Fuente: Elsa Fernández-Santos (elpais.com)
Como escribe Janet Malcolm en Leyendo a Chéjov el célebre escritor ruso nunca se sintió cómodo como autor teatral. Prefería el relato corto, se sentía más desinhibido sin la presión de escribir para ser representado y juzgado. “El teatro atraía y repelía a Chéjov de igual medida”, asegura Malcolm. Quizá por esta ambivalencia resulta doblemente interesante el montaje de El duelo con el que hoy se inicia la 5º edición del programa de Centro Dramático Nacional (CDN) Una mirada al mundo, que reunirá hasta el 10 de noviembre los últimos montajes de grandes compañías internacionales.
Novela breve escrita por el autor de La gaviota, esta versión de El duelotraiciona la intención original de su autor y sube al escenario como obra teatral. Eso sí, de la mano del Teatro del Arte de Moscú. Es decir, de la mano de la compañía que mejor conoce al sutil autor de Tío Vania. Institución histórica rusa fundada en 1898 por Konstantin Stanislavski y Vladimir Nemirovich-Danchenko, sin la fe de sus fundadores en el talento teatral de Chéjov quizá jamás se hubiese disipado la tormentosa relación que el dramaturgo mantuvo con las tablas. Para entender que Chéjov y el Teatro del Arte de Moscú viajan desde hace más de un siglo de la mano basta con recordar cómo en el telón de la sede moscovita de la compañía vuela bordada una gaviota, símbolo inequívoco de esa deuda y de ese trayecto común.
La adaptación de El duelo, montaje de tres horas de duración que se representa hasta el domingo en Madrid, corre a cargo del director Anton Yakovlev, y está interpretada, entre otros, por un mito: Dmitri Nazarov. “Es una de las grandes estrellas del teatro ruso. Como un Rodero, una Nuria Espert o un José María Pou, pero con esa veneración que allí profesan por sus actores teatrales”, explica Fernando Cerón, director de Relaciones Internacionales y actividades culturales del CDN y encargado del programa de Una mirada al mundo.
“Este año traemos siete montajes de compañías de primera fila europeas y de otras emergentes que pensamos que pueden ser punteras en el futuro. En este sentido nos fijamos más en Latinoamérica, de donde traemos tres de los siete espectáculos de este año”, explica Cerón. “Llevamos cinco años con el programa y este es el más extenso, nuestra idea es que en el futuro las compañías latinoamericanas, a pesar de que tienen menos tirón de público, ocupen el 50%", continúa.
La programación incluye los siguientes títulos: Ubu Roi , de Alfred Jarry, con dirección del británico Declan Donnellan para su compañía Cheek by Jowl (Reino Unido/Francia) ; Seuls , monólogo escrito, dirigido e interpretado por Wajdi Mouawad (Francis/Québec); La pequeña habitación al final de la escalera, de Carole Fréchette, dirigida por Mauricio García Lozano para el Teatro del Farfullero (México); Julia,adaptación de La señorita Julia de Vértice de Teatro (Brasil); Bienvenido a casa, con dirección de Roberto Suárez para el Pequeño Teatro de Morondanga (Uruguay) y, finalmente, La Verità, de Daniele Finzi Pasca, con la Compagnia Finzi Pasca (Suiza).
De momento, y para abrir boca, será una compañía centenaria europea la que abra hoy el telón. Incólume a los avatares de la historia, el Teatro del Arte de Moscú ha sobrevivido a zares, a revoluciones y a viejos y nuevos dictadores con su teatro de repertorio. El duelo pondrá en escena a un grupo de personajes aparentemente inconexos, un grupo de desconocidos obligados a una confrontación externa e interna, a la búsqueda -íntima y pública- de un último camino.
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Fuente: Rosa Rivas (elpais.com)
Tokubei, el empleado de un comercio de soja, y su amante, la cortesana O-Hatsu se suicidaron juntos el bosque de Tenjin. Corría el año 1703 de la época Edo. Este final trágico de un amor imposible fue convertido inmediatamente en argumento teatral por el escritor Chikamatsu Monzaemon, un dramaturgo que siempre se inspiraba en la realidad social y que es considerado el Shakespeare japonés por su habilidad literaria y su dominio para retratar sentimientos y pasiones.
Pero ese retrato no lo expresaban humanos, sino marionetas. Un leve gesto, un pestañeo, un movimiento sutil o desesperado, una atmósfera embriagante o tensa… Todo lo podían expresar unos muñecos, por obra y gracia de unos manipuladores vestidos de negro (kuroko) y una música que subrayaba la intensidad de la trama. Era la magia del bunraku, el teatro de marionetas japonés que ahora, en el siglo XXI, ha sido recuperada por un creador contemporáneo, Hiroshi Sugimoto. Su adaptación de Sonezaki Shinju (Los amantes suicidas de Sonezaki), con elementos audiovisuales, narración y música en directo, podrá verse en Madrid, en el Teatro Español, la próxima semana.
Fue tal el impacto popular en Japón de Los amantes suicidas de Sonezakique la obra fue prohibida en 1732 (no se levantaría la prohibición hasta ¡1955!). Las autoridades del siglo XVIII (el shogunato Tokugawa) estaban alarmadas por los casos que sucedían de jóvenes que acababan sus vidas para emular a los protagonistas de esa doble muerte, esos amantes que buscaban hacer realidad su unión imposible entre los humanos entrando en el más allá, en el divino paraíso de la Tierra Pura.
“Me interesa esa fuerza del eros y la muerte. La mayoría del teatro de marionetas es para público infantil. El bunraku es para público adulto”, advierte Sugimoto, que “estaría dispuesto a convertir en obra de bunraku la tragedia de Romeo y Julieta”. Siglos después del impactante bunraku de los amantes imposibles, también sobrevuela el fantasma del suicidio en la sociedad japonesa. Pero Sugimoto es positivo y cree en el exorcismo de los problemas existenciales a través del arte: “Es una herramienta para aliviar problemas, para desatascar mentes”. Confía asimismo en la revisión de hallazgos artísticos del pasado: “La riqueza cultural tiene que ver mucho con lo vivido. Volver a lo clásico puede ser muy contemporáneo”. Japón, que atesora sus manifestaciones artísticas de hace siglos, vivió un período de aislamiento entre el XVII y el XIX. En ese cierre prosperaron géneros teatrales como el kabuki, el noh o el bunraku. “Hubo un enriquecimiento cultural único”, afirma Sugimoto, a quien intriga “qué habría pasado si ese cierre no hubiera sucedido, ¿una modernización al tiempo que Europa o América?”.
El fotógrafo (Tokio, 1948), que reside entre Japón y Estados Unidos, ha labrado un prestigio internacional como artista visual contemporáneo(expone actualmente en Arles y el mes próximo en París) es un apasionado de las formas escénicas japonesas antiguas y se ha convertido en un mecenas entusiasta del bunraku. “Hay ciertos formatos de arte que necesitan apoyos para poder sobrevivir. Yo he decidido invertir mis ganancias en este teatro tan valioso”, dice. Y no solo se ha volcado en la recuperación del argumento de Sonezaki Shinju (ha rescatado un guion original y completo de Chikamatsu), también ha propiciado la restauración de las marionetas. A un personaje cuya cara se hizo nueva se aprovechó para dotarle de “rasgos de persona inteligente y atractiva”, en vez de la apariencia de hombre tosco de antes. Y otro cambio importante de perspectiva: “En la historia antigua Tokubei le pide a O-Hatsu morir juntos por amor. Ahora es ella quien le incita a él”. Esta modificación del director Sugimoto enlaza con su idea de que “en Japón las mujeres son más fuertes que los hombres, muchos de ellos asexuales. Ellos son herbívoros (shoshokukei) y ellas carnívoras”, ironiza.
Y como su entendimiento del bunraku es “similar al de una ópera”, Sugimoto ha cuidado la escena, la naturalidad de la luz (“quiero recrear las representaciones antes de que hubiera luz eléctrica”), la preciosa indumentaria de las marionetas, la narración (hay tres recitadores) y la música, esta con ayuda del famoso compositor e instrumentista deshamisen Seiji Tsurusawa (nombrado en Japón “Tesoro Nacional Viviente”). Para imprimir un nuevo ritmo (la obra dura dos horas y no cuatro como en los primitivos espectáculos), ha trabajado con un coreógrafo y en el acto que hace referencia a la diosa budista Kannon, incentiva la atmósfera con proyecciones de Tabaimo, una de las artistas visuales japonesas más vanguardistas. El alma del bunraku la insufla el experto marionetista Kiritake Kanjuro. Para mover seis personajes protagonistas y cuatro secundarios, en la primera parte hay una persona (como en el viejo bunraku) y luego tres.
El estreno en España de Los amantes suicidas de Sonezaki (Sonezaki Shinju), avalado por la Fundación Japón, es la primera escala de una gira europea que incluye en octubreRoma y París. El espectáculo (que fue estrenado en Yokohama en 2011, auspiciado por la Odawara Art Foundation) recalará luego en Tokio y Osaka, y esta ciudad supone una presencia importante para Sugimoto, pues allí se cimentó el teatro de marionetas bunraku (Ningyo Joruri Bunraku), declarado por la Unesco como “Obra maestra del Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad”.
Es la segunda vez que el Teatro Español de Madrid aloja un espectáculo de bunraku. También con el maestro marionista Kiritake Kanjuro, en 2005 se presentaron dos obras, El amor pasional y Milagro en el templo de Tsubosaka Kannon. En esta ocasión, a la representación de Los amantes suicidas de Sonezaki, el 27 y el 28 de septiembre próximos, acompaña una conferencia y una charla demostración sobre el manejo de marionetas al estilo japonés.
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Font: Jordi Bordes (elpuntavui.cat)
El director Fran Arráez no se n'amaga gens:Goodbye, Barcelona és un musical polític. Ho diu amb l'orgull de fer un homenatge a uns brigadistes internacionals que, el 1936, van allistar-se a una guerra per lluitar contra el feixisme que ja treia les orelles per la vella Europa. La seva va ser una derrota militar, però no espiritual. Per això, l'autor Karl Lewkowicz celebrava emocionat ahir tancar el cercle que havia obert des que es va interessar pel cas, el 2005. El 2011, va aconseguir estrenar el muntatge a Londres. Ara, arriba on li pertocava, Barcelona, gràcies a l'entusiasme del Teatre del Raval, que espera repetir l'èxit de la tardor del 2012 amb La vampira del Raval.
La directora artística de la sala, Empar López, també ho té clar: el musical no deixa d'emocionar-la. Goodbye, Barcelona s'estrena el 26 de setembre. Abans, farà tres sessions de prèvies (del 23 al 25, de què ja no queden entrades). Per López, aquesta obra no segueix el patró habitual del musical: “és una música sòbria” i la lletra, traduïda per Eva Rossell i David Pintó, “és d'una tendresa exquisida”. Aquesta és una de les claus del musical, segons el director d'escena: una obra molt compromesa i que té una qualitat que “no decebrà”. Lewkowicz dóna una visió ben diferent de la Guerra Civil a la que va descriure Georges Orwell en aquell Homage to Cataloniaque també Calixto Bieito va passar a teatre (Romea, 2004). En aquella ocasió, hi havia un repartiment anglès i català. Ara, s'ha optat per un cos d'actors catalans, tot i que les primeres escenes passin a Londres; “s'entra en la convenció fàcilment”. Sí que es va provar de fer un càsting mixt, però la dificultat musical, finalment, va desaconsellar-ho.
Lewkowicz està fascinat per la diferent producció que s'ha realitzat a Barcelona. I és que, a Londres, el públic envoltava l'acció a quatre bandes. Al Raval, l'escena és a la italiana. L'autor està convençut que molts brigadistes estarien orgullosos de saber que, finalment, l'obra arriba a Barcelona. Per escriure el text (que té una història d'amor doble, mares que ploren els fills i que, paradoxalment, en guanyen un altre), es va entrevistar amb sis brigadistes. Després de la primera lectura, un d'ells li va corregir tot allò que no era creïble. Ho va reescriure. També en el procés de construcció del muntatge, Lewkowicz va entrevistar Moisès Broggi (1908-2012), el metge que va atendre els brigadistes en la batalla de l'Ebre.

Barcelona, ‘at last'

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Font: Jordi Bordes ( elpuntavui.cat ) El director Fran Arráez no se n'amaga gens: Goodbye, Barcelona  és un musical polític. Ho di...
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Fuente: Elena Jorreto (abc.es)
«Prevenidos… Silencio...», dice el regidor, y la voz de Marius rueda por las escaleras hacia su amada Cosette. Entonces «Sale el sol» y alumbra con sus voces a estos franceses «Miserables» que osan amarse en plenaRebelión de Junio. Corre 1832, él sueña con la Tercera República mientras trata de conquistar a Cosette, la hija adoptiva del prófugo Jean Valjean. El estribillo llega acompañado de un ejército de estudiantes que cantan al destino para que les reserve «algo mejor», mientras el último de ellos ondea una bandera roja. Ninguno viste al uso del siglo XIX, llevan zapatillas deportivas y camisetas grises de manga corta con un título: «Los Miserables». El musical que más tiempo ha aguantado jamás en cartel (28 años) prepara una gira por España que llevará el clásico de Victor Hugo a 20 ciudades españolas. La primera seráSantander el 17 de octubre.
«Nuestra vida depende de cómo cantamos», arengaba ayerChristopher Key a los actores. En el centro de la sala del teatro Goya, el director asociado del musical coordina el montaje escena por escena de un puzle de 43 actores, 15 músicos y 65 técnicos. Mientras habla con Marius (Guido Balzaretti) y Cosette (Talía del Val), Elena Madina sube una escalera. Es Fantine, la prostituta maltratada por la burguesía francesa que deja a su hija a cargo de Jean Valjean. Cuando termina un solo estremecedor, Key se le acerca. Tres escaleras les rodean mientras hablan, y en un instante están en la taberna de Monsieur Thénardier (Armando Pita), que sirve «sesos de caballo» al ritmo de «Amo del mesón».
Se trata de que los actores hagan «su propia creación con el material», traduce a Key Alfonso Casado, supervisor musical del espectáculo llegado de Londres para «enseñarles la partitura». La obra, que se ha representado en 22 idiomas, llega a España con un presupuesto de 3.5 millones de euros y modernizada con proyecciones de lienzos pintados por Victor Hugo. El éxito, para Casado, no son solo las canciones, sino que un libro «de muchísima calidad» que le llevó a Londres y le devolvió a España.
Nicolás Martinelli llegó desde más lejos, en concreto desde Argentina. Ahora trabaja para hacer suyo a Jean Valjean, el protagonista de «Los Miserables». Lo que más le gusta de él es que «guarda varias personas dentro de un mismo personaje». En efecto, sus cambios son «muy abruptos», ya que pasa de ser un preso durante 20 años a ser alcalde.

Invitados a la ópera

La abundancia de actores argentinos en la obra tiene nombre de mujer:Julia Gómez Cora, directora general de Stage Entertainment. Así se llama la productora del musical, que ha financiado otros como «El fantasma de la ópera» y «El Rey León». Ni siquiera ella sabe «qué tendrá» «Los Miserables», pero asegura que está «más vivo que nunca», con un montaje con el que, según Martinelli, «no se sale» en Argentina.
Entre los actores españoles destaca Carlos Solano, que con 12 años debutó en el teatro y en la obra con el pequeño Gavroche, luego fue Grandeur y ahora es Enjolras, el líder que lleva a todo el mundo a la guerra. «Dentro de poco me tocará hacer Cosette», bromea.
Carlos es, junto a su hermano, Víctor Díaz (Capataz) y Eva Diago(Madame Thénardier), el único que ha vivido los 20 años del montaje en España. A diferencia de su hermano, que ha triunfado en las tablas con musicales como «El libro de la selva» y «Grease», Víctor viene de la zarzuela. Por eso cantar en el Palau de les Arts Reina Sofía es un sueño para él.
Tras su paso por España, la obra, viajará a Toronto, Seúl y Tokio, para regresar finalmente a casa, a Londres.
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Fuente: Flor Gragera de León (elpais.com)
William Shakespeare y Federico García Lorca se encuentran siglos después, y la cita se produce en un juego de espejos. Un grupo de tres actrices ocupa un escenario desnudo; nada más que ellas y sus cuerpos y sus voces y sus movimientos. Hay un ensayo dentro de otro ensayo. Una de las intérpretes dibuja con sus dos manos temblorosas un gesto de desesperación, mientras reclama a sus hijos en esta escena. Y esto es repetido como un eco, como una coreografía, por las otras mujeres en el trabajo coral que distingue el montaje de Comedia y sueño, la mentira más hermosa, dirigido por el maestro de actores Juan Carlos Corazza, y que inicia este jueves su marcha en el teatro de Conde Duque de Madrid hasta el 20 de octubre. El montaje, iniciativa de la Fundación García Lorca, pone en diálogo Comedia sin título, texto inacabado del autor granadino del que solo pudo completar el primer acto, y a Sueño de una noche de verano de Shakespeare. Y expande el espectáculo con otros textos de ambos autores fruto de la investigación llevada a cabo por la compañía Teatro de la Reunión.
En Comedia sin título llenan las tablas un conjunto de actores que ensayan la obra del bardo inglés, mientras fuera, en las calles de Madrid, hay una revolución en marcha. Estamos en 1936. La guerra en el mundo de los hombres se ve las caras con otra en el mundo de las hadas, mientras el director del espectáculo imaginado por Lorca decide que lo único que tiene sentido es que el público piense sobre la relación entre la poesía, el arte, y la vida real. Y así lo involucra. Y, así, se expresa:
“Todo en la obra [en Sueño de una noche de verano] tiende a demostrar que el amor, sea de la clase que sea, es una casualidad que no depende de nosotros en absoluto. Es una verdad terrible, pero una verdad destructora puede llevar al suicidio. El mundo necesita más que nunca verdades consoladoras, verdades que construyan. Se necesita no pensar en uno sino pensar en los demás”.
La obsesión por la verdad persiguió a Lorca y tiñe, en contradicción con el título Comedia y sueño, la mentira más hermosa, el espectáculo. La primera verdad es un escenario en el que están presentes en todo momento los diez actores, sin más aderezos que los instrumentos que ellos mismos tocan como creación de la atmósfera, su interpretación, su voz y poco más. “No es algo fácil que no haya artificio, pero es parte del atractivo de la obra porque el público puede ver la ductilidad y el juego, la transformación de los actores que pasan de la comedia a la tragedia, que hacen música o actúan. Esto nos recuerda a las posibilidades que tiene el ser humano”, explica Juan Carlos Corazza. Los actores Alba Flores y Raúl de la Torre están de acuerdo en que esta desnudez constituye precisamente la espectacularidad de la obra y les ha supuesto, a la vez, un gran reto como intérpretes. “Lorca buscaba la verdad sin artificios. Pero el lenguaje artístico de la obra es muy rico, porque también está la poesía que, de alguna manera, es artificio; se vale de él y lo cuestiona…”, añade el director, que formó a Javier Bardem, y a quien este sigue recurriendo para preparar sus personajes.
La segunda verdad de Comedia y sueño, la mentira más hermosa es que se trata de un trabajo coral. En la presentación del montaje todos los actores están presentes también en el escenario como declaración de intenciones; respaldando al director, a Juan José Herrera de la Muela, director general de Museos y Música del Área de Gobierno de las Artes, Deporte y Turismo del Ayuntamiento de Madrid y a Pablo Berástegui, coordinador general del Conde Duque. No faltan al evento antiguos alumnos de Corazza, como la actriz Alicia Borrachero y Elena Anaya, formadas con él. O Miguel Ángel Silvestre, también participante en el proyecto de Teatro de la Reunión. “En el caso de la obra de Lorca, más que personajes dibujados, son voces o ecos… Hace falta una gran concentración para apoyar a todos los demás. Y todo se ve”, relata Raúl de la Torre, quien se ha formado, como Alba Flores, en el prestigiosoEstudio Corazza para el Actor. Otro de sus alumnos e intérprete en la obra, Jan Cornet, conviene en que el hecho de que unos se sostengan en los otros “relaja, y recuerda la importancia de ver al otro, del lado más humano”.
Y aquí está la tercera verdad a la que se refieren director e intérpretes: “Ambas obras recuerdan la importancia de estar unidos porque se centran en lo que divide. En Shakespeare el caos sobreviene cuando el rey y la reina de las hadas entran en conflicto… Lorca habla de qué sucede cuando la sociedad empieza a tener leyes que debilitan y enfrentan. Tenemos la oportunidad de reflexionar y de imaginar alternativas más saludables”, sostiene Corazza.
Comedia y sueño, la mentira más hermosa se estrenó en el Centro Cultural Caja Granada en 2011, y después fue representada en el teatro Meyerhold de Moscú dentro de las celebraciones del Año Dual España Rusia de ese mismo año. Antes de llegar a Madrid, contribuyó como único evento internacional en el Centro Gabriela Mistral a la conmemoración del 40 aniversario del golpe militar en Chile y de la muerte de Salvador Allende. El misterio, la poesía, el mundo ilusorio y lo fantástico… El texto de Lorca que “se quedó sangrando”, como describe el director, revive con la intención de que el público participe. “Tiene un papel muy activo y nosotros le miramos muy directamente”, señala Alba Flores. “Es una obra que te toca, que está más allá de lo intelectual, una atmósfera que se genera desde algo más físico…”, concluye su compañero de la Torre.
Lorca no quería actores, sino hombres y mujeres de carne y hueso.
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Font: Jordi Bordes (elpuntavui.cat)
El Centre d'Arts Escèniques de Terrassa (CAET) mostra, concentrat en quatre dies (del 3 al 6 d'octubre), bona part del treball que impulsa d'artistes de nous llenguatges al festival Terrassa Noves Tendències (TNT). En aquesta edició, hi ha des d'una actuació, a partir dels terratrèmols que es produeixin en temps real a tot el món a un conte d'un ventríloc que acabarà ofegat a la piscina de l'hotel. Per fer el festival, disposen de 150.000 euros de la Generalitat, l¡Ajuntament, patrocinadors i taquillatge, i uns altres 120.000 que aporta el CAET per a 14 coproduccions. En un diàmetre d'uns 200 metres es presenten 30 espectacles (72 representacions), 18 dels quals són estrenes. El director del CAET, Pep Pla, defineix el cartell d'enguany com un Sonimag al teatre, perquè és constant la relació de les màquines amb els artistes en escena. Per primer cop, el TNT inclourà unbackstage on es puguin trobar artistes i programadors. Amb la col·laboració de l'Institut Ramon Llull i el Departament de Cultura, aspiren a consolidar un circuït dins i també fora de Catalunya per a aquests creadors. Molts d'ells ja tenen més feina Pirineus enllà. Un exemple ben gràfic és Roger Bernat, que de les properes 100 funcions programades, només n'hi ha una a Catalunya: és la de Terrassa. Bernat presenta el seu Domini públicpensat per a joves, ja el va impulsar en el mercat de projectes d'Igualada.
La Veronal estrena amb Lali Ayguadé Portland. Carles Santos i Rossy de Palma estrenen un treball del qual no ha transcendit res. El Conde de Torrefiel fa un viatge literari i escènic a La chica de la agencia de viajes nos dijo que había piscina en el apartamento. Loscorderos reflexionen entre la necessitat de creure i de crear (ULTRAinnocència). A Los micrófonos dos actors dialoguen a partir de lletres de cançons pop. Clàudia Vilà farà la seva parella perfecta per fer equilibri en un trapezi (Fes-te'l a mida.app). Òscar Muñoz fa un viatge a una nau abandonada per recordar La nit just abans dels boscos de Koltès. La llista de propostes és inacabable.
Jordi Sellas, director general de Promoció i Cooperació Cultural, aposta perquè sigui a Terrassa on la Generalitat focalitzi els nous formats. En temps de prioritzar polítiques, Cultura aposta per formalitzar la professionalització dels artistes i per treballar el públic. El CAET també treballa per donar eines als creadors, a part dels mínims recursos econòmics: així ha lligat residències tècniques i artístiques a Ca l'Estruch de Sabadell i a la fàbrica de creació El Graner. Ara, després de l'estrena, es vol garantir que hi hagi un mínim de funcions en cartell. Molts dels muntatges es fan al carrer per demostrar que aquests treballs són prou atractius per a tot tipus de públic. De fet, s'implica a actors amateurs en la producció de Josep Rodri (Homes i màquines), pensada específicament per a la realitat industrial de cada lloc on es contracti. També d'edicions anteriors de Tàrrega ve Bunny me! amb La Reial (“què passaria si el govern decidís posar a la venda parelles d'aturats per fer de mascotes a casa?”, es pregunten). De la fira d'enguany, hi ha els Insectrotròpics (Bouazizi) i Joan Català (Pelat). Pel que fa a dansa (el TNT és una evolució de TensTandsa d'Àngels Margarit), destaca Móns (quan tanco els ulls) de Nats Nus; (remor) de Res de res; ¿Hasta dónde? de Cia Sharon Fridman i Sonia Gómez i Lucy Suggate (The Inqusitive middle). O la retrobada amb Brodas Bros (Concierto concepto). (Tota la programació complerta a www.caet.cat).

‘Sonimag' escènic

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Font: Jordi Bordes ( elpuntavui.cat ) El Centre d'Arts Escèniques de Terrassa (CAET) mostra, concentrat en quatre dies (del 3 al 6 ...
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