Manrique hi afegia: "I la pasta! Quan apareix la pasta a escena passa a ser la protagonista".
L'obra descriu un triangle amorós tràgic entre una aristòcrata, un criat i la seva nòvia de tota la vida, una dona senzilla i pràctica que pertany a la mateixa classe. Però més que centrar-se en la guerra de sexes, "que hi és i és terrible", diu Mestres, la versió posa en relleu "la dificultat de ser algú a la vida, d'assolir un nou estadi", que és el que busca el pretendent pobre tirant l'ham a la senyoreta, una dona ferida per una relació anterior i víctima del seu rang i la seva família. L'obra agafa un to de cinema negre.
Canviar perquè res no canviï
Cristina Genebat interpreta aquesta senyoreta Júlia que també planteja un debat polític sobre l'arrel del conservadorisme. "Fa pensar en qui vol que les coses no canviïn i quina relació té això amb tenir diners o no. No està gens clar qui és més o menys progressista", diu l'actriu i traductora del text. Fins i tot sembla que els rols es capgirin i siguin els criats els que estiguin més còmodes sota unes categories inamovibles. "Hi ha aquella reflexió d' El Gatopardo : cal que tot canviï perquè no canviï res", afegeix Mestres.
Julio Manrique interpreta el criat coprotagonista i Mireia Aixalà és la serventa de la senyoreta Júlia. En l'equip actoral hi ha la complicitat forjada en les obres dirigides per Manrique, a la qual s'ha afegit Mestres. Va ser el director que li va donar les primeres oportunitats a Manrique, i ell ha volgut tornar-li el gest en la seva primera temporada al capdavant del Romea. "És el plus humà de les nostres propostes, del qual estic convençudíssim", defensa l'actor. A canvi, Josep Maria Mestres li torna elogis sincers: "Amb tan bons actors, que fan alta cuina servida al moment, que fugen dels llocs trillats, un director el que ha de fer és no fer nosa".
Font: Laura Serra (www.ara.cat)
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