El número de trabajadores dedicados a la cultura ha pasado de los 481.700 del año 2011 a los 457.600 de 2012, lo que supone un descenso de 24.100 empleados, según se desprende delAnuario de Estadísticas Culturales 2013, publicado por el Ministerio de Educación, Cultura y Deportes.
Según el informe, el total de empresas cuya actividad económica principal es la cultura ha pasado de 103.320 a 101.342 en el mismo periodo, lo que supone que se han perdido 1.978 empresas. También desciende la financiación y gasto público en cultura, que pasa de 1.051 millones de euros a 957 millones. En las comunidades autónomas, el descenso del gasto cultural pasa de los 1.769 millones de euros de 2011 a los 1.483 millones de 2012, mientras que en los ayuntamientos decrece de 4.043 millones a 3.397 millones.
Las familias españolas también han disminuido el dinero que dedican a la cultura. Así, pasan de los 14.364 millones a 13.371 millones. El gasto medio por hogar en bienes y servicios culturales es de 738 euros anuales y el gasto medio por persona, 288,7 euros. Los porcentajes más significativos son: Equipos audiovisuales e Internet (44,7%),Servicios culturales (31,3%)  y Libros y publicaciones periódicas(16,5%). El gasto medio por hogar disminuye al descender el tamaño del municipio y toma su valor máximo en los municipios con más de 100.000 habitantes. Es superior a la media en las comunidades autónomas de Aragón, Islas Baleares, Cataluña, Madrid, Navarra y País Vasco.
El Ministerio ve como un dato positivo que los datos recogidos en el informe reflejan “el valor de la cultura como fuente generadora de riqueza y desarrollo económico en la sociedad española”. Destaca que el sector cultural supone un 3,5% del Producto Interior Bruto y genera un 2,6 del empleo total en España. La aportación del sector cultural al Producto Interior Bruto en 2011 se ha situado en el 2,7%, alcanzando el 3,5%, precisa el anuario, "si se considera el conjunto de actividades económicas vinculadas a la propiedad intelectual". Estos resultados resaltan "el significativo peso de las actividades culturales dentro de la economía española", señala el documento, y destaca su importancia en la comparativa con otros sectores:  Agricultura, Ganadería y Pesca (2,5%), la industria química (1,1%) o las telecomunicaciones (1,8%) ese mismo año.
Asimismo, el Anuario señala el aumento del consumo de lectura entre los españoles en los últimos años y el incremento del número de alumnos matriculados a enseñanzas relacionadas con el ámbito cultural.
Escuchar música, leer e ir al cine son las actividades culturales realizadas con mayor frecuencia por la población. El cine sigue siendo el espectáculo con más demanda, seguido por la asistencia de la población a espectáculos en directo, según resalta el Anuario de Estadísticas Culturales 2013 ,dado a conocer hoy. En cuanto a los bienes culturales que más se exportan, son los libros y la prensa.
Esta novena edición del Anuario de Estadísticas Culturales recoge una selección de los resultados más relevantes del ámbito cultural y abarca el quinquenio 2008-2012. Se incluyen los resultados que afectan a empleo y empresas, financiación pública y privada, propiedad intelectual, comercio exterior, turismo, enseñanza y hábitos culturales, así como patrimonio, museos, archivos, bibliotecas, libro, artes escénicas, música, cine y vídeo.
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Hacía casi tres años que no sabíamos nada de Thomas Ostermeier(Soltau, 1968), el director alemán que revolucionó el establishment berlinés al frente de la pequeña sala Baracke del Deutsches Theater en los noventa y que desde 1999 es director residente y miembro de la dirección artística de la Schaubühne de Berlín. Lo último que le vimos en Barcelona fue Othello en diciembre de 2010, espectáculo programado por su amigo Àlex Rigola en su postrera temporada al frente del Teatre Lliure; en Madrid estuvo ese otoño con Dämonen (Demonios) del dramaturgo sueco Lars Norén. Ahora este “Officier des Arts et des Lettres” según el ministerio de cultura francés, que así lo nombró en 2009, vuelve a Cataluña gracias al festival Temporada Alta, una de las pocas puertas que quedan abiertas a la escena internacional, con la adaptación de Susn de Herbert Achternbusch.
Achternbusch (Munich, 1938), a pesar de su naturaleza polifacética (cineasta, escritor, pintor) no es muy famoso en nuestro país; en Alemania lo fue en la década de los ochenta a partir del guión deCorazón de cristal, la película de Werner Herzog. En Susn, una pieza que publicó en 1998, narra la vida de una mujer desde su adolescencia y hasta su madurez en cuatro actos pensados para ser representados por cuatro actrices. “Fue un autor importante durante mi infancia”, explica Ostermeier por teléfono. “Los dos somos de Baviera, un paisaje muy específico, por rural y provinciano, que marca mucho”. En esta producción de Münchner Kammperspiele de 2009, el director ha querido contar con una única actriz para las cuatro etapas de la protagonista:Brigitte Hobmeier, natural también Munich, que ya había trabajado con Ostermeier en 2009 en Die Ehe der Maria Braun (El matrimonio de Maria Braun) de Fassbinder, y cuyo trabajo en Susn ha acaparado las mejores críticas. “Consigue plasmar cada etapa de Susn -los 14, los 24, los 34 y los 44 años- y su evolución emocional a través de los años con muy pocos recursos teatrales.”
Susn, Susana en el dialecto bávaro, es el viaje personal de una joven pelirroja de origen judío que, fiel a sus principios, decide huir de la opresión de la iglesia de su pueblo natal. En el segundo acto ya vive en otra ciudad más grande y se convierte en escritora; en el tercero, mantiene una relación con un escritor que no la satisface; en el último, decepcionada con la vida y alcoholizada, vuelve a Dios como último recurso. Si la protagonista es el alter ego femenino del autor, lo es también del director alemán que afirma que siempre se ha sentido un marginado. “Aun no me doy por acabado, como le pasa a Susn, pero el resto de mi vida guarda un gran paralelismo con la suya. Por eso este montaje es tan especial para mí, porque tiene mucho de personal e íntimo”.
Le recuerdo que cuando vino con Othello comentó que no se sentía nada satisfecho con el montaje por razones personales; estaba demasiado ligado a una relación fallida. ¿No estará intentando descifrar la complejidad de las mujeres con Susn? “Sí, es la historia de mi vida”, concede, “pero no lo he conseguido nunca”.
Es difícil decir si a nivel personal está donde desea, pero lo que está claro es que profesionalmente no se puede quejar. Ocupa el cargo de presidente del Deutsch-Franzosischer Kulturrat (DKFR), el consorcio cultural franco-alemán, desde 2009; Susn, que puede verse en el Teatre Municipal de Girona en función única este sábado, está girando más de lo que había imaginado; ha alargado su contrato con la Schaubühne, que expiraba en 2015, hasta 2018 y ya quisieran nuestros teatros tener los problemas que tienen allí. “Estamos teniendo mucho éxito con las producciones y un montón espectadores”, comenta.
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Una de las compañías más sólidas y constantes del panorama español, Ibérica de Danza, cumple 20 años de trabajo y creaciones. Especializada en la recreación de la danza tradicional y en la estilización de los bailes vernáculos, con un rigor y gusto que los ha caracterizado hasta sellar una personalidad distintiva, Ibérica se embarcó desde el principio en un trabajo cultural complejo donde aúna estudio y talento coreográfico. Su director, Manuel Segovia, que ganó el premio Nacional de Danza por su labor, contesta a EL PAÍS por los aspectos fundamentales de la situación local y a las motivaciones de su trabajo artístico.
Ibérica de Danza estará en el Teatro Fernán Gómez de la Plaza de Colón de Madrid del 28 al 30 de noviembre con un nuevo programa prismático y variado, una decena de bailarines en escena y acompañado por músicos en directo, entre los que están sus colaboradores más habituales: Eliseo Parra, Eduardo Laguillo, Javier Paxariño y Fernando Egozcue, además de con contribuciones coreográficas de Carlos Chamorro, Gemma Morado y Antonio Najarro, actual director del Ballet Nacional de España.
¿Cómo ve la conservación y transmisión del folclore español?
En mi opinión, no goza de buena salud. Sería justo reivindicar una formación equivalente a otras áreas y disciplinas del mundo de la cultura y la enseñanza, además debería ser sustentada por instituciones oficiales. El tremendo esfuerzo individual y de algún colectivo, apenas se reconoce y debería tenerse más en cuenta. Y en lo que se refiere a los grupos de danzas, que luchan por mantener un patrimonio inmaterial identitario, tendrían que estar más presentes para obtener el lugar que merecen en la cultura española.
¿Cómo maneja los conceptos de “estilización” y “clásico-español”?
Nuestros grandes compositores, dejaron un camino abierto a la inspiración. Para mi “clásico español” es conceptualmente ser capaz coreográficamente de obtener una pieza de la misma altura artística con la que Granados o Albéniz trataban la música española, para lo que se requiere dedicación, respeto, disciplina y método. La estilización puede también aplicarse al folklore, a la escuela bolera, incluso a todas aquellas danzas que son “contaminadas” por un trabajo de estilización del movimiento para conseguir un determinado orden coréutico.
¿Define el concepto de folk la naturaleza de su trabajo escénico?
Folk para mí es estar en la frontera de lo rural y lo urbano, admitir que muchas de nuestras tradiciones se quedaron en esos maravillosos pueblos de España. Folk es sentir devoción por lo nuestro, danzas, músicas y tradiciones y ponerlo en valor sin miedos y con respeto. Folkes entender que una arada también se puede cantar en la ciudad y puede sonar igual de hermosa. Mi trabajo escénico trata de ajustarse a estos criterios, es lo que intento.
¿Cómo responde a la utilización de la tradición en las nuevas músicas?
Creo que si se hace bien y con el criterio suficiente, es positivo. Sin perder la perspectiva y valorando cada paso que se da, y por supuesto, se tiene que hacer desde el respeto y acercándose con la voluntad de sentir lo esencial del material con el que se trabaja.
¿Cómo se articula la preparación de un bailarín para ‘Ibérica’?
En Ibérica de Danza se manejan diferentes géneros de danza española. También, estilos de diversos coreógrafos colaboradores o danza de autor. El bailarín, por lo tanto, tiene que atender a un abanico de disciplinas que no es fácil obtener si no es con una fuerte preparación en escuela bolera, estilización, folklore, flamenco, y clásico. Todos son fundamentales para estar en Ibérica.
Intente definir brevemente el estilo de su trabajo y compañía.
Explorar movimientos a través de la investigación de nuestro folklore, atendiendo al paradigma de que la tradición siempre está viva, tratar de transmitir esta pasión por mis danzas y poner alma en cada instante.
¿De quién o quienes reconoce influencias en su trabajo coreográfico?
He tenido grandes profesores, Juanjo Linares, Pedro Azorín, Juanita Taff, María Magdalena, Aurora Bosh, Goyo Montero, Alberto Lorca, y como referentes Bejart, Kylian o Pina Bausch, entre otros, para mí, genios de la danza de hoy.
¿Se ha roto la cadena de aprendizaje entre los viejos maestros y el futuro?
Se ha roto la transmisión de la cultura popular y su sistema conocido por “tradición oral”. Ésta se ha ido transformando poco a poco y todo aquello que conservaba y trasmitía por la fórmula del trasvase generacional de elementos distintos, laborales, festivos, económicos, o religiosos. Desde mi punto de vista No hay interés político, ni de Estado, por conservar y transmitir todo aquello de tiempos pasados, y es hoy más que nunca una necesidad que se debería cubrir con criterios pedagógicos, desde un punto de vista general.
¿Cuál es su criterio sobre usos estéticos y la plástica en sus espectáculos?
Nos movemos en la frontera, nos gusta arriesgar y explorar nuevos conceptos, aplicarlos a nuestra puesta en escena, buscamos una estética de reconciliación entre modernidad y tradición a través de la abstracción y de las nuevas técnicas, intentamos emocionar también con nuestras propuestas plásticas, alagar nuestros movimientos hacia la verticalidad del ciclorama, es cierto que no siempre se consigue, pero siento que en esa búsqueda hay verdad y compromiso.

La madurez de Ibérica

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Fuente: Roger Salas (elpais.com) Una de las compañías más sólidas y constantes del panorama español, Ibérica de Danza, cumple 20 años ...
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Font: Laura Serra (ara.cat)
Viuen cadascuna en una ciutat: Barcelona, Frankfurt i Lucerna. Tenen llargues trajectòries com a ballarines de dansa contemporània. Han passat per companyies de tot el món. Han treballat amb els millors. I tot i que han coreografiat algunes peces per a gales i altres artistes, poques vegades han tingut l'oportunitat i el temps de crear un espectacle des de zero a partir del diàleg amb altres ballarines. El Mercat de les Flors els ha ofert carta blanca.
Iratxe Ansa, formada a Sant Sebastià, amb un recorregut que passa per la Compañía Nacional de Danza, l'Òpera de Lió i la Netherlands Dance Theater i finalment freelance amb casa quarter a Barcelona, va ser qui va rebre la proposta del teatre català i va reclutar dues ballarines amb una trajectòria paral·lela a la seva però amb una personalitat amb "més diferències que similituds".
Van ser escollides la barcelonina Sandra Marín i la basca Jone San Martín, totes dues formades a l'Institut del Teatre i membres en actiu de ballets internacionals; la primera va deixar la Netherlands per entrar a la companyia Kidd Pivot i la segona forma part de l'equip de William Forsythe, primer al Frankfurt Ballett i ara a la seva companyia.
La trobada a l'escenari va trobar ressò en l'escultura de Jorge Orteiza i, abans de començar a treballar, ja van titular l'obra Esculpiendo el vacío, com una premissa oberta per jugar amb els seus cossos a escena. "Compartim el nostre bagatge. Es tracta d'una creació a partir de la nostra experiència com a ballarines. Amb el temps t'adones que com a intèrpret tens molta responsabilitat, i adquireixes un coneixement. Aquí es tracta d'unir la nostra experiència i veure fins on ens porta", reflexiona San Martín.
Des del Mercat de les Flors, on l'experiment es podrà veure des d'avui fins diumenge, consideren que el procés de treball i l'oportunitat cedida a aquests talents expatriats és tan important com el resultat final presentat a escena.
Esculpiendo el vacío consta de dues parts. La primera, formada per tres solos de tres grans coreògrafs internacionals, serveix de presentació de les ballarines. La segona havia de ser la peça de creació pròpia que les ajuntés. Una lesió d'última hora de Sandra Marín, ahir mateix, mentre assajava el solo A picture of you falling, de la coreògrafa Crystal Pite, obligarà a canviar els plans. Olga Cobos, una altra ballarina que va treballar a Frankfurt (Rui Horta), Lisboa (Ballet Gulbenkian) i Londres (Russell Maliphant Company) fins a crear la seva pròpia companyia, Cobosmika, resident a Palamós, serà qui la substituirà amb un solo de la peça Choice de Russell Maliphant, un dels grans de la dansa a Anglaterra.
En aquesta primera part, San Martín ballarà Legítimo/Rezo, un solo que li ha esbossat William Forsythe perquè ella el completi. "Per mi és un vot de confiança de Forsythe, després de vint anys de feina en comú. El material que desencadena la peça és l'àudio", explica San Martín.
Un solo amb música de Bach
Iratxe Ansa, en canvi, no remuntarà cap peça anterior sinó que el coreògraf barceloní de la Sidney Dance Company, Rafael Bonachela, li ha creat un nou solo per ella. La força i fisicalitat són la base de Guts (coratge), una peça que va acompanyada de música de Bach interpretada en directe pel violinista Sergi Alpiste.
La segona part la ballaran només Ansa i San Martín. Aquesta última diu que la peça està "marcada per la mirada" de dos artistes que hi han intervingut, un com a director i l'altre com a inspirador: el coreògraf Jacopo Godani i l'artista visual i fotògraf Rahi Rezvani, de qui es projecta una animació de 5.000 fotos que marca l'inici d' Esculpiendo el vacío.
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Rey Lear galaico, Juan Manuel Montenegro pasea su poder y su culpa por un monumento del teatro contemporáneo, las Comedias bárbaras de Ramón María del Valle-Inclán. Ernesto Caballero, director del Centro Dramático Nacional, estrena el viernes su versión de la trilogía, rara vez representada en España de forma conjunta. En 1991 la dirigió José Carlos Plaza, y en 2003 la llevó a escena Bigas Luna. Montenegro. Comedias bárbaras anuncia los desmanes de una era iracunda y salvaje. En la piel del despótico caballero, Ramón Barea, que ayer recibió zambullido en los intensos ensayos la noticia de la concesión del Premio Nacional de Teatro por una trayectoria (actor, director, dramaturgo, productor…) “integral”.
Y de fondo, el gran mosaico de un país sepultado por la bestialidad. Paisaje desolador que se cierra con una fatal frase final —“¡Malditos estamos! Y metidos en un pleito para veinte años”— cuya resonancia en el presente es tan inevitable como estremecedora. “La analogía está ahí, aunque yo ni la buscaba ni hemos hecho un montaje en torno a eso. Solo es que Valle-Inclán habla de un mundo bárbaro y nosotros también estamos sumidos en un proceso de descivilización, en nuestro caso heredado de un capitalismo salvaje que nos ha empujado a ser lobos y depredadores”, explica Caballero. “Vivimos un derrumbe y las Comedias bárbaras es precisamente la historia de un derrumbe. Pero lo más importante es que Valle-Inclán no juzga y, con todos sus excesos, crea un personaje en el que confluyen grandeza y miserias. Todavía no está sometido a la estética del esperpento, mira desde muchas perspectivas, y ahí reside la esperanza de esta obra: nos permite contemplar con distancia, nos regala lucidez. Valle no alecciona, admite que la realidad es compleja y contradictoria y él, de manera sobrecogedora, contempla esa realidad desde diferentes ópticas. Es eso lo que más estimula nuestras cabezas”.
Valle-Inclán escribió las Comedias bárbaras después de leer el Rey Leary Fuenteovejuna. “Descubre con estas lecturas que el teatro puede tener un componente mítico, una grandeza trágica, y por eso crea uno de los personajes más complejos y de mayor fuerza dramática de nuestra literatura”. Para Caballero lo más importante es la confrontación de una lectura simbólica (“de la Galicia de fuerzas ocultas…”) con un retrato crudo y profundo de la realidad. Pisa tierra a la vez que toca una realidad paralela esotérica en la que profecías, perros, locos, demonios y brujas entran y salen de escena. Años después de cerrar con Cara de Plata (1922) la trilogía que había arrancado con Águila de Blasón (1907) y Romance de lobos (1908), Valle-Inclán cambió el final. En principio, el telón caía con un “¡Era nuestro padre!” proclamado por los mendigos ante el fantasma de Montenegro, pero el autor decidió poner un nuevo punto final en boca de los hijos y alejado de cualquier tentación épica. “¡Malditos estamos!... ya estaba inmerso en el siglo XX, le basta esa sola frase para introducirnos de golpe todo el esperpento”.
Pero hablar de Valle-Inclán es también hablar de la imposibilidad de representarlo, ese eterno y ardiente debate que siempre ha rodeado al autor de Luces de bohemia. Caballero enuncia su propia fórmula: “Valle-Inclán era consciente de que su teatro era imposible en la realidad de su tiempo. Por eso se refugió en la literatura. Él sabe que sus acotaciones son irrepresentables, maravillosas e imposibles. Además, la obra transita por cuarenta espacios diferentes. Algo que hoy, por su fragmentación, es muy cinematográfico: las escenas parecen más secuencias. Pero sus diálogos son teatro puro, y Valle nos incita a encontrar nuestro propio lenguaje, escribe para estimular nuestra imaginación. Si lo que se quiere es ilustrar la obra uno está absolutamente perdido, por eso solo queda una salida: crear un lenguaje escénico autónomo, traducir su poética teatral con toda la libertad que nos permite”.
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Font: elpuntavui.cat

 Catorze immigrants de diferents nacionalitats residents a Salt pujaran aquest cap de setmana a l'escenari per explicar les seves experiències aMigranland, un espectacle dirigit per Àlex Rigola que s'estrena dins del festival Temporada Alta, amb tres funcions a la Coma Cros: dissabte (17 i 20 h) i diumenge (17 h). Les entrades costen 10 euros.
L'espectacle, organitzat amb la col·laboració de l'Ajuntament de Salt, també forma part del programa Art per a la Millora Social de l'Obra Social La Caixa i del seu programa Interculturalitat i Cohesió Social, amb l'objectiu de contribuir al desenvolupament personal dels participants i d'afavorir la seva integració social.
Migranland és “un espectacle itinerant”, amb un circuit que comença i acaba a la Factoria Cultural Coma Cros de Salt: un viatge físic i virtual en el qual els espectadors seran alhora observadors i participants, i ensopegaran amb alguns dels obstacles amb què es troben els immigrants en el dia a dia.
Rigola va presentar l'espectacle ahir a Barcelona amb el director del festival, Salvador Sunyer; el director de l'àrea de cultura de l'Obra Social La Caixa, Ignasi Miró, i alguns intèrprets de l'obra, entre els quals hi ha cubans, marroquins, gambians, xilens i, sobretot, senegalesos. Són Wafae Zrakti, Fatoumatta Sinera, Ibrahima Ba, Josep Mbappe Koumatobo, Balla Moussa Dieng, Isatou Sanneh, Ibrahima Sabaly, Doris Pérez, Majda Banani, Guillermo Quijano, Ibra Sembene Gueye, Sira Kande Diamanka, Ahmed Achouih i Alassane Diop, junt amb els actors Xavier Valentí i Georgina Asin, i amb la col·laboració del Cor Àkan.
Paraula, fotos, vídeo

Els mateixos intèrprets han seleccionat quina part de la seva vida volen explicar al públic i ho faran utilitzant “la paraula, la fotografia, el vídeo, la gastronomia, la poesia i tots els mitjans al nostre abast”, segons Rigola. De fet, els immigrants són també els autors de bona part del material audiovisual de l'obra, que han preparat amb l'ajuda del fotoperiodista Jordi Ribot (Iconna) i de Pime-Nanouk Films.
Rigola va remarcar que Salt “és una zona tradicional d'integració, però els mitjans de comunicació solen centrar la seva atenció en els conflictes i en els membres més díscols de la comunitat, quan també hi ha moltes persones que viuen situacions molt difícils sense caure en la drogoaddicció ni la delinqüència, i que es mostren molt solidàries”.
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