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Fuente: Esther Alvarado (elmundo.es)
Resulta sobrecogedora la energía que desprende un pueblo unido, pero más sorprendente aún es lo fácilmente que solemos olvidar que la unión hace la fuerza. Anoche no. Anoche Almagro vivió un salto en el tiempo al siglo XV y se convirtió por unas horas en 'Fuenteovejuna', esa villa cordobesa que mató al Comendador y se puso a los pies de los Reyes Católicos para pedir clemencia y contribuir a su cruzada por la unidad de España. 
La inmortal obra que escribió décadas más tarde Lope de Vega cobró vida propia en la bellísima plaza mayor porticada de la localidad manchega, por obra y gracia de los vecinos de Fuente Obejuna, que viajaron en número de no menos de 150 personas (44 de ellos músicos y 24 actores) para estrenar en la noche del jueves la 38 edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro.
Ambas localidades, Fuente Obejuna y Almagro, están ya hermanadas por obra de un ritual de corte político que se celebró el 1 de julio en el ayuntamiento de esta última, y que sirve para señalar el momento histórico en el que la representación vecinal salió por primera vez de su término municipal. 
El viernes por la noche, con la plaza mayor de Almagro a rebosar de gente que llevaba horas calentando las sillas de plástico colocadas frente al escenario, de vecinos que alternaban ruidosamente en las terrazas y de visitantes que luchaban por hacerse un hueco para ver y oír la historia de Frondoso y Laurencia, Fuenteovejuna se levantó en armas contra el comendador. 
La historia que reflejó Lope de Vega vale tanto para hablar del 15M como para ejemplificar lo que estos días sucede en Grecia pero, demagogias aparte, es la venganza de un pueblo sometido a la tiranía de un personaje déspota y oportunista. Cansado de perder la honra de sus mujeres y la paz de sus hombres en sus manos, el pueblo entero se subleva y acaba con la vida del opresor. En una singular asamblea, acuerdan confesar que lo hicieron "todos a una" y así lo hacen en el potro de tormento del inquisidor que envían los Reyes Católicos para averiguar la verdad. Finalmente, los propios vecinos acuden a postrarse ante los Reyes Católicos y obtienen el perdón para toda la villa. 
Son muchas las Fuenteovejunas que se han representado en Almagro, pero ninguna con la carga de emoción de ésta, llevada a cabo por los vecinos de la localidad cordobesa, dirigidos por Ángel Luis Martín, un técnico del área de Cultura del ayuntamiento. No se trata tanto de hacer teatro, si no más bien de tradición oral, orgullo histórico y patriotismo bien entendido lo que mueve a todo un pueblo a comprometerse con un objetivo que les roba horas de ocio y sueño. 
Ninguno de ellos es actor profesional, aunque viendo la desenvoltura de algunos, como Laurencia (Ana Molina, arquitecta de 33 años), el Comendador (Francisco Osuna, director de la Oficina de Turismo) y del alcalde (al que adorna una voz que recuerda a la de Alfonso del Real), y el emocionado empeño de todos, el resultado no desmereció en absoluto del marco ni de la ocasión.
El vestuario y escenografía, bien documentados en su época, aportaban un aspecto de credibilidad sincera que inmediatamente ayudó a que los espectadores entrasen en situación. Al igual que la música, compuesta para este estreno por José Manuel Hierro, que con sus toques flamencos bien hermanados con momentos más líricos, abrazó el trabajo de los actores y contribuyó decisivamente al éxito final: el pueblo de Almagro, puesto en pie, ovacionó larga y calurosamente la representación. 
La tradición vecinal de 'Fuenteovejuna' comenzó en 1992 con una periodicidad que quiso ser bienal, pero que terminó por ejecutarse cuando buenamente se podía. Se hizo en 1994, 1997, 2000, 2004, 2006, 2009 y, por último, en 2013. En la localidad cordobesa la ponen en pie 250 vecinos y utilizan como escenario la enorme plaza del pueblo, donde tuvieron lugar los hechos. 
El jueves por la noche, con esta nueva representación, los herederos de los auténticos héroes compartieron por primera vez su gesta en un templo del teatro que les considera ya hermanos para siempre.
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Fuente: Carlos Fresneda (elmundo.es)
Lo nunca visto y oído al sur del Támesis. Lope de Vega (1562-1635) y William Shakespeare (1564-1616) se emplazaron en la Catedral de Southwark, a la vera del teatro del Globo. Y sonaron cada cual en su idioma, sin riña ni contienda, más bien "de la mano" y en un misterioso flujo de palabras, amenizados ocasionalmente con música de Joaquín Rodrigo o de Thomas Morley.
"Esto es amor, quien lo probó lo sabe"... "¡Tirano amor, cuán vivo y fresco eres!"... "Toda rama palidece de miedo al invierno que llama"..."Fuego en el alma y en la vida infierno"...
El hermanamiento poético y dramático (al que se sumó también el espíritu de Edmund Shakespeare, enterrado en la catedral gótica) fue posible gracias al impulso de Jorge de Juan, a la inspiración de Alicia Sánchez y al entusiasmo compartido de Maite Jáuregui y Pablo Turégano, reunidos en la Spanish Theatre Company, un año rompiendo moldes y derribando barreras en el abigarrado mundo teatral de Londres.
Javier Jáuregui (a la guitarra y al laúd), Elena Jauregui (al violín) y la mezzosoprano Gudrun Olaffsdotir pusieron el contrapunto musical al río incesante de sonetos y fragmentos dramáticos: de "Hamlet" al "Caballero de Olmedo", de "El castigo sin venganza" a "Cuento de invierno".
La función de "fusión" (como la define Alicia Sánchez, la madre de la idea) ha sido la tarjeta final de presentación de la Spanish Theatre Company (STC), después de un año de rodaje itinerante y a punto de echar las raíces en el espacio emblemático del Union Yard, que queda también por aquí cerca.
Con "La vida es sueño" , la STC aspira a dar la campanada este mismo otoño en su teatro propio. Junto a Calderón de la Barca estarán también García Lorca y Juan Mayorga, toda una declaración de principios de la primera compañía española en la capital mundial del teatro...

Clásicos con contemporáneos

"Queremos alternar los clásicos españoles con autores contemporáneos, y abrir también las puertas al teatro latinoamericano", proclama Jorge de Juan (Cartagena, 1961), que estudió en su día dirección y producción en el British Theatre Association y que ha sentido el reclamo de Londres tras su larga trayectoria teatral y cinematográfica en España (de "Las bicicletas para el verano" a "La mujer de negro", pasando por "Sangre en la nieve").
"La compañía surge por dos principales razones", explica el director artístico de la STC. "En Londres están convergiendo en estos últimos años jóvenes y grandes talentos españoles. Y entre nuestra comunidad creciente y el público inglés, tan ávido siempre de cosas nuevas, había un imperdonable vacío, y también un desconocimiento de nuestra gran tradición teatral. Lo pudimos comprobar recientemente cuando hicimos la lectura de 'Eloísa está debajo del almendro'. La gente no había oído hablar aquí de Jardiel Poncela y de tantos otros".
La meta, según Jorge de Juan, será aprovechar el espacio propio de Union Yard para sentar las bases de compañía, seguir creciendo y posiblemente dar el salto a un espacio más grande... "Aunque todo dependerá de la respuesta del púbico y de si conseguimos la financiación necesaria. Vamos a funcionar como organización sin ánimo de lucro y esperamos que toda la gente que ama el teatro contribuya de alguna manera".
Para Maite Jáuregui (Los Angeles, 1985) -a quien muchos recordarán por 'Planta 4', de Antonio Mercero y por las teleseries '18' y 'Abuela de Verano'- la creación de una compañía española y con vocación bilingüe es "un proyecto tan bonito como necesario". Capaz de saltar con total naturalidad entre los dos idiomas, Maite Jáuregui se llevo una de las ovaciones de la noche con su monólogo de la obra cómica de Shakespeare "Como gustéis", en la piel de la pastora Febe: 'Omittance is not quittance' ('Callar no es renunciar').
Pablo Turégano tuvo el viernes y tendrá el sábado (a las siete de la tarde) la difícil papeleta de romper el hielo en inglés y en el altar de la catedral, con una escena del tercer acto de Hamlet. Su misión consiste de paso en arrastrar paso al río de espectadores españoles y británicos hasta el reconfortante semicírculo del ábside, habilitado como recóndito escenario...
"Dirás este pasaje en la forma en que te lo he declamado yo: con soltura de lengua, no con voz desentonada, como lo hacen muchos de nuestros cómicos; más valdría entonces dar mis versos al pregonero para que los dijese"...
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Fuente: Ana Mellado (abc.es)
Las emociones nunca estuvieron supeditadas a la palabra, ni mucho menos al idioma. Más allá del texto, el teatro posee esa majestuosa capacidad de transmitir a través de una cuidada puesta en escena. Disfrutar de una obra en una lengua desconocida requiere una diligencia y una entrega similar a la de dos enamorados que hablan distinto idioma.
Los actores de la compañía española RAKATá lograron el pasado lunes acercar al hermético público británico las palabras, obviamente, en castellano, del dramaturgo Lope de Vega, en el gran templo shakesperiano de Londres.
Por primera vez, las tablas del emblemático teatro The Globe se ponían a los pies de un escritor español. La apuesta era muy arriesgada y las condiciones climatológicas no jugaron a su favor. Aún así pusieron en pie a todo el público con su interpretación de «Castigo sin venganza», una obra que Lope compuso en 1631, ya con 68 años.
El cielo londinense se desahogó con furia durante la primera de las seis representaciones. Algo que no dejaría de resultar insustancial si no fuera porque buena parte de la audiencia seguía la obra de pie, al raso, en un amplio patio central. La lluvia no pudo con un estoico público, refugiado en chubasqueros, completamente entregado a la interpretación. Eso sí, en ese momento, más de uno aprovechó para trepar a uno de los bancos de madera a cubierto. El teatro es una réplica del original del siglo XVII, en el que el bardo estrenó alguna de sus creaciones y por tanto se mantiene fiel al estilo de la época.
«Fue fascinante ver cómo caían toneladas de agua y la gente continuaba allí, atenta a la historia. Imagino que en Reino Unido están acostumbrados, de alguna manera, a la lluvia», relató elcofundador de la compañía RAKATá, Rodrigo Arribas, quien subrayó que la tormenta estalló en el momento más adecuado para el desarrollo de la obra, cuando la tragedia se acercaba a su desenlace.

Crítica a los subtítulos

El turbulento triángulo amoroso entre el conde Federico, su padre y la prometida de éste, Casandra, ensimismó tanto a los españoles presentes en el público, como a los espectadores habituales de las obras de Shakespeare en inglés. Estos en muchos casos renunciaban a leer las explicaciones de la escena en inglés para dejarse llevar por los gritos, las expresiones faciales, las escenas de pasión y los cuchillos ensangrentados que hablaban por sí solos en una lengua internacional.
«Es muy raro que programemos a dramaturgos clásicos en lengua no inglesa. Es algo nuevo para nosotros, así que estamos encantados por ver cómo funciona Lope de Vega», apuntó el productor ejecutivo del Globe, Tom Bird.
Para los no hispanoparlantes se proyectó en inglés un resumen sobre la acción que estaba transcurriendo, pero nunca la traducción literal de los diálogos. «Resulta bastante frustrante que a uno le digan que un personaje está gastando una broma, pero no sepa qué broma», comenta Lyn Gardner, la crítica del «The Guardian».
Sí es cierto, que a veces esa ayuda para tratar de seguir la obra resultaba bastante contraproducente. Pero sin un mínimo soporte en inglésmuchos no se habrían atrevido a comprobar que el castigo, celos, el amor, la traición y la venganza suscitan el mismo tipo de sensaciones en cualquier cultura.
Para Gardner, la obra destaca por algunos momentos brillantes y principalmente por el papel de Aurora, interpretado por Alicia Garau. En cambio señala la ineficiencia de los comentarios y el uso excesivo de los violines para añadir una profundidad emocional que acaba resultando un tanto artificial.
El director de la obra, Ernesto Arias, tuvo que adaptar la puesta en escena a la singularidad del espacio londinense, que presenta un escenario vacío, con tres puertas y dos columnas, y que no posee iluminación artificial. Como novedad incluyó a músicos en directo(un trío de cuerda), que no han acabado de encajar del todo en el transcurso de la obra.
Pero lo que sin duda brilló fue la mano de Shakespeare tendida a Lope de Vega. Dos de los mayores genios de la historia del teatro universal unidos por una noche. «Ambos eran capaces de trazar retratos enormemente perfilados de la naturaleza humana, de lo mejor y peor del ser humano, a través de los conflictos que escribían en su obras», relató Arribas.
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Fuente: Julio Bravo (abc.es)
Por primera vez, el Globe Theatre de Londres va a tener a un inquilino extranjero; concretamente, a Lope de Vega. Nunca, a lo largo de la historia del escenario en que vieron la luz varias de las obras de William Shakespeare, había entrado allí un autor no británico; no lo hizo en el siglo XVII ni tampoco en el actual Globe, un espacio abierto en 1997, que reproduce un teatro isabelino, que se encuentra a escasa distancia de donde se halló el original y que presenta una programación regular dominada, lógicamente, por la obra de Shakespeare.
Y en este espacio se colará a partir del lunes próximo Lope de Vega. La Fundación Siglo de Oro (Rakatá) presentará entre el 1 y el 6 de septiembre su producción de «El castigo sin venganza». La historia de estas representaciones arranca en 2010. Aquel año, Dominic Dromgoole, director del Globe Theatre, estaba preparando un ciclo que se iba a incluir en la Olimpiada Cultural paralela a los Juegos Olímpicos de Londres; la idea era presentar las 36 obras de Shakespeare por otras tantas compañías de distintos países. Droomgole visitó España, vio el trabajo de Rakatá y le encargó la puesta en escena de «Enrique VIII» para dicho ciclo.
«Ya en aquella visita -recuerda Rodrigo Arribas, actor y presidente de la fundación-, Dominic se quedó fascinado por el texto, que ha sido escasamente traducido en Gran Bretaña, y le gustó nuestra propuesta artística; por eso nos escogió para “Enrique VIII”. Hace año y medio se puso en contacto con nosotros para ver si podríamos presentarlo en el Globe».
Coincide este acontecimiento con la celebración del décimo aniversario de Rakatá, y Arribas dice sentirse a la par feliz y asustado. «En la compañía estamos, lógicamente, muy contentos e ilusionados, pero la responsabilidad es grande». «El castigo sin venganza» es una producción dirigida por Ernesto Arias, con un reparto integrado por Elena González, Rodrigo Arribas, Jesús Fuente, Alejandra Mayo, Alejandro Saá, Julio Hidalgo, Daniel Acebes, Alicia Garau, Andrés Bernal, Silvia Nieva, Pablo Cabrera y Diego Santos.
Ha habido, explica, que adaptar la puesta en escena a la singularidad del espacio londinense, que presenta un espacio vacío, con tres puertas y dos columnas, y que no posee iluminación artificial(las representaciones se llevan a cabo durante el día). «Ya cuando repusimos la obra hace unos meses la adecuamos a las características del Globe. Renunciamos a los efectos de iluminación y a los elementos escenográficos, pero es un montaje que está basado en el texto y la palabra. Como novedad vamos a contar con músicos en directo (un trío de cuerda), y también vamos a aprovechar el patio, donde la mayor parte del público, de pie, sigue la obra. Nos permite una interrelación con los espectadores muy peculiar».
«El castigo sin venganza» se ofrece en español. «Se proyectarán sobretítulos en inglés -dice Arribas-, pero no de los diálogos completos;se resumirá la acción, para que el público pueda seguir la trama».
Espera Arribas que éste sea «el comienzo de una buena amistad» entre el Globe y Rakatá. «Hay conversaciones para llevar nuestro trabajo a otro teatro de Londres, y estamos estudiando también la posibilidad de llevar a cabo una coproducción con el Globe». También, revela, la visita servirá para avanzar en las negociaciones para una futura visitade la compañía británica a España.
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Fuente: Cristina Marinero (elmundo.es)
"Si Lope de Vega escribió 'El maestro de danzar' es porque esa figura era imprescindible en el siglo XVII para toda gran familia que se preciara. En el Barroco se entiende el danzar como un hecho, no sólo popular, sino también elevado". La directora del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, Natalia Menéndez, ha querido que este arte estuviera muy presente en esta edición y ha impulsado el Taller de danza del Siglo de Oro que imparte la experta en danza de época, Mª José Ruiz Mayordomo.
Actores, bailarines, músicos y cantantes líricos son los alumnos de esta experiencia pionera por la que ha apostado la responsable del prestigioso festival, en la que "se está trabajando sobre las fuentes originales, principalmente manuscritas, para traer la danza del Siglo de Oro al siglo XXI", cuenta Ruiz Mayordomo. "Me gusta observar al público durante las funciones", confiesa por su parte Menéndez, "y en el momento en que aparece la danza, las caras de los espectadores siempre se iluminan".
El arte del movimiento, que con tanto virtuosismo dominaban Lope y sus coetáneos, además, "está presente en dieciocho de las obras programadas este año", cuenta Natalia Menéndez, "tanto en su apertura, con 'Un viaje a través de la historia de la tarantela', o los diversos montajes de la sección oficial, como en 'Barroco para niños' o 'Almagroff'". También el Premio Lorenzo Luzuriaga, que ha galardonado en otras ediciones a Concha Velasco, Antonio Gala o José María Pou, ha recaído en la danza y ha sido el director de la Compañía Nacional, José Carlos Martínez, quien lo ha recibido.
Mª José Ruiz Mayordomo explica que en este taller "se está trabajando la danza alta que Lope de Vega incrustó en El maestro de danzar y, también, sobre una fusión de danza y baile para seis damas de la Loa para empezar, atribuida a Calderón de la Barca, cuyo manuscrito original se encuentra en la Biblioteca Nacional de España".
La investigadora recuerda que "se denomina danza a la coreografía ordenada con normas estrictas, donde predomina el trabajo de pies, mientras que en el baile prima la coreografía más libre donde los brazos, el torso y, en algunos casos, las castañuelas, toman el protagonismo". Estos bailes del XVII que encontramos en Lope o Calderón "son los antecedentes directos de los bailes boleros del siglo XVIII y, por tanto, de la danza española actual".
"España exportó danza por tierra y mar desde el siglo XVI", recuerda Ruiz Mayordomo, "por eso hay jotas en Filipinas o canarios (baile de percusión de pies) en Méjico. Se bailó con castañuelas, incluso, en la corte de Viena desde principios del siglo XVII". "La danza era tan fundamental en esta época", concluye Natalia Menéndez, "que hasta en los barcos rumbo al nuevo mundo siempre fue un maestro de danzar".
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Fuente: Esther Alvarado (elmundo.es)
Ahí le tienen: 400 años después de muerto, Félix Lope de Vega y Carpio sigue publicando comedias. Ahora, además, en versión 2.0.
Hace cuatro meses publicamos la noticia del descubrimiento de 'Mujeres y criados', una obra del Fénix de los Ingenios que, aunque figuraba en los catálogos más amplios de sus comedias, estaba desaparecida. Nadie la había visto nunca representada ni recordaba haberla leído. Era uno más de los muchos títulos dramáticos que escribió (se dice que unos 1.500) y de los que no se sabe nada.
Hoy la tenemos, por fin, en versión de papel, gracias a la editorial Gredos, y en edición digital en la página web de Prolope, de donde puede descargarse gratuitamente.
Fue el investigador de la Universidad de Syracuse (EEUU) Alejandro García Reidy quien realizó el descubrimiento y ayer lo presentó brillantemente en la Biblioteca Nacional de España, donde, por cierto, se custodia con celo el documento, y quién sabe cuántas cosas más. "Aquí hay un fondo editorial dramático extraordinario y además nos dejan venir a trabajar", bromeó Alberto Blecua, director del grupo de investigación Prolope, de la Universidad Autónoma de Barcelona, al que pertenece Reidy. "Es un texto sin puntuación, derivado directamente de los autógrafos originales de Lope", añadió.

Siguiendo el rastro

Aunque para los expertos salte a la vista, en realidad un descubrimiento de ese tipo necesita de una investigación cuasi policíaca, como la que realizó Alejandro.
Estaba trabajando en el proyecto CATCOM (que completa las bases de datos de teatro de los siglos XVI y XVII), dirigido por la profesora Teresa Ferrer, cuando cayó en sus manos un poder notarial firmado por Pedro de Valdés (reconocido empresario teatral) en 1615, donde autorizaba a Juan de Saavedra a que realizase en su nombre algunas gestiones, entre ellas denunciar a quien representase las comedias del repertorio de su compañía, y entre ellas cita 'Mujeres y criados'.
Alejandro consultó diversos catálogos y anotaciones, y siempre que aparecía dicho título se atribuía la autoría a Lope de Vega. Incluso en el catálogo de las "Comedias auténticas" que escribió el propio Lope aparecía. Pero, ¿dónde estaba el texto?
Sin mucha esperanza, pero por empezar por algún sitio, el investigador acudió al catálogo de comedias manuscritas de la Biblioteca Nacional, buscó allí y... voilá! Había una obra registrada con ese nombre y fechada en 1631. Inmediatamente pidió consultarla.
"El manuscrito se conservaba en buen estado, estaba copiado por una sola mano con letra del siglo XVII", explicó ayer. En la última página está anotado que se terminó de copias el 8 de diciembre de 1631 en Barcelona, pero ni palabra de la identidad del autor o del copista.

Examen caligráfico

La investigación de un texto tan antiguo empieza, pues por las peculiaridades caligráficas, y para eso García Reidy contaba con una herramienta fundamental: Manos Teatrales, un proyecto dirigido por la profesora Margaret R. Greer (Universidad de Duke) que codifica por los rasgos distintivos de sus letras las manos de los copistas. Había una R vibrante, escrita como una uve y con un travesaño central como el de la H. "En Manos Teatrales sólo teníamos un puñado de copistas que la usaban y, combinados con otras letras, sólo había uno". Pues sí, el mismísimo Pedro de Valdés (el del poder notarial).Atribuido quedaba, pues el poseedor del manuscrito y, el autor, apareció en los últimos versos del mismo.
"Aquí puso fin Belardo / a lo que pasa en el mundo / por mujeres y criados". Belardo no es ningún personaje de la obra; es el pseudónimo más usado por Lope de Vega. Eureka. Por fin Lope, como se creía. Pero un pseudónimo no es una certeza, es un "indicio", así es que el investigador se aplicó en el "estudio métrico del texto". "La obra se ajusta perfectamente a los usos métricos del Fénix entre 1613 y 1614, lo que además coincidiría con el poder notarial de Pedro de Valdés, fechado en 1615", explicó Alejandro García Reidy ante una gráfica exhaustiva de la métrica de la función.
Pero si la forma suena a Lope, el fondo es Lope en estado puro. "La trama corresponde con las de Lope, que por aquella época se inspiraba en el 'Decamerón' de Boccacio para tramas como la de 'El perro del hortelano'. En 'Mujeres y criados' dos hermanas están enamoradas de los sirvientes del Conde Próspero, que pretende a una de ellas, mientras que la otra recibe las atenciones no deseadas de un galán al que favorece su propio padre. Ellas, sagaces y brillantes, sabrán controlar la situación para que "el amor triunfe entre los enamorados".

Lo mejor, para el final

Colorín colorado, esta historia no ha hecho más que empezar. Ayer, durante la presentación en la Biblioteca Nacional, la compañía Fundación Siglo de Oro (Rakatá) realizó una divertida y brillante lectura dramatizada de tres escenas del texto, dirigida por Ernesto Arias, y serán ellos mismos los encargados de leer la obra completa en octubre de este año y de llevarla a la escena en primavera de 2015, casi con seguridad, en el Teatro Español, que coproduce el proyecto.
Con el público puesto en pie, tanto por la representación de las escenas como por la conferencia de García Reidy, terminó la presentación a la que acudieron, entre otros, el concejal de Cultura, Pedro Corral, y la directora de la BNE, Ana Santos.
"Leyéndolo, ya ves que es de Lope de Vega el texto, pero es en la puesta en escena donde sientes que Lope está aquí, que esto es suyo, porque él lo escribió para que fuera representado", comentó a EL MUNDO un emocionado Alejandro García Reidy.
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Clásicos en Alcalá abre de nuevo la temporada de los festivales de teatro veraniegos, especialmente aquellos cuya programación se centra en los textos del barroco, donde nunca faltan Lope de Vega, Calderón de la Barca o Shakespeare. Hace dos o tres décadas, solo el festival de Teatro Clásico de Almagro reunía esta oferta.

Organizado por la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento alcalaíno, Clásicos en Alcalá se celebrará del 14 de junio al 1 de julio con el aliciente de ofrecer cuatro estrenos absolutos, además de 87 actividades con 24 montajes de teatro y música, espectáculos de calle, películas, conferencias, exposiciones, talleres infantiles y un concurso.
Lo más llamativo son esos montajes que ningún espectador podrá ver antes que en esta muestra. La discreta enamorada & DoñaFrancisquita, basado por un lado en la obra de Lope de Vega y por otro en la zarzuela que escribió Amadeo Vives inspirándose en el texto de Lope; ambas conviven en este montaje de la Academia del Verso de Alcalá con dirección de Juan Polanco. Coloquio de los perros, novela ejemplar de Miguel de Cervantes, es el montaje que ha dirigido Emilio del Valle, uno de esos sabios de la escena que sobrevive a base de talento y no de fama. Corporis es un espectáculo de calle de la compañía Laitrum Teatre en el que los espectadores se convierten en público y actores. Siglo de Oro, Siglo de Ahora (Folía), es un peculiar y divertido homenaje a los clásicos, de la compañía Ron Lalá, que está arrasando en el teatro Alfil.
Llegan por primera vez a Madrid Coroliano, de Shakespeare, dirigido por Àlex Rigola y el Teatre Lliure (primera vez en castellano); La damaboba, de Lope de Vega y Laila Ripoll; Los villanos de Shakespeare, de Steven Berkoff; Celestina, la tragicomedia, de Fernando de Rojas y Atalaya teatro; El médico de su honra, de Calderón de la Barca y Teatro Corsario, y el espectáculo musical A Pilgrim’s Solace, de John Dowland.
En el festival también tendrán cabida los espectáculos de calle comoVersos cara a cara, con artistas como Ana Santos, Arturo Querejeta, Beatriz Arguello, Chete Lera, Daniel Albadalejo, Francisco Carril, Greg Hicks, Lidia Palazuelos, Santi Senso y Toni Ponce. Y un año más, La hoguera de los decorados. Noche de San Juan, que contará con la presencia de la Big-Band de Alcalá para acompañar la quema de decorados teatrales. El cine también tendrá su propio espacio con el ciclo El séptimo clásico.
Especialmente recomendable es la exposición La Barraca. Teatro y Universidad: Ayer y hoy de una utopía teatral, que tendrá lugar en el Instituto Cervantes y se complementa con dos conferencias sobre La Barraca.
Este año se presenta Espacios para la escena, un concurso de proyectos con el objetivo de encontrar nuevos espacios para la escenografía teatral.
El Taller de versos antiguos para niños modernos, otras exposiciones y encuentros completan la programación de esta muestra que se desarrolla en ocho espacios de Alcalá de Henares y cuya programación se puede consultar en www.clasicosenalcala.net
Fuente: Rosana Torres (www.elpais.com)
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