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Fuente: Pablo Caruana (elpais.com)
Un espacio vacío, blanco, un flourescente inmaculado y una cortina rosa. Así comienza La chica de la agencia de viajes nos dijo que había piscina en el apartamento, la nueva obra de El Conde de Torrefiel que se estrena este viernes en el Festival BAD de Bilbao. Un día después, el sábado, se mostrará una obra anterior de la compañía, Observen como el cansancio derrota al pensamiento, en el Polideportivo de Deusto: la obra transcurre durante un partido de baloncesto que monta la propia compañía.
La semana pasada, La chica de la agencia de viajes…  llegó al Festival Salmón del Mercat de les flors de Barcelona. Y el segundo día más de una treintena de personas se quedaron fuera sin poder entrar. Cuando la compañía estuvo hace un año con su anterior montaje en Madrid en el Teatro Pradillo (sala a la que volverán dentro del Festival de Otoño el 17 de este mes y durante dos semanas) la segunda semana Pradillo estuvo a rebosar. Y es que el Conde de Torrefiel está consiguiendo que algo tan teatral como “el boca a boca” funcione. La compañía, liderada por Pablo Gisbert y Tanya Beyeler, lleva tres años de gira con sus trabajos por España y haciendo afición. Algo se mueve allí a dónde va El Conde de Torrefiel.
Ambos, Beyeler y Gisbert, están comenzando la treintena, hasta hace bien poco trabajaban como acomodadores en un teatro. Gisbert en el 2011, ganó el accésit del Premio Marqués de Bradomín 2011 con el texto Un cine arde y diez personas arden. Entre tanto, llegaría La historia del rey vencido por el aburrimiento(2010), Observen cómo el cansancio derrota al pensamiento (2011) yEscenas para una conversación después del visionado de una película de Michael Haneke (2012), esta última obra editada por Teatron Tint, editorial donde próximamente se publicará La chica de la agenica de viajes... Tres piezas donde han ido destilando un teatro de acción, siempre apoyado en los textos de Gisbert pero en el que iban encontrando una propuesta escénica propia, un estilo.
Con el texto por delante
En las obras de El Conde de Torrefiel el público se sorprende de la libertad, de cómo los textos hablan sin ninguna cortapisa de todo y todos con un humor corrosivo pero al mismo tiempo adentrándose en temas duros y ásperos: el pasado fascista de España y Europa y su peso en nuestras vidas, el desgaste y abandono de los hombres y los años, la religión, la muerte… Textos que suenan a Thomas Bernhard en su repetición y verbo duro, y a Rodrigo García en su capacidad de análisis contemporáneo y en la voluntad de soliviantar la moralidad del respetable como técnica propedéutica dirigida a la reflexión o la autocomplacencia –dicen algunos-. Algunas frases de La chica de la agencia de viajes… son buen ejemplo de ello: “Amamos, negociamos y nos vestimos como en el siglo XX, trabajamos, compramos y bailamos como en el siglo XX, e incluso se vende, se calla y se vive como en el siglo XX”;  “Cuando un hombre inteligente sabe que es inteligente, inmediatamente, se convierte en un hombre malvado (…) La inteligencia va en contra de las personas. La inteligencia derrota a la humanidad” o “Tengo una teoría: creo que la verdadera democracia consiste en que existan ricos extremadamente ricos y extremadamente enganchados a la cocaína. Y pobres extremadamente pobres, y extremadamente enganchados a la cocaína”.
Los textos en las obras de la compañía usan diversas técnicas para llegar lenta y claramente al público, textos proyectados, textos en off; o textos dichos por los mismos actores siempre con micrófonos y sin ningún gesto o interpretación que los guie o deforme.  “El texto es la columna vertebral de la pieza, el material pesado, su consistencia y contundencia. Los demás elementos como la luz, el sonido y la misma acción son cajas de resonancia, los altavoces de las ideas que fluctúan en escena y que le otorgan la posibilidad de funcionar como estructura dramática”, explican sobre esta pieza de dos jóvenes que deciden descansar en Benidorm, ciudad arquetipo del pop hispánico que sirve como fondo a la compañía para ahondar en la condición del hombre pos-opulento.
Luz y sonido: el escenario como posibilidad
Pero El Conde de Torrefiel tiene claro que la investigación es la escena y el texto una simple herramienta: “Después del texto, en esta obra, es la luz", afirma Gisbert, "la luz respira y domina la acción. Las escenas son dadas por una experiencia visual más que por una secuencia narrativa. Y el sonido es constante y persistente. Por otro lado, las intérpretes que dan voz al texto (la propia Tanya Beyeler y Cris Celada), son más bien eso, voces o altavoces de pensamiento, y no intérpretes, aunque también lo son". "La obra", añade, "tiene como pretexto una historia sencilla: dos amigas van a pasar un fin de semana a la playa para salir de su rutina cotidiana, y se lo pasan muy bien. Punto. La acción en escena es la representación, a veces de manera más abstracta, a veces de manera más explícita, de algunos de estos momentos. La función del movimiento en escena es otorgar teatralidad, ritmo y acción, para sustentar una estructura dramática anodina, pues no les pasa nada extraordinario, nada que cambiará sus vidas. Lo extraordinario es la vida en sí, y como cada persona en un tiempo histórico determinado recibe y gestiona esa posibilidad de existir”.
Quizá lo más definitorio de El Conde sea el tiempo de sus obras, un tiempo pausado, en suspensión, entre la risa, la acción y la desmesura, pero que apunta hacia el centro vital del espectador. En La chica de la agencia… pudiera parecer que los textos tienden a la desesperanza. “¿Desesperanzadores? Creo que sí. Siempre nos quedamos un poco locos cuando alguien se queda sólo con la risa de lo que ha visto. En el fondo lo que se cuenta y se dice es perverso, malsonante, no da risa. La ironía es un mecanismo muy higiénico para no caer en falsas ilusiones y al mismo tiempo no ser derrotado por el peso del desastre".
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Fuente: elpais.com
Las actrices Bárbara Lennie y Fernanda Orazi protagonizan la versión de Las criadas, de Jean Genet, en la versión del director argentino Pablo Messiez, que se presenta mañana y el sábado en el Teatro Arriaga, en Bilbao (20 horas).
Tomás Pozzi completa el reparto de una obra que, estrenada en 1947 y basada en el asesinato de una madre y su hija a manos de dos mujeres que trabajaban a su servicio. Messiez utiliza el texto de genet para hablar del momento presente. "Cuando llegué a España hace tres años ya todo el mundo hablaba de la crisis con gran inquietud. A mí me parecía habitual. Vengo de un país que va de crisis en crisis. Lo que me llamaba la atención es que en aquel entonces, en el telediario le ponían una fecha de vencimiento", recuerda Messiez. "Con el paso del tiempo, se dio un fenómeno curioso: a fuerza de nombrarla incansablemente, la crisis económico comenzó a expandirse a otros terrenos. Y aquí estamos hoy, rodeados de gente que desde sus lugares de poder justifican conductas éticamente dudosas, porque estamos en tiempos de crisis. Como si la crisis fuera una entidad abstracta con consecuencias muy concretas: la muerte de los valores".
El director de Las criadas pertenece a la generación de jóvenes profesionales de la escena argentina que, como Daniel Veronese o Claudio Tolcachir, están dando un aire nuevo al teatro en castellano. Nacido en Buenos Aires en 1974, tras 20 años trabajando como actor, debutó en 2007 como dramaturgo y director con el espectáculo Antes. La pieza se mantuvo en cartel durante dos años. Entre otros proyectos, Messiez prepara el papel de Horacio para un montaje de Hamlet  que dirige Will Keen.
El director a seguido el consejo de Genet de crear con la obra "un malestar en la sala". "Desde la crisis, sin escenografía, ni vestuario, sólo con los actores y la luz nos proponemos contar la rabia de estas criadas, que es la de todo aquel que se ha visto sometido a la lógica impune de algún superior”, explica.
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Fuente: EFE vía abc.es
Desde hoy, lunes, 18, y hasta el 21 de marzo, tiene lugar la XIX edición de dFERIA, Feria de Artes Escénicas de Donostia-San Sebastián, con una programación integrada por cerca de treinta espectáculos de teatro y danza, de los que siete son estrenos absolutos .
Los espacios escénicos en los que se desarrolla este ciclo son los teatros Victoria Eugenia y Principal-Antzoki Zaharra, y, fuera del centro de la ciudad, en las casas de cultura de Altza, Intxaurrondo y Egia-Gazteszena, además de la antigua sede de Bomberos.
Entre los estrenos teatrales se encuentran «Barrabás. La locura del poder» (19 de marzo), autor, director e intérprete Albert Vidal. Se trata de una sátira trágico-cómica sobre los tiempos presentes; y«Terapias» (día 20), de Vaivén Producciones y La Pavana Companyia Teatral, una comedia cercana al humor absurdo sobre unos personajes en busca de su identidad sexual y emocional.
En cuanto a la danza, habrá tres novedades. Entre ellas, «Ojos en la nuca», de Ai Do Project, que bajo el subtítulo de «Autopsia metafórica sobre el cuerpo del comportamiento condicionado» propone un diálogo entre la danza contemporánea y un arte marcial, el aikido. También se podrá ver «Aquí y ahora», de Nerea Martínez y Laura Cobo, quienes forman parte de la compañía Loop.
Además de las representaciones, habrá una serie de actividades paralelas, como conferencias, mesas redondas y talleres. Por ejemplo, el miércoles, en el Koldo Mitxelena Kulturunea, se abrirá un debate sobre la situación actual de las artes escénicas, bajo el título«Construyendo desde la destrucción».
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Fuente: Daniel Marquínez (elpais.com)
El Teatro Principal,  de Vitoria, servirá mañana de escenario para una propuesta transgresora y divertida de la mano de Les Ballets Trockadero de Monte Carlo, una compañía de danza en la que todos los papeles son interpretados por hombres.
En la representación 18 bailarines interpretarán movimientos de algunas de las obras más importantes del la historia de la danza como El lago de los cines, Go for Barocco y La noche de Walpurgis, alternando papeles masculinos con femeninos para los que bailarán en puntas, técnica reservada exclusivamente para las mujeres. Sin embargo, no se trata de interpretaciones fieles ya que, pese al gran peso que la danza tiene en toda la representación, los movimientos incluyen caídas, exageraciones y gags que buscan la carcajada del público.
El director artístico de la obra, Tory Dobrin, ha explicado hoy en Vitoria que pese a la presencia del humor, las horas de ensayos son igual de duras o más que en el caso de obras convencionales.  Interpretar papeles femeninos a los integrantes de la compañía, ha asegurado, para "entender mejor a las bailarinas sobre el escenario e interactuar mejor con ellas en otras obras".
Los bailarines de la compañía que han acompañado al director han bromeado al afirmar que, al tratarse de una obra compuesta exclusivamente por hombres, no existe el divismo que se les atribuye a las bailarinas, algo con lo que Dobrin no ha estado tan de acuerdo.
El bailarín Giovanni Ravello ha negado que el objetivo de la compañía sea lanzar un mensaje reinvindicativo o sexual, sino que lo que desean es hacer pasar un buen rato al público entremezclando travestismo, danza clásica, teatro y humor. Por ello el director artístico de la compañía asegura que es una función para todos los públicos “desde niños a adultos y desde gente a la que le gusta el ballet a quienes prefieren la comedia”. Y aunque el objetivo del grupo era pasarlo bien, actualmente el espectáculo puede ser una buena manera de iniciar a los más pequeños en el mundo de la danza.
Les Ballets Trockadero de Montecarlo se creó en Nueva York en los años 70 como una compañía alternativa que con los años ha ido creciendo, pasando del off Brodway, el circuito alternativo, a actuar en los grandes templos de la danza, como el Teatro Bolshoi, de Moscú.
Tras su actuación en el Joyce Theater de Nueva York en 2012, la críticaValerie Gladstone de The New York Times, afirmó que “ni los rusos podrían haber interpretado mejor Laurencia”. Sin embargo, para el bailarín barcelonés Carlos Renedo la mejor crítica que pueden recibir son las risas y los aplausos del público.
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Fuente: elpais.com
El colectivo Ruemaniak, grupo de creadores vascos trabaja en el campo de la performance, la danza, el cine experimental y la video-creación, propone a los espectadores de sus obras que exploren el espacio escenicó con el fin de romper los límites entre los artistas y el público,  y sus roles acaben fundiéndose. Así quieren que ocurra en Sergei, una “instalación coreográfica”, en sus propias palabras, que representarán el 1 de marzo en Artium, en Vitoria (19.30 horas. entrada, de tres a seis euros).
Ruemaniak, colectivo integrado por Jorge Lastra, Izaskun Santamaría, María Ibarretxe y Alaitz Arenzana, obtuvo el primer premio en la última edición del Certamen Coreográfico de Madrid, celebrado en diciembre último en Matadero,con la obra Northstar Canadá 240.
Sergei se desarrolla en un espacio neutro ocupado por cuatro tiendas de campaña. El público pasará de ser un mero observador, a un explorador, será invitado a entrar en las tiendas de campaña y a tocar retazos de vida de los habitantes de la isla Sergei.
La comunión espectador-interprete se alcanzará en un momento en el que estos roles se unifiquen. Aquí comienza un viaje con referencias a situaciones idílicas como la familia, el amor, la amistad, la fuerza de superación y que concluye con la conciencia de la debilidad y fragilidad de lo humano y la necesidad de construir nuevas creencias una vez desechadas las antiguas.
Ruemaniak trabaja desde hace más de una década en investigación dentro del ámbito escénico y audiovisual. Sus integrantes habían colaborando juntos desde 2000 en diferentes proyectos hasta que en 2008 decidieron organizarse como colectivo para la creación conjunta de la pieza Apuntes sobre animales, encuentros y autopistas, que contó con el apoyo del Gobierno Vasco y Bilboarte. Su trabajo continúa con la creación de Sergei y Northstar Canadá 240.
Su trabajo plantea puntos de encuentro de acciones procedentes de la escena, el cine, la fotografía o la literatura. Crean mediante un proceso abierto de discusión y cambio de impresiones. Se sienten libres de proponer, explican, en "un dialogo horizontal, en el cual todas las opiniones se escuchan y se prueban". La toma de decisiones viene tras la investigación. En escena, Ruemaniak comparte sus interrogantes, entre ellos qué hay en la escena en vivo que sea imposible ver en una película o en un video.
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Fuente: elpais.com
El director teatral Pablo Viar recurre a una frase de Jacques en Como gustéis, de Shakespeare, para atraer al público a compartir las tablas del Teatro Arriaga en la representación de su versión de Venus y Adonis, del mismo autor: "Todo el mundo es un escenario y todos los hombres y mujeres, meros actores". Con Venus y Adonis continua el ciclo Cuartitos en el escenario, una iniciativa puesta en marcha este año en el Arriaga que permite a un centenar y medio de espectadores romper la barrera que normalmente les separa de los intérpretes y situarse sobre las mismas tablas (19 de febrero, 20 horas).
Viar, responsable de la dirección y autor de la traducción, actuará en el montaje de Venus y Adonis también como narrador. Los actores Itxaso Quintana y Aritza Rodríguez serán los protagonistas de la obra de Shakespeare.
El directo prosigue con Shakespeare la representación de su trabajo en el Arriaga. El pasado año estrenó en su escenario la zarzuela El Caserío. Viar también dirigió en la sala BBK, dentro del ciclo de Teatro de proximidad, lalectura dramatizada de piezas de Ibsen.
Shakespeare comenzó a escribir Venus y Adonis hacia finales de 1592, tras ver su incipiente carrera teatral abruptamente interrumpida por el cierre de los teatros decretado en Londres, en septiembre de aquel mismo año por un virulento brote de peste. Hasta entonces, había escrito varios dramas históricos, una comedia basada en Plauto (La comedia de los errores) y una comedia bárbara (Tito Andrónico).
La obra fue publicada finalmente en 1593. Con el paso de los años, el poema narrativo se convirtió en el mayor éxito editorial de Shakespeare. En palabras del poeta Ted Hughes, tiene el valor de encerrar  "la clave del mito trágico que aparecerá en sus creaciones de madurez y que irá evolucionando, a través de cada una de ellas, hasta el final de su obra". Venus muestra características y expresiones y conductas que, más tarde, aparecerán en heroínas como Julieta o Cleopatra; Adonis, a su vez, servirá como modelo de Romeo, Hamlet o Marco Antonio.
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Fuente: elpais.com
El festival dFeria, que este año alcanza su 19ª edición, presentará un total de 27 espectáculos, de los que 17 serán estrenos. 14 funciones de teatro, 11 espectáculos de danza, y dos propuestas que aúnan las dos disciplinas. La cita reunirá en San Sebastián entre el 18 y el 21 de marzo a compañías, productores, programadores y agentes culturales para conocer las últimas propuestas del sector, y contara entre sus invitados con las compañías uruguayas Instituto Goethe y Complot, además de una amplia representación vasca y de otros puntos de España.
"La ciudad se convertirá en un gran escenario para las gentes de las artes escénicas", ha apuntado el director de la cita, Norka Chiapuso, acompañado durante la presentación por la directora de Promoción de Cultura del Gobierno vasco, Clara Montero; la directora general de Cultura de la Diputación de Gipuzkoa, Garazi López de Etxezarreta, y la concejal donostiarra, Nerea Txpartegi.
Entre los espectáculos programados, destaca, entre otros, Naufragoak, de la compañía Dantzaz, un montaje articulado a través de textos de Joseba Sarrionandia, con música de Mikel Laboa, Jabier Muguruza, Ken Zazpi o Kortatu, y que contará como escenario con la playa de la Zurriola.
La cita también programará, como ha señalado Chiapuso, El hijo del acordeonista, una adaptación de la obra de Bernardo Atxaga del mismo nombre firmada por la compañía Tanttaka, así como el estreno europeo de Zoomwooz, una performance que acogerá el antiguo edificio de Bomberos de San Sebastián, nueva sede del proyecto de capitalidad 2016, y la obra Return, protagonizada por Marta Etura. Chiapuso también ha destacado el espectáculo Sexpearamente, la obra Laboatiky Antígona Oriental, protagonizada por expresas de la dictadura uruguaya.
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Fuente: EFE vía elpais.com

 San Sebastián acogerá este fin de semana la representación de Su Txikian-A fuego lento, la obra de "teatro-documetal" sobre las conversaciones entre el socialistaJesús Eguiguren y Arnaldo Otegi, que no llegará a escenarios fuera de Euskadi, aunque sus responsables sí la consideran "exportable". "Es una pena que no salga de aquí", "me gustaría que se viera del Ebro para abajo" y "aparte de ser algo que concierne a nuestro pueblo, es una muestra de cómo entenderse entre personas" según han explicado los los miembros del equipo de la compañía Glu Glu, que han presentado el espectáculo en una rueda de prensa.
Desde su estreno en noviembre, A fuego lento suma aproximadamente 40 representaciones por los lugares "más variopintos" de la geografía vasca, en versiones en euskera y castellano y una que llaman de "cercanía" para espacios pequeños. En la capital guipuzcoana se ofrecerá en el teatro Principal, mañana y el sábado en euskera y, el domingo, en castellano.
No han recibido ofertas para representarla fuera del País Vasco, algo que creen "complicado" que se produzca debido a la situación actual, en que "parece que el teatro es bastante prescindible" y "mover una obra no es nada sencillo", ha explicado su director y creador, Galder Pérez. La obra sintetiza en hora y media parte del "trabajo de cocina" que se ha realizado en la última década con el objeto de poner fin a un periodo de la historia reciente de Euskadi "caracterizado por el enfrentamiento y el sufrimiento".
Las conversaciones secretas que iniciaron Eguiguren y Otegi en el caserío Txillare centran esta pieza teatral, que también se detiene en momentos de las conversaciones de Ginebra y Oslo y en las que tuvieron lugar en Loiola entre el PSE, el PNV y la izquierda abertzale. Un minucioso trabajo de documentación ha servido para escribir la obra, además de entrevistas con algunos de los artífices del proceso, entre los que no se encuentra Otegi, al que se intentó visitar y entregarle el libreto sin éxito.
Seis actores y una actriz encarnan a una treintena de personajes, aunque sólo una docena son de relevancia; Gabriel Ocina es Otegi y Joxe Mari Carrera, Eguiguren, mientras que Martxelo Rubio interpreta a Josu Jon Imaz, Javier López Peña Thierry y al padre de una presa, Mañu Elizondo a Rodolfo Ares y Josu Ternera, y Patxi González a Peio Rubio, propietario del caserío Txillarre.
Cada uno ha tratado de crear libremente a su persona, sin buscar "imitaciones", aunque Carrera ha admitido que meterse en la piel del presidente del PSE ha sido menos complicado, dada su proyección mediática, que hacerlo con Thierry del que "sólo se conoce una imagen". Patxi González ha asegurado que A fuego lento ha producido todo tipo de impresiones en el público, aunque "a la gente joven que acude les encanta, sale en general muy contenta".
Este relato, que es "del casi hoy", ha nacido con un posicionamiento claro por parte del equipo: que la palabra es "la única arma" y que pertenece "al pueblo". "Luego, que el público saque sus conclusiones", ha destacado Pérez.
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Fuente: elpais.com
La actriz Carmen Machi, por su interpretación del monólogo de Juicio a una zorra, y el actor Antoni Comas, por su trabajo en Amadeu, la comedia musical sobre la vida y obra del compositor Amadeo Vives dirigida por Albert Boadella, se han proclamado vencedores de los Premios Ercilla de teatro en las categorías de mejor interpretación. Los galardones se entregarán el próximo 25 de febrero en Bilbao, en un acto en el que se reconocerá la trayectoria profesional de Manuel Galiana con un premio de honor a su carrera.
El jurado ha decidido premiar a Machi, que competía con las actrices Nùria Espert y Laia Marull, por romper con su faceta cómica de su personaje televisivo en la serie Aída al interpretar a Helena de Troya enel montaje creado por Miguel del Arco para el Festival de Teatro Clásico de Mérida.  "La labor de Antoni Comas es magnífica, polivalente y poliédrica", señala el fallo. "El hace todo: toca el piano maravillosamente bien, canta e interpreta estupendamente y bien y pasa de la sobriedad a la locura en apenas dos segundos"
El premio Revelación ha recaído en la actriz navarra Iratxe García Uriz, por su labor en la obra La importancia de llamarse Ernesto, mientras que el galardón al mejor intérprete de reparto ha sido para Joan Crosas por My Fair Lady.
El premio Ercilla a la mejor creación dramática ha sido concedido a la obraDe Ratones y Hombres, de John Steinbeck, una coproducción del Teatro Arriaga y Concha Busto, y el galardón que acredita al mejor espectáculo ha correspondido a La bella y la bestia, de Stage Entertainmet.
En la sección destinada a reconocer la mejor labor teatral el premio ha sido adjudicado al director y adaptador Jaime Azpilicueta, y el galardón a la mejor producción vasca ha sido para El hijo del Acordeonista, coproducción de los teatros Arriaga, Victoria Eugenia y Principal, en colaboración con la compañía Tanttaka, sobre la novela homónina de Bernardo Atxaga.
El jurado ha valorado positivamente  el acercamiento del público familiar al teatro gracias a los musicales y el componente reflexivo de obras que enfrentan al espectador con temas como la corrupción o el terrorismo de ETA.
En el apartado taurino, el trofeo al triunfador de la pasada feria de Bilbao ha sido para diestro madrileño Julián López,  El Juli. El premio Arte, saber y toros al momento estelar de la feria ha correspondido a Jiménez Fortes. Por otra parte, los matadores Juan José Padilla y Javier Castaño se han alzado con el premio a la Superación y la Revelación de la temporada, respectivamente. El trofeo Manolo Chopera a Toreros de leyenda ha sido concedido a Santiago Martín, El Viti.
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Fuente: elpais.com
Las audiciones para el musical de Hombres  G Marta tiene un marcapasos han arrancado hoy en Bilbao y, posteriormente, seguirán en otras cuatro ciudades españolas en un proceso al que se han apuntado hasta el momento 2.000 personas, pero que sus promotores creen podría alcanzar las 4.000.
Los cuatro componentes de Hombres G (David, Rafa, Dani y Javi) han acompañado al director del musical, Borja Manso, y el productor, Juan Baena, en el inicio de las audiciones. Del total de candidatos que se presenten a las diferentes pruebas de voz, baile e interpretación se escogerán cerca de veinticinco, entre actores y bailarines, para que interpreten a los personajes del musical, la mayoría de entre 20 y 30 años.
El cantante de Hombres G, David Summers, ha explicado que Marta tiene un marcapasos narra una "bonita historia" aderezada de las canciones más conocidas del grupo, entre ellas la que da título al musical, Venezia, Sufre mamón o El ataque de las chicas cocodrilo.
El escenario es un pueblo costero en verano y mezcla relaciones humanas, comedia y humor. Summers ha subrayado que no se trata de la historia de Hombres G, ni sus integrantes son personajes del guión, y ha indicado que su trabajo en este proyecto consiste en supervisar y coordinar.
Summers ha confesado que los miembros del grupo están muy ilusionados con este proyecto y también muy agradecidos por permanecer en el mundo de la música durante más de treinta años, y ha definido este musical como "el lazo" de su carrera.
También se ha referido a la crisis económica y tras mantener que le "inquieta" como al resto de españoles, ha defendido la apuesta por embarcarse en nuevos proyectos para "combatirla" a través del trabajo.Marta tiene un marcapasos se estrenará en Madrid el próximo 10 de octubre y las entradas están a la venta desde el pasado 25 de octubre.
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Fuente: elpais.com
Los versos de Poeta en Nueva York  han sido la inspiración de la compañía aragonesa Teatro Imaginario en el espectáculo que toma el título del libro que Federico García Lorca escribió en la ciudad estadounidense en 1930. Teatro y música retoman sus facetas más criticas y sociales,  "el carácter de canto o grito de la colectividad, su faceta más urbana, enérgica y salvaje", que su director, Alfonso Desentre ha encontrado en los poemas lorquianos.
Poeta en Nueva York se representará los días 1 y 2 de febrero en la sala Cúpula del Teatro Campos Elíseos, en Bilbao (20.30 horas). La música que Teatro Imaginario llevará al escenario la música original de Carlos Chahuan (El luto del rey cuervo) y J.J Gracia (El hombre lento). La compañía defiende la vigencia de los temas que abordó García Lorca en el mundo globalizado afectado por la injusticia social y los abusos de poder.
La critica social también deja espacio a la ternura de poemas como elVals de las ramas o al canto de esperanza de Son de los negros en Cuba.  Las voces de María J. Pardo y de Desentre, reviven la sonoridad de los versos de Poeta en Nueva York.
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Una nueva página web va a quedar como testimonio de los cien años del Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián, un sitio virtual donde recorrer su historia través de fotografías y vídeos y escuchar los testimonios de muchos de los que han pisado su escenario.
Este es el legado que deja el Victoria Eugenia después de un año 2012 de celebraciones y homenajes por su centenario, en los que participaron aproximadamente 30.000 personas, a las que se suman los más de 81.000 espectadores que acudieron a los espectáculos programados, ha explicado hoy en rueda de prensa la delegada municipal de Cultura, Nerea Txapartegi, informa Efe.
Junto a ella se encontraba Carlos Rodríguez, responsable de Morgan Creativos, la productora que ha diseñado este sitio en la red, cuyo vídeo de cabecera recoge, en poco menos de cinco minutos, imágenes y rostros que han formado parte de la vida de este viejo teatro, remozado a principios de este siglo.
La red social, 100 años de teatro y 100 historias son los tres epígrafes por los que el internauta podrá introducirse y pasearse por una exposición virtual, sustentada en la que se organizó el pasado verano en las Salas Boulevard dentro de las actividades del centenario.
Se presenta al teatro como una red social, como un lugar que "actualizado al ritmo de los tiempos". "El Victoria Eugenia ha sido club aristócrata, salón de bailes populares, barricada, refugio de artistas entre guerras, palco franquista, sede de festivales internacionales, cuna de artistas, camerino de grandes estrellas, altavoz de reivindicaciones y espacio multidisciplinar", recuerda en la web.
Lo que no ha podido trasladarse al completo de la exposición es el vídeo de dos horas en el que 100 personas, desde políticos y periodistas a actores, músicos, cineastas y bailarines, rememoran de su relación con el teatro. De algunos sí se pueden escuchar sus testimonios y otros hablan mediante bocadillos; intérpretes como Sara Montiel, Concha Velasco, José Sacristán, Antonio Banderas y Bárbara Goenaga, cantantes como Amaia Montero, realizadores como Pedro Almodóvar, músicos como Alberto Iglesias y bailarines como Víctor Ullate. Y también Montserrat Caballé, que asegura: "Euskadi le debe mucho al Victoria Eugenia".
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Alfonso Sastre ha escrito 84 obras de teatro y 33 nunca se han representado. Entre ellas se encontraba hasta el pasado mes de julio Lluvia de ángeles sobre París, que se estrenó en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y se representará por segunda vez esta semana en San Sebastián.
Será los días 10 y 11 en el teatro Victoria Eugenia, donde el dramaturgo ha acompañado en la presentación del montaje al director, Antonio Malonda, y a dos de los actores de la compañía Bululú2120, Carlos B. Rodríguez y Jesús Rodríguez.
Sastre (Madrid, 1926) escribió esta comedia sobre ángeles que caen rechazados por el cielo en 1994, con lo que dejaba lejos al autor de dramas como La taberna fantástica, "con la que todo el mundo reía, pero que era una verdadera tragedia", según ha confesado él mismo en esta comparecencia. Ha dicho que, como dramaturgo apenas representado, considera "insólito" que Lluvia de ángeles sobre París haya llegado ahora al público.
Los actores han defendido la vigencia de esta pieza que habla de "la necesidad de cambio" en un momento en que movimientos como el 15-M están diciendo "cómo habría que hacerlo". Sastre está abordando precisamente una obra en la que trata de analizar el movimiento de los indignados, pero ha asegurado que no se siente animado para escribir "nada" sobre los actuales gobernantes, representantes de un sistema que no cree realmente democrático. "Me da vergüenza pensar que yo pudiera escribir algo contra Rajoy.
El teatro debe volver a tener una función social y se puede plantear a través de la comedia", ha asegurado este autor, afincado en Hondarribia (Gipuzkoa) y próximo a la izquierda abertzale.
Tanto los dos actores como el veterano Antonio Malonda han reivindicado a Sastre como parte de la historia del teatro. Carlos B.Rodríguez ha reclamado "más valentía" para "acabar con esta especie de foso que es la producción de sus obras". Malonda opina que existe "la realidad soterrada de que Alfonso no debe ser representado".
"Si no estrenamos a autores españoles, ¿qué va a pasar el día de mañana con nuestros clásicos? Es imprescindible que sus obras se lleven a escena. Si el problema de Alfonso es que cada diez años se representa una de sus obras, hay que imaginar lo que ocurre a otros también. Y no digo que no haya que estrenar a dramaturgos de otros países", ha destacado. Habrá una tercera función de Lluvia de ángeles sobre París, el domingo día 13 en la Itsas Etxea de Hondarribia.
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Fuente: elpais.com
El público y los artistas compartirán el espacio del escenario del Teatro Arriaga.  El ciclo de espectáculos Cuartitos en el escenario permitirá a un centenar y medio de espectadores asistir a las representaciones desde las tablas, rompiendo la barrera que normalmente les separa de los intérpretes. Más de 20 artistas locales participarán en esta iniciativa, que se desarrollará a lo largo del primer semestre de 2012.
El ciclo Cuartitos en el escenario pretende crear un ambiente especial, al ofrecer al público la oportunidad de disfrutar de los espectáculos al lado de los artistas. Las personas que accedan al escenario entrarán por las puertas laterales de las tablas, habitualmente reservadas a intérpretes y personal técnico del teatro.
Entre los artistas que participarán están la actriz Itziar Lazkano y Las Txirenitas (Loli Astoreka, Sol Maguna, Gemma Martínez, Yolanda Martínez, Vitor Rogado y Maribel Salas). El director Pablo Viar presentará un espectáculo inspirado en textos de Shakespeare con los actores Itxaso Quintana y Aritza Rodríguez.  El programa será diverso con nueve propuestas que incluirán teatro, musical, cabaret y danza. Así, uno de los espectáculos convertirá el escenario en un avión; otro utilizará el patio de butacas.
La iniciativa completa el ciclo de Los Cuartitos de Arriaga, que se desarrolla en paralelo a la temporada principal en el foyer, con conciertos de cámara, lied y recitales líricos. 
Itziar Lazkano, con el espectáculo Lorquianas, abrirá el programaCuartitos en el escenario el próximo 10 de enero. La actriz vasca protagoniza un espectáculo basado en textos de Federico García Lorca y acompañada por el pianista Iñaki Maruri. El coreógrafo y bailarín Diniz Sánchez cerrará el próximo 5 de junio  el ciclo con un espectáculo que aúna danza contemporánea, transformismo y cabaret.
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Fuente: Eva Larrauri (elpais.com)
En las estanterías de las librerías es prácticamente imposible encontrar libros de teatro escrito en euskera. Las novelas, las colecciones de relatos y la poesía se disputan su espacio, pero el género dramático queda relegado al cajón en el que sus autores guardan los originales que difícilmente llegarán a ver la luz. Se escribe teatro en euskera pero ni se puede leer ni llega a los escenarios. “La literatura dramática en euskera es un género huérfano. El sistema literario vasco tiene un déficit en las publicaciones de teatro”, lamenta el autor teatral Karlos del Olmo (Barakaldo, 1958), director de la revista Senez. “No existe un reconocimiento del teatro ni siquiera dentro del mundo literario”.
Del Olmo ha sido el coordinador del volumen dedicado a la historia del teatro contemporáneo escrito en euskera, el octavo tomo de la serie Literatura vasca, dirigida por Jon Kortazar, catedrático de la Universidad del País Vasco (UPV), publicado por el Servicio Editorial de la UPV. A lo largo de más de 200 páginas, Egungo Euskal Antzerkiaren Historia("Historia del Teatro Vasco Contemporáneo") refleja  la precaria situación de la literatura dramática: en los últimos seis años no se ha superado la publicación anual de tres obras. “El teatro que llega a los escenarios procede, fundamentalmente, de adaptaciones de novelas, o traducciones de obras representadas con éxito en otras lenguas”. La versión de El hijo del acordeonista, de Bernardo Atxaga, estrenada el mes pasado bajo la dirección de Fernando Bernués, es un ejemplo de las novelas que llegan a los escenarios. Tanttaka estrenó en 2011 en euskera y castellano la obra Contra el viento del Norte, del austriaco Daniel Glattauer.
La situación que atraviesa el teatro escrito en euskera es similar a lo que ocurre en otras lenguas. En castellano las obras se publican en pequeñas editoriales especializadas y en revistas como Primer acto; en el caso catalán, Del Olmo encuentra signos de mayor vitalidad. No siempre fue así. El teatro vasco vivió una etapa de florecimiento antes de la guerra civil. “Se escribía y se representaba”, recuerda Del Olmo. Tras la aprobación del Estatuto de Gernika, el Gobierno vasco puso en marcha políticas culturales que repercutieron en la revitalización de todos los géneros literarios. El efecto sobre la creación dramática fue mínimo, señala Del Olmo. “No ha habido políticas de apoyo al teatro”, lamenta. Antzerki, el servicio público para la potenciación del teatro, apenas duró una década. La situación se ha agravado en los últimos cinco años con la desaparición de los premios Toribio Altzaga, organizados por Euskaltzaindia. A publicaciones como Artezblai, revista dedicada a las artes escénicas, llegan las obras premiadas y seleccionadas en concursos de menor rango.
El estudio coordinado por Del Olmo dejó fuera las manifestaciones dramáticas tradicionales y el teatro para el público infantil y se centró en las obras publicadas a partir de 1979, fecha la entrada en vigor del Estatuto de Gernika. Hasta la conclusión de la investigación en 2010 se catalogaron más de un centenar de obras, con una aparición irregular. En 1985, en la etapa álgida, fueron editadas 24 obras. La proporción que ha llegado a los escenarios, incluidos los circuitos de aficionados con escasa atención del público, no alcanza ni al 5% del total. El descenso, desde entonces, ha sido progresivo hasta situarse en torno a las dos o tres al año.  “Se representan obras en euskera, pero los directores y productores no se arriesgan y prefieren las adaptaciones y las traducciones. Ni los autores clásicos ni los actuales tienen presencia en los escenarios”, critica el coordinador de la publicación. De esta ausencia se derivan consecuencias negativas: “No se está creando una nueva tradición. Lo que se puede leer es tan escaso que no se puede hablar de escuelas, tendencias o generaciones de escritores. Cada obra es en sí misma una tendencia”.
Del Olmo encuentra luces en el desolador panorama de la literatura dramática en euskera. “Los productores dicen que son obras difíciles pero lo que se publica no está alejado de los que se esta haciendo en otras lenguas. Es homologable; solo falta publicarlo, discutirlo, adaptarlo y verlo en los escenarios”.
¿Quedan obras de calidad inéditas por falta de canales de difusión? “Es difícil saberlo, pero yo lo comparo con las partituras musicales que se descubren al cabo de los años y se reinterpretan. Quizá ocurra lo mismo con el teatro, pero parte de su valor se habrá perdido porque el contexto habrá cambiado. Sería una reinterpretación de la obra original”.
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Fuente: elpais.com
La conocida novela de Bernardo Atxaga, El hijo del acordeonista –Soinujolearen semea-, cobra vida sobre los escenarios esta semana en una doble producción en euskera y castellano. El ambicioso proyecto escénico ha unido por primera vez a los tres principales teatros vascos (Arriaga de Bilbao, Principal de Vitoria, Victoria Eugenia de San Sebastián) en la producción, a la que también se une la productora Tanttaka Teatroa.
El Teatro Arriaga estrenará la versión en euskera este jueves, 18 de octubre, a las 20.00 horas. al día siguiente será el turno de la adaptación en castellano. Dirigida por Fernando Bernués, responsable cultural del proyecto de Donostia 2016, y adaptada por Patxo Telleria, la música corre a cargi de Iñaki Salvador y la escenografía, de José Ibarrola.
Para quien no haya leído la novela, larecreación teatral de El hijo del acordeonista respeta a pies juntillas la trama original: las vidas de dos amigos de la infancia, David y Joseba, que se fascinan por la lucha antifranquista y deciden militar en la incipiente ETA de comienzos de los 70. Tras un corto y torpe periodo en la lucha clandestina, David, el hijo del acordeonista, acabará traicionando al colectivo y exiliándose a América para empezar una nueva vida. 30 años después, recibirá la visita de Joseba y con él, de los fantasmas del pasado de los que quiso huir.
Un plantel de conocidos intérpretes vascos se subiran a las tablas de las tres capitales durante este otoño. En el papel de David niño está Mattin Apaolaza, el jóven es Aitor Beltran y el adulto, Joseba Apaolaza. El personaje de Joseba estará encarnado respectivamente por Mikel Telleria, Iñaki Rikarte y el propio Patxo Telleria. También participan en la obra Vito Rogado, Anke Moll o Mikel Losada.
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