Font: Belén Ginart (ara.cat)
Per als despistats que encara no us coneixen, qui sou Les Antonietes?
Som una companyia amb una idea molt concreta del teatre que volem fer: el que neix des de dins, es fa a partir d’una necessitat i amb la voluntat d’establir una comunicació amb l’espectador. Intentem que el públic s’adoni que és tan important com nosaltres. D’aquí ve que ens hi comuniquem directament: li parlem cara a cara, interactuem amb ell, volem fer-li entendre que és l’actor que falta dins de la funció.
També hi ha un segell Les Antonietes en la manera com abordeu la convenció teatral.
Juguem molt amb tot això. La convenció teatral utilitza càmeres negres, vol amagar l’engany, vol fer veure que tot és real, que tot està passant. Nosaltres juguem amb l’espectador dient-li que som conscients que tot allò no és real, però és veritat i és important perquè s’està produint en comunicació amb ell.
Sou molt valents en la tria del repertori: Shakespeare, Ibsen, Txékhov...
En general sóc jo qui proposo textos, i la tria sol respondre al fet que llegeixo alguna cosa i penso que ho vull compartir amb el públic.
I d’on sorgeix aquest Somni americà?
D’aquest moment social de desencís que estem vivint. Ens hi hem acostumat una mica però el cas és que la gent està més confosa i perduda.
Però l’atmosfera de l’obra és la de l’Amèrica dels anys 30.
Als anys 30 i 40, molts autors americans ja advertien sobre la possible crisi del somni. Llegint textos d’autors d’aquella època sentia que m’estaven parlant a mi.
Com ha sigut la creació del text?
Em vaig passar sis mesos llegint i dos escrivint, fent una mena de patchwork d’aportacions de vint novel·les i obres de teatre de l’època i afegint-hi textos meus per poder lligar-ho tot. Al final ja no es reconeix l’autor original. És una obra feta a mida per a onze actors. Són personatges estereotipats que responen a la imatge americana que tots tenim al cap. Però també ens resulten molt pròxims.
Què tenen d’especial les històries?
És com si et passessis tot el dia en un bar i anessis posant el focus en cadascuna de les persones que hi ha, personatges una mica fracturats que van interactuant i acabem construint una petita família. Sorgeixen d’una reflexió: aquesta societat ha deixat de banda un munt de gent, com els avis, els pobres, els marginats.
Els perdedors no compten.
Exacte, som en un món que només valora els guanyadors. I aquí hi ha la fractura amb el Somni Americà. Jo volia donar veu a les persones que no han tingut la sort d’assolir el seu somni i també a les que potser aquest somni no els interessa gens, perquè també hi ha persones que només desitgen tenir una sabateria en un poble petit i amb això són feliços.
Quin és el to de l’obra?
Nosaltres estem treballant molt des d’un punt còmic, però no és una comèdia oberta sinó una obra que més aviat et fa somriure. És molt tendra i a vegades també és trista. M’he inspirat en els personatges dels quadres d’Edward Hopper, tan sols en el seu univers. Els sentim molt pròxims perquè tots tenim uns somnis, una fractura, uns desitjos, tots volem amor, tots volem que ens mimin una mica.
Què us ha aportat treballar amb La Kompanyia Lliure?
Una interacció a nivell actoral, de direcció. Cada artista té una manera d’acostar-se al seu treball i entre nosaltres s’ha creat com una mena de magma que crec que ens ha enriquit a tots.
I en termes de producció?
Molta més tranquil·litat. Amb Les Antonietes, nosaltres ho fem tot, des de la construcció de l’escenografia fins a les músiques… Això demana molt temps i l’hem de restar als assajos. Treballar al Lliure ha sigut com pujar un graó que ens aportarà coneixement i ens ajudarà a millorar de cara al pròxim espectacle.
Ara estreneu al Lliure i a la tardor al Temporada Alta. El públic us respon. Sou on volíeu arribar?
Estem encantats de ser on som, però, al mateix temps, no creiem que siguem enlloc. Creiem que tenim una oportunitat fantàstica per disfrutar-la i fer disfrutar els altres i tant de bo puguem seguir avançant.  
‘Somni americà’. Autoria i direcció: Oriol Tarrasón. Amb Pep Ambròs, Laura Aubert, Pol López, David Verdaguer Teatre Lliure de Gràcia (Barcelona). Del 29 de gener a l’1 de març
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Fuente: Jacinto Antón (elpais.com)
Un payaso con alas, he ahí una imagen poderosa y llena de resonancias oníricas y simbólicas, un portento, vaya. El clown catalán Pere Hosta decidió un día acercarse al mundo de los pájaros y el resultado ha sido Pàjaru, un espectáculo teatral que junta a los seres alados con el terrestre payaso creando un simpático y gamberro híbrido, un personaje hilarante que se muestra al público para explicar su historia y ofrecer de paso, entre risas, algunas curiosidades ornitológicas, como que las ocas son capaces de volar a 8.500 metros de altura.
El pájaro en el que ha encontrado inspiración el payaso Hosta no es un ave cualquiera, qué va, sino el extraordinario pergolero (bowerbird) de las antípodas, cuyo método de cortejo es de lo más extravagante. Los machos de dicha especie de ave, un paseriforme de la familia ptilonorhynchidae, construyen con palitos una elaborada estructura a modo de pasillo, glorieta, cenador o choza a la entrada de la cual depositan con devoción de coleccionista un variado conjunto de objetos —caracolas, piedrecitas, frutas, semillas, plumas e incluso trocitos de plástico o cristal— como parte de su rebuscada estrategia para atraer a las hembras. Estas van de construcción en construcción inspeccionando el trabajo arquitectónico de los esforzados machos y valorando sus muestrarios, que estos exhiben, entre danzas y cantos, en el curso de su ritual de apareamiento. Es difícil decir sin ser una hembra de pergolero —o David Attenborough— qué hace mejor a una estructura u otra o preferible una decoración que la del vecino. Pero ellas parecen tenerlo muy claro. En su indispensable 1001 questions answered about birds (Nueva York, 1968), Allan y Helen Cruickshank explican que durante la II Guerra Mundial en el Pacífico, los pergoleros decoraban sus emparrados con objetos descartados o perdidos por los soldados.
El comportamiento de estas singulares aves lo resume a su particular manera el payaso Hosta con el subtítulo de su espectáculo: "Pájaro busca pájara para echar un vuelo o lo que convenga". El montaje llega por fin a Barcelona tras su estreno original en Temporada Alta de Girona y una larga gira por Cataluña. Puede verse en La Seca Espai Brossa hasta el 1 de febrero. Pàjaru cuenta con un equipo de lujo acompañando a su protagonista: dirección y escenografía de Manel Trias, de Zotal Teatre, y audiovisuales del cineasta Isaki Lacuesta y dramaturgia de Jordi Palet.
“Nos interesó mucho el comportamiento de los pájaros en el terreno de la seducción”, explica Hosta, que recalca que, bromas aparte, ha habido un profundo trabajo de investigación sobre el movimiento y el gesto para la composición del payaso-ave, un personaje que muestra los puntos de contacto entre el clown y el pájaro. El intérprete señala que inicialmente se plantearon buscar modelos en aves más cercanas, palomas y gorriones. Pero entonces se toparon con el bowerbird "y nos sedujo". Con su "pájaro desplumado" tratan de seducir a su vez al público.
El trabajo no consiste en imitar al ave, "sino buscar su esencia”. El movimiento del payaso pajaril no es entonces exactamente el del pergolero satinado de las montañas Arfak de Papúa sino "más gallináceo". ¿Es fácil para el payaso ser ave? "El payaso puede ser cualquier cosa, aquí en realidad quiere, aspira a ser pájaro, piensa que haciendo lo que el bowerbird encontrará pareja. 'Si le funciona a él eso a mí también', se dice. Es la lógica del payaso".
Al espectáculo, Isaki Lacuesta aporta, dice Hosta, todo un universo visual. “Pone imágenes de archivo de pioneros del vuelo, hombres con alas que tratan de volar, y filmaciones de bosque muy peculiares, pasadas por el cedazo Isaki". Pese a que hay imágenes de esos intentos inocentes y descerebrados de volar y que entronca en algunos momentos con ellos, Pàjaru no es un espectáculo sobre el vuelo y la aviación.
La primera idea era ofrecer algo similar a un documental de La 2, pero se transformó naturalmente (y valga la palabra) en algo más festivo, más enfocado en la cosa de la seducción, aunque hay un power point y "todo lo que explico es real". Se nota que le ha impactado la historia del pergolero. "Es que es muy bonito eso de cojan cosas y las exhiban, se ve que les gustan especialmente las que son azules".Hosta reconoce que el espectáculo le ha desarrollado un mayor interés por los pájaros. "Es todo un mundo", dice, con tono de estar atrapado ya irremediablemente por la birdmania. De momento su habilidad de observador es francamente mejorable: "Reconozco bien el pato y la gallina, ¿el pergolero?, no hay problema, porque viven en Australia".
Ponerle alas al payaso es fuerte. "Se ha hecho. Monty tenía un número en el que lucía alas de mariposa; muchos payasos han querido volar, aunque suelen ser criaturas muy terrestres". ¿Se podría ver al payaso con alas como un trasunto del chamán, un intermediario entre la tierra y el cielo? Hosta medita la cuestión y uno casi puede oír como a su espalda las plumas se agitan trémulas.
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Fuente: Saioa Camarzana (elcultural.es)

Cuando se juntan tres directores de escena con ganas de trabajar pueden surgir nuevos proyectos de renovación e investigación del teatro. Esto es lo que ha ocurrido después de un taller en el que confluyeron Alfredo Sanzol (Madrid, 1972), Andrés Lima (Madrid, 1961) y Miguel del Arco (Madrid, 1965); los tres juntos pusieron en marcha Teatro de la Ciudad. Un proyecto para la investigación, reflexión, producción y exhibición del teatro contemporáneo extendiendo los brazos a creadores y talentos de nuestra escena. Para ello han querido volver a las raíces de la disciplina, a la Grecia clásica donde las tragedias eran seguidas de encuentros más alegres que derivaban en un montaje colectivo. De este modo, los grandes personajes de la mitología son revisitados con una mirada actual. Esto es, en cierto modo, el especial carácter de estas piezas: son siempre actuales porque están unidos a la problemática humana y se pueden actualizar sin perder su esencia. Sanzol, que lleva viajando con Edipo Rey desde 1999, ha visto ahora la oportunidad de subirla a los escenarios del Teatro de la Abadía. 

¿De dónde surge la idea de este Teatro de la Ciudad?
Nosotros nos empezamos a juntar por un taller que montó Andrés Lima en Matadero y nos invitó. Uno de los días coincidimos los tres, ya nos conocíamos de nuestros trabajos y espectáculos y habíamos coincidido de manera casual pero nunca en un lugar haciendo algo. Estábamos trabajando y lo hicimos de una manera que quedamos satisfechos de modo que empezamos a hablar de la posibilidad de hacer algo juntos pero no pensábamos que iba a ser algo tan grande. Pero el propio movimiento de estar y trabajar juntos ha sido lo que ha ido dando forma al Teatro de la Ciudad. La vocación que tiene de futuro es la de seguir trabajando, es decir, no hay una idea con unos objetivos que nos hayamos impuesto sino que el propio movimiento orgánico de estar juntos va a ir generando las ideas para el futuro. 

Resulta interesante la parte de los talleres de cada una de las obras que se van a representar. El hecho de haber asistido al resto de talleres como público, ¿hace que aprendan los unos de los otros?
Es muy importante a la hora de crear cambiar la visión que tienes de hacer las cosas y ver cómo poder probar algo nuevo. Una parte esencial de la creatividad consiste en abrir nuevas posibilidades en la visión, como cambiar la cámara de lugar. Trabajar con compañeros y directores hace que veas que puedes hacerlo desde otros sitios y te hace pensar en tu manera de trabajar, te abre a otras posibilidades.

¿Cómo ha sido la selección de las obras? ¿Por qué tragedias? 
La tragedia está conectada con los movimientos del ser humano que no pasan de tiempo, que tienen que ver con la pregunta de si lo que hace uno es suficiente para cambiar su vida, o si dependes de tantas cosas de alrededor que no merece la pena. Son cosas existenciales muy profundas las que plantea la tragedia y tiene que ver con cómo deberían ser y cómo son las cosas.Plantea preguntas que van a tener mensajes que van más allá de las coyunturas y momentos. Están muy conectadas con la mejor idea que puedo tener yo de la diversión, que es espectáculo emocional con historias buenas y además profundidad y hondura.

¿Por qué Edipo Rey?
Edipo Rey la tengo desde 1999, la iba a hacer entonces pero en su lugar hice Como los griegos que es una obra basada en el mismo mito. Hay piezas que se quedan ahí y viajan conmigo y de repente surgió la posibilidad de hacerla. Además en este caso apareció junto con la idea de Lima y Del Arco de hacer Medea y Antígona. No sé quién lo dijo primero pero coincidieron las tres. Las llamo obras corcho que están hundidas temporalmente y de repente salen a flote. A veces las cosas encajan de manera orgánica.

Además ha querido que sea representada por la misma compañía que le acompañó en Como los griegos. 
Sí, ha habido un viaje de muchos años y era completamente normal que fuera la misma compañía. Es un regalo para nosotros hacerlo.

¿En qué se basan los talleres dirigidos a cada una de las obras?
Han sido con oyentes, con gente aficionada y asistentes. El abanico es amplio y se trata de gente interesada en el proceso de creación e investigación. Al principio era muy tímido de hacer ensayos con público porque son zonas de riesgo donde haces las cosas mal porque estás probando. Tener gente de fuera da responsabilidad, piensas que vas a aburrir y no les va a interesar pero me ha ayudado porque su experiencia aporta al proceso y de alguna manera se convierte en una parte más del trabajo. Hay momentos que están abiertos a que ellos participen y hagan preguntas o valoraciones.

La presencia de José Luis Gómez y el hecho de estar apoyados por La Abadía es una seguridad.
Sí, el hecho de que hayan estado interesados nos ha dado mucha alegría porque era el teatro natural donde tenía que pasar. Primero por la conexión que tenemos con La Abadía y por la forma que tiene el proyecto. Hemos tenido mucha suerte de que tuviera fechas y lo haya acogido.

José Luis Gómez hablaba del suicidio cultural y sobre que las obras españolas no salen al mercado internacional. ¿A qué cree que se debe esto?
Con la calidad que tiene el teatro español hoy en día creo que todos los festivales internacionales deberían tener un componente de intercambio, no solo dedicarnos a importar producto sino exportar nosotros también. Este primer paso comenzaría a desbloquear la situación. Muchas veces las cosas se enquistan por desconocimiento y prejuicios de la otra parte. Hay que tenerlo en cuenta y ponérselo fácil para disolver esos prejuicios.

Se habla mucho del miedo en sentido general y del miedo escénico. En su caso, ¿cuál es su mayor miedo?
El miedo más peligroso para todo el mundo y, sobre todo, para nosotros es el miedo del que no eres consciente. Aquel al que no le has visto la cara, una vez se la ves puedes empezar a gestionarlo y a decir que está ahí. Pero hay muchos miedos que no son conscientes y trabajar en equipo facilita que salgan a la vista aunque sea por contraste, para darte cuenta de que otro plantea algo que tú no o porque alguien se enfrenta sin miedos a los reparos que tú te estás inventado. Por lo tanto, por contraste aparece el miedo como algo negativo, como en las fotos que aparece una sombra ahí y le das forma. Eso nos ayuda. Tengo muchos miedos, un book de miedos, y tengo muchos más de los que aún no soy consciente y trabajo para que salgan a la vista. Además tienen capacidad de regeneración. La historia de San Jorge y el dragón dicen que tiene que ver con que cuando le ves la cara al miedo puedes subirte encima de él, usarlo y comenzar a trabajar a partir de eso.
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Fuente: Julio Bravo (abc.es)
Alfredo Sanzol, Andrés Lima y Miguel del Arco son los tres pilares sobre los que se asienta Teatro de la Ciudad, un proyecto que incluye «investigación, reflexión, producción y exhibición», según han explicado en su presentación. Son tres de las figuras descollantes de la escena española actual, y su unión ha generado una notable expectación en el mundo del teatro.
El deseo de los tres directores de hacer algo conjuntamente y el descubrimiento de que a los tres les apetecía poner en pie una tragedia fue el detonante del proyecto, en el que han involucrado a los productores con los que habitualmente trabajan (Joseba Gil, Gonzalo Salazar-Simpson y Aitor Tejada) y a sus respectivas «familias escénicas»: actores, escenógrafos, diseñadores de vestuario o músicos que trabajan regularmente con los tres.
Con la mirada puesta en un futuro montaje de tres tragedias grecolatinas -«Antígona», «Medea» y «Edipo»-, el Teatro de la Ciudad arrancó en junio del pasado año con un taller, «Mito y Razón», dedicado a las tres obras y realizado conjuntamente por los tres directores. En él participaron actores como Carmen Machi, Bárbara Lennie, Israel Elejalde, Cristóbal Suárez, Aitana Sánchez-Gijón, Irene Escolar o Lucía Quintana, e intervinieron Mario Gas, Nuria Espert y Alberto Conejero, entre otros.
A éste taller han seguido otros dedicados a la dramaturgia y el estudio de los tres personajes centrales. El teatro de La Abadía, que ha acogido estas actividades, será el escenario donde se representarán en abril las tres tragedias: «Antígona», dirigida por Miguel del Arco, y con Carmen Machi y Manuela Paso al frente del reparto; «Medea», dirigida por Andrés Lima y protagonizada por el propio director junto a Aitana Sánchez-Gijón; y «Edipo Rey», con dirección de Alfredo Sanzol y un reparto que incluye a Natalia Hernández y Juan Antonio Lumbreras, entre otros. Además, habrá otro espectáculo, titulado «Entusiasmo»; un término griego que tiene que ver, según Sanzol, con «la posesión y la creación». No es, explicó Lima, un cuarto montaje, «Es una manera de prolongar la experiencia para el público, hacerles partícipes de la experiencia», dice Lima, que anuncia sorpresas en este «Entusiasmo». 
Los tres directores coinciden en señalar que el trabajo conjunto y el enriquecimiento con las ideas de los demás es lo más interesante para ellos del proyecto: «La dirección es una tarea con muchas inseguridades e incertidumbres, y compartirlas te hace más valiente», dice Miguel del Arco. «La unión hace que superes el miedo», tercia Lima. Miedo y libertad son, precisamente, dos conceptos que tienen que ver con la Revolución francesa, que ha inspirado igualmente el nombre del proyecto, Teatro de la Ciudad.
José Luis Gómez ha acogido en el teatro de La Abadía, que él dirige, el proyecto; allí se han celebrado los talleres y se estrenarán los espectáculos. «Ha sido un golpe de corazón», argumenta, y recuerda que en París, en los años veinte, cuatro directores -Louis Jouvet, Charles Dullin, Gaston Baty y Georges Pitoëff-, alumnos de Jacques Copeau, crearon un proyecto similar, que se conoció como el Cartel de los cuatro. Define a los tres directores como «gente que tiene un instinto reformador», y su manera de entender el trabajo teatral coincide plenamente con el espíritu de La Abadía.
¿Y por qué han escogido la tragedia para echar a andar el proyecto? ¿Creen que es un buen camino de establecer un diáglogo con el público? Dice Alfredo Sanzol que él tenía «el impulso de contar una tragedia. Es importante escribir y dirigir para saber lo que se quiere contar, pero eso se descubre al final». Andrés Lima, por su parte, añade que «el público tiene necesidad y ganas de abrir los ojos y mirar de frente, y el teatro es un espejo en el que mirarse y una forma de reflexionar. «El teatro siempre ha funcionado en tiempos de crisis -añade-; y cuanto mayor es la tragedia, se cuenta de manera más bonita». El público, concluye Lima, necesita belleza, pero también encontrarse con la realidad. Y añade Del Arco: «Los clásicos lo son precisamente porque están en permanente transformación».
Es inevitable en cualquier proyecto teatral referirse al 21 por ciento del IVA cultural, y la presentación de Teatro de la Ciudad no es una excepción. Andrés Lima lo califica de «cuchillada», y José Luis Gómez va más allá cuando se refiere a la situación como un «suicidio cultural». «Unirse -dice- es una manera de resistir». ¿La creación de Teatro de la Ciudad es entonces un acto de resistencia?, se les pregunta. «No -dice Sanzol. Es un acto de movimiento, de alerta, de creación».
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VERSIÓN DEL ESPECTÁCULO MUSICAL PRODUCIDO POR DAGOLL DAGOM EN 1992
TEXTO: MANUEL VÁZQUEZ MONTALBÁN (a partir de una idea de Dagoll Dagom)
LETRAS ADICIONALES: JOAN LLUÍS BOZZO
MÚSICA: ALBERT GUINOVART
DIRECCIÓN ESCÉNICA: VÍCTOR ALVARO
DIRECCIÓN MUSICAL: XAVIER TORRAS
COREOGRAFÍAS: BEALIA GUERRA
INTÉRPRETES: BETH RODERGAS, LLUÍS CANET, JORGE VELASCO, BEALIA GUERRA, FRANK CAPDET, GRACIA FERNÁNDEZ, JOAN VÁZQUEZ, XAVI TORRAS (piano), VICTOR MIRALLAS (saxo), LAURA MARÍN (violín)
DURACIÓN: 2h 30min (entreacto incluido)
PRODUCCIÓN: GATARO
ALMERIA TEATRO

Me he sumado a los musical lovers hace relativamente poco tiempo. Antes asistía a uno o dos, como mucho, por temporada, ahora, aunque sigo prefiriendo el texto, voy con más asiduidad. A pesar de esto, quizás no encuentres una crítica lo suficientemente precisa como si de un experto en musicales la escribiera, pero con Flor de Nit disfruté y mucho.

Recordé que hace un par de años, la revista digital Teatralnet había montado el espectáculo en versión concierto en el Condal al poco que iba reconociendo las letras y la música. Como si fuera magia nos trasladamos al Paral·lel antes de la Guerra Civil, al cabaret Flor de Nit donde las historias traspasan a las canciones. 

El poder de todo musical reside en la música y en hacer de las canciones reconocibles y pegadizas, no hay duda que a la salida, continuas cantando muchas de ellas. No es para menos cuando detrás de ellas se encuentra el maestro Albert Guinovart. La magnífica dirección musical de Xavi Torras y una muestra representativa de los mejores intérpretes actuales de musical hacen el resto. 

Sucumbimos delante de Gracia Fernández que una vez más nos cautiva a golpe de batuta de sonrisas, la más salada. A su lado, entre la sonrisa y la tristeza del Paquitu, Joan Vázquez, nos gana poco a poco, con una voz tímida, al final aparta la timidez y saca un vozarrón. Aunque parezca nueva, no es nueva, y ya se le van notando las tablas a la Beth Rodergas, que deslumbra con voz y porte escaleras arriba, escaleras abajo, ensimismados quedamos ante una interpretación más que notable. Aunque el mago de la noche será Frank Capdet, que de principio a fin nos hechiza y nos dejamos llevar por todo lo que nos dicte.

No hace falta grandes escenarios para que los musicales brillen. Cada vez más los pequeños teatros saben aprovechar todo su potencial para poner en pie espectáculos que pueden mirar con la cabeza bien alta a otros de más presupuesto. Los sentimientos no se compran con dinero, y a veces el esfuerzo por cuidar el conjunto de la producción hace más que mil fuegos artificiales. Estos, sin duda, estallan en la platea del Almería Teatre, cuando cada espectador ríe, disfruta y sale por la puerta gritando, BRAVO! 

FLOR DE NIT

by on 16:33
VERSIÓN DEL ESPECTÁCULO MUSICAL PRODUCIDO POR DAGOLL DAGOM EN 1992 TEXTO: MANUEL VÁZQUEZ MONTALBÁN (a partir de una idea de Dagoll D...
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Font: Xavier Castillón (elpuntavui.cat)
Dos anys després que es tanqués l'etapa de Salvador Sunyer com a primer director del Centre d'Arts Escèniques Salt-Girona El Canal (2007-2012), el consorci públic que el gestiona ha convocat finalment el concurs per a la selecció del seu nou director artístic. Segons l'edicte publicat el 18 de desembre al  Butlletí Oficial de la Província de Girona (BOP), el termini de presentació de candidatures acaba el 10 de febrer i les sol·licituds presentades seran analitzades per una comissió formada pel gerent del consorci, Jaume Saderra, el seu secretari i “tres experts de reconegut prestigi”, que molt probablement seran el director del Teatre Nacional, Xavier Albertí; el director del Teatre Lliure, Lluís Pasqual, i l'antic director del TNC i actual responsable del Teatre de l'Arxipel de Perpinyà, Domènec Reixach.
El nou director artístic d'El Canal ha de tenir un “grau universitari o equivalent”, experiència en la direcció de projectes escènics professionals i “capacitat de lideratge per tal de desenvolupar el projecte”. Els candidats han de presentar un projecte artístic amb un pressupost aproximat de 300.000 euros anuals. El director artístic d'El Canal tindrà una retribució anual bruta de 67.500 euros. “Aquesta feina és un caramel, no només pel sou, sinó també perquè la persona seleccionada tindrà la possibilitat de fer moltes coses, amb una gran llibertat per marcar la línia de les produccions artístiques d'El Canal”, diu Saderra. En principi, no s'especifica la durada del contracte però, segons el gerent, està previst que duri com a mínim fins que acabi l'actual conveni de finançament del consorci, el desembre del 2016, i que es renovi fins a un màxim de vuit anys, “com al TNC”, perquè el director artístic tingui prou temps per desenvolupar el seu projecte.
La previsió és que el nou director s'incorpori al càrrec cap a finals de març per poder preparar ja la temporada vinent. “En una primera fase treballarà amb personal subcontractat i, si hi ha prou recursos, anirà creant el seu propi equip”, explica Saderra. El pressupost anual d'El Canal va a càrrec de les tres institucions del seu consorci: 100.000 euros de l'Ajuntament de Salt, 160.000 euros de la Diputació i 60.000 euros de l'Ajuntament de Girona. A més, la Generalitat hi fa una aportació anual no determinada.
Buscant la fórmula
El president del consorci i alcalde de Salt, Jaume Torramadé, explica el retard de dos anys en la convocatòria d'aquest concurs per les dificultats que hi ha hagut per trobar “la fórmula més adient” per a la direcció d'El Canal. Finalment s'ha optat per una direcció artística al marge de la gestió econòmica, que serà controlada directament per l'administració pública. Inicialment s'havia parlat de convocar un concurs per triar una empresa que assumís tant la gestió com la direcció artística del centre.
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