Font: ACN via elpuntavui.cat | Foto: ACN
La companyia de teatre gestual i d'humor Vol-Ras ha decidit posar punt final als seus 35 anys de trajectòria. La disminució de la contractació per part dels ajuntaments i teatres de tot l'Estat amb motiu de la crisi i la no renovació de l'ajut del conveni triennal són els motius que han obligat els fundadors del grup a prendre aquesta decisió. Joan Faneca i Joan Segalés han reconegut que prendre la decisió “costa molt” però afirmen que volen acabar la història de Vol-Ras “dignament”. Per això, oferiran una gira de comiat per diversos municipis catalans amb el seu darrer espectacle, Da Capo, que al desembre farà estada al Teatre Poliorama.
L'adéu als escenaris com a parella artística de Joan Faneca i Joan Segalés, fundadors, creadors i actors de la companyia Vol-Ras, deixa enrere més de tres dècades de teatre gestual i d'humor. 19 espectacles amb més de 3.400 funcions i un milió d'espectadors seran el llegat de la popular companyia, que s'acomiadarà al desembre al Teatre Poliorama.
La disminució dels pressupostos en cultura dels ajuntaments i teatres de tot l'Estat sumat a la no renovació per part de la Generalitat del conveni triennal són els motius que esgrimeixen per justificar el tancament de la companyia.
‘Da Capo', el seu particular adéu
Da Capo és el darrer dels espectacles de Vol-Ras, que es va estrenar el 3 d'octubre de 2013 al Teatre Arbolé de Saragossa i que ha recorregut teatres de Toledo, València, Estagel (França), Màlaga, Ceuta o Reus, entre d'altres. Al desembre, Vol-Ras celebrarà les seves darreres representacions al Teatre Poliorama.
Joan Faneca i Joan Segalés han explicat que Da capo és un “homenatge” a l'ofici de tècnic. En l'espectacle, Faneca i Segalés es converteixen en dos tècnics d'escena que mostren com es viu al backstage d'un concert: la seva preparació, els imprevistos, els conflictes que sorgeixen entre ells, la rebel·lió dels objectes o el servei de la funció. L'obra, que s'inspira en Familie Flöz, Federico Fellini, John Cage i en la vida mateixa del teatre i dels músics, és un recorregut des del silenci cap a la música, sense paraules i amb humor.
“Da capo significa tornar al principi. Un fa un recorregut i aquest es pot frenar. De cop, el món et cau a sobre, però el missatge de l'obra és optimista, tot i que potser és contradictori amb la nostra decisió final”, ha reflexionat Faneca.
Pels fundadors, després de la crisi econòmica s'ha de “tornar a començar” per crear nous públics, una situació similar a la que es van trobar ells mateixos fa 35 anys, quan van engegar el projecte. “No hi havia públic, ni espectacles, ni teatre enlloc. Entre tots, vam anar creant públic i el públic ens va crear a nosaltres. Després de la crisi, s'ha de tornar a començar, sobretot fora de les grans ciutats”, han reflexionat Joan Faneca i Joan Segalés.
Vol-Ras: 35 anys als escenaris
Vol-Ras va néixer a Barcelona l'any 1980 i és una de les companyies pioneres a l'estat espanyol en el teatre gestual. La precisió tècnica en els moviments, la varietat de recursos humorístics i una posada en escena acurada són la base sobre la qual la companyia ha creat un estil propi.
Vol-Ras ha volgut jugar sempre amb situacions i personatges que el públic pogués reconèixer: el món que els envolta ha estat sempre la seva principal font d'inspiració i d'observació, especialment les relacions humanes que mostren com de ridícules poden ser les persones en diverses situacions. Un segon ingredient ha estat posar en escena els objectes, vestuari i escenografia mínima i indispensable per tal que l'obra funcioni, evitant sobrecarregar l'escena.
El malabarisme, les acrobàcies, els instruments musicals, els trucs de màgia, els monocicles, els equilibris i la pirotècnia han format part de l'ADN de la companyia.
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Fuente: Javier Yuste (elcultural.es) | Foto: Javier Barbancho

Adriana Ozores (Madrid, 1959) va a estar hasta el 12 de julio de inquilina en el Teatro La Latina con la obra Atchússs!!!, una compilación de textos humorísticos de Chéjov adaptados al escenario por Enric Benavent y Carles Alfaro. La obra muestra como el escritor ruso tuvo la capacidad ya en su juventud, periodo en el que concibió estas piezas, de convertir en protagonistas a unos pobres diablos que hasta entonces solo habían servido de paisaje de fondo. Acompañan a la actriz sobre las tablas Fernando Tejero, Ernesto Alterio, Malena Alterio y Enric Benavent, todos ellos en la piel de varios personajes. 

¿Qué tal han funcionado las primeras representaciones?
Por ahora la verdad es que muy bien. A la gente le está gustando y se ríen muchísimo. Para un actor siempre es un placer y una satisfacción oír ese sonido cuando está sobre el escenario.

La obra es un compendio de los textos humorísticos de Chéjov. ¿Cuál cree que es la esencia del humor de estas piezas del autor ruso?
La clave está en la mirada. Chéjov tenía la capacidad de mirar a los demás de una manera muy humana y muy sabia. Además nunca juzga, simplemente muestra las miserias y virtudes del ser humano.

Estos textos no entraron a formar parte de las Obras Completas de Chéjov porque éste no las consideraba dignas de su reputación. Desde su punto de vista, ¿están tan alejados de las obras maestras del escritor ruso?
No lo creo pero sí que es otro tono. Estamos hablando de momentos distintos de su vida. Cuando toma la decisión de no incluirlas en sus Obras Completas ya había escrito sus grandes obras, había pasado su enfermedad... Creo que no pudo ser objetivo. Pero estos textos tienen la grandeza de Chejov, su chispa, su gracia, su frescura... Tienen un montón de elementos que los hacen interesantes.

¿Cómo se hilan en la obra estas historias?
Carles Alfaro y Enric Benavent han hecho un trabajo muy bonito para hilvanar los textos de Chéjov. Hay un personaje que al principio puede que sea menos duende y otro que definitivamente es como un duende del teatro. Ambos conducen la obra y se van tirando como pelotas de tenis para ir interpretando cada uno una de las piezas. Tiene algo de mágico, de espíritus que pasean por el escenario.

La obra se titula Atchússs!!! y todos los personajes están resfriados. ¿Cuál es la razón y que buscabais con ello?
Se eligió Atchússs!!! porque estornudar es un acto involuntario que te viene de repente... Puede ser una cosa tonta como un catarro o puede ser algo más. En todas estas historias, en un momento determinado, hay un giro de 180 grados, muy brusco. De alguna manera es un giro involuntario, un giro que no te propones, que no buscas. Además nos parecía que ponerle un título muy sonoro podía tener su gracia.

Los actores habéis estado muy involucrados desde el principio...
Sí, todos nos hemos implicado bastante y una mayoría de nosotros estamos incluso metidos en la producción. El hecho de que la obra adapte unos textos tan buenos, con un trabajo tan bonito de Enric Benavent y Carles Alfaro, que los compañeros sean tan maravillosos... Todo ello es una garantía que te lleva a meterte de cabeza en el proyecto. Podrá salir mejor o podrá salir peor pero el proyecto tiene los mimbres necesarios y eso es muy importante.

Todos los actores interpretáis a varios personajes...
Es un reto pero también es muy divertido. Todo el mundo te pregunta si interpretar a un varios personajes es un reto. Efectivamente lo es, porque cuando tienes un personaje formado pues ya está todo hecho. En este caso son todos personajes muy dispares y esto implica un esfuerzo adicional. Cada uno de los actores tenemos personajes antagónicos. Esto para un actor es muy divertido.

¿Cuál ha sido la apuesta en cuanto a la escenografía?
Tiene algo de vodevil decadente, con esa especie de luz que también tienen otros espectáculos, por ejemplo circos actuales. También está la influencia del Moulan Rouge, de los variettes... Por ahí va la cosa.

La obra se representa en el teatro La Latina que tiene un publico muy especial, al que le gusta mucho la comedia popular...
El Teatro la Latina está enclavado en este momento en la zona donde va más gente joven. El sábado por la tarde viene un tipo de público, el sábado por la noche otro diferente... . Sin embargo, en el Teatro La Latina ya se empieza a ver otro tipo de cosas. Es cierto que tradicionalmente va un público que le gusta más la comedia. Todavía no se ha representado un gran drama aquí pero igual llega el día en que esto ocurra.

¿Cómo se van compenetrando los actores?
Es un placer trabajar con compañeros tan sumamente buenos. Ademas hay un entendimiento a nivel personal. Es muy triste cuando trabajas con un compañero que es fabuloso en el escenario pero tremendo en su vida diaria.

¿Cuál es su opinión sobre la situación que atraviesa el teatro en la actualidad?
No hay recursos, como ya sabemos, para poder hacer producciones y se están haciendo las cosas un poco como se puede. Esto sin embargo agudiza el ingenio de la gente del teatro. Por otro lado, como la gente ya empieza a tener el audiovisual tan sumamente incorporado, se está produciendo una vuelta al teatro, una vuelta a lo vivo y en directo. Este momento histórico del teatro tiene una parte buena y una parte mala, pero desde luego tiene una parte buena.
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Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Entre el "que les den!" de Blanca Portillo y la "botifarra" (corte de mangas) de Rosa Mª Sardà hay un 21% de IVA ("cultural") que marcó las reivindicaciones de la noche. Fuera de exabruptos, la velada transcurrió como siempre, muchos premios para los montajes de Madrid y escasos para los de Barcelona. El Rey gana al príncipe y el que parte y reparte se queda con la mejor parte.

No sé si son merecidos o no, no he visto ninguno de los montajes premiados, y mucho me temo que no lo veré. A Barcelona llegan con cuenta gotas los montajes de fuera, y los que llegan tienen una estrella mediática en cartel. Sea como fuere el teatro catalán se quedó relegado al mejor actor, Lluís Homar por Terra Baixa (en una categoría donde solo competían catalanes), la mejor adaptación (Anna Maria Ricart por Fuenteovejuna), el mejor espectáculo musical, l'Eclipsi del TNC/Festival Grec y el premio Max de Honor para Rosa Mª Sardà.

Se fueron con las manos vacías: Gemma Brió, Oriol Broggi, El President, Pau Miró, Carme Portacelli... aunque como bien dijo Blanca Portillo en su discurso al recoger el Max a la mejor actriz protagonista por El Testamento de María lo importante es el público, los que llenan las salas a pesar del número 21.

La gala mejor que la del año pasado, no era difícil, el año pasado casi nos cortamos las venas, pero con un cierto regusto a gala rancia made in Jose Luis Moreno, que parece que el teatro, el cine y demás galas culturales no se quita de encima. Es lo que toca.

De sequía de premios para los candidatos catalanes, hubo olvidos y alguna otra cosa que me cuesta de entender. La recientemente fallecida Rosa Novell nominada a mejor actriz de reparto, claramente ganadora a los ojos de muchos, un homenaje ya que estábamos homenajeando a las actrices de siempre y maestras de teatro, pero no. Me parece de un mal gusto supino, nominarla y no dárselo. Lo siento, pero no lo entiendo. Como tampoco entiendo el olvido de Blanca Portillo en tantos agradecimientos y que no se acordará de ella.

Más cosas de mal gusto, en el momento de recordar a los que nos han abandonado este año, se pasaron sus nombres simplemente en la pantalla mientras unos cantaban, otros bailaban y el resto aplaudían. Sólo nombres, nadie les quiso poner cara, de vergüenza.

La mejor noticia de la noche fue ver sobre el escenario a Rosana Torres, una de las mejores cronistas culturales. En silla de ruedas pero muy lúcida, agradeció con una cierta vergüenza los aplausos. Sinceros, como sus crónicas para el diario El País, un regalo para muchos. 

El Paral·lel se llenó de VIPs, algunas estrellas, otros estrellados, muchos curiosos, pero más de lo de siempre. Los Premios Max quieren aglutinar a un sector muy diverso, que como bien alguien reivindicó en uno de sus discursos, no todos pertenecen a la SGAE, por lo tanto no son todos los que deberían ser, sino los que alguien quiere que sean.

Premios Max 2015

Max de honor. Rosa María Sardà.
A la contribución a las artes escénicas. Bienal de Flamenco de Sevilla.
Espectáculo de teatro. Cuando deje de llover.
Espectáculo de danza. Free fall. Compañía Sharon Fridman.
Espectáculo musical. L' Eclipsi.Grec 2014. Teatre Nacional de Catalunya.
Espectáculo revelación. Los nadadores nocturnos. Draft.inn.
Espectáculo infantil o familiar. Dot. Maduixa Teatre.
Dirección de escena. Julián Fuentes Reta por Cuando deje de llover.
Actriz protagonista. Blanca Portillo por El testamento de María
Actor protagonista. Lluís Homar por Terra baixa.
Bailarina principal. Olga Pericet por Pisadas.
Bailarín principal. Israel Galván por Fla.co.men.
Autoría teatral. Laila Ripoll/ Mariano Llorente por El triángulo azul.
Coreografía. Rocío Molina por Bosque Ardora.
Actriz de reparto. Susi Sánchez por Cuando deje de llover
Actor de reparto. Pepón Nieto por El eunuco.
Diseño de iluminación. Juan Gómez-Cornejo por Fausto

PREMIOS MAX 2015

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Por Elisa Díez (Butaques i Somnis) Entre el "que les den!" de Blanca Portillo y la "botifarra" (corte de mangas) d...
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Fuente: Clara Morales Fernández (elpais.com) | Foto: Javier Naval
No hay grandes favoritos, ni grandes estrellas. Al espectador medio no le sonarán los nombres de los finalistas a mejor dirección y quizás no haya oído hablar de las obras candidatas a mejor espectáculo. La 18ª edición de los Premios Max (organizados por la Fundación Autor de la SGAE) será un galardón a ese otro teatro, ocurra lo que ocurra en la ceremonia de entrega este lunes y que se emitirá a las 20.00 en La 2 de Televisión Española. Es el teatro que investiga en nuevos lenguajes y trabaja con frecuencia de manera subterránea. El off que intenta dejar de serlo (al menos en la producción) y los profesionales que abandonan su hueco en la industria para lanzarse sin red.
Entre los candidatos al premio grande, el de mejor espectáculo teatral, hay un texto de un autor australiano desconocido (Cuando deje de llover, de Andrew Bovell) dirigido por el hasta ahora anónimo Julián Fuentes Reta. En la categoría de Mejor espectáculo revelación se han colado propuestas como Los nadadores nocturnos, una obra fragmentaria que aúna teatro textual, danza y música en directo. El Premio Nacional de Danza Chevi Muraday llega a los galardones con una pieza para espacios no convencionales, y en la categoría de Espectáculo Juvenil o Familiar se cuela La Joven Compañía, un proyecto de educación escénica integrado por menores de 25 años.
"Creo que esto evidencia un relevo. Y relevo no significa borrón y cuenta nueva, no nos pongamos tremendos. Significa que hay mas gente llegando, y ya está", valora Julián Fuentes. Una tendencia que ya comenzó a apreciarse el año pasado con la coronación de Un trozo invisible de este mundo (cuatro premios), de Juan Diego Botto y dirigida por Sergio Peris-Mencheta, pero que dista mucho de la edición de 2013, cuando Follies, de Mario Gas, se hizo con seis estatuillas luchando contra Alfredo Sanzol, Miguel del Arco y Juan Mayorga.
El relevo consiste también en una renovación del lenguaje. El triángulo azul, nominada a mejor espectáculo, narra a ritmo de vodevil y pasodoble la historia de los republicanos españoles apresados en los campos de concentración nazis. Cuando deje de llover viaja por una saga familiar a lo largo de un siglo, superponiendo épocas y lugares, en un inmenso espacio vacío y con recursos sonoros y de iluminación innovadores. Bosque Ardora, de Rocío Molina (el año pasado nominada en Espectáculo Revelación, este año en la categoría grande de danza) es una vuelta de tuerca más en la renovación del flamenco que construye la bailaora. "Han querido seleccionar espectáculos que no sean lo de siempre. Es ley de vida, dentro de cuatro años estarán haciendo hueco a los siguientes", señala la directora de escena de Los nadadores nocturnos, Carlota Ferrer.
El cambio de tendencia se explica, además, por un nuevo reglamento estrenado en 2014. Hasta entonces, eran los profesionales socios de la SGAE los que votaban, mientras que ahora lo hacen cinco tribunales. "Por lo menos, sabemos que han visto los espectáculos. Llegó un momento en que las votaciones eran un descrédito, no se votaba al mejor sino al más cercano", opina la dramaturga y directora Laila Ripoll, candidata a mejor dirección y autoría. Así, la elección no depende tanto de la capacidad de promoción de una obra entre los votantes. Espectáculos como El triángulo azul, que firma Ripoll (producido por el Centro Dramático Nacional pero estrenado en una de las salas más pequeñas del mismo), han podido abrirse paso gracias, entre otras cosas, a esta medida.
Aun así, ninguna de las obras mencionadas pertenece a ese teatro offque estrena en microsalas de Madrid o Barcelona. Cuando deje de llover contó con la producción del Teatro Español (como Un trozo invisible de este mundo el año pasado), Los nadadores nocturnos se programó también en una de sus naves. Además, todas ellas cuentan con grandes repartos (el de Cuando deje de llover triunfó en los Premios de la Unión de Actores), poco frecuentes durante los años de la crisis. Carlota Ferrer niega pertenecer al off en lo que refiere a los medios de producción. Y Fuentes le apoya: "Nuestros gastos de escenografía fueron bajos, pero eso no significa que un espectáculo no cueste dinero. Para poder pagar a un grupo de profesionales por su entrega, hace falta presupuesto".
Recibir un Max quizás facilite eso último. En plena preparación de giras para la próxima temporada y bolos de verano, todos consideran que un galardón facilitaría el trabajo. Ripoll (cuya obra está de gira sin ayuda del CDN) apunta que nada más conocerse la nominación ya recibieron alguna llamada, y Ferrer espera que los programadores "se atrevan". Que el cambio de tercio que indican los galardones llegue también a las salas.
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CONSTRUCTIVO (acción demoledora para inversores utópicos)
CREACIÓN E INTERPRETACIÓN: LUIGGI MAESTRINI Y RAFAEL LANZA
DRAMATURGIA: ERNESTO COLLADO / PIERO STEINER
DURACIÓN: 60 min
PRODUCCIÓN: PIERO STEINER & ERNESTO COLLADO/FUNDACIÓN COLLADO-VAN HOESTENBERGHE
SALA HIROSHIMA

Transmitir. Bonita y deseada palabra. Entrar por primera vez en una sala, expectativas altas, pero sobre todo ganas de dejarte sorprender. Espectáculo de pie, ni cuarta ni tercera pared, nada absolutamente nada te separa de la escena, simplemente tu propio miedo a ser más o menos partícipe.

Una vez situada en escena comienza el viaje, Rafael (Ernesto Collado) y Luigi (Piero Steiner) son dos albañiles que nos llevarán desde el humor, pasando por la ternura, la emoción, hasta el cabreo por saber que somos víctimas y verdugos de muchas de sus historias. Se me escapa la lagrimita mientras escucho las historias familiares de Luigi, aquello que en directo no captamos pero que luego te deja un gran sentimiento de oportunidad perdida. Sin embargo, Rafael es más directo, y muchas veces sus palabras son contrarias a sus sueños, la demolición versus la construcción de grandes edificios.

Si bien es cierto que por momentos me vi sumergida en una película de Buñuel con un Don Quijote y un Sancho, otros con el personaje de Luigi parecía salida de una peli de Alfredo Landa, su mirada tierna y un humor parecido aunque con diferente trasfondo. Ernesto Collado y Piero Steiner crean un universo muy particular. Durante una hora te olvidas que estás en una sala viendo teatro, la conexión es tan directa, real e impactante que desde los primeros minutos sabes que te creerás todo lo que te expliquen, que da igual lo que te cuenten porque ya te tienen ganada. 

Performance, teatro gestual, humor, simbolismo… y un sinfín de técnicas pero donde la honestidad manda. No hay artificios, es lo que es, hay humo pero no te lo venden. Y sales de la sala tocada, pensando, construyendo y demoliendo los muros de los que dicen que otro mundo no es posible, porque lo acabas de ver, lo has tenido delante. Y necesitas ver más espectáculos como éste. De aquellos que te iluminen, te hagan reír, que te entretengan, pero sobre todo que te dejen un poso que te haga pensar durante días.

Luigi y Rafael volverán en formato road movie (“Demoledor”), no será lo mismo, las emociones del directo son irrepetibles, pero buscaré la manera de poder verla. Lo que ya es un hecho es que Ernesto Collado ha encontrado sala, después de mucho esperar, creo que la Sala Hiroshima es el lugar adecuado para instalarse. Feliz construcción!

CONSTRUCTIVO

by on 15:52
CONSTRUCTIVO (acción demoledora para inversores utópicos) CREACIÓN E INTERPRETACIÓN: LUIGGI MAESTRINI Y RAFAEL LANZA DRAMATURGIA: ERNEST...
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Font: Belén Ginart (ara.cat) | Foto: Francesc Melcion
D’on neix el desig d’adaptar al teatre Incerta glòria?
El meu avi havia estat a la Guerra Civil, i quan jo era petit me l’explicava per capítols i em fascinava: des de com va entrar a l’exèrcit fins a la fugida del camp de concentració d’Argelers. I la meva àvia m’explicava què succeïa aleshores a la ciutat de Barcelona. Era un material que ja tenia al cap.
O sigui que és una idea que ve de lluny.
Sí. Jo estava pensant com traduir les vivències familiars a l’escena i fa uns deu anys vaig llegir Incerta glòria i vaig quedar atrapat. És una novel·la que parla de la guerra però és molt més que això, és una obra que es pregunta molt sobre el sentit de la vida. Té quatre protagonistes, d’entre 23 i 26 anys: la parella formada pel Lluís i la Trini, el Soleràs i el Cruells, i entre ells hi ha una trama amorosa.
I quin paper hi té la guerra?
La guerra és un catalitzador d’accions i de pensaments. Són pensaments que segurament apareixen quan ja has passat l’equador de la vida, però, en el seu cas, als 26 anys ja es fan preguntes que segurament no es farien i prenen determinacions que possiblement no prendrien.
Com s’adapta una obra tan extensa?
Amb molta tristesa, perquè has de prescindir de trames i personatges. No queda més remei que condensar-ho dramàticament i conservar les tensions que puguin mantenir l’atenció dels espectadors. Però l’adaptació només pot ser la cosina petita de la novel·la.
Com es modifica una novel·la pel fet de portar-la al teatre?
El teatre no pot ser acció, com el cinema. Quan trasllades una batalla al teatre és millor transcriure-la poèticament, però en canvi el cinema passa molt per sobre de la reflexió, mentre que el teatre és un terreny perfecte per a la reflexió i el debat. I els debats són el que realment té d’interessant la peça.
Què té d’interessant que un director de la teva generació miri al passat a través de la mirada de Sales?
Aquesta obsessió per Kierkegaard del mateix Sales, i sobre l’existencialisme, que fa que et facis preguntes, crec que no és una mirada al passat, sinó una contínua reflexió amb vistes al futur.
¿Ha sigut complicat treballar amb actors a qui no havies dirigit mai?
No. Crec que pugen bones generacions actorals. M’he sentit molt còmode, ens hem entès molt bé escènicament. El problema sempre està a com mantenir aquesta vida després de 40 funcions.
Quina clau els has donat?
La mateixa que he anat utilitzant en els últims anys. Cada vegada penso més que els actors haurien de ser ells mateixos a l’escenari. No sóc gaire partidari de la composició del personatge.
Com es crea un bon personatge?
Crec que el que crea el personatge són les accions i les reflexions; l’important és fer-los teus, que sembli que aquestes reflexions són teves. Cada vegada detesto més la farsa, l’exageració actoral. Em fa sentir estúpid a la platea. Aquest teatre en què amb el to ja t’indiquen on has de riure.
El detectes sovint?
És un vici que abunda, en aquesta ciutat n’hi ha molt. I a mi no m’agrada que als espectadors ens tractin com a imbècils, i detesto el teatre amb musiqueta, amb cantarella o amb indicacions a través de la veu d’on has de reaccionar o què has de fer.
Què en farem de la generació que puja?
El problema és què en farem del teatre. En el meu cas, aquesta peça no arriba perquè sí en aquest moment, com tampoc la pròxima que faré, El público, de Lorca. Tot i que he tingut la sort de poder escollir i aventurar-me en les obres que volia, em plantejo quines eren realment necessàries i quines no hauria d’haver fet. Em plantejo què representa la meva implicació amb el teatre.
Però no sempre es pot escollir.
Els artistes en aquest moment no són els que porten el timó del seu propi vaixell, des de fa temps es potencia més les empreses. Les subvencions estan pensades molt més per a les empreses que per a les companyies, i per això les que decideixen són les empreses. Hi ha empreses privades que fa 20 anys que reparteixen diners públics, quan hauria de ser al revés. |
‘Incerta glòria’ de Joan Sales Dramatúrgia i direcció: Àlex Rigola. Amb Nao Albet, Marcel Borràs, Aina Calpe, Joan Carreras, Laia Duran, Pau Roca. TNC. Del 20 de maig al 14 de juny
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