coreografía MARCOS MORAU con la colaboración de los intérpretes
asesoramiento artístico y dramatúrgico ROBERTO FRATINI y CELSO GIMÉNEZ
intérpretes ÀNGELA BOIX, JON LÓPEZ, ARIADNA MONTFORT, NÚRIA NAVARRA, LORENA NOGAL, SHAY PARTUSH, MARINA RODRÍGUEZ, SAU CHING WONG
duración 75min
fotografías ÀLEX FONT
producción GREC 2018 FESTIVAL DE BARCELONA, TEMPORADA ALTA, TEATROS DEL CANAL, THÉÂTRE NATIONAL DE CHAILLOT, LES THÉÂTRES DE LA VILLE DE LUXEMBOURG, SADLER'S WELLS, TANZ IM AUGUST / HAU HEBBEL AM UFER, ORIENTE OCCIDENTE DANCE FESTIVAL y MERCAT DE LES FLORS
LLIURE DE MONTJUÏC (SALA PUIGSERVER, GREC2018)
La Veronal nos propone mirarnos al espejo pero desde la lejanía. Nos sumerge en un planeta inventado llamado Pasionaria, donde habitan seres como los que podemos encontrar en el planeta Tierra actual pero que han perdido todo rastro de humanidad. Seres con formato humano pero que se mueven y actuar como meros robots, sin rastro de sentimiento alguno, pero tan individualistas como los humanos reales.
Lo más significativo del montaje es el cambio de rumbo en cuanto a movimiento (que desde la distancia podría recordar a Peeping Tom). Sí, La Veronal abandona su zona de comfort y se atreve a proponer una dramaturgia más compleja que las que había desarrollado hasta la fecha. Y aunque a la salida de la sala algunos no veían la conexión, no observaban una historia completa, el espectáculo nos lleva por caminos llenos de crítica a la sociedad actual y acaba con una profunda reflexión muy humana a la par que terrorífica.
Pasionaria se une a la moda por los mundos distópicos llenos de sci-fi que inundan las pantallas de las principales plataformas de series actuales. Se agradece el paso adelante de la compañía por avanzar fuera de sus zonas ya conocidas, y aunque la idea que se desarrolla en la pieza sea suficientemente interesante para ser desarrollada, el montaje según avanza se va diluyendo y cae en una peligrosa repetición de conceptos.
La escenografía de Max Graenzel juega una mala pasada al montaje, da la sensación de cuadro pintado y frustra el movimiento y el ritmo del montaje. Todo lo contrario que uno de los puntos donde Pasionaria sale reforzada, el diseño de sonido de Juan Cristobal Saavedra que ayuda a romper con ciertas partes excesivamente monótonas de la pieza.
Aplausos más que merecidos a los que se arriesgan y buscan nuevos caminos sin abandonar (Del todo) aquello que les han caracterizado. Conformarse es siempre el drama más apocalíptico que sufren las artes escénicas actuales. Y que alguien se salga de la norma es para gritar, ¡salvados!
idea y dirección artística MARCOS MORAU coreografía MARCOS MORAU con la colaboración de los intérpretes asesoramiento artístico y dr...
HARINERA (TE GANARÁS EL PAN CON EL SUDOR DE TU FRENTE) | TEATRO | 60min | CAT
Dirección y dramaturgia: Andrea Paz | Intérpretes: María Capell Pera, Marlene Avendaño, Ksenia Guinea, Maria Cristina Rodríguez Novau, Monica Riki, José Bidegain y Andrea Paz |
Espectáculo de teatro que sumerge al espectador dentro de la misma escena. Es el público que construye el espectáculo. Andrea Paz reflexiona sobre la sociedad de la precariedad y sobre el poder del individuo para sobrevivir o cambiar su destino. Para ello divide al público en diferentes estatus sociales que se enfrentarán, dialécticamente, entre sí en la parte final del montaje.
La organización social y la capacidad del individuo a organizarse o actuar por sí mismo es lo que pone en solza la obra. Eso y cómo los estamentos de poder se ven influenciados por quien menos les conviene, o al menos con los que siempre salen perdiendo los mismos. En este caso el final es abierto, el resultado de la contienda de los espectadores será quien incline la balanza a un bando u otro.
Como experimentos dramatúrgico tiene una buena idea inicial que se diluye en cuanto la obra va avanzando. Es verdad que depende del público de la función el ritmo de la misma. Pero la parte final del debate dialéctico se hace extremadamente difícil mantener un ritmo adecuado y la obra acaba cayendo en un profundo sopor.
Las proclamas se quedan bastante en la superficie. Lo que podría ser una obra combatida con un cierto telón rupturista, convierte a los tópicos y a las frases manidas en su arma de combate. Propaganda barata y panfletaria. Además la parte final erotico-festiva, una vez conquistada la batalla por uno de los bandos, es un añadido superfluo que manipula aún más el discurso de combate que nos habían enseñado al principio.
BREAKING POINT | CIRCO | 50min
Director artístico: Alexander Weibel Weibel | Técnico: Aino Ihanainen | Weibel Weibel Co |
Espectáculo circense de resistencia. La resistencia de los materiales simples y cotidianos como son el papel y el hilo de pescar. Investigación sobre qué tipos de materiales resisten más y cuáles son los más apropiados para desarrollar el montaje. El diálogo entre el público y el creador en los impases de los números proporciona una cercanía que el circo contemporáneo pocas veces permite.
De algún modo parecería un espectáculo más de ir de por casa. Pero no, y aunque las acrobacias tiran hacía lo tradiccional, el punto de resistencia flexible lo encontramos en los materiales usados, porque para que utilizar una cuerda habitual si se puede utilizar una y mil capas de papel.
Más de un espacio de actuación hacen que el público, siempre presente, se mueva y ocupe el área escénica. Es una pieza para disfrutarla lo más cerca posible al artista. Desde lejos, el espectacle queda desvirtuado.
El gran escollo que con el que se encuentra el espectador es la falta de dirección. Se encuentra a Alexander Weibel Weibel como si pasara por allí. En los momentos hablados, la falta de proyección de la voz hace ininteligible las palabras, no se entiende. Necesitaría unas clases de showman para acabar de meterse el público en el bolsillo. Unos espectadores que en más de una ocasión se quejan de el sonido, pero de poco les sirve, el show tiene que continuar y la poderosa vista vale más que todas las palabras.
BOLOGNA: PASOLINI | DANZA | 35min | CAT
Dirección: Marcos Morau | Coreografía: Marcos Morau en colaboración con los intérpretes | Intérpretes: Alice Bariselli, Laia Duran, Lorena Nogal, Marina Rodríguez, Manuel Rodríguez, Diego Tortelli, Sau-Ching Wong | Asesoramiento dramatúrgico: Celso Giménez y Tanya Beyeler | La Veronal |
La Veronal nos traslada a Italia, a la noche del 2 de noviembre de 1975 cuando murió asesinado Pier Paolo Pasolini. Con una dramaturgia de las que tocan la fibra y una puesta escena sofisticada, La Veronal vuelve a desplegar su danza con un resultado notable.
Estéticamente recurren al rojo, de entrada con un deportivo de este color en medio de la sala, alrededor del cual se situará el público. El carmesí también es protagonista de la vestimenta. Hasta la sangre derramada queda en segundo plano ante tal avalancha de bermellón.
La dramaturgia es sensacional. En italiano con sobretítulos en castellano e inglés, al menos en Tàrrega, describe los momentos previos y la figura del cineasta, poeta y novelista. Y aunque, a ratos (si no sabes italiano) tengas que olvidar los sobretítulos, para volver tus ojos hacia la danza. Cuerpos descomplejados, la danza vuelve a acompañar la palabra, para crear ese clima de tensión, ya que el público, conocedor de la historia sabe qué está a punto de succeder.
Con una puesta en escena circular por donde el público se puede mover entorno al círculo, aunque en mi función la cantidad de personas no permitía dar ni un paso (ya lo tiene Fira Tàrrega), Bologna: Pasolini se convierte en una especie de conjunto de diapositivas que pasan a gran velocidad. La Veronal vuelve a ser una apuesta segura.
FERIDA | PERFORMANCE / MULTIDISCIPLINAR| 70min | CAT & PORTUGAL
Dirección artística: Julieta Aurora Santos | Creación e intérpretes: Caterina Campos, Quim Girón, Pau Masaló Llorà, Rui Paixao, Alba Torres | Músico: Tiago Inuit |
El parque de Sant Eloi acoge este site-specific sobre la memoria. Un lugar ideal, y más en la función de las 20h donde el atardecer es el invitado sorpresa. Congregados los presentes en la Font del Congres, en los pies del parque el recorrido nos irá descubriendo lugares desconocidos del parque.
La noche se va haciendo presente mientras subimos campo a través y en el camino los diferentes artistas presenta su particular visión sobre el tema en cuestión, la memoria: del speak corner inicial a base de preguntas directas a los espectadores, a algunas sorpresas entre los árboles, para llegar a uno de los momentos más preciosistas del espectáculo. Mientras las tormentas de la noche acompañaban de fondo, una bailarina ponía danza al momento, con unas luces proyectadas sobre los árboles, que conseguían que el momento se convirtiera en una búsqueda de paz interior.
El final de la pieza, más de carácter performático se alarga en exceso y no acaba de quedar clara la idea. Quizás el frío de la noche tampoco acompañó a la consecución de las ideas, que quedaron más separadas del resto. La verdad es que en una pieza con tantas cabezas, y con un esquema de elementos tan diferentes es difícil que la suma acabe de encajar.
Como experiencia es interesante, no sólo por el paseo por el parque, sino també a nivel multidisciplinar. Que la suma de factores no de un resultado aclaparador, no quiere decir que por separado, cada uno con su entidad diferente, pueda ejercer un más que convincente resultado.
HARINERA (TE GANARÁS EL PAN CON EL SUDOR DE TU FRENTE) | TEATRO | 60min | CAT Dirección y dramaturgia: Andrea Paz | Intérpretes: Marí...
Texto: Elisa Díez (Butaques i Somnis) Fotos: Fira Tàrrega, Dyptic, Antonio Poveda, Salvatore Laurenzana
El oasis teatral de septiembre presenta su programación. Fira Tàrrega apuesta en esta edición por la participación del público, el espectador se convertirá más que nunca en sujeto activo dentro de cada espectáculo. Pero eso ya le viene dado por ser un festival de artes de calle, así que la apuesta va más allá, integrando la participación en el proceso de creación: incorporando voces profesionales externas, generando espacios de reflexión y dando la palabra a aquellos que normalmente no la tienen.
Esa participación se vertebra en cinco ejes:
1. Participa: la participación será necesaria
2. Reclama: espectáculos que plantean miradas, temas o debates de máxima actualidad.
3. Actua: propuestas donde el espectador escoge y se convierte en parte del espectáculo, éste es una experiencia en sí mismo.
4. Celebra: espectáculos festivos donde se salta, se baila, se ríe y se canta.
5. Juega: la Fira más lúdica, talleres, juegos e instalacions, pensados para toda la familia.
Del 7 al 10 de septiembre se podrán ver 54 espectáculos de 8 países, 21 de los cuales serán estrenos, y paritarios, es decir, en los cómputos finales sale que un 50% estarán dirigidos por hombres, un 35% por mujeres y un 15% por grupo mixto (mujer+hombre), a Fira Tàrrega sí le salen los números.
Habíamos visto espectáculos de 4, 7, 10 y 24 horas, pero a Fira Tàrrega no le ha parecido suficiente y plantea que el espectáculo inaugural urGENTestimar durará 40 horas, creado por la artista multidisciplinar, Ada Vilaró y el científico, Josep Perelló. El objetivo será diluir las fronteras entre el arte y la ciencia, basándose en la participación comunitaria. El resultado final de la investigación se hará público en los meses posteriores a su ejecución.
Además de la participación, Fira Tàrrega 2017 estará marcada por 5 subtemas:la memoria histórica, la mujer, los límites, el territorio y la inclusión.
Y a nivel de público, como siempre, lo que más cuesta es hacer el listado de obras a ver. Aquí van mis 10 imprescindibles:
LA INOPIA. COREOGRAFÍAS PARA UN BAILARIN DE 120KG. (Alberto Velasco. Madrid. Danza). Alberto Velasco no tiene un cuerpo de bailarín, pese a todo reivindica la capacidad de cualquier cuerpo para la expresión artística. Ha reunido a seis coreógrafos que admira para diseñar una dramaturgia en un universo antemporal, lejos de cualquier sitio físico, una ventana abierta y llena de posibilidades. Un lugar, dice, donde “abrazar” la verdad absoluta.
MÀTRIA (NARRAR EL SILENCI). (Carla Rovira. Catalunya. Teatro). Después de sorprendernos con Most of all, you've got to hide it from the chicks, Carla Rovira vuelve a Fira Tàrrega con una pieza muy autobiográfica del traslado de la memoria privada a la memoria colectiva. Un ejercicio de reflexiones: muerte, familia, silencio. ¿Cómo afrontar la memoria familiar en un Estado forjado en el olvido?
D- CONSTRUCTION. (Cie Dyptic. Francia. Danza). Una pieza de teatro de calle que busca ser el eco artístico de las revoluciones y que encuentra su energía en el caos. Un espectáculo de danza hip-hop en la que seis bailarines, una estructura metálica a modo de prisión y de lugar para la expresión. La crisis de los refugiados, los miles de immigrantes que llegan a las costas españolas de Ceuta y Melilla, las vallas físicas y mentales que construimos serán derruidas, al menos durante el tiempo que dure el espectáculo.
POOL (NO WATER). (Íntims Produccions. Catalunya. Teatro). Después de Wasted de Kate Tempest, Els Íntims, harán su interpretación de un texto de Mark Ravenhill, adaptado por Ivan Morales y dirigido por Marc Salicrú, Anna Serrano y Elena Martín. Una pieza visceral e impactante que habla sobre la fragilidad de la amistad, la envidia, el éxito y el significado del arte en la vida de los creadores. La dependencia, la toxicidad, las relaciones entre personas, los miedos. Una piscina que, en realidad, no tiene agua.
A X AMOR O MUJERES ÁUREAS. (Mymproduccions. Catalunya. Teatro). Espectáculo de teatro de calle que recupera los referentes de la literatura del siglo de oro y que tiene como objetivo poner a la mujer en el centro de la escena. Los escritores auris y un comando de escritoras de las época lideradas por María de Zayas protagonizan una batalla dialéctica centrada en el papel de la mujer en este periodo.
DIEZ DE CADA DIEZ. (Valeria Píriz. Uruguay. Art acció). Estrena absoluta a España de esta performance creada al Uruguay a partir de una serie de 12 feminicidios acaecidos a principios del 2015 y que pone su mirada en la violencia hacia la mujer, la violencia de género y la violencia como expresión más simple.
FERIDA (Catalunya/Portugal. Multidisciplinar). Un site específic sobre la memoria de dos países que hablan poco: Catalunya y Portugal. Un trabajo de creación de artistas de diferentes disciplinas que marcarán un diálogo bajo la dirección de Julieta Aurora Santos de la reconocida compañía portuguesa Teatro do Mar.
BOLOGNA: PASOLINI. (La Veronal. Catalunya. Danza). La reconocida compañía de danza La Veronal propone reconstruir la muerte de Pasolini, hacernos ver aquello que normalmente no vemos, que nos incomoda. Reconstruirán su crimen para que sea el espectador desde diferentes perspectivas quien lo analice en su propio cuerpo y lo pueda llegar a entender a través de una coreografia participativa.
HAMLET (ENTRE TODOS). (Los numeros imaginarios. Madrid. Teatro). Después de La cena del Rey Baltasar, de la que una servidora no salió convencida, Los Números Imaginarios, vuelven a Tàrrega para hacernos Hamlet, o más bien para que el público cree su propio Hamlet, en una experiencia immersiva única.
BREAKING POINT. (Weibel Weibel Co. Suecia. Circo). Espectáculo de circo donde la protagonista es la cuerda floja. Un espectáculo que explora la tensión a través de las expectativas y la relación que establecemos con los materiales y la forma como los utilizamos.
Y yo seguiría enumerando imprescindibles porque este año es abrir el programa y estar un buen rato decidiendo qué sí y qué también, pero los días a Tàrrega siguen teniendo 24h y las distancias siguen siendo, aunque pequeñas, las mismas. En julio podremos hacer la agenda y veremos, un año más, que todo aquello que queríamos ver no nos cabe (ni de coña), pero seguro que en unos meses lo veremos en alguna cartelera de la ciudad (Barcelona).
Mientras tanto seguiremos soñando… en septiembre toda la Fira Tàrrega al blog!
Texto: Elisa Díez (Butaques i Somnis) Fotos: Fira Tàrrega, Dyptic, Antonio Poveda, Salvatore Laurenzana El oasis teatral de se...
DIRECCIÓN: MARCOS MORAU COREOGRAFIA: MARCOS MORAU en colaboración con los intérpretes DRAMATURGIA: ROBERTO FRATINI y PABLO GISBERT- El Conde de Torrefiel INTERPRETACIÓN: JOAQUÓN COLLADO, JON LÓPEZ, SAU-CHING WONG, LORENA NOGAL, SHAY PARTUSH, MANUEL RODRÍGUEZ, MARINA RODRÍGUEZ y GUIACOMO TODESCHI DURACIÓN: 70min FOTO: JOSEP AZNAR PRODUCCIÓN: GREC 2015 FESTIVAL DE BARCELONA, MERCAT DE LES FLORS, LA VERONAL, THÉÂTRE NATIONAL DE CHAILLOT (PARIS), HESSISCHES STAATSBALLET/ STAATSTHEATER DARMSTADT& HESSISCHES STAATSTHEATER WIESBADEN y TANZ IM AUGUST (BERLIN) AMFITEATRE GREC (GREC 2015)
Inaugurar el Festival Grec durante muchos años fue la pieza más difícil de encajar en el puzzle. Muchos estrenos se convirtieron en centro de todas las críticas y los cuchillos volaban. En la época de Ramon Simó han dejado de volar y los aplausos han tomado el pulso durante las dos primeras noches de festival.
Descendemos al infierno, a un infierno adulto donde no hay límites y el juego está a la orden del día. Con una puesta en escena llena de simbolismo, la Veronal analiza, critica y escenifica todas las maldades que es capaz de cometer el ser humano. Bajo la atenta mirada de un púber, que incautamente está deseando salir al mundo de los adultos, vamos presenciando barbaridad detrás de barbaridad. Egoísmo, sometimiento, ira, traición se dibujan en un entorno que vive bajo la atenta mirada de la todopoderosa religión.
Violencia, mucha violencia en el movimiento de los cuerpos, cuerpos deformados bailan al ritmo de Wagner que apunta a un final trágico, donde ya no será la tragedia lo más difícil de asumir, sino como cada uno de los personajes ha vivido ajeno o gracias a ella. Los espectadores somos un espejo de un juego maléfico, pero que se va convirtiendo en una rutina diaria.
El rojo como telón de fondo de toda la crudeza presenciada. Hemos sido dados como ofrenda a un Dios sin escrúpulos que nos ha llevado por la senda del mal, y de la que somos adictos. Al final no todo era infierno, la gloria del aplauso gana la batalla. En temporada, y en otro contexto, se podrá ver al Mercat de les Flors. Falta corregir algunos peros en la dramaturgia para completar la magia que nos tiene acostumbrados los espectáculos de Marcos Morau, artífice de La Veronal. ¡Larga vida en el infierno!
Amb La Veronal passa aquell fenomen estrany que obliga a explicar al gran públic d’on surt aquesta companyia i el seu director, Marcos Morau, quan per als professionals i amants de la dansa contemporània són el gran referent actual, exponent d’un teatre visual amb un llenguatge multidisciplinari singular i també la companyia amb més èxit internacional del país. Gairebé els fa vergonya reconèixer-ho, perquè la resta del sector cultural és molt fràgil, però ja omplen l’agenda del 2019 amb gires d’obres seves i encàrrecs de Dinamarca, Suècia i Bilbao.
Marcos Morau (Ontinyent, 1985) diu que ha viscut “l’efecte hivernacle” que tan agrada a Catalunya: van començar fent produccions petites en espais alternatius de Barcelona, el Mercat de les Flors els va veure i va confiar en el seu talent, ells van anar guanyant concursos i es van enlairar. De fet, al Mercat és on van créixer, perquè diversos membres de la companyia van treballar-hi d’acomodadors mentre estudiaven a l’Institut del Teatre, una anècdota que alimenta el mite. Des que en són artistes associats, fa quatre anys, tot ha anat molt ràpid, l’èxit i el reconeixement: el 2013 Morau va ser el Premio Nacional de dansa més jove de la història. “Els últims anys tinc la sensació que es tracta de veure quants reptes podem superar. Hi ha allò de «a veure si és veritat», «a veure quan cau», però jo no he de demostrar res a ningú -es queixa-. Sóc humà i em puc equivocar”.
I malgrat aquest neguit, va acceptar inaugurar el Festival Grec, aquesta nit al majestuós Teatre Grec, amb una nova producció pròpia, Vorònia. “Em fa por, perquè és a casa i el lloc és xulíssim. Hi he anat a veure mil coses i sempre ha estat millor l’espai que l’espectacle. Hi ha un punt que et quedes mirant amunt, amb la música, i penses: «Tios, pareu ja». I això és el que diran de mi”, diu amb humor. Però davant la proposta del festival, va aplicar una filosofia infal·lible: tirar pel dret. “Encara estic aprenent a tenir vida més enllà de la dansa. Em costa una barbaritat. És com un animal que has de controlar, perquè et roba molt de temps, però a mi em fa viure i m’estimula. Alhora, em preocupa pensar que serà així sempre. Que he d’estar tot el dia estimulant-me i creant per oferir alguna cosa als ballarins, a la gent que confia en mi, als teatres d’Europa on treballaré. No sé si en seré capaç. Em fa vertigen. Però mentre ho penso, vaig fent”.
Això és “teatre d’imatges”
La Veronal es mou en el terreny inclassificable i poc explotat a casa nostra del “teatre d’imatges”, que remet a artistes com Romeo Castellucci, Gisele Vienne, Rodrigo García i El Conde de Torrefiel. “La desjerarquització de les arts és el que m’interessa. Poder utilitzar el moviment, la paraula, el text, la imatge, tot el que sigui necessari per explicar una idea”, diu Morau. Quan se li pregunta si el Teatre Grec (amb un aforament de 2.000 localitats) exigirà mastegar els seus múltiples i complexos referents intel·lectuals, respon amb naturalitat: “Pensar en el gran públic fa terror. Què és el gran públic? Gent que no va mai al teatre? Si és un públic que no està amanerat, això m’agrada. Però si és una massa que va al teatre com qui va al futbol, no m’interessa, ni probablement jo tampoc a ells”, admet. Això no vol dir que no tingui en compte l’espectador, sinó que n’espera una actitud activa, que no vagi a arrepapar-se a la butaca. “Em conformaré que el públic estigui obert”, diu. En realitat, fins i tot els demana que no hi vagin pretenent descobrir les costures, desentranyar tots els símbols i copsar totes les imatges a la primera. “No sé què li hem fet a algun públic que està intentant tota l’estona provar d’entendre de què va l’obra. Jo quan sóc davant d’un quadre de Mondrian o Picasso no intento entendre’l; és abstracció, formes, estètica, color, música. La dansa no és explicar sinó transmetre. El meu èxit és no controlar què voldrà dir per a cadascú una imatge”, explica.
Les obres de La Veronal són un compendi de connexions, referents i arts perquè així és com veu el món el seu director. “L’important de l’art és que respongui a una necessitat personal, però sobretot a un context social del present. Has d’estar completament viu, veure què passa amb altres creadors, al teu país, a la teva ciutat, políticament, socialment, has de saber de tot, estar tan contaminat com el públic. No viure a la teva cova, ni ser endogàmic. Jo continuo treballant amb la meva intuïció, però el més important és que a l’altra banda hi ha algú”, afirma. Això és pensar en el públic. I afegeix: “Vull que m’entengui la meva mare però vull que m’agradi a mi”.
Viatge a les profunditats del mal
Vorònia és un capítol més de la sèrie d’obres de La Veronal que agafen un lloc geogràfic real -aquí la cova més profunda del món, situada a Geòrgia- i el fan servir d’excusa llunyana per abordar un tema, en aquest cas, el mal, que en la religió, la mitologia i la literatura s’ha acordat situar sota terra, en les profunditats de l’infern. “Ho hem acotat agafant la religió com a referent que ens diu què està bé i què està malament”, explica Morau.
Mentre que el primer acte de l’obra serà blanc i mostrarà un fris de la vida des del naixement fins a la mort, la segona part serà una baixada en ascensor als inferns per adonar-se que “no en som tan lluny, el tenim aquí”, diu el director. La peça té una banda sonora construïda com si fos d’una pel·lícula. “Al segon acte hi ha una certa classe política, una burgesia, que està acomodada davant de les desgràcies de la societat i es posen Wagner i Verdi perquè tenen la capacitat de fer callar les masses. Posen música per tapar el soroll de les bombes, per no pensar. Per a mi el mal no és només la gent que fa el mal; hi ha molta gent que no es posiciona o no pensa, i és més perillós ser gris o tebi que ser roig o blau. Som responsables dels nostres actes”, defensa.
"L'ambició creativa de La Veronal no afluixa", avisava Cesc Casadesús, director del Mercat de les Flors. Siena , l'últim artefacte de la companyia valenciana, el defineixen com un "macroespectacle". En un espai escenogràfic que podria semblar un museu o una església, hi disposen dotze ballarins i fan que explorin "el cos i la massa -explica el dramaturg Pablo Gisbert-; com des del Renaixement i fins avui la idea de l'home com a centre del món s'ha pervertit fins a ser una massa en un forat negre". L'espectador, en el viatge cap a la destrucció, haurà de reconstruir diversos passatges inconnexos en què es mostra el cos "viu, mort, exposat, contemplatiu, real, representat, individual, col·lectiu", explica Tanya Beyeler. Juntament amb el director i coreògraf Marcos Morau, són el trio que capitaneja una de les companyies de l'Estat més reivindicades del moment i sol·licitades a l'estranger.
Siena-que estrenen aquest cap de setmana i recuperen el primer d'abril al Mercat de les Flors els seus avaladors i coproductors- és un nou capítol del decàleg geogràfic de la companyia format perIslàndia,Rússia,Finlàndia,MarylandiSuècia, a través del qual han creat el seu segell propi: la multiplicitat d'accions i disciplines sumades a escena. "Ens agrada saturar les peces de teatre: dansa, text, música, actors, moviment són un tot. No fem cinema, no oferim primers plans. L'espectador pot escollir què mira de l'escena. D'altra banda, la idea panoràmica del teatre no ens l'hem inventat ni nosaltres ni Jan Fabre, Jan Lawers o Les Ballets C de la B. És en la història del teatre", diu Gisbert. El text que diuen les ballarines és en italià i anglès (i està sobretitulat), cosa que reforça la idea que es pot escollir escoltar, llegir o només mirar.
"Construïm capes -explica Morau-. La música és latent en tot el procés i hi juga un paper important, però la concretem al final. Anirà des del Renaixement fins al segle XXI passant pel Barroc, hi haurà compositors italians com Scarlatti, Monteverdi, Verdi, i grans músics com Schubert, Bach i Händel, però pervertim la seva música en contrast amb creacions cinematogràfiques". El títol, Siena , fa referència a la ciutat on havia de florir el Renaixement però que va quedar eclipsada per Florència per culpa d'una pesta que va fer guillar la seva població a la ciutat toscana veïna. De la mateixa manera, la idea humanista que neix en aquella època de l'home que ja no està lligat a reis ni déus ni feus ha quedat aniquilada per la postmodernitat. Malgrat aquesta transcendència, la "comèdia" continua sent present en el nou espectacle de La Veronal, així com les ganes de plantar cara a la situació actual plantejant preguntes amb risc i entrega.
Soy una periodista que sueña sentarse en una butaca y disfrutar. Temporada tras temporada asisto a las salas de teatro en vez de pagar al psicoanalista y de momento funciona. Ver más
