Fuente: Julio Bravo (abc.es) | Foto: efe.es
Con doce kilos menos pero la elegancia y la simpatía habituales, Concha Velasco se enfrentó ayer a una montonera de fotógrafos que, como es costumbre, llamaban su atención: «¡Concha, mira a la derecha!» «¡Aquí, Concha, por favor»». En el prólogo a la presentación del estreno madrileño de la obra, «Olivia y Eugenio», celebrada en la sede de la SGAE, la actriz vallisoletana posó sola, en grupo o con los dos actores que se alternan el el papel de Eugenio, Hugo Aritmendiz Rodrigo Raimondi (dos jóvenes con síndrome de Down); le acompañaban también el autor del texto, Herbert Morote; el director de la función, José Carlos Plaza, y los dos productores del espectáculo, Jesús Cimarro (Pentación) y Jordi González (Focus). Y Concha, durante el posado, no dejaba de sonreir y de dar gracias.
Llegó después el momento de la presentación. Herbert Morote, dramaturgo peruano, elogió a Concha Velasco: «se ha mimetizado en Olivia, su personaje, y éste se ha apoderado de Concha». Padre de un chico con síndrome de Down, tuvo también palabras de afecto para los dos intérpretes, de los que dijo que «son dos actores natos».
«Olivia y Eugenio», tras su estreno a finales de septiembre en Zaragoza, llegará el próximo 6 de noviembre al teatro Bellas Artes de Madrid, con dirección de José Carlos Plaza, el «director de cabecera» de la actriz; juntos han trabajado ya en cinco montajes. Es una obra que cuenta la historia de una mujer, enferma de un cáncer terminal, que está sola y tiene un hijo con síndrome de Down.
José Carlos Plaza no quiso hablar de Concha, «porque es mi hermana pequeña, y qué voy a decir de ella», y hablo del texto. «Lo que menos importa es la anécdota que se cuenta. Lo importante es de lo que habla: de que la pureza, la bondad y las ganas de vivir son capaces de vencer todo lo malo, que son un veneno bueno. El personaje de Eugenio representa lo que este país necesita ahora más que nunca: bondad, porque la bondad lo puede transformar todo. Y después de trabajar con Hugo y Rodrigo, todos somos mejores personas».
Los dos aludidos mostraron su alegría y su felicidad por trabajar con Concha Velasco -«una chica estupenda»-, y ella manifestó idéntico sentimiento: «Nadie me ha besado tanto como estos dos chicos, que me han dado el amor que tanto necesitaba».
Concha fue, como de costumbre, elocuente y sincera. Esta función es especial por ser la primera que afronta tras su enfermedad. que le obligó a dejar el montaje anterior en que trabajaba, «Hécuba», y a pasar cuatro veces por el quirófano. Ahora, dijo, ha vuelto con las mismas ganas y la misma pasión, aunque con doce kilos menos de peso y algunas limitaciones: «no me dejan hacer más que una función al día; no puedo hacer dobletes ni hacer una serie al mismo tiempo; sólo me dejan, los lunes, grabar "Cine de barrio", que me encanta».
Pero sí puede hablar. De ella, de la función, de su profesión, de sus personajes, de Olivia, de la actualidad... 
De ella: «No puedo tomar champán ni vino blanco, que me gusta mucho, estoy a base de pechuga de pavo y jamón de york». «No pienso morir en el escenario; es una falta de educación». «La enfermedad no me ha cambiado como actriz; como persona, sí. Yo ahora lo que quiero es ser feliz». 
De la función: «Tras mi enfermedad, no me sentía capaz de hacerla. Pero José Carlos Plaza y Josefina Molina me decían: "¿Eres Santa Teresa de Jesús, eres Madame Rosa, eres Hécuba? No, ¿verdad? Pues afronta a Olivia como a otro personaje, sin involucrarte". Hubiera sido doloroso ser Olivia de verdad». «La obra, un puñetazo en la boca en un principio, te enseña que el amor lo puede todo».
De su profesión: «Ser actriz es mi pasión y mi profesión. No he querido ser otra cosa en la vida... Salvo ser madre y abuela. Es mi gran amor y lo necesito para vivir, ¡pero qué satisfacción vivir haciendo lo que te gusta!».
De sus personajes: «A través de ellos, he podido decir todo lo que no me he atrevido a decir como Concha Velasco. Y algunos me han enriquecido tanto que a veces digo cosas que no debo».
De Olivia: «José Carlos Plaza escribió sobre ella que es una mujer intelectualmente tan importante que no se ha atrevido nunca a decir lo que siente. Saca el pus que tiene en su sangre, y recibe a través de Eugenio la sangre nueva que necesita para vivir. Es también una mujer irónica, capaz de reírse de sí misma, y ese humor es lo que le salva» 
De la actualidad: «Desde hace algún tiempo, hago teatro porque las obras son un vehículo de crítica social y cultural». «He opinado mucho, y no me arrepiento. Pero ya no quiero opinar». «El ministro Wert no tiene nuestro cariño, pero no ha conseguido que perdamos las ganas de hacer teatro ni ha logrado que el público deje de ir al teatro».


Fuente: elcultural.es

José Luis Gómez, José María PouJavier Cámara y Michelle Jenner protagonizarán una edición sonora del Quijote que Radio Nacional de España (RNE), con la colaboración de la Fundación BBVA, prepara para el próximo año con motivo del cuarto centenario de la publicación de la segunda parte de la novela de Cervantes. El intérprete, director teatral y académico de la Real Academia Española (RAE) José Luis Gómez será el narrador, mientras que los actores José María Pou, Javier Cámara y Michelle Jenner interpretarán a Don Quijote, Sancho Panza y Dulcinea del Toboso, respectivamente.

En la rueda de prensa de presentación, el director de RNE, Alfonso Nasarre, ha detallado que esta edición sonora constará de diez capítulos de una duración de hora cada uno de ellos. Las fechas de emisión están aún por determinar aunque se prevé que al menos una parte esté grabada y producida para el 23 de abril de 2015, coincidiendo con la fecha del fallecimiento de Miguel de Cervantes y el Día Internacional del Libro.

El proyecto -que cuenta con la colaboración de la Fundación BBVA- está coordinado por la dirección de programas de RNE, con guion y adaptación a cargo del académico de la lengua y experto en Cervantes Francisco Rico, mientras que la adaptación radiofónica contará con la dirección y realización de Benigno Moreno y la música original de Luis Delgado, además de la participación del equipo de ficción sonora de RNE. Benigno ha dicho en la presentación que el objetivo de esta ficción "es que la gente se ilusione y acabe en el libro", por lo que se utilizarán nuevos avances tecnológicos y técnicas de montaje. Rico, por su parte, ha destacado "la oralidad" del texto de Cervantes, que escribió el Quijote "no concebido como escritura sino como oralidad", por lo que ha subrayado la idoneidad de llevar a cabo esta ficción sonora sobre un texto que se ha limpiado "de erratas y que también se ha modernizado".

José María Pou ha señalado que su interpretación de don Quijote es, para él, como un "personaje caído del cielo" y un reto que afronta con "ilusión, ganas, compromiso y responsabilidad". Mientras tanto, Javier Cámara ha definido a José Luis Gómez y José María Pou como "los padres" de los actores de hoy en día, "luz y guía" de la actual generación. Sobre su interpretación de Sancho Panza, ha recordado que, como hijo de labriego, es "el mayor homenaje" que puede hacer y ha añadido que se embarca en este proyecto con la intención de "seguir aprendiendo".

Esta nueva edición sonora de la obra de Cervantes coincide con los cincuenta años de la de 1965, que protagonizaron Adolfo Marsillach, Fernando Rey, Francisco Rabal y Nati Mistral. 

Fuente: EFE vía lavanguardia.com

La ciudad de Barcelona contará a partir del próximo viernes con el Papallona Circus Arts Shop, un espacio que combina las funciones de tienda y galería de arte especializadas en las actividades circenses. Impulsada por la entidad de difusión de las artes del circo Zirkòlika, el nuevo establecimiento está situado en la Avenida Francesc Cambó 30-36, cerca del mercado de Santa Caterina.

En el Papallona Circus Arts Shop se pondrán a la venta una gran variedad de objetos de circo, como objetos para juegos malabares, trapecios, monociclos y objetos de decoración, mientras se expondrán obras de arte con el tema común de las artes circenses. Entre las obras que se podrán ver inicialmente en este nuevo espacio figuran los dibujos que el artista Joan Soler-Jové ha hecho durante años del payaso Charlie Rivel, óleos de la pintora inglesa Anna McNeil, esculturas de Marta Velasco, Paola Micheo y Cristina Turu, y fotografías de Manel Sala 'Ulls' y Jordi Blas, entre otros.

La tienda incluye también carteles antiguos, juegos de circo y un catálogo de libros especializados con más de 200 títulos. Esta combinación de tienda y galería de arte, una fórmula pionera en el mundo, pretende erigirse también en punto de encuentro del sector para creas sinergias entre personas interesadas en el circo y el arte, según resalta la entidad Zirkòlika.


Font: Mar Vicente (elpuntavui.cat)

El Festival Internacional del Circ de Figueres arribarà al febrer a la quarta edició consolidat no només com el major esdeveniment de circ de l'Estat sinó també com el segon festival d'Europa, després del de Montecarlo, amb prop de quaranta anys d'història. Així ho va explicar el director general del festival, Genís Matabosch, que va destacar aquesta posició del festival en l'àmbit europeu i també algunes de les novetats de la nova edició, que ja ha posat a la venda prop de 33.000 entrades per a catorze representacions entre el 26 de febrer i el 2 de març. L'alcaldessa, Marta Felip, que també va assistir a la presentació, va valorar que el festival és un “esdeveniment de primer ordre que ha convertit Figueres en la capital del circ”, i hi va afegir que l'Ajuntament hi continua apostant col·laborant en el finançament, juntament amb la Diputació de Girona.
Una de les novetats més importants de la pròxima edició és que estrenarà una innovadora vela sense columnes que millorarà la visibilitat dels espectacles. A més, permetrà que hi pugui haver un centenar de persones més a cada espectacle i oferir números d'altura més espectaculars, que fins ara no podien oferir. La vela se sostindrà amb uns arcs telescòpics gegants a l'exterior per deixar lliure la pista. Segons va explicar Matabosch, l'any passat es va fer una enquesta en què el públic demanava millorar aquest aspecte. En aquesta mateixa enquesta es va detectar que el 50% dels assistents ja havien estat en una de les anteriors edicions. “El nivell de fidelitat és molt elevat”, va dir.
Pel que fa als espectacles, hi ha previstos 24 espectacles inèdits a Europa, amb més de setanta artistes de catorze països. Però, a més dels espectacles de la pista, aquest any també hi haurà un espectacle convidat al Teatre El Jardí. Els preus de les entrades oscil·len entre els 15 i els 95 euros (descomptes i paquets a banda). El pressupost del festival és de 583.000 euros.

Font: Xavier Cervantes (ara.cat)
“És una obra per a tots els públics, perquè rep tothom”, diu l’actor Francesc Orella sobre El president de Thomas Bernhard. Carme Portaceli dirigeix Orella i Rosa Renom en un muntatge de l’obra de l’autor austríac que estrenarà al teatre El Canal de Salt els dies 25 i 26 d’octubre, dins de la programació del Festival Temporada Alta, i que després es podrà veure al TNC del 5 de novembre al 28 de novembre. 
Sí, hi rep tothom, però sobretot la socialdemocràcia centreeuropea hegemònica en els anys posteriors a la Segona Guerra Mundial. “Bernhard va ser un autor reaccionari. Va reaccionar contra un règim socialdemòcrata que ell considerava que no s’havia tret de sobre el nacionalsocialisme”, recorda Bernat Puigtobella, traductor al català d’El president, una de les obres més explícitament polítiques de l’escriptor austríac mort fa 25 anys. Segons el director del TNC, Xavier Albertí, El president funciona com “una al·legoria sobre el comportament d’alguns governs europeus”. 
“És una obra d’utilitat pública”, diu Orella sobre una peça teatral que considera una “vomitada dialèctica”. El president, escrita a la dècada dels 70, en els anys de plom, comença després d’un atemptat contra el president d’una democràcia centreeuropea. Ni ell ni la seva dona pateixen cap ferida. Moren un coronel i el gos de la presidenta. Quan s’alça el teló la parella presidencial, interpretada per Orella i Renom, es preparen per anar al funeral. “Es vesteixen impecablement, com si fossin actors que han d’anar a representar un paper”, explica Portaceli. De fet, “són personatges que sobreactuen”, afegeix Puigtobella. “L’obra també tracta sobre la relació entre el teatre i la política. Els polítics són mals actors, i al teatre podem explicar com de falsos són els polítics”, assegura el traductor. 
Dictadors i “targetes opaques”
Després de l’enterrament, i atemorits davant la possibilitat d’una revolta, el president i la seva dona marxen del país. Ella, afectada per la mort del gos, es refugia a la muntanya. Ell viatja fins a Estoril, al Portugal anterior a la Revolució dels Clavells. “Hi ha un interès antropològic per les dictadures europees”, recorda Albertí, i Bernhard situa l’obra quan Portugal, Espanya i Grècia estaven governades per dictadors. “Aquest president representa una classe política a qui, tot i viure en una democràcia, li agradaria viure en una dictadura”, diu Portaceli. Viure-hi, sí, però sobretot seguir manant. Segons Orella, Bernhard fa “una radiografia descarnada i vitriòlica” del poder, però, com sempre en els textos de l’autor de L’imitador de veus, burxa en les contradiccions de les ideologies. “El discurs dels personatges és aberrant, però de tant en tant diuen coses políticament incorrectes que potser són certes. No són personatges nefastos i prou, sinó que a vegades et fan combregar amb rodes de molí”, assegura Puigtobella, que també hi veu connexions amb el present. “Tot això de les targetes opaques és una mica el que fa el president anant a Estoril amb l’amant”, diu el traductor. 
Tot i que l’obra és bàsicament un diàleg de monòlegs, els del president i els de la dona, també hi ha espai per a personatges secundaris interpretats per Josep Costa, Daniela Feixas, Montse Pérez, Sergi Misas i Josep Julien. “Faig una intervenció al final com a fatxa, que és una constant a la meva carrera”, fa broma Julien.

Fuente: Vanessa Anaya (elpais.com)
La construcción del nuevo teatro Guga s’Thebe de Langa, en Ciudad del Cabo, brinda la posibilidad a comunidades con menos recursos de acceder más fácilmente a actividades sociales, culturales y artísticas a las que habitualmente no tienen acceso. El arte y la cultura pueden ser importantes catalizadores para el desarrollo y la mejora de las condiciones de vida de una población que vive en una zona con graves problemas sociales y en riesgo de exclusión.
Langa, uno de los townships más antiguos de Ciudad del Cabo (Sudáfrica), fue construido durante la época colonial para desalojar a la población negra del céntrico y emblemático barrio District Six, bajo la Ley de Áreas Urbanas de 1923. Situado a pocos kilómetros del centro de Ciudad del Cabo, Langa no se caracteriza por formar partede los suburbios con más altas tasas de criminalidad, pero las condiciones de vida de su población no son fáciles y no está exento de problemas sociales y económicos. Las protestas siguen siendo habituales por las graves dificultades sociales y urbanas que sufre un territorio alejado del privilegiado centro de la ciudad. El desalojo de Joe Slovo, uno de los asentamientos informales más grandes de la ciudad o el controvertido proyecto de construcción de viviendas N2 Gateway Housing Pilot Project son algunos ejemplos de los problemas sociales que existen.
La falta de espacios públicos, imprescindibles para fomentar una mejor convivencia entre los vecinos, ha sido también una importante carencia detectada por la comunidad y por las autoridades, que creen firmemente que la construcción de nuevos equipamientos culturales pueden ser una oportunidad de desarrollo y una mejora del territorio: “A menos que vivas en el centro de la ciudad o en ciertas zonas privilegiadas, no hay realmente equipamientos culturales diseñados. Hay una gran necesidad de proporcionar apoyo en el desarrollo de niños y jóvenes y muchas organizaciones culturales llevan a cabo programas de enseñanza de danza, música, teatro y artes visuales”, asegura el Consejero Garreth Bloor (Miembro del Comité de Turismo, Eventos y Desarrollo económico de Ciudad del Cabo) en la entrevista realizada por Wiriko.
Por ello, una de las peticiones más demandadas por sus habitantes ha sido la creación de un teatro para el uso de la comunidad, especialmente niños y jóvenes, complementando así el ya existente Centro Cultural Guga’s s’Thebe. La vida cultural de este township discurre principalmente en este centro construido durante el fin del apartheid en los años noventa. La intensa actividad del Guga s’Thebe durante estos últimos años y el número cada vez mayor de grupos de teatro y performance en Langa, han ido haciendo necesaria la ampliación del recinto cultural para dar cabida a otro tipo de actividades de mayor envergadura.
Además Langa —que significa sol en lengua xhosa— ha sido el hogar de muchos líderes políticos y comunitarios, músicos, artistas, etc., lo que ha despertado un gran interés turístico y cultural. Como asegura Bloor: “Langa se está convirtiendo en un lugar muy popular entre los turistas por su historia, lo cual está desarrollando una fuerte economía del turismo”.
Después de la decadencia que sufrió a principios de la década de los 2000, Guga s’Thebe —y en consecuencia el nuevo teatro anexo—, está encaminado a situarse como un punto de referencia en la región tanto para jóvenes y artistas como para aquellos visitantes que prefieran conocer la escena cultural fuera de los circuitos más frecuentados por el turismo masivo.

La arquitectura como práctica social y cultural

La construcción de Guga s’Thebe Theatre es un proyecto que se apoya en los principios de una arquitectura sostenible, asegurando así que tanto el diseño como la construcción se adapte perfectamente a la realidad social, espacial y cultural. Así, la historia de Ciudad del Cabo está plasmada de una forma u otra el diseño y los materiales utilizados, con una lógica de reutilización, reciclaje, métodos de construcción de bajo coste e inteligencia energética. No es de extrañar que el proyecto forme parte del Cape Town World Design Capital 2014.

El equipo formado para llevar a cabo el proyecto se creó a partir de la colaboración realizada a través de la revista de diseño de interiorismo AIT, que puso en contacto al grupo Design·Develop·Build· (formado por las universidades Peter Behrens School of Architecture de Düsseldorf, RWTH Aachen de Aachen y el Georgia Institute of Technology de Atlanta) con la arquitecta sudafricana Carin Smuts de CS Studio de Ciudad del Cabo, involucrada en la construcción del centro cultural desde sus inicios en 1992. Fue entonces cuando pensaron que un proyecto de colaboración sería la mejor manera de construir el nuevo teatro, concebido como un programa de apoyo a la siguiente generación de artistas.
“Tras numerosas reuniones con la comunidad y el Ayuntamiento de Ciudad del Cabo, se hizo evidente la necesidad de dar cabida a nuevas actividades, que el centro Guga S'Thebe no podía ofrecer: un espacio para eventos grandes, ya que [el centro] fue concebido como un espacio de ensayo y utilización para grupos locales de teatro infantil. Tenía como objetivo proporcionar una oportunidad para el continuo empoderamiento de la juventud así como el aprendizaje, la música y el ocio, incorporando una estética lúdica. La idea de construir un espacio para 200 personas fue desarrollada con la comunidad y con el Ayuntamiento, para permitir realizar actividades a compañías de teatro locales, conciertos, misas, bodas y festivales”, afirma Daniel Baerlecken, uno de los arquitectos del Georgia Institute of Technology de Atlanta, en una entrevista para Wiriko
Una de las características más atractivas de la construcción del Guga s’Thebe Theatre, es la vertiente colaborativa en la que alumnos sudafricanos e internacionales se han puesto manos a la obra —y con sus propias manos— en la construcción del teatro desde cero, aplicando esta teoría a la práctica e integrando la cultura a la arquitectura: “Los proyectos Diseño-Construcción se basan no sólo en el intercambio de conocimientos, sino también en la experiencia cultural tanto para el creador como para el usuario. (…) incluye la comprensión de la arquitectura como práctica social y la toma de conciencia de todas las consecuencias y las responsabilidades éticas” afirma Baerlecken.
También han participado en el proceso trabajadores locales, que han sido formados en técnicas de auto-construcción alternativas, de bajo coste y baja tecnología, lo que les permite aplicarlas en el futuro en la construcción de nuevas infraestructuras, asegurando así que el proyecto pueda ser durable en el tiempo.
“Apostando por un uso honesto frente a la alta ingeniería” en propias palabras del arquitecto, la construcción del teatro está hecha a partir de la reutilización de contenedores de acero provenientes del puerto marítimo —he aquí una parte de la historia de Ciudad del Cabo—, utilizados con frecuencia en los townships por su seguridad y su precio. Una vez apilados, los contenedores están dispuestos alrededor de un habitáculo central y albergan espacios como bastidores, un comedor popular, palcos, un estudio de grabación, etc. El problema de climatización que caracteriza a estos contenedores se ha solucionado con un revestimiento de arcilla y paja cubierto con diferentes materiales: “Esta capa, que proporciona protección contra la intemperie y al mismo tiempo genera la identidad del edificio, se crea a partir de materiales locales reciclados como madera de cajas de fruta, neumáticos viejos y plástico, pero también se adapta a un textil vernáculo en el diseño de la fachada —inspirado en un patrón local Xhosa—. La combinación de materiales reutilizados o reciclados con métodos de construcción locales y tradicionales puede ser un elemento clave de métodos neo-vernaculares de construcción de bajo coste”, sostiene Baerlecken.
El recién inaugurado teatro ha albergado numerosos eventos durante su construcción. Con un exterior ya casi terminado y un interior en curso, la finalización completa del teatro será a mediados de 2015, cuando el Ayuntamiento tiene previsto equipar el edificio con mobiliario, cafetería, tienda, un espacio de galería y una mejor iluminación y sonido.
Sin duda, se puede considerar el Guga s’Thebe Theatre como una obra paradigmática de las posibilidades del diseño y de la arquitectura contemporánea a la hora de dar respuesta a unas condiciones sociales y espaciales muy determinadas. La unión entre la experiencia práctica con la investigación cultural, muestra una mejor adaptación al entorno y a las necesidades reales de la comunidad, haciendo que la arquitectura moderna sea, reiterando las palabras de Baerlecken, una auténtica práctica social.